sábado, 31 de enero de 2015

Daniel Berehulak

Daniel Berehulak es un fotógrafo y fotoperiodista australiano (nacido en 1975 en Sídney, vive en Nueva Delhi) especializado en reportajes sobre la India y Paquistán.

 

© Daniel Berehulak

© Daniel Berehulak

 

 

 

Biografía

Daniel Berehulak nació de padres inmigrantes ucranianos, creciendo en una granja a las afueras de Sídney, en un ambiente donde no se consideraba la fotografía como un oficio viable para ganarse la vida. Así que Daniel trabajó primero en la granja y luego en la compañía de refrigeración de su padre. Después de graduarse en historia en la Universidad de Nueva Gales del Sur, su carrera como fotógrafo comenzó humildemente: fotografiando encuentros deportivos para una persona que dirigía su negocio desde su garaje. En 2002 comenzó a trabajar como freelance para Getty Images en Sídney haciendo principalmente fotografía de deporte.

De 2005 a 2009, Daniel trabajó en Londres como un fotógrafo de noticias para Getty Images. Después se trasladó a Nueva Delhi para realizar la cobertura para Getty del subcontinente indio con un enfoque en la inestabilidad social y política de Pakistán y sus vecinos, entrevistando a Benazir Bhutto, poco antes de su muerte, informando de las inundaciones de 2010, y las elecciones en la India, como ejemplo de su trabajo.

En 2013, se unió como freelance a Reportage by Getty Images para centrarse en una combinación de proyectos personales a largo plazo, noticias de última hora y encargos de clientes.

También es colaborador habitual de The New York Times, la revista TIME, The Washington Post, The Los Angeles Times, The Wall Street Journal, The Guardian, The Times, The Independent, Newsweek y Der Spiegel, y su trabajo aparece internacionalmente en periódicos y revistas de todo el mundo. Ha visitado más de 50 países cubriendo eventos historia de conformación incluyendo la guerra de Irak, el juicio de Saddam Hussein, el trabajo infantil en la India, las elecciones de Afganistán, el regreso de Benazir Bhutto a Pakistán, cómo la gente hizo frente a las secuelas del tsunami de Japón y el desastre de Chernobyl.

Su cobertura de las inundaciones en Pakistán en 2010 fue reconocida con una nominación al premio Pulitzer, ha tenido 3 premios World Press Photo (2007, 2011 y 2013), el prestigioso premio John Faber del Overseas Press Club y Photographer of the year Freelance/Agency- Pictures Of The Year International y Chris Hondros Award en 2014.

 

 

Referencias

viernes, 30 de enero de 2015

Frederic Ballell

Frederic Ballell fue un ingeniero y fotógrafo catalán (nacido en Guayama, Puerto Rico, en 1864 y fallecido en Barcelona en 1951), que fue uno de los reporteros que retrató los cambios de la sociedad catalana a comienzos del siglo XX. Su obra, que transita del soporte en placas de cristal a las páginas de los periódicos y revistas, es un ejemplo de la evolución que sufrió la fotografía hasta llegar al periodo moderno.

 

Frederic Ballell

Frederic Ballell

 

Biografía

Frederic Ballell Maymí nació en Puerto Rico, después de que su padre, Gerónimo Ballell, natural de Llagostera (Gerona), emigrara a América para hacer fortuna, y se casara allí con la portorriqueña Emilia Maymí. Tras la muerte de su madre en 1880, Frederic viajó a Barcelona para estudiar Ingeniería Industrial y allí descubrió la fotografía.

Sus primeros trabajos fueron como retratista, aunque también realizó algunas fotografías de interés documental, como las de la primera romería y misa en el Tibidabo o las que tomó de la Plaza Cataluña en 1888.

Ese mismo año, tras terminar la carrera y recién casado, Ballell volvió a Puerto Rico y abrió un estudio de fotografía, pero no abandonó la fotografía social, como muestran sus imágenes de las colonias: efectos de un ciclón en Ponce, el traslado de una casa sobre ruedas, la progresiva presencia de los soldados estadounidenses, etc.

En 1897 regresó a Cataluña, y reorientó su trayectoria profesional hacia la imagen informativa. Desde 1903 y hasta 1917 colaboró con las revistas Ilustració Catalana, Feminal, L’ Esquella de la Torratxa, La Campana de Gràcia y La Hormiga de Oro. También trabajó como corresponsal para La Esfera, Blanco y Negro y ABC, y participó en la creación de la Asociación de Prensa de Barcelona.

A partir de los años 20 parece que colaboró ​​haciendo fotografías al Servicio Meteorológico de Cataluña, tarea que continuó un sobrino suyo. A partir del año 1924 se dedicó a otra de sus pasiones: los perros, formando parte de la Federación Ibérica de Sociedades protectoras de Animales y Plantas desde su constitución, pasando a presidir la sección de protección a las razas caninas en 1928.

No volvemos a tener información fidedigna de Ballell hasta el año 1944, cuando se puso en contacto con el Ayuntamiento de Barcelona, preocupado por el futuro de su colección de negativos, que, en julio de 1945, fueron a parar al Archivo Histórico de la Ciudad de Barcelona (ahcb).

En el año 2000, se le dedicó la exposición homenaje Frederic Ballell, fotoperiodista (La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona). En 2010 se expuso un conjunto singular de fotografías, en la sede del Arxiu Fotogràfic de Barcelona. La muestra Frederic Ballell. La Rambla 1907-1908 permitió ver más de cien fotografías originales que ofrecían una visión de la Rambla y de los diferentes personajes que configuran su heterogénea personalidad.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 29 de enero de 2015

Delmi Álvarez

Delmi Álvarez es un fotoperiodista gallego (nacido en Vigo en 1958, vive en Bruselas) interesado en la fotografía editorial y documental sobre asuntos sociales, medio ambiente y derechos humanos.

 

© Delmi Álvarez

© Delmi Álvarez

 

 

 

Biografía

Delmi Álvarez empezó en el mundo del periodismo escribiendo crónicas y fotografiando para el diario La Región en 1983, y posteriormente con A Nosa Terra, La Voz de Galicia, Faro de Vigo, El País, fotografiando los conflictos sociales de trabajadores de la reconversión naval.

Entre 1990 y 1991 vivió en La Habana documentando la vida de los cubanos, dentro del Plan especial en Periodo de Paz, en su proyecto Cuba, el ultimo bastión: la lucha de un pueblo, siendo reconocido su trabajo con el primer premio Fotopres (Barcelona).

Después de Cuba colaboró con La Voz de Galicia cubriendo la guerra de Yugoslavia (1991-1993) como corresponsal, escribiendo crónicas, y fotógrafo, publicando posteriormente un pequeño libro, Reporteiro de guerra en Iugoslavia sobre las atrocidades de la guerra y el periodo posterior al conflicto. Dio conferencias en Barcelona y Galicia en colegios y facultades sobre la necesidad de prevenir la guerra, educando para la paz.

A lo largo de su carrera ha participado como profesor invitado y conferenciante en diferentes lugares y países, universidades y escuelas, compartiendo experiencias de su trayecto fotográfico y explicando la importancia de la narración en las historias visuales, la fotografía documental y el fotoperiodismo.

Como escritor ha publicado varios libros y un proyecto documental a largo plazo Galegos na Diáspora, 1989-2009. En esta obra maestra de veinte años de trabajo e investigación con un gran componente visual etnográfico se recogen los viajes por todo el mundo en busca de gallegos y crónicas con entrevistas publicadas por series en La Voz de Galicia.

El libro, obviado en su país natal, con más de 500 páginas con imágenes en blanco y negro tuvo una presentación oficial en la Biblioteca del Congreso de Washington DC en 2009 y en la City University de Nueva York (CUNY), con la participación de gallegos de la diáspora.

Delmi ha organizado y comisariado diversos proyectos de fotografía (libros y talleres) con fotógrafos internacionales en colaboración con Ian Berry y Richard Kalvar de la agencia Magnum.

En 1989 inició un proyecto a largo plazo sobre el Camino de Santiago que va desde 2006 hasta 2008 con 13 fotógrafos de Europa creando un documental de la peregrinación a Santiago de Compostela con una exposición que ha recorrido todo el mundo desde Copenhague a Japón o Sao Paulo patrocinado por el gobierno gallego. National Geographic Stock adquirió imágenes de su proyecto Himba en Namibia.

En 2012 fundó el proyecto Photo Youth de fotografía, para niños con necesidades especiales, se inició en Riga (Letonia), Pskov, Vyborg y San Petersburgo (Rusia) dentro del programa Estlarus

En 2013 inició el proyecto a largo plazo In the name of Gold sobre la mega-minería en Europa mediante el tóxico cianuro en Galicia, Asturias, Rumania y Grecia, que se ha expuesto en 2014 en la Universidad de Yale (EE.UU.) dentro del programa Digging for Gold, junto con otros proyectos sobre el oro, de los fotógrafos Larry Price, Ron Haviv y Robin Hammond.

Como documentalista en producciones de video, ha coproducido con la Televisión de Galicia (TVG) tres documentales en 2006, 2009 y 2010, como las historias de gallegos de la diáspora en África, Venezuela y Rusia.

Su principal preocupación es seguir trabajando en asuntos migratorios como fenómeno universal. Otros dos documentales fueron Himbas, struggle for survive, filmado en Namibia, y Fuga de cerebros, filmado en EE.UU., Alemania, Suecia y Francia.

A lo largo de su carrera ha sido galardonado con otro premio FotoPres (Barcelona) y por Diena media (Riga). Actualmente combina la fotografía de prensa con los estudios de Antropología.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 28 de enero de 2015

Zanele Muholi

Zanele Muholi es una activista visual y fotógrafa sudafricana (nacida el 19 de julio de 1972 en Umlazi, Durban, vive en Johannesburgo) cuyo trabajo trata principalmente de la visibilidad y defensa del mundo LGBTI en los países del sur de África.

 

 

© Zanele Muholi

© Zanele Muholi

 

Biografía

Zanele Muholi completó un curso de Fotografía Avanzada en el Market Photo Workshop en Newtown, Johannesburgo, en 2003, y realizó su primera exposición individual ya en 2004. En 2009 consiguió un master en Bellas Artes en Medios Documentales en la Universidad de Ryerson en Toronto, con un trabajo de historia visual de la identidad de las lesbianas negras y la política post-apartheid de Sudáfrica.

Sus fotografías, así como sus proyectos de vídeo recientes, tienen el propósito de aumentar la visibilidad de las personas homosexuales y transexuales en las comunidades negras. Al producir una multitud de poderosos y positivos retratos, pretende modificar la conversación cultural en países como Sudáfrica y otros. Las modelos se muestran sin miedo, mirando desafiantes a la cámara, mientras que se invita a los espectadores a enfrentarse a sus propias ideas preconcebidas sobre la raza, la sexualidad y el género.

Muholi trabajó como fotógrafa y reportera de Behind the Mask, una revista online sobre cuestiones LGBTI en África. En 2002, cofundó el Forum for the Empowerment of Women (FEW), una organización de lesbianas negras dedicada a ofrecer un espacio seguro para mujeres para reunirse y organizarse. Investigó y documentó historias de crímenes de odio contra la comunidad gay con el fin de dar a luz las realidades de la "violación correctiva", asaltos y el SIDA, a la atención pública.

Muholi lanzó su activismo visual a través de su primera exposición individual titulada Sexuality: Only Half the Picture en la Johannesburg Art Gallery en 2004. Su trabajo es sobre todo acerca de dar visibilidad a los homosexuales en la comunidad negra. Ha expuesto en el CCA Lagos en Nigeria, Kunsthalle Wien Project Space en Viena, Michael Stevenson en Ciudad del Cabo, Le Case d'Arte en Milán, Fred Mann en Londres y como parte del Afrovibes Festival en Ámsterdam. Sus exposiciones colectivas son numerosas por todo el mundo.

En 2009, fundó Inkanyiso, una organización sin fines de lucro relacionada con el activismo visual, para utilizar las artes visuales y los medios como defensa de la comunidad LGBTI.

En 2010, codirigió su documental Difficult Love, encargado por SABC, que se ha podido ver en Sudáfrica, EE.UU., España, Suecia, Reino Unido, Holanda e Italia.

En 2012, mientras estaba de viaje en el extranjero, entraron en su piso y le robaron su portátil y más de 20 discos externos (y sus copias de seguridad) con fotografías y videos de 5 años de trabajo, entre ellos los funerales de tres lesbianas negras asesinadas en crímenes de odio.

El 28 de octubre de 2013, fue nombrado profesora honorario en video y fotografía en la Universidad de las Artes / Hochschule für Künste de Bremen, Alemania.

En 2014 participó en la prestigiosa Design Indaba Conference en Ciudad del Cabo, ha expuesto Faces and Phases en el Ryerson Image Centre como parte del World Pride de Toronto, ha participado Singapore International Arts Festival's O.P.E.N y también habló sobre el legado de la violencia.

Su doble actividad le ha llevado a conseguir numerosos premios como fotógrafa (Tollman Award for the Visual Arts en 2005, Fine Prize del Carnegie International en 2013, Príncipe Claus del Ministerio de Cultura de Holanda en 2014, varias becas y residencias, …) y activista (Fanny Ann Eddy de IRN-África por sus destacadas contribuciones al estudio de la sexualidad en África,  premio Libertad de Expresión de Index on Censorship, Activista del Año por Glamour Magazine) al mismo tiempo que bastantes problemas, como que el ministro de cultura sudafricano considerara su exposición en 2009 como inmoral, ofensiva y un atentado a la construcción nacional.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

martes, 27 de enero de 2015

Serkant Hekimci

Serkant Hekimci es un fotógrafo turco (nacido en 1975 en Estambul, donde vive) cuyos temas básicos en sus obras son los humanos y la vida. Trata de expresar estos temas con un fuerte realismo utilizando un lenguaje contemporáneo.

 

© Serkant Hekimci

© Serkant Hekimci

 

 

Biografía

Serkant se graduó en la Facultad de Ciencias Políticas en la Universidad de Uludağ y poco después empezó a trabajar en publicidad. En 2004  empezó su afición por la fotografía.  Su trabajo lo va realizando por proyectos, con un concepto específico para cada uno, pero con una línea coherente en la realización.

Cuenta historias de la vida cotidiana de la gente en las calles de Estambul y tiene como objetivo formar su propio lenguaje fotográfico a través tanto de aspectos modernos como clásicos. Es heredero por ello de una tradición iniciada por Ara Güler, y buena parte de sus series (Station People, Other Faces of Istanbul, Istanbul Bird Bazaar, Father, Tired Son!, Moment of Clarity, … ) son una crónica visual de la ciudad y sus gentes, de la vida moderna en Estambul, llena de melancolía y compasión

Expone su intenso trabajo a través de series fotográficas y las publica en diversas plataformas de Internet. Trabaja principalmente en Rusia y Turquía.

Ha expuesto:

  • Istanbul - Rosphoto Exhibition Center. 2013 – San Petersburgo / Rusia
  • A Moment Of Clarity - Harasho Contemporary Art Gallery. 2013 - Crimea / Ucrania
  • Another Face Of Istanbul - Bolshoi Theatre. 2013 - Tyumen / Rusia
  • Railway Stories - Istanbul Photography Museum. 2013 - Estambul / Turquía
  • Another Face Of Istanbul - BASAF Exhibition Hall. 2014 – Balıkesir / Turquía
  • Two Countries, One Life - Consulate General of The Republic of Turkey in Kazan Exhibition Hall. 2014 – Kazán / Rusia
  • Another Face Of Istanbul - Roba Gallery. 2014 - Omsk / Rusia
  • Another Face Of Istanbul - Photoİstanbul International Photography Festival. 2014 – Estambul / Turquía.

 

 

Referencias

lunes, 26 de enero de 2015

Bob Rosato

Bob Rosato es un fotoperiodista estadounidense que ha fotografiado prácticamente todos los eventos deportivos importantes en los EE.UU. y en otros países durante los últimos 30 años.

 

© Bob Rosato

© Bob Rosato

 

 

 

Biografía

Bob Rosato tuvo su primer contacto con la fotografía de niño. Su madre hacía fotografía y tenía un cuarto oscuro en el garaje. Rodeado de equipo Kodak, comenzó a usar una cámara réflex de doble lente. Trabajó de policía en Hollywood, Florida, 6 años y retomó la fotografía por las misiones de vigilancia que realizaba. Comenzó a estudiar los escritos y técnicas de los grandes fotógrafos como Andreas Feininger y también a leer revistas como Sports Illustrated (SI).

Para comenzar su carrera como fotógrafo trabajó en el campo de las bodas, realizando más de 450 encargos. Pero su pasión era la fotografía deportiva. Había sido un buen deportista, practicando un buen número de ellos en la escuela y conocía bien su funcionamiento y reglas, lo que le permitía conocer muy bien los deporte y sus posibilidades plásticas. Practicó en los deportes de la escuela secundaria hasta ganar la suficiente experiencia y comenzó a realizar trabajos freelance para United Press International y Associated Press. Con sus trabajos para la NFL Creative Services  su carrera comenzó a despegar y ya dejó su trabajo de policía.

Su relación con la revista Sports Illustrated comenzó en 1993 y poco a poco (primera portada en 1997) llegó a formar parte de su plantilla en 1998. Con esta revista realizó sus primeras pruebas con máquinas digitales, que en aquel momento no ofrecían todavía suficiente calidad para el deporte. Su relación con esta revista duró casi 20 años, y ahora Bob trabaja como Director de Operaciones de USA TODAY Sports Images y en USA TODAY Sports Media Group.

Bob ha sido orador invitado por muchas organizaciones incluyendo Sports Photography Workshop, Eastman Kodak, Nikon Professional Services, American Society of Media Photographers, Atlanta Photojournalism Seminar y miembro del antiguo programa Microsoft Icons of Imaging Program.

Sus fotografías han sido reconocidos con numerosos premios incluyendo National Headliner Awards, Missouri School of Journalism (POY), Pro Football Hall of Fame, National Press Photographers y Photo District News. Cuenta en su haber con más de 80 portadas en SI  y otras en diversas revistas.

 

 

Referencias

domingo, 25 de enero de 2015

Anne Berry

Anne Berry es una fotógrafa estadounidense (nacida en Atlanta en 1956) cuyo trabajo se ha centrado particularmente en la situación de los primates en pequeños zoológicos de diferentes ciudades del mundo. Es una ferviente entusiasta y defensora de la causa animal.

 

© Anne Berry

© Anne Berry


(Especialmente) Los primates son capaces de recordar a la gente la innegable conexión entre el hombre y el animal, y este sentimiento evoca un recuerdo de una época en que el hombre era parte de la naturaleza.

 

 

 

Biografía

Anne Berry creció en Atlanta, pasando sus vacaciones y los veranos en el lago Burton, en el río Flint y en las islas de la barrera de Georgia y Carolina del Sur. Estudió arte, literatura y dio paseos a caballo en el Sweet Briar College y obtuvo un master en literatura de la Universidad de Georgia, mientras que también estudiaba fotografía y a los caballos.

Ya no vive en una granja ni monta a caballo, así que en vez en cuando crea su propia colección de animales salvajes con fotografías de animales. Cuando fotografía animales utiliza la paciencia y la comprensión del comportamiento de los animales que desarrolló cuando estudiaba y montaba a caballo.

El amor por los lugares vírgenes espoliados es fundamental en su visión. También es esencial en ella el amor por los animales. Quiere que la gente siente empatía por los animales, y trata de atraer al espectador con sus imágenes con un halo de misterio

Anne Berry ha obtenido diversos premios, como PhotoLucida Critical Mass 2012 y 2013 Top 50 y finalista en el 2012 Clarence John Laughlin Award. Está representada por la galería Catherine Couturier en Houston y ha expuesto recientemente en San Diego Art Institute, Center for Fine Art Photography y Houston Center for Photography.

Ha publicado en F-Stop Magazine, Slate Magazine/Behold, Shots Magazine, Photo District News, The Portfolio Review, CNN Photos y Black + White.

Su trabajo más reciente es Behind Glass, una colección de imágenes de primates en cautividad, donde aúna una visión humanizada y respetuosa de estos animales y a la vez un cierto tinte de denuncia.

Está interesada en la creación de proyectos fotográficos que ayuden a causas de conservación y de protección de los animales. Apoya a organizaciones sin fines de lucro de tres formas: haciendo un libro de fotos para que lo utilicen como deseen, licenciando imágenes sin costo alguno y produciendo exposiciones que sensibilicen a sus visitantes.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Anne  Berry. Through Glass.

sábado, 24 de enero de 2015

Keliy Anderson-Staley

Keliy Anderson-Staley es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1977 en Guilford, Maine, vive en Houston, Texas) que realiza principalmente retratos en ferrotipos (placa de hierro o acero) y ambrotipos (placa de cristal) con colodión húmedo. Su obra trata de responder a preguntas sobre la identidad y la representación y su relación con la fotografía. Está obsesionada con el rostro humano, y con encontrar la mejor manera de capturarlo.

 

© Keliy Anderson-Staley

© Keliy Anderson-Staley

 

Biografía

Keliy Anderson-Staley estudió fotografía en Nueva York y en la actualidad vive y enseña fotografía en Houston como profesora de fotografía en la University of Houston. Obtuvo una licenciatura de la Universidad de Hampshire en Massachusetts y un master en fotografía en el Hunter College de Nueva York.

Por su trabajo de retrato en ferrotipo (tintype) ha sido galardonada con becas como New York Foundation for the Arts Fellowship (2008) y un Puffin Grant (2009). Participó en el programa de residencia Bronx Museo AIM (2007) y fue seleccionada para una residencia Light Work (2010).

Su serie en color Off the Grid fue una de las cinco finalistas en el Aperture Portfolio Prize (2009), fue premiada en la exposición Joyce Elaine Grant en Denton, Tejas (2009) y en el Arthur Griffin Award del Griffin Museum of Photography (2010). También fue finalista en Duke Center for Documentary Studies/Honickman First Book Prize (2008).

Su arte y su trabajo editorial han aparecido en varias revistas, como Photo District News, New York Magazine, Art and Auction, Hemispheres Magazine, Camerawork, Contact Sheet, Conde Nast Traveler y Esquire Russia, además de en diversos sitios online.

Su trabajo ha sido incluido en numerosas exposiciones colectivas y en exposiciones individuales como las de Susan Maasch Gallery en Portland, Maine, John Cleary Gallery de Houston, California Museum of Photography y en una serie de galerías universitarias de todo el país. Su obra forma parte de las colecciones permanentes de Library of Congress, Cedar Rapids Museum of Art, Portland Museum of Art (Maine), Museum of Fine Arts-Houston y Bidwell Projects.

Anderson-Staley ha estado haciendo ferrotipos y ambrotipos con colodión húmedo durante 7 años y enseña el proceso en talleres por todo Estados Unidos. Es profesora adjunta de fotografía en la Arkansas Tech University (Russellville) y la University of Central Arkansas (Conway). También ha impartido clases en la New Jersey City University y en el Hampshire College.

    Recientemente ha comenzado a vincular sus retratos con otros retratos antiguos, cartas, tejidos y recuerdos de familia para crear instalaciones integrales llamadas Imagined Family Heirlooms: An Archive of Inherited Fictions (Herencias de familia imaginarias).

     

     

     

     

    Referencias

     

     

     

    Libros

    viernes, 23 de enero de 2015

    Francisco Alguersuari

    Francisco Alguersuari fue un fotógrafo deportivo catalán (nacido en Sabadell, en 1919 y fallecido en Barcelona el 9 de octubre de 2009) especializado en motor y ciclismo, que desarrolló el grueso de su trabajo para la agencia Efe y para Mundo Deportivo desde los años 50, colaborando también con el diario deportivo francés L’Equipe.

     

    © Francisco Alguersuari

    © Francisco Alguersuari

     

     

    Biografía

    Francisco “Paco” Alguersuari i Durán cubrió a lo largo de su dilatada trayectoria profesional más de una veintena de Tours de Francia, Vueltas ciclistas a España y Giros de Italia, además de las clásicas autonómicas españolas como las vueltas a Catalunya, Levante o Andalucía. En dos Voltas a Catalunya llegó a servirse de palomas mensajeras para enviar sus fotografías. Cubrió durante muchos años el Rally de Montecarlo y los Juegos Mediterráneos.

    Era un fotógrafo orquesta, que hacía de todo. Como en aquella época no se podía vivir de vender un par de fotos a un periódico o una agencia, Paco vendía las suyas a los propios ciclistas. Su infraestructura incluido laboratorio tenía que acomodarse en su Vespa, incluida a veces una escalera. Llegaba al hotel, precintaba las ventanas del baño y se ponía a revelar. Incluso ponía pancartas de publicidad que fotografiaba en la carrera y luego publicaba en revistas.

    Una de sus imágenes más conocidas es la del pinchazo sufrido por el ciclista Miquel Poblet durante el Giro de Italia de 1959. Destacan además sus imágenes de los Juegos Olímpicos, a los que asistió como fotógrafo en siete ocasiones (Roma, México, Múnich, Tokio, Montreal, Moscú y Barcelona).

    Paco Alguersuari aportó al mundo de la imagen no solo su intenso y reconocido trabajo sino también las evoluciones y comercialización de un modelo de flash electrónico, en los años 50.

    El COI (Comité Olímpico Internacional) le entregó en 1985 la Orden Olímpica como reconocimiento a la difusión de las Olimpiadas a través de sus fotografías. Durante su trayectoria, también recibió los premios Angip y la Pluma d’Or, y World Press Photo en 1961 a la mejor foto deportiva, tomada en los Juegos Olímpicos de Roma.

    Era padre del fotoperiodista Jose Mª Alguersuari y del periodista y ex piloto de motos Jaume Alguersuari  y abuelo del piloto de Formula 1 Jaime Alguersuari.

     

     

     

    Referencias

     

     

     

    Libros

    jueves, 22 de enero de 2015

    Pilar Pequeño

    Pilar Pequeño es una fotógrafa española (nacida en Madrid en 1944) cuyo tema principal es la naturaleza: paisajes y bodegones de flores y plantas.

     

    © Pilar Pequeño

    © Pilar Pequeño



     

    Biografía

    Pilar Pequeño estuvo varios años utilizando el dibujo como su principal soporte artístico, para luego pasarse a la fotografía. 

    Su aproximación a la naturaleza es una constante, con series muy relacionadas entre sí, cuya construcción ha evolucionado con el tiempo, como se puede ver:

    • En 1982 inició la serie Paisajes, fragmentos de naturaleza donde el agua aparece en forma de ríos, niebla, charcos ...
    • En Invernadero (1982-1990) las plantas aparecen detrás de un plástico cubierto de rocío, cada vez más abstractas con el tiempo.
    • En Hojas (1985), su serie más corta, fotografía hojas y el agua de los charcos del Parque del Retiro.
    • En 1992, comienza las series Plantas, su trabajo más amplio y representativo, en el que continúa experimentando actualmente. Las primeras imágenes de plantas están tomadas dentro de la naturaleza o en jardines botánicos.
    • En 1993 comienza a fotografiarlas en su estudio, lo que le permite más libertad de creación. El agua sigue apareciendo, pero en forma de gotas sobre las flores cortadas.
    • En 1994 introduce las plantas en agua, dando inicio a las series Vasos y Plantas sumergidas, donde el agua, el cristal y la luz, son los elementos que transforman la realidad.
    • En 2008 inició un nuevo proyecto, Paisajes cercanos (2008-2013) con fotografías del entorno natural en el que vive, de los lugares por donde pasea.
    • En 2009 comienza a incorporar a sus series de plantas imágenes en color.

    Pero no solo ha tocado temas de naturaleza. A lo largo de este tiempo también viajó por Europa y Estados Unidos (1988 a 1991) y realiza su primer trabajo de paisaje urbano: una serie sobre el área Metropolitana de Washington.

    De 1997 a 2005 desarrolló Huellas, fragmentos de tiempo, con fotografías de lugares abandonados. Con motivo de la celebración en 2005 de la exposición Don Quijote, una nueva mirada, comenzó su serie Bodegones, recreando la atmósfera de los bodegones del Siglo de Oro. Entre 2006 y 2007 realizó el encargo La Samanna, impresiones en Isla de San Martín, en las Antillas Francesas, con imágenes en los jardines y dependencias del Hotel La Samanna, y en la playa Baie Longue donde se encuentra situado.

    En 2008 comenzó a trabajar con la cámara digital y a realizar sus primeras investigaciones con el color concebido como lenguaje en sí mismo.

    Ha expuesto en el Círculo de Bellas Artes (Madrid, 1995), en el Photomuseum de Zarauz (2001), en la Galería Spectrum Sotos (Zaragoza, 2010), en la Galería ufca (Algeciras, 2004 y 2013), en la Galería Marita Segovia (Madrid 2011) y en la sección off de PHotoEspaña 2013 (Galería Rafael Pérez Hernando), donde presentó su serie Paisajes cercanos.

    Posee obra en las colecciones de museos e instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), el Instituto Valenciano de Arte Moderno, Tenerife Espacio de las Artes y en el Centro de Arte Dos de Mayo (Comunidad de Madrid), entre otras entidades.

    En 2010 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura.

     

     

     

    Referencias

     

     

     

    Libros

    miércoles, 21 de enero de 2015

    Vera Lutter

    Vera Lutter es una fotógrafa alemana (nacida en Kaiserslautern en 1960, vive en Nueva York) que utiliza normalmente una cámara oscura de tamaño de una habitación para capturar imágenes negativas en blanco y negro de gran tamaño. La temática de sus imágenes es muy variable yendo desde centros urbanos, paisajes industriales y fábricas abandonadas a lugares de tránsito, como astilleros, aeropuertos y estaciones de tren.

     

     

    © Vera Lutter

    © Vera Lutter

     

     

    Biografía

    Vera Lutter estudió en la Academia de Bellas Artes de Múnich y posteriormente se trasladó a Nueva York donde obtuvo un master en 1995 en la School of Visual Art’s Photography and Related Media.

    Inspirada por la presencia, luz y arquitectura de esta ciudad, comenzó a experimentar con la fotografía. Con el fin de captar una impresión inmediata y directa de su experiencia, decidió convertir el desván de su casa en una cámara oscura. A través de un simple agujero de alfiler en lugar de una lente tallada ópticamente, el mundo exterior inundó el interior de la habitación y se proyectó en una imagen invertida en la pared opuesta. Con la exposición directa en hojas de gran tamaño de papel fotográfico colocadas en la pared, consiguió imágenes en blanco y negro a gran escala. Para mantener la menor alteración posible, decidió conservar la imagen negativa original como obra en sí, sin multiplicación ni reproducción. Su aprendizaje del positivado fue directamente con papeles de gran formato.

    Aunque Nueva York sigue siendo su casa desde 1993, pronto comenzó a trabajar internacionalmente empleando la técnica de la cámara oscura o cámara estenopéica, en proyectos por todo el mundo de todo tipo: arquitectura, astilleros, aeropuertos, fábricas abandonadas, polígonos industriales de transporte y fabricación.

    Sus imágenes se han exhibido en grupo y en solitario en muchas instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, el Centro Pompidou en París, Dia: Beacon y Dia: Chelsea en Nueva York, Kunsthalle en Basilea y el Museum of Modern Art y el Whitney Museum of American Art en Nueva York.

    Sus fotografías están en colecciones permanentes del Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art, Whitney Museum of Art, Museum of Fine Arts en Houston, Neue Galerie New YorkSan Francisco Museum of Modern Art, entre otros. Está representada por la Gagosian Gallery, Galerie Max Hetzler y Galerie Xippas.

    Su trabajo ha sido publicado en muchas revistas como Art Forum, ARTNews, Art in America, BOMB, y The New York Times, así como en libros como 100 Contemporary Artists, The Photograph as Contemporary Art  y Vitamin Ph: New Perspectives in Photography. Ha recibido varios galardones: Pollock-Krasner Foundation Grant en 2002, una beca John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship en 2001 y el Deutscher Akademischer Austausch Dienst (DAAD) Grant en 1993.

    La artista también trabaja con varias formas de medios digitales, incluyendo la instalación de imágenes proyectadas, cine y grabación de sonido. A través de una multitud de procesos, su obra se centra en la luz y su capacidad para crear nociones de tiempo y el movimiento dentro de una imagen tangible. También ha explorado las posibilidades de la fotografía en color y nuevas vías en fotografía astronómica digital en un proyecto en curso que relata el flujo y reflujo de la luna.

     

     

     

    Referencias

     

     

     

    Libros

    martes, 20 de enero de 2015

    Yang Bin

    Yang Bin es un fotógrafo chino (nacido en Pekín en 1975) que no renuncia a su base teórica de la pintura, y compone sus fotografías como un pintor construye cuadros con un estilo que transforma a sus modelos.

     

    © Yang Bin

    © Yang Bin

     

    Biografía

    Yang Bin estudió Historia del arte con un enfoque en la pintura clásica. Con  31 años, se lanzó a la fotografía. Su éxito fue rápido y sus obras ya forman parte de numerosas colecciones privadas de todo el mundo.

    Construye sus fotografías con los códigos pictóricos de la pintura flamenca y del Renacimiento. El formato es 3/4 y el fondo es un paisaje muy trabajado.

     

     

     

    Referencias

    • Yang Bin en yellowkorner (FR [16f]),
    • Yang Bin en all-about-photo (EN [12f]),
    • Yang Bin en best-of-photography (EN [10f]),
    • Yang Bin en legrenierdechoco (FR [4f]).

    lunes, 19 de enero de 2015

    Robert Bergman

    Robert Bergman es un fotógrafo estadounidense (nacido en Nueva Orleans en 1944, vive en Minnesota y Nueva York) que ha recorrido las calles y callejones de Estados Unidos durante más de 40 años, fotografiando la gente y las escenas que se encuentra.Sus fotografías forman series provocativas que hablan no sólo de la presencia física de las personas, sino también de su estado psíquico.

     

    © Robert Bergman

    © Robert Bergman

    Poner película en color en la cámara era un acto de autodestrucción; fue un acto de reconocimiento de la derrota porque sentí que el trabajo no entraría en el mundo, no entraría en la historia debido a las instituciones dominantes ...

     

     

     

    Biografía

    Robert Bergman empezó a fotografiar desde niño (6 años) y abrazó seriamente el medio con 20, influenciado por el libro The Americans (1959)  de Robert Frank. Comenzó a utilizar una cámara de 35 mm a mediados de los 60 para hacer fotografías en blanco y negro de los habitantes de las ciudades de América. Trabajando en un entorno urbano en rápida evolución, buscaba momentos de tranquilidad que revelaran la humanidad de las personas que tenía frente a su cámara.

    En 1985 Bergman comenzó a trabajar en color, utilizando la paleta variada de la ciudad y el atuendo de sus retratados para lograr un rico estilo pictórico. Pasó los siguientes 12 años en hacer una serie de grandes retratos, sin iluminación ni equipo especial, sólo con su habilidad para crear composiciones y establecer una relación con sus “modelos”.

    Bergman luchó por el reconocimiento de las instituciones de arte y fotografía la mayor parte de su vida, llegando a ser conocido en Estados Unidos recientemente, cuando hizo sus primeras exposiciones individuales con 65 años: National Gallery of Art, Washington, en 2009, MoMA affiliate P.S.1 y Yossi Milo, y luego en la Michael Hoppen de Londres. Ahora es aclamado como uno de los fotógrafos artísticos más importantes del siglo XX, por su manera de extraer el carácter y una profundidad intensa de los hombres, mujeres y niños que encuentra en las calles. Con su mirada compasiva, nos permite detenemos el tiempo suficiente para observar realmente la individualidad de los extraños.

     

     

     

    Referencias

     

     

    Libros

    domingo, 18 de enero de 2015

    Matteo Bastianelli

    Matteo Bastianelli es un director de cine documental, publicista-periodista y fotógrafo italiano (nacido en 1985, nacido en Velletri, vive en Roma) que trabaja principalmente en proyectos personales a largo plazo relacionados con temas sociales, centrándose en el tema de la memoria, la identidad y el patrimonio cultural.

     

    © Matteo Bastianelli

    © Matteo Bastianelli

     

     

    Biografía

    Matteo Bastianelli asistió a la Scuola Romana di Fotografia, donde obtuvo un master en el reportaje de autor y fotoperiodismo.

    Ha estado trabajando en Estados Unidos y en varios países de la Unión Europea y en los Balcanes. Está trabajando en un informe documental sobre la contaminación ambiental que afecta a la vida de las personas en la ciudad de Taranto, el área industrial más contaminada de Europa. En 2013 comenzó un nuevo proyecto en Bulgaria, puerta de entrada de la UE para los solicitantes de asilo sirios que huyen de su país después de la fracasada guerra civil siria y ahora está siguiendo el destino de algunos refugiados sirios por Europa.

    Sus imágenes y videos han sido publicados por algunas de las principales revistas y medios de comunicación nacionales e internacionales, como el International Herald Tribune, Lens - The New York Times, Photo District News, Burn, Discovery Channel Interactive, PhotoRAW, Photo Professional, Private , Life, Internazionale, L'Espresso, L'Europeo, Rai 3 Est/Ovest, Liberazione, Left, Fotocult, Foto8, Gup, …

    Sus proyectos se han mostrado en Estonia, Francia, Alemania, Irán, Italia, Turquía, Países Bajos y Estados Unidos. Ha recibido varios premios importantes por su trabajo en numerosos concursos nacionales e internacionales, entre ellos el Premio Talento Emergente  en Reportage by Getty Images, Premio Canon Jóvenes Fotógrafos, PDN’s Photo Annual Award, Mención de Honor de la NPPA en fotoperiodismo, International Photography, finalista del Emerging Photographer Grant, FotoVisura Grant y el premio Lumix Multimedia.

    The Bosnian Identity es su primer libro y película documental, con el que ha obtenido diversos premios.

    Fue miembro de Talentos Emergentes de Reportage by Getty Images hasta 2014, y, actualmente es fotógrafo colaborador en Getty Images.

     

     

    Referencias

     

     

     

    Libros

    • Blacklie, Limes Images 2014 (colectivo)
    • The Bosnian Identity 2012.
    • 3rd Lumix Festival for Young Photojournalism 2012 (colectivo)
    • Metropolis. 2011. (colectivo)
    • Voices of courages. 2011. (colectivo)
    • The Dreamers. 2010. (colectivo).

    sábado, 17 de enero de 2015

    Robert Beck

    Robert Beck es un fotógrafo estadounidense que realiza fotografía deportiva. Trabaja en la revista Sports Illustrated y es uno de los fotógrafos deportivos más reconocidos.

     

    © Robert Beck

    © Robert Beck

     

    Biografía

    Robert Beck estudió historia del arte y jugó al béisbol como estudiante de Historia del Arte en la Universidad de California en Irvine. Dar clases le permitió dedicarse a la otra pasión que había desarrollado en la universidad: el surf. En sus tardes libres tuvo tiempo para perfeccionar sus habilidades de navegación, pero también empezó a desarrollar un interés en la fotografía de surf.

    En poco tiempo Beck fue capaz de abandonar la enseñanza y concentrar todos sus esfuerzos en la fotografía. Trabajando para Surfer Magazine viajó por el mundo en busca de la toma de surf perfecta.
    Del surf, Beck pasó a hacer fotografía de deportes, consiguiendo credenciales de prensa y un flujo constante de encargos: fútbol, béisbol, hockey, baloncesto, cualquier cosa ... Se movía mucho y ganaba experiencia, pero todavía no era uno de los grandes nombres en la fotografía deportiva.

    En 1986, viajó a Hawai encargado por una pequeña empresa de stock de fotografías de deporte para fotografiar el Ironman Triathlon. Cuando llegó al lugar, sin embargo, Beck se enteró que Sports Illustrated le había contratado para fotografiar la carrera, teniendo a su disposición un helicóptero para la salida y un vehículo y un conductor para seguir a los competidores. Las fotografías que hizo le consiguieron varias publicaciones en la revista y una de las mejores fotos de la década de la revista Life.

    A pesar del éxito en el Ironman, tuvo que buscar su sitio en deportes menos populares que el fútbol, baloncesto y beisbol, encontrándolo en el hockey. También tuvo la suerte de que los Angeles Kings compraran a Wayne Gretzky y Beck fotografió todos los playoffs de la Copa Stanley mientras Gretzky y los Kings estuvieron arriba.

    Después cubrió los Juegos Olímpicos de Atlanta en 1996 y, en 1998, se le ofreció un puesto como fotógrafo de Sports Illustrated, donde ha desarrollado desde entonces su trabajo, cubriendo numerosos eventos deportivos como The Masters, Super Bowls, las World Series, finales de la NBA, Juegos Olímpicos, Stanley Cups y muchos otros.

     

     

    Referencias

    viernes, 16 de enero de 2015

    Sergi Reboredo

    Sergi Reboredo es un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1971) que ha buscado otros mundos, culturas, para acercar al espectador a lugares remotos, y quizás desconocidos con su fotografía.

     

    © Sergi Reboredo

    © Sergi Reboredo

     

     

    Para mí la fotografía y viajar representan un modo de vida. Una cosa no tiene sentido sin la otra. Desde joven sentía interés por el mundo de la fotografía y muchos fines de semana los dedicaba a hacer salidas fotográficas. Tenía muy claro que el tipo de fotografía que me gustaba era de exterior y que representaba además la excusa perfecta para conocer cosas y lugares nuevos.

     

     

     

    Biografía

    Sergi Reboredo estudió en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya entre 1998 y 2001, especializándose en fotoperiodismo y fotografía de viajes. Actualmente trabaja como colaborador en la agencia EFE e imparte cursos de fotografía y realiza talleres y viajes fotográficos.

    Por su objetivo han desfilado una multitud de ciudades y rostros, desde su Barcelona natal hasta Brasil, Tíbet o Nueva York. Siempre mostrando una mirada crítica y, sobre todo, comprometida, denunciando y enseñando a través de sus fotografías la situación de miles de personas condenadas al hambre, a la guerra, a enfermedades y a los caprichos de los países del Norte.  Sin olvidar mostrar también la sencillez y felicidad que podemos encontrar en cualquier lugar olvidado del África más desconocida o en Vietnam.

    Ha publicado en numerosas revistas de viajes como National Geographic, Viajes, De Viajes, Zazpika, Rutas del Mundo, Rotas do Mundo (Portugal), Interviu, NOX, Viajeros, Lonely Planet, Siete Leguas, Paisajes desde el tren y Aventura Magazine.

    Sus trabajos sobre problemáticas sociales le han valido diferentes premios y reconocimientos en conocidos certámenes, entre otros,:

    • Premio al mejor reportaje fotográfico realizado en Bruselas durante el año 2013 otorgado por la Oficina de Turismo de Flandes.
    • Premio de Fotoperiodismo Fundación Caixa Galicia – Juan Cancelo por el tema Sri Lanka después del Txunami en 2007.
    • Premio a la mejor serie III Certamen Nacional de Fotografía Los derechos Humanos con Niños en Irak en Tenerife en 2004.
    • Premio a la mejor serie en el IX Premio Internacional de Fotografía “Rafael Ramos García 2004 en la Universidad de la Laguna (Tenerife) con La mirada de los desheredados.
    • Nominado al premio PICTET del Financial Times en 2012, por su trabajo sobre Haití.

    Sus exposiciones en solitario más recientes han sido:

    • Tíbet: una cultura en riesgo de extinción en la Muestra de Fotografía Clic Cabrianes en Barcelona en 2013.
    • Vudú en Haití en el Festimage de Calella (Barcelona) en 2013
    • Irak 2003: vida diaria de un país ocupado, en el ciclo de documentales RESISTENCIES de Sant Boi de Llobregat y auspiciada por el Instituto Catalán Internacional para la PAZ en 2013.

     

     

    Referencias

     

     

     

    Libros

    • Bruselas, Brujas y Gante en tu bolsillo. 2011
    • Berlín en tu bolsillo. 2011
    • Nueva York en tu bolsillo. 2010
    • Barcelona 2004 como una mentira.

    jueves, 15 de enero de 2015

    Rosa Basurto

    Rosa Basurto es una fotógrafa española (nacida en Aranda de Duero en 1972). Los pilares de su enfoque artístico son la memoria, las emociones y la imaginación, las tres facultades del alma en el pensamiento antiguo.

     

    © Rosa Basurto

    © Rosa Basurto

     

     

    Biografía

    Rosa Basurto Casado se ha formado en la fotografía de forma autodidacta. Hacia 2002 estaba volcada en una de sus aficiones, la micología, y quería hacer un herbario fotográfico de todas las especies que iba localizando. La foto meramente descriptiva fue teniendo un enfoque más personal. Luego trabajó con fotógrafos como Nadav Kander, Antonin Kratochvil y Eduardo Momeñe antes de dedicarse de lleno a su propia creación.

    Basurto domina la técnica fotográfica, produciendo imágenes que son poéticas en el estilo y la imitación de un mundo de ensueño, dentro de la realidad del paisaje. Aunque cada imagen incluye temas reales como los árboles y los pájaros en vuelo, los espacios que ocupan provocan un ambiente íntimo y casi misterioso. Al mismo tiempo, el sentido de la trama, la limpieza y las líneas geométricas dan la imagen de una innegable modernidad.

    Su trabajo ha sido expuesto en diversas exposiciones colectivas, así como en exposiciones individuales por España, Portugal y Francia. Su obra ha sido ampliamente reconocida y ha recibido varios premios. Entre otros, en 2006 ganó el Concurso de Fotografía Digital EPSON. En 2008, fue seleccionada para  Descubrimientos PhotoEspaña, Primer Premio de la Bienal Internacional SICAFI, Argentina, en 2008. Fue galardonada con el premio a la mejor imagen no profesional en los Julia Cameron Magart Awards en 2010. Este mismo año, se le consideró como la revelación de los festivales Crónicas Nómadas  y recibió el Premio del Jurado en PhotoEspaña.

     

     

     

    Referencias