miércoles, 31 de diciembre de 2014

Emilio Beauchy

Emilio Beauchy fue un fotógrafo español (nacido en Sevilla en 1847, y fallecido en la misma ciudad en 1928) que desarrolló su labor en Andalucía, y muy especialmente en Sevilla. Está considerado uno de los primeros fotoperiodistas españoles. Sus fotografías, muchas de ellas comercializadas en álbumes, difundieron la imagen de la Andalucía del último tercio del siglo XIX.

142, Café cantante, Sevilla, 1888, Emilio Beauchy

142, Café cantante, Sevilla, 1888, Emilio Beauchy

 

 

Biografía

Emilio Beauchy Cano fue hijo del fotógrafo francés Jules Beauchy, que castellanizó su nombre por el de Julio Beauchy, que tuvo un estudio en Sevilla, donde empezó a colaborar Emilio como ayudante, en los trabajos del estudio, así como en la toma de vistas exteriores en calles y plazas.  Hacia 1880 traspasó el estudio a su hijo Emilio.

Emilio Beauchy se dio cuenta de la gran demanda existente de fotografías de España, de sus gentes y sus monumentos, y salió con su cámara a recorrer Andalucía. Una de las primeras series que realizó fue Sevilla con más de 400 imágenes. Entre los motivos que recoge destacan los temas taurinos: retratos de toreros, e imágenes de la fiesta en plazas de toros. Por otra parte, la Catedral de Sevilla, la Casa de Pilatos, los Reales Alcázares, o Triana, son recogidos por la cámara de Emilio, que se desplaza a todos los festejos retratando a sus gentes.

En 1888 se trasladó a su nuevo establecimiento fotográfico Casa Beauchy, donde vendía todo tipo de material fotográfico. También puso un laboratorio a disposición de los aficionados. Sus fotografías se publicaron en revistas como La Ilustración Española y Americana, Sol y Sombra (revista de toros), y en periódicos como ABC, en su primera época.

En cierto modo, Beauchy siguió la estela de otros fotógrafos que le precedieron, como J. Laurent. Y, a su vez, fotógrafos posteriores copiaron encuadres de Beauchy.

En sus álbumes montaba preferentemente copias a la albúmina. A veces aprovechaba clichés de su padre, realizando nuevos tirajes de copias. Parte de sus fotografías se conservan repartidas entre los fondos de la Biblioteca Nacional, Universidad de Sevilla, Ayuntamiento de Sevilla, Archivo Espasa, Fototeca Hispalense y otras colecciones privadas.

Su fotografía más emblemática es la titulada Café Cantante, de Sevilla, hacia el año 1888, que ha sido publicada en varios libros de historia de la fotografía, y exhibida en importantes exposiciones. También fue utilizada por el pintor José Gutiérrez Solana en la realización de su obra también titulada Café cantante.

También es destacable la titulada: Nº 114. Hundimiento en la Catedral de Sevilla. Agosto 1º. / 88, tomada días después del hundimiento del cimborrio de la catedral.

En 1905 se retiró de la actividad profesional, dejando el establecimiento a su hijo Julio Beauchy García. Falleció en 1928 y sus descendientes guardaron parte del legado fotográfico de la familia. En 2009 algunas de sus obras formaron parte de la exposición itinerante Prohibido el Cante. Flamenco y fotografía del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Su obra aparece en los libros:

martes, 30 de diciembre de 2014

Guenter Knop

Guenter Knop es un fotógrafo alemán (nacido en junio de 1954, en Bremen, Alemania, vive en Nueva York) conocido por sus fotografías de desnudos en blanco y negro de mujeres reales.

 

© Guenter Knop

© Guenter Knop

 

 

La desnudez puede ser un tema delicado y al principio era difícil encontrar voluntarias. Pronto tuve una selección de fotografías para mostrar, lo que hizo más fácil a las mujeres comprender mis fotografías. Cuando me encuentro o veo una mujer que creo que sería un buen modelo, le entrego mi tarjeta y le explico brevemente el concepto. Ellas pueden visitar y ver mi web por si mismas. La respuesta siempre ha sido favorable.

 

 

 

Biografía

Guenter Knop comenzó su carrera trabajando en el estudio de Hamburgo de la fotógrafo de moda y publicidad Charlotte March a finales de los 70. Tras un viaje alrededor del mundo de un año, trabajó 10 años como primer asistente de Henry Wolf,  director de arte de las revistas Esquire, Harper's Bazaar y Show, en la alta costura, televisión y publicidad impresa para los principales clientes de los años ochenta y noventa, antes de abrir su propio estudio en Chelsea, Manhattan, en 1989, dedicado ala fotografía comercial de publicidad, cosméticos y editorial.

Sus imágenes incorporan una iluminación espectacular y elementos personalizados construidos  inspirados en los diseños de la Bauhaus, Art Nouveau y Art Deco. Una característica única de su obra es el uso exclusivo de mujeres reales que selecciona en las calles de Nueva York.

Ve el mundo en blanco y negro, y la inspiración para sus fotografías le llega a través de observaciones de la vida y de la luz. Aunque experimenta con temas fotográficos, su enfoque es la conversión del desnudo de las mujeres normales en piezas atemporales de arte. Trabajaba con película de 35 mm, debido a su calidad de textura y a un sinfín de posibilidades para la experimentación. La mayor parte de su trabajo se crea en el estudio donde puede controlar perfectamente la luz, que es su herramienta favorita. La luz es un lenguaje silencioso que crea profundidad visual y dirige al espectador a puntos específicos de atención. A partir de 2012 se cambió a la fotografía digital.

Su currículum incluye decenas de exposiciones y publicaciones y tiene una fuerte presencia en la red gestionada por su mujer y representante Kristin.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Nudes Index, 1999
  • Indexi, 2002
  • Naked, 2004
  • Guenter Knop on Women, 2005
  • The Nude Bible, 2007
  • The Nude Bible II, 2008.

lunes, 29 de diciembre de 2014

César Comas

César Comas fue un licenciado en Medicina y fotógrafo aficionado catalán (nacido en Barcelona en 1874 y fallecido en 1956 en esta ciudad), considerado el introductor de los rayos X en España.En paralelo, realizó más de 3.000 fotografías que documentan la Barcelona de principios del siglo XX.

 

 

César Comas

César Comas

 

 

 

Biografía

César Comas Llabería dedicó 50 años de su vida al estudio, la aplicación y la propagación de la radiología. Cuando en 1895 el profesor de física alemán Wilhelm Röntgen presentó el descubrimiento científico de los rayos X, Comas se encontraba en quinto de carrera y llevaba tres años ejerciendo de fotógrafo de la Facultad de Medicina de Barcelona.

Queriendo unir su pasión por la medicina y por la fotografía, reunió los elementos necesarios para desarrollar la acción fotográfica de los rayos X y el 2 de febrero de 1896 inició sus ensayos. Su trabajo fue premiado con la Medalla de Médico Numerario del Hospital de la Santa Cruz y de San Pablo después de su jubilación y con la Medalla de Plata del Ayuntamiento de Barcelona, concedida a título póstumo en 1957.

Creó un gabinete radiológico con su primo y amigo Agustin Prió también médico de la Facultad de Barcelona. Ambos sabían que la exposición prolongada a los rayos X podría ser peligrosa, por eso llegaron a un pacto: manipular las máquinas de rayos X con sólo una de sus manos. Prió expuso su mano derecha, mientras que Comas lo hizo con la izquierda. Pasados varios años sucedió lo que temían. Prió enfermó de cáncer en su brazo derecho, pero a pesar de que le fue amputado la enfermedad terminó con su vida. César también tuvo cáncer pero le amputaron su mano izquierda, y logró sobrevivir hasta ser octogenario.

Respecto a su fotografía, muestra la más variada temática, representando hechos destacados de la vida social, cultural y artística de Barcelona, con un claro componente testimonial y documental. Destaca su interés por la transformación de los espacios urbanos, por los edificios en construcción, las remodelaciones, las zonas ajardinadas, los edificios singulares y los conjuntos arquitectónicos.

Con ejemplo de su variada obra podemos citar la fotografía del eclipse de sol en Vinaroz, las de la Universidad Industrial con su gran valor testimonial como potente documento histórico, las del Hospital de la Santa Cruz y San Pablo experimentando los nuevos procedimientos fotográficos que iban apareciendo y capturando las transformaciones arquitectónicas que se iban realizando en el proceso completo.

Distintas exposiciones han rendido homenaje a su trayectoria, como las celebradas en el Hospital Prínceps d’Espanya y el Instituto de secundaria Mercè Rodoreda de Barcelona. En 1996, con motivo del centenario de la radiología en Cataluña, el Ayuntamiento de Barcelona bautizó con su nombre el jardín situado frente al Hospital Militar.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 28 de diciembre de 2014

Peter Allert

Peter Allert es un fotógrafo alemán (vive en Hamburgo) que realiza una fotografía que habla de sus sentimientos y emociones. Cuando era un niño soñaba con espíritus benefactores y hadas. Su nueva fotografía refleja estos temas: fantasmas, hadas y almas.

 

© Peter Allert

© Peter Allert

 

Biografía

Peter Allert se ha sentido fascinado por la fotografía desde los 7 años. Durante el período de niñez y juventud estuvo obsesionado con las posibilidades de este medio y era su gran pasión. Su amor por la naturaleza y sus estudios de biología, que financió con pequeños trabajos fotográficos, fueron terreno fértil para la expansión de sus trabajos fotográficos en áreas nuevas y fascinantes. Sus primeras fotos eran fotografía de naturaleza, macros de animales y plantas, y luego retratos.

Co-fundó Allert&Hoess Photography con sede en Múnich en 1989, empresa especializada en la naturaleza muerta, fotografía técnica y científica. Tras haber abierto su propio estudio en 1991 y el establecimiento de sus propias instalaciones de luz, de laboratorio y de impresión, la compañía hizo su explosión en 1992, con una serie de fotos para Joop! – women’s shoes.

Su lista de clientes es larga y prestigiosa: Mercedes Benz, Audi, VW, BMW, Ford, Philip Morris, McDonalds, Ballantines, Wrigleys, Veltins, Wella, Miele, Bosch, Dresdner Bank, Deutsche Bahn AG, Siemens, Logitech, MAN, Microsoft, GREENPEACE, ...

Su trabajo con gran éxito en publicidad, principalmente para la industria del automóvil y moda, le llevó al agotamiento, y perdió toda su pasión por la fotografía. Después de muchos años dolorosos y difíciles, en 2013, sintió una nueva fuerza en él, que le ha llevado a formas completamente nuevas y originales de fotografía.

Hoy su fotografía es artística, con una larga elaboración, trabajando con múltiples exposiciones y diferentes ajustes de enfoque dentro de una fotografía. Autodidacta, los procesos de laboratorio analógicos que practicó en sus comienzos, como negativos de color, diapositivas, ampliaciones de color, también el blanco y negro, incluso el  antiguo procedimiento de impresión en bromóleo han inspirado su flujo de trabajo digital para darle un cierto toque analógico, que a menudo se deriva de los primeros tiempos de la fotografía. Está fascinado por la autenticidad que dio forma a esa maravillosa fotografía y es una gran motivación para su propia creación fotográfica.

 

 

 

Referencias

sábado, 27 de diciembre de 2014

Elad Lassry

Elad Lassry es un artista israelí y estadounidense (nacido en 1977 en Tel Aviv, vive y trabaja en Los Ángeles), que define su práctica como “consumo de imágenes”, siendo éstas imágenes genéricas y vintage extraídas de revistas y de archivos de películas.

 

 

© Elad Lassry

© Elad Lassry

 

Estoy fascinado por el colapso de las historias y la confusión que se produce cuando hay algo ligeramente mal en una fotografía.

 

 

 

Biografía

Elad Lassry estudió cine en el California Institute of the Arts  y luego obtuvo un máster en la University of Southern California. Trabaja la cultura visual de imágenes fijas y en movimiento y se involucra en tradiciones de construcción de historias con imágenes y así los fantasmas de la historia persisten en imágenes mucho después de haber salido de su contexto original.

Lassry desafía el medio por el cual una obra se estructura visualmente. Sus vibrantes imágenes: naturalezas muertas, collages fotográficos y retratos de estudio de amigos y celebridades, nunca superan las dimensiones de una página de revista y se muestran en marcos que derivan sus colores de los tonos dominantes en las fotografías. Incluso estos marcos pueden ser de plata si la fotografía es la clásica de blanco y negro de gelatina de plata.

Utiliza la serigrafía y fotografía para revivir composiciones icónicas, como las parejas madre / niño o la disposición de la fruta un bodegón convencional, alterando su armonía original con motivos geométricos desplazados o una paleta de colores brillantes.

En parte dentro de la cultura pop, sus obras imitan la fotografía comercial. Sin embargo, las fotografías que puede parecer a primera vista más directas se complican por exposiciones dobles, falta de definición a veces, o por la superposición de múltiples negativos. Lassry muestra a menudo sus fotografías junto a proyecciones de películas de 16 mm, a un tamaño similar al de sus fotografías. La presencia de Untitled (2009), una película con el actor Eric Stoltz como coreógrafo enseñando un paso de baile a una artista con traje rojo, provoca tensión entre la impresión estática de una tira de negativos y la temporalidad del cine (movimiento). También ha realizado diversas perfomances.

Lassry fue el ganador del premio John Jones Art 2007 on Paper. Como parte del premio expuso, varias obras en el Zoo Art Fair 12 meses en 2008. En 2010 expuso y fue nominado para el Premio Descubrimiento de los Rencontres d’Arles. En 2011, fue uno de los 4 nominados para el premio Deutsche Börse Photography.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Elad Lassry: 2000 Words  (2013)
  • On Onions (2012),
  • Elad Lassry (2010).

viernes, 26 de diciembre de 2014

Iñaki Domingo

Iñaki Domingo es un editor y fotógrafo español (nacido en 1978 en Madrid, donde vive y trabaja) cuyos proyectos personales investigan el uso de la fotografía como herramienta para la introspección, y en ellos utiliza su propio contexto para abordar diferentes conceptos relacionados con la fragilidad de la existencia contemporánea.

 

InakiDomingo

© Iñaki Domingo

 

 

 

Biografía

Iñaki Domingo ha recibido por su trabajo, entre otros, el Premio Injuve de Fotografía y el Premio Revelación de PhotoEspaña como miembro del colectivo Nophoto. Ha sido becado para participar en el programa Estancias para Jóvenes Artistas del Mº de Trabajo y Asuntos Sociales y en la Joop Swart Masterclass de la World Press Photo Foundation. Ha expuesto centros de arte y galerías en Europa, Latinoamérica y Asia.

Durante más de cuatro años ha sido responsable del departamento editorial de Ivorypress. Desde 2010, es codirector del blog 30y3.com, especializado en fotografía española contemporánea. Actualmente es editor creativo en la editorial RM, donde es el responsable de una línea de fotolibros de jóvenes autores iberoamericanos.

Ha comisariado exposiciones internacionales en Krakow Photomoth 2013 y PhotoEspaña 2014.  Es docente en IED y Lens, y habitualmente imparte talleres y conferencias sobre fotografía en diversos centros.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Ser sangre (2014),
  • El ojo en la llaga (2008),
  • Vía de la Cruz (2011).

jueves, 25 de diciembre de 2014

Bryan Adams

Bryan Adams es un músico, cantante y compositor y fotógrafo canadiense (nació el 5 de Noviembre de 1959 en Kingston, Ontario).

 

Amy Winehouse © Bryan Adams

Amy Winehouse © Bryan Adams

 

 

 

 

Biografía

Bryan Guy Adams es hijo de diplomático, por lo que creció viajando por el mundo, especialmente por Europa. Su familia regreso a Canadá en 1973, y trabajó como lavaplatos para comprarse su primera guitarra.

Un encuentro afortunado en una tienda de música le unió a Jim Vallance con quien se asoció para escribir música. Su primer álbum Bryan Adams salió en 1980 y marcó el inicio de su carrera con Vallance con quien comparte 16 álbumes.

Su tercer álbum, Cuts Like a Knife (1983), consiguió ser disco de triple disco de platino en Canadá, Platino en Estados Unidos y Oro en Australia. La popularidad de sus temas también se ha hecho notoria en las bandas sonoras y canciones principales de más de 10 películas.

Tras necesitar su fotografía para la portada de un disco, decidió hacerlo él, le gustó, y ahora disfruta de éxito y reconocimiento como fotógrafo. Su trabajo ha sido publicado en Harper’s Bazaar, Interview, Esquire, British Vogue, i-D, L’uomo Vogue y otras revistas. Ha fotografiado para campañas comerciales de empresas como Sand, Montblanc, Guess, Converse, Fred Perry, John Richmond y Escada recientemente.

Adams ha fotografiado a muchos compañeros de profesión, como Mark Jagger, The Who, Shania Twain, Ray Charles, Arcade Fire, Rod Stewart, Take That, Robert Plant, Sarah McLachlan, Billy Idol, Celine Dion, Amy Winehouse, Lindsay Lohan, Bryan Ferry, Die Antwood, Lenny Kravitz, Lana Del Rey, Morrissey, Peter Gabriel, Annie Lennox,

En 2002, junto con otro fotógrafo, fue invitado por la Commonwealth para fotografiar a la reina Isabel II. Una foto suya fue utilizada para un sello de Canadá y retratos suyos de la reina y del príncipe Felipe están en la National Portrait Gallery de Londres.

Su obra ha sido exhibida en galerías y museos como el Royal Ontario Museum de Toronto en 1999 y 2004, Saatchi Gallery de Londres y McCord Museum de Montreal en 2000, Photokina en 2001 y 2006, Institute of Contemporary Arts de Londres en 2004, Canada House de Londres en 2005,  Tempio Di Adriano en Italia en 2006, Leica Gallery en Austria en 2006, PhotoEspaña en 2007, 401 Projects en Nueva York  en 2007 y muchos otros.

Por su fotografía de moda,  ha recibido dos Lead Awards en Alemania, en 2006 y 2012. Además, es cofundador de Zoo Magazine, una revista de moda y arte, que cuenta con obras de Donald McPherson, Terry Richardson, Hedi Slimane, Karl Lagerfeld, Nobuyoshi Araki y David LaChapelle. La sede de la revista se encuentra en Alemania. y Adams publica en ella regularmente.

Adams es un activista en diversas causas, dando soporte a PETA, los defensores de derechos de animales. Los beneficios de sus dos primeros libros fueron para la lucha contra el cáncer y su libro Wounded: The Legacy of War intenta llamar la atención sobre las consecuencias de la guerra en las personas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 24 de diciembre de 2014

Alberto Adsuara

Alberto Adsuara es un bloguero, ex-fotógrafo, profesor, comisario, director artístico y galerista levantino (nacido en Valencia en 1961) que combina su labor docente con la artística y ensayística.

 

© Alberto Adsuara

© Alberto Adsuara

 

 

Biografía

Alberto Adsuara Vehí es profesor de fotografía en la Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) desde 2004. Ha sido colaborador de la revista Archipiélago de 1996 a 2008 con más de una treintena de artículos sobre arte y estética. Es director de la galería Ciclorama. También es coleccionista de fotografía, habiendo reunido más de 500 fotografías sobre el cuerpo y el desnudo.

Ha realizado exposiciones individuales desde 1975: Madrid (El gallo arte), Murcia (Yerba-Mestizo), Algeciras (UFCA), Valencia (Railowsky, Galería Punto, Color elefante), Miami (Hardcore Gallery). Sus últimas exposiciones colectivas han sido en Photo Miami (Miami), Scope (Bassel), Arte Lisboa (Lisboa), Cutlog (París), Centro del Carmen (Valencia), Dina Mitrani (Miami), Museo Contemporáneo de Puerto Rico, Galería Ciclorama, Estampa (Madrid), Two Chicken Gallery (Évora, Portugal). Tiene obra en diversas colecciones particulares y ha participado en ferias internacionales de arte.

Después de muchos años dedicados casi íntegramente a la fotografía (fotógrafo, profesor, comisario, director artístico y galerista) decidió acabar con la primera de las facetas, la de hacedor de fotografías, a finales del 2010.

Sus últimas series, exposiciones y libros son:

  • Hagiografías (en la galería Detrás del Rollo dentro Fotoencuentros de Murcia 2011). Son estampas sagradas, representaciones que nos evocan que son sagradas en el inconsciente colectivo, que nos las proporciona la Historia del Arte. Fotografías que homenajean al arte del pasado a través de fotografías de santos.
  • el fotolibro Microfilms, editado por RM en español e inglés, acompañado de textos de Hilario Rodríguez. En el reciente acto de presentación se proyectó el vídeo Naufragos y se inauguró una exposición con fotografías de Adsuara. En este proyecto la fotografía ya no es un tiempo muerto, sino el continente de una historia que se dispara justo en el momento en que el fotógrafo se presenta. De este modo, la fotografía se asemeja a un fotograma, un punto de inflexión que nos avisa de un pasado y nos invita a imaginar un futuro.

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 23 de diciembre de 2014

Lisa Kristine

Lisa Kristine es una fotógrafa estadounidense (nacida el 2 de septiembre de 1965 en San Francisco, California, donde reside) especializada en imágenes de pueblos remotos e indígenas. Su trabajo de 25 años en más de 60 países en los seis continentes se ha exhibido en todo el mundo con gran éxito.

 

© Lisa Kristine

© Lisa Kristine

 

 

Fotografío la humanidad por todo el mundo.

Hago cada imagen con reverencia ante el tema. Quiero que una persona se sienta a gusto conmigo, para que sigan siendo ellos mismos y no cambien por tener al lado a un extraño (yo misma) o a una cámara. Para que yo fotografíe a una persona debe haber una confianza entre nosotros. Sin esto, no se puede crear una imagen que conmueva.

 

 

 

Biografía

Lisa Kristine se interesó por la antropología y la fotografía leyendo National Geographic y otras revistas. Aprendió a hacer fotografías en blanco y negro cuando tenía 11 años. Sus viajes por el mundo comenzaron a principios de los 80, cuando una visita a Grecia como adolescente se transformó en un viaje prolongado que con el tiempo la llevó por todo el mundo, empezando por Italia, Israel, Egipto y Tailandia.

Con su apasionada sensibilidad sobre la condición humana, y su calidad artística Lisa crea verdaderas y profundas imágenes de belleza y sufrimiento, enfocando por encima de todo la dignidad de hombres, mujeres y niños de todo nuestro mundo. Sus fotografías de colores vibrantes  presentan escenas tan simples como una puerta en Marruecos o tan enigmáticas como la sonrisa roja de una geisha. Con el uso de cámaras analógicas de 4x5” de diferentes tamaños, Kristine enfatiza la luz natural. Pasa horas esperando la luz adecuada para dar el color correcto a la escena elegida y no utiliza trípode.

Es una maestra de la narrativa y ha documentado culturas indígenas en más de 100 países en seis continentes, mostrando la dignidad humana universal como agente de cambio, trabajando en la eliminación de la esclavitud humana y la unificación de la humanidad.

Lisa se ha ganado un amplio reconocimiento por su colaboración con la ONG Free the Slaves, obteniendo la atención mundial para sacar a la luz la esclavitud contemporánea a través de plataformas de medios, incluyendo la CNN y Reuters, hablando en eventos TED, museos, ONGs, conferencias de negocios, colegios y universidades. Obtuvo en 2013 el Lucie Humanitarian Award,

Lisa fue el único expositor en la Cumbre de la Paz de Vancouver 2009, al que asistieron el Dalai Lama y otros galardonados Premios Nobel. Lisa ha conseguido recursos financieros para las causas que defiende, subastando sus imágenes para beneficiar a las Naciones Unidas. El arzobispo Desmond Tutu, la Reina Madre de Bután y Amnistía Internacional, todos han apoyado su trabajo.

Ha publicado 5 libros y ha sido objeto de 4 documentales. Su trabajo sobre la esclavitud se presentará en dos películas que se publicarán en 2014. Actualmente está produciendo dos exposiciones, una titulada Enslaved, una historia visual de la esclavitud moderna, y la otra Pillar of Spirit, que explora la historia viva de Bután en la cara de la modernidad.

Lisa tiene cuatro galerías ubicadas en California y Nuevo México.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

  • Slavery
  • One Breath
  • The Intimate Expanse
  • A Human Thread
  • This Moment.

lunes, 22 de diciembre de 2014

Manny Librodo

Manny Librodo es un fotógrafo filipino (nacido el 31 de diciembre de 1964 en Lambunao, Iloilo, Filipinas, vive en Tailandia) que ha conseguido fama mundial con su estilo particular en el retoque digital de fotografía de retrato.

 

Portada calendario de UNICEF, 2009 © Manny Librodo Jr.

Portada calendario de UNICEF, 2009 © Manny Librodo Jr.

 

 

 

Biografía

Manuel “Manny” Libres Librodo Jr. dejó en el año 2000 su pueblo natal por un puesto de profesor en Bangkok, armado con un título universitario en Ciencias Sociales de la Universidad de Filipinas en Visayas y una serie de experiencias de trabajo como profesor de idiomas con el Cuerpo de Paz de Estados Unidos, profesor en una escuela exclusiva para los niños y como delegado regional de  una empresa de seguros.

Trabaja como profesor de Psicología para estudiantes de secundaria y preparatoria de la destacada Escuela Internacional Ramrudee en Bangkok, lo que le permite sostener su cara manía de hacer fotografía.

Al principio, Manny era un simple espectador. Le gustaban los colores y texturas y experimentar culturas únicas. Todos estos intereses le llevaron a viajar y la fotografía entró sólo como un medio para documentar sus viajes. llevaba una sencilla cámara de “apunta y dispara” y quería salir en la foto pero las personas casuales que le hacían la foto no le enmarcaban bien.

Tras publicar sus fotos de un viaje a Marruecos, España y Portugal, recibió muy buenas críticas y comenzó a pensar en serio en la fotografía, siempre de forma autodidacta (tanto en la toma como en el post-proceso) y ferozmente impulsado por la pasión. Saltó a la fama en todo el mundo cuando UNICEF publicó en la portada de su calendario de 2009 un retrato suyo de un niño birmano. Hoy en día, su técnica y estilo están reflejados en diversos tutoriales de enfoque para Photoshop.

Desde entonces no ha parado de recibir numerosos premios y reconocimientos por su trabajo creativo, que incluso ha sido nombrado por Scott Kelby en 2009 como uno de los 5 mejores fotógrafos del mundo y, en la actualidad, pasa la mayor parte del año viajando por el mundo realizando talleres y seminarios sobre fotografía digital y edición por numerosos países, como EEUU, Canadá, Holanda, Emiratos Árabes Unidos, Hong Kong, Malasia, Indonesia y Singapur.

El blog BoredPanda también lo ha incluido recientemente en una lista de los 10 mejores fotógrafos de retratos de viajes actuales.

 

 

 

Referencias

domingo, 21 de diciembre de 2014

Réhahn

Réhahn es un fotógrafo francés (nacido en Normandía en 1979, reside en Hoi An, Vietnam) que vive con pasión los viajes y la fotografía.

 

© Réhahn

© Réhahn

La sonrisa y el tiempo son el secreto de una buena fotografía.

 

 

 

Biografía

Réhahn Croquevielle empezó a viajar en 2007 con la ONG Enfants de Vietnam a este país para visitar a 2 niñas apadrinadas y se compró entonces su primera cámara. Comenzó a sentirse enamorado de la gente de este país, viajando allí una vez al año, hasta que en 2011 se trasladó definitivamente a vivir en la pequeña aldea de Hoi An, cerca de la playa, desde donde viaja en moto por todo el país integrándose con la gente, conociéndola, lo que le permite conseguir fotos naturales tras esperar pacientemente el momento adecuado.

Ha realizado más de 40.000 fotos de las que 145 formaron parte de su primer libro Vietnam, Mosaic of Contrasts. Para él Vietnam tiene una luz especial, es seguro y tranquilo, y tiene más de 50 grupos étnicos diferentes.

Su duro trabajo le ha permitido ser reconocido por algunos de los más prominentes revistas de fotografía como Géo Magazine y National Géographic, entre otras revistas, y en su página de Facebook tiene más de 100.000 seguidores. También aparece en algunas listas como uno de los 10 mejores retratistas actuales.

Ha viajado a Rajastán y Cuba, trabaja en una serie de “sonrisas tapadas” en Vietnam, y tiene como proyectos futuros viajar a Tíbet y fotografiar Vietnam desde el aire con un dron.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Photographic journey in Vietnam (digital), 2013
  • Vietnam, Mosaic of Contrasts, 2014
  • Children of Vietnam, 2014
  • Faces of Rajasthan, 2014.

sábado, 20 de diciembre de 2014

Thomas Michael Alleman

Thomas Michael Alleman es un fotógrafo estadounidense (nacido en Detroit, vive en Los Ángeles) que tras una carrera como fotoperiodista y en el mundo editorial realiza fotografía de calle.

 

Empire State Building, New York, 2004

Empire State Building, New York, 2004 © Thomas Michael Alleman

 

De vez en cuando encuentro en la hoja de contactos algo que realmente me sorprende, y es una sensación muy excitante cuando pasa esto. Es como encontrar un billete de un dólar en la acera. Sobre todo, esto tiene que ver con los accidentes felices en la elaboración de una escena, porque la propia lente es mucho más amplia que el visor, y a veces, literalmente, no se sabe lo que está en la imagen cuando uno dispara.

 

 

 

Biografía

Thomas Alleman creció en Detroit, de padre vendedor ambulante y madre artista ceramista. Se graduó de la Universidad Estatal de Michigan con una licenciatura en Literatura Inglesa.

Durante su carrera periodística de 15 años, ha sido premiado frecuentemente con distinciones de la National Press Photographer's Association, además de ser nombrado California Newspaper Photographer of the Year en 1995 y Los Angeles Newspaper Photographer of the Year en 1996.

Como freelance sus fotos se han publicado regularmente en Time, People, Business Week, Barron's, Smithsonian, National Geographic Traveler y también han aparecido en las revistas US News & World Report, Brandweek, Sunset, Harper's yTravel Holiday. Tom ha publicado portadas en Chief Executive, People, Priority, Acoustic Guitar, Private Clubs,Time for Kids, Diverse y Library Journall

En los finales 90, exhibió Social Studies, una serie de fotografías de calle, principalmente del sur de California. Actualmente está terminando Sunshine & Noir, una colección de paisajes urbanos en blanco y negro creadas con cámara Holga en los barrios de Los Ángeles, y que tuvo su debut en solitario en la Afterimage Gallery en Dallas en 2006.

Exposiciones individuales posteriores incluyen, entre otras: Robin Rice Gallery en Nueva York en 2008, Sky Blue Gallery en Portland en 2009, Xianshwan Photo Festival en Mongolia Interior en 2010, California State en Chico en 2011 y Duncan Miller Gallery en Los Ángeles en 2013.

53 fotografías de gais de San Francisco realizadas entre 1985 y 1988 se mostraron en la Jewett Gallery en San Francisco en 2012 con el título Dancing in the Dragon's Jaws.

 

 

 

Referencias

viernes, 19 de diciembre de 2014

David Lazar

David Lazar es un músico y fotógrafo de viajes (vive en Brisbane, Queensland, Australia), que le encanta capturar momentos de la vida, la belleza y la cultura a través de la fotografía.

 

Girl with Green Eyes © David Lazar

Girl with Green Eyes © David Lazar

 

 

Biografía

David Lazar es un fotógrafo de viajes que captura lugares con un rico bagaje cultural y está especialmente interesado en el retrato y la fotografía de paisaje.

Publica en revistas de fotografía, viajes y de compañías aéreas, así como en periódicos y revistas como National Geographic, Asia Geographic y Lonely Planet. En 2014 fue galardonado con el premio Best Culture Photographer por Garuda Airways, en una visita a Indonesia. En 2012 fue el ganador de la categoría de viajes en el Smithsonian Photography Contest.

David ha estado viajando anualmente desde 2004, año en el que empezó a interesarse por la fotografía de viajes como género artístico, volviendo cada tres meses a la India y Nepal. En su décimo viaje en 2014, trabajó en un proyecto de libro para Growing Leaders Foundation en Trinidad y Tobago, revisitando Brasil (al que había viajado por todo el país en 2013, aprender el idioma) y encabezó un recorrido fotográfico para Luminous Journeys en Myanmar.

Es también compositor, profesor e intérprete de música, y tiene un máster en Composición de música para películas.

 

 

Referencias

jueves, 18 de diciembre de 2014

Alicia Moneva

Alicia Moneva es una pintora y fotógrafa española (nacida en Madrid, donde reside) artista multidisciplinar conceptual en continua evolución.

 

© Alicia Moneva

© Alicia Moneva

 

 

Biografía

Alicia Moneva nació en Madrid donde estudió Ciencias Biológicas. Su primera etapa profesional la dedicó a realizar vistas áreas de proyectos urbanísticos. Fue durante esos años, trabajando con arquitectos, en los que la artista desarrolló su propio lenguaje de abstracción y escala. Con ellos su visión comenzó a tomar forma, estructura y escala.

Dedicada a la pintura de forma profesional desde 1990, no fue hasta el 2002 que se lanzó a la disciplina fotográfica de forma más creativa, pues, en principio era sólo un útil de trabajo, una herramienta más para su recolección de datos, como ayuda para pintar todo lo que no tenía forma de hacerlo al natural. Comenzó su camino en la fotografía con retratos en blanco y negro, en formato analógico, más tarde comenzó a trabajar en series, al igual que hacía con la pintura. Luego hubo un tiempo de tránsito entre la pintura y la fotografía, en el que atravesó un periodo de poca producción a nivel de realización y que le llevó a retomar sus estudios..                                                                  

En el 2006 realizó un taller de fotografía con Chema Madoz, experiencia que le permitió fijar sus parámetros de expresión y sintetizarlos de forma indistinguible entre la pintura y la fotografía. Moneva cree en la necesidad de tener una formación multidisciplinar. En la mejor tradición del artista renacentista, ha combinado sus estudios artísticos con estudios de psicología, filosofía (en la actualidad), edición de video y música, y dirección de cine. Su premio más reciente ha sido ya en video.

Inicialmente le interesaba la vida de los objetos gastados, sus colores, texturas, formas… La magia de los espacios humanizados, el misterio que escondían las sombras, la materia desvelada por la luz. Y sobre todo, cómo  se medía el tiempo, qué hacía de un instante algo eterno.   Más tarde, coincidiendo con su vuelta a los estudios, y en la creencia de que no hay mejor secreto de juventud que seguir aprendiendo, comenzó psicología en la UNED, y al mismo tiempo retrataba (en formato analógico / blanco y negro) a todo el que pasaba por su estudio. Siempre había un instante mágico en la sesión, en el que el modelo miraba desde dentro desnudando su alma.

Entonces el cuerpo cobró importancia, descubrió la escultura en París, donde los fragmentos de piedra esculpida le hicieron  preguntarse dónde residía lo humano (S | cultura). Más tarde, deshumanizó lo humano convirtiéndolo en paisaje (Human landscape y Under my skin). Luego la psicología le llevó a utilizar bañeras como símil de lo que se gesta en nuestro interior, de las primeras sensaciones que se guardan casi puras, al no haber sido todavía tamizadas por el lenguaje, y que se representan en aguas de colores (Inconsciente). Después cajas y plásticos que envolvían a modo de placentas reconvirtieron lo humano en algo parecido a larvas de insectos, creando un rechazo casi instintivo en el observador.

En la actualidad continúa trabajando en la preparación de distintas series fotográficas  como la enfermedad en nuestra cultura, la sociedad del espectáculo, de dioses y de hombres, qué bello es vivir, …   Tiene un proyecto conjunto con la fotógrafa Judith Sansó, en el que por medio de una performance se elabora una videObra y una serie fotográfica, que luego es expuesta. También, en colaboración con un grupo interdisciplinar, se comenzará el proyecto D.lirarte, consistenteen la organización  y retransmisión vía streaming, de distintas tertulias que aborden temas de actualidad  del panorama artístico, científico y filosófico.

 

 

 

Referencias

miércoles, 17 de diciembre de 2014

Alonso Martínez

Ángel Alonso Martínez fue un fotógrafo español (nacido en Burgos en 1825 y fallecido en 1868) que realizó retratos, algunos de gran tamaño, siendo un buen retocador de fotografías, por su capacidad de dibujo.

 

A. Alonso Martínez y Hermano

A. Alonso Martínez y Hermano

 

 

 

Biografía

Ángel Alonso Martínez se formó en el ámbito del arte pictórico, siendo discípulo del pintor Antonio María Esquivel. En las décadas de los 50 y 60 del siglo  XIX regentó en Madrid, junto con su hermano, dos gabinetes bajo el nombre de Alonso Martínez y hermano, donde se realizaron y pusieron a la venta cientos de retratos de artistas y figuras políticas de la época, siguiendo la tendencia de otros estudios del momento.

Muchas veces, estos retratos eran la forma en la que el público conociera los rostros de las celebridades. Los duques de Montpensier (Antonio de Orleans y Luisa Fernanda de Borbón) y la duquesa de Medinaceli, entre otras personalidades, acudieron a retratarse a su estudio. Fotografió también a la reina Isabel II y a otros miembros de la casa real, siendo estos retratos los más solicitados por la clientela.

Además de su labor como retratista, desarrollada sin efectismos y con gran naturalidad, Ángel Alonso Martínez inmortalizó la remodelación urbanística del centro de Madrid en 1857 con sus fotografías de género urbano.

Recientemente, se han expuesto algunos de sus trabajos en la muestra colectiva Una imagen para la memoria: la carte-de-visite, organizada en la Fundación Lázaro Galdiano de Madrid en 2011. Se pueden consultar sus fotografías en los fondos de la Biblioteca Nacional, el Museo del Romanticismo y la Fototeca de la Universidad de Navarra.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

martes, 16 de diciembre de 2014

Silvia Grav

Silvia Grav es una fotógrafa española (nacida en 1993 en el País Vasco y residente en Madrid y Los Ángeles) cuya obra transita entre el surrealismo onírico y la poesía inquietante explorando sus miedos, inquietudes y deseos.

 

 

© Silvia Grav

© Silvia Grav

 

 

 

Biografía

Silvia Grav pasó gran parte de su joven vida en Málaga, después se trasladó a Madrid. Su trabajo es descrito con dos palabras: surrealista y conceptual. Comenzó estudiando Bellas Artes, pero debido a la falta de ganas y al poco tiempo que tenía, acabó dejándolo, y ha aprendido de forma autodidacta.

Flickr se fijó recientemente en sus imágenes y su nombre se incluyó en el “20under20”. Una iniciativa que buscaba talentos con menos de 20 año y que le llevó visitar Estados Unidos para recoger el premio y exponer en grupo en la Milk Gallery de Nueva York y a trasladarse después a vivir a Los Ángeles, donde espera poder tener más posibilidades de desarrollar sus proyectos y sus sueños, que incluyen, además de la fotografía, el dibujo y también la escritura que practica desde que era pequeña. También hace video y quiere dirigir una película.

Trabaja en blanco y negro y todas sus fotos están procesadas (algunas son en analógico) y a menudo provocan una sensación extraña, como de ensueño, usando contrastes muy agudos entre luces y sombras, a veces con humo que hace las escenas más espeluznantes. Combina elementos de la naturaleza (nubes, estrellas, arboles y olas) con retratos, logrando un efecto realmente sugerente. Sus imágenes monocromáticas manipuladas muestran figuras humanas y objetos inanimados de manera poco convencional, como un simple vaso que contiene las olas de un océano.

Sus retratos de mujeres jóvenes a menudo se superponen con imaginería galáctica: estrellas y galaxias se disparan a través de sus cuerpos como un espectacular escenario de trascendencia.

 

 

 

Referencias

lunes, 15 de diciembre de 2014

Clementina Hawarden

Lady Clementina Hawarden fue una fotógrafa escocesa (nacida el 1 de junio de 1822 en Cumbernauld, cerca de Glasgow, fallecida en South Kensington, Londres, el 19 de enero de 1865) que obtuvo un notable reconocimiento como fotógrafa en la Era Victoriana, a pesar de su prematura muerte. Es considerada una precursora de la fotografía de moda.

 

Lady Clementina Hawarden

Lady Clementina Hawarden

 

 

Biografía

Clementina Elphinstone Fleeming fue la quinta de hija del famoso almirante Charles Elphinstone Fleeming, conocido por su participación en las guerras de liberación de Venezuela y Colombia (1811 a 1825). Su madre, Catalina Paulina Alessandro, era una “belleza exótica” de Cádiz, que tenía 26 años menos que su marido.

Se casó en 1845 con el cuarto vizconde de Hawarden, Cornwallis Maude, viviendo en Londres hasta 1857 cuando se mudaron a la finca que la familia tenía en Dundrum, Irlanda. Lady Clementina Hawarden y su esposo tuvieron diez hijos, dos niños y ocho niñas, de los cuales ocho sobrevivieron a la edad adulta.

Es probable que comenzara a experimentar con la fotografía a partir de 1857, realizando inicialmente fotos estereoscópicas de paisajes en los alrededores de la finca. Pero en 1859 cuando la familia regresó a Londres, comenzó a fotografiar a sus hijas adolescentes en un estudio que se montó en el primer piso de su lujosa casa. La vizcondesa sentía gran pasión por el arte de la composición teatral y la luz que supo retratar con maestría.

Como puede comprobarse, al mismo tiempo que Lady Clementina se dedicaba a la maternidad, se convirtió en una prolífica fotógrafa, produciendo unas 800 fotografías, la mayor parte de sus hijas adolescentes. En 1863 expuso por primera vez su trabajo en la Photographic Society of London y repitió exposición al año siguiente. En ambas oportunidades fue galardonada y muy aplaudida, pero no pudo recoger sus medallas, al morir prematuramente de neumonía a la temprana edad de 42 años. Se cree que su muerte estuvo relacionada con la prolongada exposición a los productos químicos fotográficos de la época que le debilitaron su sistema inmunológico. Trabajaba con negativos de colodión húmero y copias en albúmina.

Sus fotografías representan la vida de una familia victoriana de clase alta. Las posturas, muchas veces provocativas de sus hijas, fueron muy criticadas. La sociedad victoriana estaba molesta por la idea de la sexualidad en la adolescencia, tema explícito en la obra de la vizcondesa.

Al crear estas imágenes enigmáticas, replanteó nuevos retos al arte de la fotografía. Es por ello que está considerada por algunos especialistas como la primera artista de la imagen fotográfica.

A Lady Clementina Hawarden le gustaba utilizar la luz natural para hacer sus fotografías. En su momento esto fue visto como algo “atrevido” y novedoso; colocaba espejos para reflejar la luz y los utilizaba para explorar la idea de “el doble”. También, como otros fotógrafos, utilizó una cámara estereoscópica para producir impresiones individuales. Su trabajo confunde a veces lo contemporáneo con la fantasía teatral.

Oscar Rejlander y Lewis Carroll fueron admiradores de su obra, que tiene semejanzas y diferencias con la de su coetánea Julia Margaret Cameron.

Su prematura muerte hizo que pronto fuera olvidada. Una colección de 775 de sus retratos fueron donados al Victoria and Albert Museum de Londres en 1939 por su nieta, Clementina Tottenham. Las fotografías fueron arrancadas de los álbumes familiares por razones aún poco claras, lo que explica las características esquinas rotas de la obra de Hawarden.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros