domingo, 30 de noviembre de 2014

Joachim Koester

Joachim Koester es un artista conceptual danés (nacido en 1962 en Copenhague, vive entre esta ciudad y Nueva York) cuya obra está en la frontera entre el documental y la ficción.

 

 

© Joachim Koester

© Joachim Koester

 

Algo que me ha interesado mucho es cómo las ideas y relatos adquieren una forma física, cómo las historias y la historia se materializan. De un modo u otro, los espacios se transforman por la acción humana, y en mi trabajo soy, si se quiere, un cazafantasmas de espacios. Busco estas historias, que no siempre pueden ser muy evidentes, pero que están todavía presentes.

 

 

 

Biografía

Joachim Koester se graduó en la Real Academia Danesa de Arte de Copenhague.

Trabaja principalmente en fotografía y vídeo. Durante los últimos quince años, su obra ha sido expuesta internacionalmente, en Europa, América del Norte y África, como ejemplo: MCA (Chicago), Van Abbemuseum (Eindoven), Musée d'Art moderne de la Ville de Paris (París), PS1 (New York), Moderna Museet (Estocolmo), Palais de Tokyo (París), …

Su trabajo ha sido expuesto en la Kwangju Biennale, Documenta Kassel, y la Bienal de Venecia. Su obra forma parte de varias colecciones públicas y privadas como el Metropolitan Museum of Art (Nueva York), Museum of Modern Art (Nueva York), S.M.A.K (Gante), The National Gallery of Denmark (Copenhague) y el Moderna Museet (Estocolmo).

Fue uno de los finalistas de 2008 en el Premio Hugo Boss (Guggenheim Foundation). En 2013 ganó el The Camera Austria Award for Contemporary Photography, Graz, Austria.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 29 de noviembre de 2014

Hiroh Kikai

Hiroh Kikai es un fotógrafo japonés (nacido el 18 de marzo de 1945 en Daigo, prefectura de Yamagata) reconocido en Japón por cuatro series de fotografías en blanco y negro: escenas de edificios en y cerca de Tokio, retratos de personas en la zona de Asakusa de Tokio, y la vida rural y la ciudad en India y Turquía.

 

© Hiroh Kikai

© Hiroh Kikai

Un fotógrafo es feliz cargando su cámara de 35 milímetros al hombro, recorriendo pueblos y ciudades, fotografiando cada rincón.

En un retrato se muestra tanto el alma del modelo como del que lo representa, ya sea a través de un disparo fotográfico o de los pinceles.

 

 

 

Biografía

Hiroh Kikai tuvo una infancia feliz hasta los 11 años jugando en la naturaleza que rodeaba su pueblo. Se graduó de la escuela secundaria en 1963 y trabajó en Yamagata durante un año, y luego fue a la Universidad de Hosei en Tokio para estudiar filosofía. Se interesó en el cine, sobre todo por e las películas de Andrzej Wajda y Satyajit Ray, y seguramente hubiera trabajado en la producción de películas si no se requiriera dinero y la escritura, una tarea con la que nunca ha disfrutado.

Kikai trabajó durante dos años como conductor de camión y en un astillero. Mientras tanto, seguía en contacto con su profesor de filosofía, Sadayoshi Fukuda, que escribía una columna para la revista Camera Mainichi y que le introdujo a su editor, quien le mostró fotografías de Diane Arbus, lo que fue un gran impacto para Kikai, que comenzó a hacer fotografías en 1969. Fukuda, le prestó dinero, sin interés, para comprarse una Hasselblad 500CM, con su lente de 80mm, que es lo Kikai ha utilizado por sus retratos desde entonces.

Kikai pensó que el trabajo en un barco podría ser interesante, pero tuvo bastantes problemas para conseguirlo. En 1972 lo consiguió y navegó por el Pacífico, con una parada en Manzanillo (México) para provisiones, consiguiendo a la vuelta publicar sus primeras fotografías en la revista Camara Mainichi. Pero Kikai decidió que para ser un fotógrafo que necesitaba habilidades de cuarto oscuro, y regresó a Tokio para trabajar en Doi Technical Photo (1973-1976). Se convirtió en fotógrafo independiente en 1984, un año después haría ya su primera exposición en solitario y el mismo año su segunda.

Vivir cerca (a algo mas de 1 hora en tren) del barrio de Asakusa (Tokio) le ha permitido ir a menudo a tomar fotografías de sus viandantes, unas 600 a lo largo de varias décadas, desde 1985, que le han permitido publicar varios libros y realizar numerosas exposiciones.

También ha realizado otros proyectos fotográficos de barrios residenciales en y cerca de Tokio y de gente en la India y Turquía, todos ellos en blanco y negro. Sin embargo, ocasionalmente ha realizado fotografías en color como las de las Islas Goto e incluso de desnudos.

Aunque ya era respetado en la fotografía japonesa, no fue muy conocido hasta 2003, con la primera edición de su libro Persona, una colección de retratos de Asakusa, con el que ganó tanto el Premio Domon Ken y Premio Anual de la PSJ. En 2009, el International Center of Photography y Steidl coeditaron Retratos de Asakusa para el mercado internacional.

En 2014 una exposición de 55 fotografías de esta colección han sido expuestas en Madrid en la sala La Fragua de Tabacalera del 19 de septiembre al 19 de noviembre.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 28 de noviembre de 2014

Frank Thiel

Frank Thiel es un fotógrafo alemán (nacido en 1966 en Kleinmachnow, vive y trabaja en Berlín) conocido por sus imágenes en color de gran formato, cuya obra gira en torno a la reflexión sobre el paisaje urbano de la capital alemana y las aportaciones de sus arquitectos e intelectuales durante el siglo XX.

 

 

Stadt 7/12 (Berlín) 1999 © Frank Thiel

Stadt 7/12 (Berlín) 1999 © Frank Thiel

 

 

 

Biografía

Frank Thiel nacido en Kleinmachnow, cerca de Berlín, y se trasladó a Berlín Occidental en 1985,  asistiendo a una escuela de formación para la fotografía en 1987-89.

Comprometido con la captura de la turbulenta historia de Berlín, sus fotografías ponen de manifiesto la aparición de nuevos patrones de la existencia urbana, así como hacen frente a los temas de la vigilancia estatal y la privatización del espacio público.

Thiel confiesa su interés por espacios cuya belleza no suele ser percibida, en condiciones normales y cotidianas, por el espectador, de ahí que su cuerpo de trabajo se base en el minucioso estudio visual de las zonas industriales de Berlín, quizás la ciudad europea que más ha podido transformarse en los últimos veinte años a nivel cultural, político y social.

Al hilo de estas propuestas, desde principios de los años noventa, ha mostrado un conjunto de series como Political Monuments (1990), Guards Regiment “Friedrich Engels” (1990),  Prision Gates (1991) o The Allies Series (1994), que le han procurado el reconocimiento internacional. En un trabajo más reciente, ha fotografiado los enormes glaciares de la Patagonia, que se muestran en la exposición Nowhere Is A Place, que se inauguró en la galería Sean Kelly en la ciudad de Nueva York.

Thiel ha expuesto en museos y galerías de todo el mundo, y sus obras han sido incluidas en las colecciones de muchos museos internacionales importantes, entre ellos el Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela, el Reina Sofía de Madrid, la National Gallery of Canada en Ottawa,  el Fotomuseum Winterthur en Suiza, el Moderna Museet de Estocolmo  y el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden en Washington, DC. Ha participado en la 48º edición de la Bienal de Venecia, la 25ª Bienal de Sao Paulo y la 4ª Bienal do MERCOSUL.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 27 de noviembre de 2014

Stefan Moses

Stefan Moses es un fotógrafo alemán (nació en Liegnitz, Silesia, Alemania, el 29 de agosto de 1928, vive desde 1950 en Múnich) que está considerado como uno de los autores más importantes y originales de la fotografía contemporánea alemana.

 

Willy Brandt, Siebengebirge 1983 © Stefan Moses

Willy Brandt, Siebengebirge 1983 © Stefan Moses

 

 

 

Biografía

Stefan Moses inició su aprendizaje en 1943 en el taller de la fotógrafa Grete Bodlée en Breslau. Un año después tuvo que interrumpir sus estudios cuando lo internaron en un campo de trabajos forzados en Ostlinde. Un año después pudor continuar sus estudios con la misma fotógrafa que entretanto se había instalado en Erfurt. Después trabajó como fotógrafo de teatro en el Nationaltheater in Weimar y luego durante seis semanas como fotógrafo de escena en los Filmstudios der DEFA en Potsdam-Babelsberg. Estas dos etapas han influido en su fotografía.

En 1950 se trasladó a Múnich y trabajó como fotógrafo de prensa para el periódico Neue Zeitung y para las revistas Stern, MagnumyTwen. Después decidió trabajar como fotógrafo independiente. Stefan Moses hace a la persona que retrata salir del papel que juega en la sociedad y mostrar una parte de su verdadero yo, por ejemplo, llevándolos a un bosque. Sus documentales retratos de personas y profesiones en Alemania (Deutsche) y posteriormente en Alemania Oriental (Abschied und Anfang) hacen accesible a un público amplio, desde celebridades como Thomas Mann, Erich Kästner, Theodor, Otto Dix, Max Frisch o Martin Mayer hasta gente de su entorno de trabajo.

En ese tiempo publicó varios libros y catálogos y llevó a cabo diferentes exposiciones de series fotográficas.  En 1990 recibió la Medalla David Octavius Hill, en 1991 el Premio de Honor de la Ciudad de Múnich, en 2001 ganó el Premio de Honor de la Fundación Stankowski, y en 2014 el premio Lovis-Corinth-Preis. Desde 1994 es miembro de la Academia de Bellas Artes de Múnich.

Sus fotografías forman parte de importantes colecciones como las del MoMA de Nueva York y el Centre Pompidou en París. Desde 1995, su obra forma parte de las colecciones del Münchner Stadtmuseum, en cuyo Fotomuseum ha sido revisada científicamente junto con el fotógrafo, y preparada para su exposición y publicación. Deutsche Vita ha sido exhibida en Alemania y una versión más reducida (50 fotografías) ha viajado por diversos lugares, como Méjico y Argentina.

Su archivo, que contiene miles de negativos y copias, ocupa toda una sala y documenta una vida de trabajo que abarca desde reportajes gráficos hasta ciclos de retratos realizados a largo plazo.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

 

 

Libros

miércoles, 26 de noviembre de 2014

Bruno Serralongue

Bruno Serralongue es un fotógrafo francés (nacido en 1968 en Chatellerault, vive y trabaja en París) cuyo trabajo cuestiona las condiciones concretas de producción, distribución y circulación de la imagen mediática, sus usos y su estatus. Es un arqueólogo de la presencia.

 

© Bruno Serralongue

© Bruno Serralongue

 

Para mí, la fotografía no es primaria. Está mediatizada. Llega en un segundo paso después de la reflexión, después de la puesta en práctica de un marco operativo y de unas reglas.

 

 

 

Biografía

Bruno Serralongue se graduó de la Escuela Nacional de Fotografía de Arles y en Villa Arson en Niza.

Se interesa principalmente por acontecimientos políticos internacionales. Aunque no es un reportero gráfico, su enfoque es más bien documental que estético. Se posiciona como un fotógrafo que se nutre de los medios accesibles al gran público: prensa, televisión e Internet, entre otros.

En poco más de una década Serralongue ha acumulado una amplia gama de eventos: fiestas, conciertos, ferias, cumbres, foros, encuentros, debates y manifestaciones han sustituido el ejercicio de la prueba empírica que se movería dentro de los límites locales hasta tomar una dimensión global. En series como Encuentro, Chiapas (1996), Homage (1997), Free Tibet (1998), Korea (2001), WSF Mumbai 2004 (2004), La Otra (2006), o en otros más recientes, como Tibet in Exile. Dharamsala (2008) y la independencia de Kosovo (2009), donde se visualizan conflictos geopolíticos de larga duración. Sus fotografías cubren noticias, de las que se entera por la prensa local o Internet, pero no las realiza en el preciso momento de la noticia, sino en momentos posteriores. Así, sus fotografías son como las de un lector de periódicos que ha decidido comprobar con sus propios ojos la noticia leída. A veces esto implica un desplazamiento hasta el punto de la noticia, sin acreditación de periodista, con una cámara de gran formato y desprovisto de los privilegios de acceso al acontecimiento reservados para los profesionales de la comunicación.

El Museo Jeu de Paume organiza en 2010 la retrospectiva Feux de camp de su obra.

Está representado por las galerías Air de Paris en París, Baronian en Bruselas y Francesca Pia en Zúrich. Su obra forma parte de colecciones como las del Centre Georges-Pompidou de París, Musée d'art moderne de la ville de Paris, también en París,  Tate Modern de Londres, Fotomuseum Winthertur en Suiza,  Musée de la Photographie en Charleroi, Bélgica.

Sus exposiciones más recientes han sido South Sudan Series en la galería Francesca Pia de Zúrich en 2013; Histoire des avant-dernières luttes en la Air de Paris Gallery en París en 2012; Feu de camp en el Jeu de Paume de París en 2010, Bruno Serralongue en Wiels en Bruselas en 2009, Backdraft en el Centre of Photography de Ginebra en 2007, ...

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

martes, 25 de noviembre de 2014

Gottfried Jäger

Gottfried Jäger es un teórico de la fotografía y fotógrafo alemán (nacido en 1937 en Burg, cerca de Magdeburgo) que práctica el arte con fotografía, multimedia y ordenadores en una base constructiva sistemática.

 

Multipleoptik (Detalle), © Gottfried Jäger

Multipleoptik (Detalle), © Gottfried Jäger

 

 

 

Biografía

Gottfried Jäger estudió fotografía en la Escuela Técnica Superior de Fotografía de Colonia. En 1960, comenzó a dar clases de técnica fotográfica en el Centro de Enseñanza Artística de Bielefeld. Desde 1973 hasta 2002 enseñó las bases de la fotografía artística en la Escuela Técnica Superior de Bielefeld.

Desarrolló la Generative Photography, interesado en la fotografía experimental y el fotograma. A través de series de imágenes, estudió los mecanismos de la visión. Este libro es un estándar en la fotografía experimental.

Jäger inventó el concepto de fotografía generadora de imagen, y también, en la década de los 70, el d’Art apparatif. Apasionado por el color, fundó una escuela de fotografía en Bielefeld que es significativa en el desarrollo de la fotografía alemana. Es el presidente de la Academia Alemana de Fotografía.

Gottfried Jäger, creador del premio  EMCY Prize, ha sido galardonado con el Premio de la Cultura 2014 de la Sociedad Alemana de Fotografía. Ya en 1992 había obtenido la Medalla George Eastman de Kodak Alemania, y en 1996 la Medalla David Octavius Hill de la Academia Alemana de Fotografía.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Apparative Kunst. Vom Kaleidoskop zum Computer. 1973.
  • Generative Fotografie. 1975.
  • Bildgebende Fotografie. Ursprünge, Konzepte und Spezifika einer Kunstform. 1988.
  • Das Foto als autonomes Bild. Experimentelle Gestaltung 1839-1989. 1989.
  • Licht Bild Raum. Fotogene Projekte 1980-1990. Kunstverein Paderborn. 1992.
  • Schnittstelle. Generative Arbeiten. 1994.
  • László Moholy-Nagy: Idee und Wirkung. Anklänge an sein Werk in der
    zeitgenössischen Kunst.
    995.
  • Indizes. Generative Arbeiten 1967-1996. 1996.
  • über moholy-nagy. Zum 100. Geburtstag des Künstlers und Bauhaus-Lehrers.
    1997.
  • Visualisierung in Mathematik, Technik und Kunst. 1999.
  • Abstrakte Fotografie: Bildmöglichkeiten/Denkmöglichkeiten. 2000.
  • Fotografie denken. Über Vilém Flussers Philosophie der Medienmoderne. 2001.
  • Concrete Photography / Konkrete Fotografie. 2005.
  • Mikrofotografie als Obsession. Das fotografische Werk von Carl Strüwe (1898–1988). 2011
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lunes, 24 de noviembre de 2014

Mariano Zuzunaga

Mariano Zuzunaga es un fotógrafo peruano (nacido en Lima en 1953, vive y trabaja en Barcelona, España, desde 1975) cuyo trabajo se caracteriza por un acusado minimalismo, y gira en torno a la fuerza que poseen ciertos elementos cotidianos cuando adquieren nuevas significaciones.

 

© Mariano Zuzunaga

© Mariano Zuzunaga

Tiempo hay para todo y no es obligatorio fotografiar. De pronto todo adquiere una presencia. Es esta presencia justamente la que interesa. Es texto y no pretexto para fotografiar. Presencia que es tiempo personal hecho imagen. Esta imagen es a imagen y semejanza tuya. Puedo verla y reconocerla como puedo oír y reconocer tu voz. Aquí, la luz en el tiempo crea su propio espacio y lo posee como el objeto posee su sombra. El fondo es como un bajo continuo en donde la mirada del otro es tú mirada que se asombra. Volumen e intensidad. Dimensión y escala. El viaje es interior dentro de un tiempo abierto o cerrado. Luminosidad y profundidad. Nada tengo que entender si no entiendo nada.

 

La fotografía te enseña a ver cómo ves. Quién es el yo que fotografía y para quién.

 

 

Biografía

Mariano Zuzunaga realizó estudios de música, dibujo y fotografía, y es licenciado en Historia y doctor en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, pero en 1971 se decidió por esta última y su primer trabajo más conocido estuvo basado en la obra del escultor Alexander Calder estando formado por una serie de foto-móviles.

A sus comienzos pertenecen El porfolio peruano (1971-77) y las primeras fotografías que el artista realizó tras su llegada a Barcelona en 1975, inspiradas en la obra de Cartier-Bresson, Kertész o Stieglitz. De la época de los 80 destacan Fotogramas (1982) y Luminogramas (1984), marcadas por la experimentación con los procesos fotográficos e inspiradas en la obra de Moholy-Nagy y el cine de vanguardia de los años 20.

En 1980 realizó su primera exposición individual en la Fundación Miró. Entró a formar parte del Grupo fotográfico Alabern.

En 1983 comenzó a impartir clase de fotografía en el Institut d'Estudis Fotogràfics de Catalunya. También ha dirigido diversos talleres y seminarios y se ha dedicado a la actividad docente e investigadora en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona.

Durante los 90, experimentó con el collage en una suerte de ejercicio conceptual orquestado por los juegos de la luminosidad y la profundidad (de esta época son Norais y sus fotografías de los cielos y tejados barceloneses), y actualmente combina la espontaneidad con una composición muy elaborada, fruto de su permanente reflexión sobre el acto fotográfico y el papel del fotógrafo en su tiempo. 

En paralelo a sus tareas docentes desarrolló su fotografía creativa de la que se pueden encontrar muestras en las colecciones públicas y privadas como The Museum of Modern Art de Nueva York, la Bibliothèque Nationale de París, The Museum of Fine Arts de Houston (Allan Chasanoff Collection), los Ansel Adams Archives en el Center for Creative Photography de Tucson, la Fundació Joan Miró de Barcelona, la Fundació Tàpies de Barcelona, el Museo de Arte de Lima, el Museu Nacional d’Art de Catalunya, el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y la Fundació Foto Colectania.

Es miembro fundador de The Photographer+s Company, creada en 2006 en Barcelona. Desde su primera exposición en la Fundació Joan Miró, su trabajo se ha expuesto en el Photomuseum de Zarauz (1998), en la colectiva Extensiones y metáforas de la fotografía, celebrada en la Casa de América (Madrid, PHotoEspaña, 1999) o el Museu Nacional d’Art de Catalunya (Barcelona, 2000).

En 2011, Kowasa Gallery (Barcelona) le dedicó la exposición Mariano Zuzunaga: A Selected Offering, que repasó la trayectoria del artista desde los años 70 hasta finales de los 90.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 23 de noviembre de 2014

Pernilla Zetterman

Pernilla Zetterman es una fotógrafa sueca (nacida en 1970 en Estocolmo, donde vive y trabaja) perteneciente a la llamada Escuela de Helsinki, cuyas obras se caracterizan por un intenso compromiso con cuestiones relativas al control humano, la disciplina y el ejercicio del poder.

 

Locked Front Door © Pernilla Zetterman

Locked Front Door © Pernilla Zetterman

 

 

 

Para mí, la cámara es el símbolo de la palabra no dicha. El “sin palabras".

 

 

 

Biografía

Pernilla Zetterman estudió fotografía en Suecia y Finlandia, recibiendo un título de postgrado de la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki, un MFA de la Escuela Universitaria de Artes, Artesanía y Diseño en Estocolmo y un BFA de la Escuela de Fotografía de la Universidad de Gotemburgo.

Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en exposiciones individuales y colectivas, entre ellas la reciente exposición itinerante, La Escuela de Helsinki, y está representada en colecciones permanentes del Fotomuseum Winterthur y la Fundación Hasselblad, entre otros.

El modo en que la herencia y el medio ambiente nos conforman a medida es un tema prominente en su obra. Stay (2012) toma su punto de partida en sus recuerdos de infancia, fotografías de familia a partir de los 70, así como en observaciones actuales, con lo que ella reconstruye y recrea escenas del pasado. Alterna entre diferentes modos de expresión artística: fotografía, imágenes en movimiento y objetos, donde la relación entre el entonces y el ahora está siempre presente.

En When explora los patrones de comportamiento, las estructuras, las obsesiones y los orígenes y los contornos de la identidad. En un estudio de tres generaciones, Zetterman ha fotografiado partes de la serie en la casa de su abuela, de su madre y en la suya propia.

En Ground Rules utiliza su formación previa de atleta como telón de fondo para investigar problemas de rendimiento, el control, la motivación y la regimentación. Aquí, como en When y en gran parte de su obra vemos cómo los detalles de una disciplina, un deporte o un comportamiento, actúan como la gramática de un lenguaje para ser estudiado y aprendido, enseñado y transmitido a las generaciones futuras.

La cultura ecuestre, y los ritos y rituales asociados a ella, es el punto focal de Close. En esta cultura, se encuentra uno también con un ambiente cargado de temas de control, disciplina y poder, pero también de amor y confianza. Son primeros planos de partes de los cuerpos de los caballos los que expresan sentimientos que se encuentran en momentos de intimidad y en contraste con la severa disciplina de látigos, riendas, mordeduras y otras herramientas de restricción y modificación de comportamiento.

En Grammar, Zetterman explora cuestiones de lenguaje, comunicación y codificación. Como punto de partida utilizó su propia relación con el habla y la escritura, así como el reto de un idioma extranjero y la posibilidad de la comprensión humana y la incomprensión. Esta obra consta de combinaciones de palabras a partir de un estudio sobre la dislexia, así como fotografías y una obra de vídeo en la que se experimenta con la visualización de la vulnerabilidad, la confianza y la introversión.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Behave, 2009
  • The Helsinki School - A Female View Vol.4, 2011.

sábado, 22 de noviembre de 2014

Thierry Valencin

Thierry Valencin es un fotógrafo francés (nacido en 1962 en Mâcon) en cuyo ideario estético, cada disparo de la cámara es un intento de ir más allá de la realidad y de transcender los lugares y objetos retratados. Es un artista libre que siempre se ha mantenido ajeno a modas y mercados.

 

© Thierry Valencin

© Thierry Valencin

 

 

Biografía

Thierry Valencin, después de pasar varios años en la Polinesia francesa, decidió salir de Francia a Alemania, donde permaneció unos diez años, en Frankfurt y Múnich, donde decidió iniciar una galería de fotografía, la galería Halfpipe, entrando en contacto con el ambiente cultural de la ciudad, conociendo pintores, escritores, y también cineastas y gente de teatro, y sobre todo, por supuesto, fotógrafos que le animaron a probar por sí mismo este arte.

Sorprendidos éstos por la calidad de estos primeros disparos, le animaron a perseverar en este camino,y perfeccionó sus habilidades trabajando como asistente para revistas de moda, estudios de televisión, películas e, incluso, el desarrollo de algunas portadas de discos.

Fiel a su intuición, y a pesar de todas las experiencias visuales que ha experimentado su carrera fotográfica, su trayectoria es consistente: la visión que tuvo un día del mundo con sus propios ojos, siempre ha estado presente, auténtica, y como raíces en su memoria.

En 1995, decidió regresar a Francia, y se dedicó por completo a la fotografía. Frecuentes viajes por todo el mundo le han permitido diversificar sus métodos para ampliar y comparar las diferencias, le dará la oportunidad de conseguir lo que ya sabe en sus ojos.

Unos años más tarde, fundó el Atelier Valencin en París, lo que le ha permitido trabajar duro, profundizando en las  técnicas de impresión con plata (claro-oscuro, flou, solarización), desarrollando una mirada amplia y un diseño muy personal fiel a su visión del mundo de imágenes ligeramente movidas, donde con su técnica  especial de trabajo, con grano, la luz y las sombras, más que mostrar una imagen, nos muestra la intimidad y el alma del paisaje de los objetos y personas capturados.

En 2010, publicó su primer libro Au bord de l’autre, en que en una errante fotografía narra sus últimos veinte años de intensa producción. El volumen contiene 34 de sus fotografías, de lugares tan diversos como la India, Croacia, Italia, Nueva York, España, Francia.

En estos días de la publicación, su exposición Le Grand Voyage  se podrá visitar en Valencia en el Instituto Francés, hasta el 30 de noviembre, y la Galería Railowsky hasta el 7 de diciembre de 2014. Bosques, paisajes, escenas íntimas o visiones de lugares remotos que han sido capturadas en diferentes partes del mundo se abren a los ojos del espectador, invitándole al viaje y a descubrir el singular universo de un creador auténtico, que no conoce de métodos ni escuelas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Au bord de l’autre, 2010
  • Vue de l'instant, 2014.

viernes, 21 de noviembre de 2014

Robert Bösch

Robert Bösch es un guía de montaña y fotógrafo suizo que ha trabajado durante más de 30 años como fotógrafo independiente, especializado en la fotografía al aire libre, de acción y de paisaje.

 

© Robert Bösch; Matterhorn 2015 for Mammut

© Robert Bösch; Matterhorn 2015 for Mammut

 

 

 

Biografía

Robert Bösch tiene un master en Geografía por la Universidad de Zúrich y, en su larga trayectoria profesional ha realizado fotografía para la industria, publicidad y medios de comunicación, y ha publicado en catálogos, libros, revistas y periódicos, como Stern, Geo, Spiegel, National Geographic, entre otros.

Robert Bösch es el autor de muchos libros de gran tamaño, y con su libro Mountaineering - The Temptation of The Unknown ganó el premio internacional de libros de montaña. Además que muchos temas al aire libre, que ha recopilado en los últimos años varios libros y reportajes sobre otros temas como centrales hidroeléctricas, vías férreas y la carrera de caballos White Turf de St. Moritz.

Robert es un líder de opinión de Nikon. Sus fotografías han sido expuestas en diversas galerías, museos y exposiciones. En 2009 ganó por el Premio Especial Eiger en la sección de fotografía alpina.

Como escalador y montañero está familiarizado con muchas de las subidas extremas a numerosas montañas de todo el mundo. Sus viajes y expediciones lo han llevado a todos los continentes, donde ha escalado montañas conocidas y menos conocidas. En 2001 escaló el Monte Everest para una misión como fotógrafo y camarógrafo.

En los últimos años ha documentado muchas de las escaladas extremas.y de velocidad de Ueli Steck.

Recientemente, para celebrar un homenaje al explorador Edward Whymper y su equipo, que fueron los primeros en subir a la cima del Matternhorn (Cervino) hace 150 años, la marca suiza de material montaña Mammut encargó a Bosch la fotografía de su campaña para 2015 donde un gran equipo de alpinistas realizó hermosos diseños y formas en el paisaje alpino.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Moments
  • Switzerland
  • Schweiz Alpin 2008
  • Bermina Express 2009
  • Gotthardbahn / Ferrovia dal San Gottardo 2007
  • Glacier Express 2005
  • Grimsel Strom 2000
  • Lightmare 1999
  • Bike Feeling 1996
  • Bergsteigen - Verlockung des Ungewissen 1991
  • Faszination Schnee 1988
  • Board-Generation 1995
  • Gleitschirmfliegen 1993.

jueves, 20 de noviembre de 2014

Jules Spinatsch

Jules Spinatsch es un fotógrafo suizo (nacido en 1964 en Davos, vive y trabaja en Zúrich y Ginebra, y da clases en la Universidad de Arte y Diseño de Ginebra).

 

© Jules Spinatsch

© Jules Spinatsch

 

 

 

Biografía

El punto de partida de sus (hasta el momento, 6) proyectos Surveillance Panorama Projects de es encontrar una nueva manera de crear imágenes de documentación, parecidas a imágenes animadas y a la pintura, pero usando la fotografía. Su principal objetivo no es controlar a las personas o cubrir el evento. Se trata más bien de invertir las jerarquías y los criterios pictóricos. Lo que la cámara registra es determinado por un ordenador, no por el fotógrafo.

Temporary Discomfort documenta ciudades en estado transitorio de emergencia durante cumbres económicas mundiales en épocas de declive económico y protestas contra la globalización. El proyecto combina diferentes géneros fotográficos: fotoperiodismo, paisaje y la fotografía de policía obtenidos con una variedad de tecnologías, como por ejemplo cámaras de vigilancia en los puntos deseados, controladas desde una biblioteca cercana, y también la creación de vistas panorámicas de alta resolución.

En las fotografías y videos de Snow Management, Spinatsch observa y documenta cómo el ser humano da forma a la región alpina. Las imágenes de esta serie muestran cómo se fabrica y procesa bajo el brillo de los faros de un gato de nieve la nieve misma. O lo que es lo mismo, el enorme esfuerzo que se invierte en la preparación de paisajes enteros con el fin de crear lo más perfecta posible una ilusión de naturaleza (creada artificialmente).

Spinatsch recibió un Reconocimiento Honorario de la Fundación Buchkunst en Leipzig, el Prix du Livre en Les Rencontres d'Arles (2005) y el Premio Internacional de Fotografía de BMW en Paris Photo (2004). Sus obras han sido expuestas en el Fotomuseum Winterthur (2012), el Museo de Arte Moderno de Nueva York (2007, 2012), el Festival de St. Moritz Art Masters (2011), el Nederlands Fotomuseum de Rotterdam (2011), el Walker Art Center en Minneapolis (2011), la Tate Modern de Londres (2010), el San Francisco Museum of Modern Art (2010), Kunsthaus Zug en Suiza (2008), el Centre de la Photographie en Ginebra (2008), el Foro NRW de Düsseldorf (2007) y la Kunsthaus de Zúrich (2006), entre otros.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 19 de noviembre de 2014

Manuel López Puerma

Manuel López Puerma es un fotógrafo español (nacido en 1949 en Castillo de Locubín, Jaén, reside en Alicante desde el año 1976) que ha realizado todo tipo de fotografía (paisaje, retrato, fotomontaje…) aunque es en los temas sociales, donde ha desarrollado la mayor parte de su obra y donde realmente se encuentra cómodo. Su interés es para la gente sencilla, de la calle.

 

 

© Manuel López Puerma

© Manuel López Puerma

 

 

 

Biografía

Manuel López Puerma sintió interés por la fotografía desde muy joven, haciendo sus primeros pinitos en 1967 con una Werlisa Color que le regalaron en el colegio donde estaba interno, pero no fue hasta 1979 cuando realmente comenzó a desarrollar su actividad fotográfica al entrar en contacto con la asociación Foto-Cine La Vila de Villajoyosa donde encontró un grupo de “expertos” que le introdujeron en el arte fotográfico.

De 1980 a 1984 participó en diversos concursos nacionales e internacionales, obteniendo un buen número de galardones.

Después de un largo paréntesis de casi 20 años, en 2003 retornó a la fotografía de la mano de la fotografía digital. En ésta nueva etapa, ha participado en concursos nacionales e internacionales obteniendo numerosos premios. En concursos internacionales bajo el patrocinio FIAP ha superado las 1.000 obras aceptadas y más de 80 premios. Tiene los títulos EFIAP/b, EH-ISF y MCEF.

Desde 2007 a 2010  su serie Gentes se ha expuesto en diversas salas de las provincias de Alicante, Valencia y Jaén. La serie está compuesta por fotografías de retratos y reportajes, todas con el mismo fin: reflejar a las personas en la calle en distintas actividades de la vida diaria. Sus imágenes captan miradas y gestos,  así como momentos de silencio o conversación.

Ha desarrollado su carrera profesional en el SERVEF y como profesor en la Universidad Miguel Hernández de Elche. Recientemente jubilado, compagina su actividad como profesor en el Master MBA de la UMH, con su afición por la fotografía donde es presidente de Foto Cine La Vila, vicepresidente de la CEF (Confederación Española de Fotografía), miembro de la Federation International de l’Arte Photographique (FIAP) y de Image Sans Frontiere (ISF).

 

 

 

Referencias

martes, 18 de noviembre de 2014

Juan de la Cruz Megías

Juan de la Cruz Megías es un fotógrafo murciano (nacido en Cabezo de Torres en 1959) que ha combinado la fotografía estrictamente personal con la llamada “fotografía social”: bodas, eventos, retratos de estudio,  y con la fotografía al servicio de otros profesionales: arquitectos, ingenieros, médicos, o artistas conceptuales, aportando siempre una visión certera de la realidad dirigida a recoger los aspectos más humanos de dichos temas.

 

© Juan de la Cruz Megías

© Juan de la Cruz Megías

 

 

Biografía

Juan de la Cruz Megías Mondéjar recibió su primera cámara, una Voigtlander, traída de Oriente por los Reyes Magos, y de la noche a la mañana se convirtió en el reportero familiar. Con 14 años hizo su primera boda como fotógrafo y con 19 tenía ya su propio estudio fotográfico. En ese plató, de forma autodidacta, ha disfrutado haciendo muchas, muchísimas fotos de boda, retratos, publicidad y últimamente fotos de arquitectura.

En 1999, expuso por primera vez en la galería H2O de Barcelona el trabajo que reunía las fotos de boda de sus primeros veinte años de profesión y consiguió el premio al Mejor Portfolio PhotoEspaña 2000 con el libro Bodas/Weddings 1979-1999.

En 2002, en la Primavera Fotográfica de Barcelona, de nuevo en H2O, expuso En blanco, una serie de retratos realizados en el exterior de una discoteca, en la huerta del Segura, colección que se publicó en la revista Ojodepez.

Su trabajo Un piso de 50 m² participó en el festival Urban Schweppes Mix. Esta instalación, realizada en colaboración con el mexicano Ricardo Milla y que reproduce en planta un piso de clase media a escala 1:1, se expuso en el patio frontal del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y en la terraza de la Casa de Vacas.

Expuso, formando equipo con los arquitectos Alfredo Payá y Javier Peña, en Paisajes internos, Bienal de Arquitectura – Pabellón de España (Venecia).

También ha sabido compaginar la práctica de la fotografías con la teoría de la misma, participando en el seminario Creación y consumo de imágenes (Universidad Internacional Menéndez Pelayo, 2003) y con la didáctica, impartiendo talleres de fotografía en el Centro Cultural Puertas de Castilla de Murcia, en la Universidad Laboral de Gijón y para la Cámara de Comercio de España en Nicaragua.

Vivan los novios es el segundo libro sobre el tema de las bodas, exprimiendo sus archivos fotográficos (más de 2.500 casamientos) y mostrando bodas con limusina, con colas de traje extravagantes, con novios que miran entre embobados y atolondrados, novias que enseñan la liga, que posan ante el espejo para reduplicar por enésima vez una instantánea archiconocida, …

Pan, vino y azúcar es una colección de 30 fotografías, en blanco y negro y en color, realizadas por el autor durante su juventud, entre los años 1974 y 1984. La muestra recoge sus vivencias e impresiones sobre los cambios en una nueva etapa de la historia de España, la Transición, y sobre cómo estos cambios se manifestaron en los acontecimientos cotidianos de su Murcia natal. Todo esto mucho antes de decidir que esta afición por retratar su entorno se convertiría en su profesión.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Pan, vino y azúcar
  • Vivan los novios (2005).
  • Para qué fotografiar (2003)
  • Bodas/Weddings 1979-1999 (1999).

lunes, 17 de noviembre de 2014

Annika Von Hausswolff

Annika Von Hausswolff es una artista sueca (nacida el 30 de octubre de 1967 en Goteborg, vive y trabaja en Estocolmo) cuyos trabajos incluyen reminiscencias de su infancia y enfoques surrealistas.

 

© Annika Von Hausswolff

© Annika Von Hausswolff

 

 

Biografía

Annika von Hausswolff atrajo la atención en la década de los 90 con sus obras de escena limítrofes a la fotografía documental. Ya en la serie Back to Nature (1993) empleó los elementos estilísticos y contextuales que luego definirían su obra. Los motivos de la soledad y frustración enlazan la melancolía de su arte a la tradición del surrealismo. En sus obras el espectador se encuentra a sí mismo en un ambiente casi de ensueño donde las situaciones y eventos comunes se transforman en algo irracional e irreal. Aunque los motivos y objetos representados pertenecen al día a día sus obras transmiten un mensaje un tanto inquietante. Algo anda mal.

El arte de von Hausswolff hace preguntas acerca de la corporeidad, el género y la dominación. Ocultar y revelar también son temas frecuentemente recurrentes en sus obras, a través de flashes potentes y cortinas ricamente vestidas. Una constante dominante en su obra es el cuerpo humano. Los personajes que nos encontramos no buscan el contacto. Todo lo contrario. Están de espaldas o con los ojos cerrados. Están físicamente presentes pero siempre inalcanzables.

Sus imágenes nos muestran persianas bajadas, salas de estar vacías pobladas de objetos siniestros, niños con motosierras y cuerpos desnudos en el bosque, mezclando motivos familiares y extraños que buscan sumergir al espectador en un mundo paralelo en el que los objetos ganan la importancia expresiva que el ser humano, a menudo ausente, pierde.

Annika von Hausswolff representó a Suecia en la Bienal de Venecia de 1999. Sus obras forman parte de colecciones como las del Museo Guggenheim de Nueva York, Fotomuseum Winterthur en Suiza, Huis Marsella en Ámsterdam y el Moderna Museet de Estocolmo.

Es profesora adjunta en la Escuela de Fotografía de la Universidad de Gotemburgo. En 2011, fotografió junto con Jan Jörnmark industrias abandonadas en la raíz de la crisis financiera en 2008, en el libro The Abyss.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 16 de noviembre de 2014

Michael Frye

Michael Frye es un fotógrafo estadounidense (vive en Mariposa, California) especializado en paisajes y naturaleza, sobre todo del Parque Nacional de Yosemite.

 

© Michael Frye

© Michael Frye

 

 

Biografía

Michael Frye es un fotógrafo profesional que vive con su familia en Mariposa, California, en las afueras del Parque Nacional de Yosemite. Michael ha vivido, ya sea en o cerca de Yosemite desde 1983.

Aunque su fotografía está ligada a la naturaleza y sobre todo al Parque Nacional de Yosemite, no tiene un estilo reconocible y uniforme, habiendo desarrollado varios cuerpos distintos de trabajo:  imágenes nocturnas surrealistas, delicados trabajos en clave alta, …, y las clásicas fotografías de paisaje. A pesar de estos estilos distintos, el tema es siempre la naturaleza, y su principal herramienta es la luz, o energía radiante. La luz es lo que le permite crear un estado de ánimo, ya sea lírico, juguetón, o misterioso.

Realiza numerosos talleres sobre fotografía de naturaleza, y ha escrito, además de 5 libros y 3 eBooks, numerosos artículos en revistas sobre el arte y la técnica de la fotografía, y sus imágenes han sido publicadas en más de treinta países de todo el mundo, incluyendo las revistas National Wildlife, Outdoor Photographer, American Photo, Sunset, Texas Highways, Britain’s Professional Photographer y Russia’s Foto & Video. También fue seleccionado en el libro Landscape: Top Photographers of The World.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

Ebooks:

  • Light & Land: Landscapes in the Digital Darkroom,
  • Exposure for Outdoor Photography
  • Landscapes in Lightroom 5: The Essential Step-by-Step Guide.

sábado, 15 de noviembre de 2014

Gabriele y Helmut Nothhelfer

Gabriele y Helmut Nothhelfer son una pareja de artistas y fotógrafos alemanes (nacidos en 1945 en Berlín y Bonn respectivamente) que, con su determinación artística, gran diligencia, empatía psicológica y la habilidad técnica excelente, han producido una especie de atlas del sentimiento alemán y el comportamiento en forma de retratos fotográficos en blanco y negro.
 

© Gabriele y Helmut Nothhelfer
© Gabriele y Helmut Nothhelfer



Biografía

Gabriele Zimmermann y Helmut Nothhelfer se formaron juntos en la Escuela Lette de Berlín (Departamento de Fotografía) de 1967 a 1969. Luego estudiaron en la Escuela Folkwang de Essen de Diseño de 1969 a 1970.
Fotografían a la gente en eventos públicos como festivales. Debido a su práctica fotográfica continua se han convertido en importantes documentalistas de la historia cotidiana alemana. Fotografían personas y grupos con un estilo personal y distinto, minimalista y de acuerdo con el principio de cada serie. Sus herramientas son cámaras en miniatura.
Sus obras están presente en numerosas colecciones nacionales y extranjeras.
En 2012 recibieron la Medalla David Octavius ​​Hill concedida por la Deutschen Fotografischen Akademie y el Premio de Arte de la Ciudad de Leinfelden.



Referencias




Libros

  • 1980 Stadtportraits 1974–1979. Fotografien von Gabriele und Helmut Nothhelfer.
  • 1983 Zwischenraume.
  • 1986 Gabriele und Helmut Nothhelfer. Photographien 1974-1985.
  • 1987 Menschen in Berlin.
  • 1993 Lange Augenblicke. 
  • 2009 Momente Und Jahre.