viernes, 31 de octubre de 2014

Abigail Reynolds

Abigail Reynolds es una fotógrafa inglesa (nacida en 1970, vive y trabaja en Londres y en St Just, Cornwall)  que combina fotografías tomadas en diferentes momentos y/o en diferentes lugares que muestran lo mismo, formando collages tridimensionales.

 

 

© Abigail Reynolds

© Abigail Reynolds

 

Colecciono guías turísticas de segunda mano. Con los cientos de fotografías impresas que contienen, busco fotos que se hayan impreso en una escala similar, tomadas desde un punto de vista parecido. Cuando encuentro una cercanía entre las hojas del libro, corto y doblo las páginas en una nueva superficie única. Las fechas escritas en cada trabajo dan las fechas de publicación de los libros que he utilizado. La imagen de base aparece en primer lugar. Los patrones que utilizo para cortar las dos páginas en una sola superficie permiten que las dos hojas de papel se conserven. Si se doblan todas las aletas de entrada o salida, se puede ver la totalidad de cada imagen. El acto de doblar una imagen en la otra las convierte en tridimensionales.

 

 

 

 

Biografía

Abigail Reynolds se licenció en Literatura Inglesa en el St Catherine’s College, Oxford University (1993), y luego hizo un master en Bellas Artes en el Goldsmiths College de Londres (2001/2).

Abigail crea cuidados collages combinando páginas de viejos libros, atlas, enciclopedias y diarios de viaje, por lo general de escenas urbanas. A menudo coloca una fotografía monocromática en blanco y negro como capa de base y luego agrega una fotografía de color en la parte superior para contrastar. Con un patrón de recortes geométricos realiza pliegues en las fotografías para crear la ilusión de mirar una foto a través de otra, convirtiendo las dos fotos en un collage tridimensional.

Sus exposiciones individuales más recientes incluyen The British Countryside in Pictures en Seventeen Gallery (2011) y A Common Treasury en Ambach & Rice (2012).

Desde enero de 2011 Abigail ha sido un miembro del consejo asesor de Tate St Ives. Dio clases en el curso BA Fine Art de la Universidad de Oxford (The Ruskin School) desde 2005 hasta 2011, y ahora enseña intermitente en el Royal College of Art, Goldsmiths MA y en otros cursos de bellas artes en el Reino Unido.

Está representada por Seventeen Gallery de Londres y Ambach & Rice en Los Ángeles.

 

 

 

Referencias

jueves, 30 de octubre de 2014

Marcos Zimmerman

Marcos Zimmerman es un fotógrafo argentino (nacido en Buenos Aires en 1950) dedicado a explorar la identidad de su país a través de una fotografía directa.

 

© Marcos Zimmerman

© Marcos Zimmerman

 

Mi trabajo es el fruto de miles de kilómetros recorridos por el territorio argentino, con el único objetivo de mostrar algunos rasgos de una identidad nacional, a veces difusa o a veces perdida.
Quiero destacar estas presencias, que viven en cientos de rincones del país, que constituyen nuestra esencia y que permanecen para siempre en el corazón de quien alguna vez las vio.

 

 

 

Biografía

Marcos Zimmermann cursó estudios de cine en el Centro Experimental del Instituto Nacional de Cinematografía de Buenos Aires y más tarde trabajó como fotógrafo de cine en películas argentinas y extranjeras como: Quebracho, La Raulito, Camila, Miss Mary y otras.

Vivió en Roma tres años, donde trabajó como fotógrafo freelance. En esos años fue invitado por Robert Delpire a Paris, a exponer su trabajo en una muestra junto a Henry Cartier-Bresson, Robert Doisneau, Robert Frank y Joseph Koudelka.

Desde 1989 trabajó en la realización de libros fotográficos. En 1995 recibió el Premio Pirámide de Oro al Mejor Trabajo Fotográfico y en 1996 el Primer Premio al Mejor Libro de Arte Argentino, otorgado por la Feria del Libro de Buenos Aires; también, el Premio Leonardo del MNBA y el premio diploma al mérito Konex 2012. Escribe en las revistas Radar y Ñ.

Sus fotografías han sido adquiridas por Manuel Alvarez Bravo para la colección de la Fundación Televisa de México, por John Szarkowski para la colección Paine Webber Group de Nueva York,  por Anne Tucker para el Houston Museum of Fine Arts, por Spencer Throckmorton Fine Art Gallery, por el Bank of America para su colección de arte, por la Biblioteca Nacional de Paris y por numerosos coleccionistas privados. Ha realizado más de treinta muestras en Argentina, Brasil, Chile, Roma, Paris y Tokio, como la exposición comisariada por el gran maestro japonés Eikoh Hosoe que se realizó en la Shadai Gallery de Tokio, en 2004.

También, desde 1999, su obra pasó a formar parte del patrimonio del Museo Nacional de Bellas Artes y del Museo de Arte Moderno de la ciudad de Buenos Aires.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Patagonia, un lugar en el viento 1991
  • Río de la Plata, río de los sueños 1994
  • Siderca, 40 años 1994
  • Norte Argentino, la tierra y la sangre 1984
  • Argentina, Naturaleza para el futuro 2001
  • Patagonia, la última frontera 2004
  • Bajo las estrellas, imágenes del interior de la Argentina 2004
  • Plantas autóctonas de Argentina 2005
  • Ruta 40 2007
  • Argentina, el paisaje 2008
  • Un perro en el paraíso 2008
  • Desnudos Sudamericanos 2009.

miércoles, 29 de octubre de 2014

Allan Sekula

Allan Sekula fue un artista, fotógrafo, escritor, cineasta, teórico y crítico estadounidense de origen polaco (nacido en Erie, Pennsylvania, el 15 de enero de 1951 y fallecido el 10 de agosto de 2013 en Los Angeles) cuyo trabajo se centraba frecuentemente en los grandes sistemas económicos, en "las geografías imaginarias y materiales del mundo capitalista avanzado".

 

 

© The State of Allan Sekula

© The State of Allan Sekula

 

 

 

¿Cómo producimos un arte que fomente el diálogo en lugar de afirmaciones acríticas y pseudopolíticas?

Este peculiar esteticismo es sintomático de las obsesiones de la sociedad: por un lado controlar el crimen de los de abajo y, por el otro, disculpar la corrupción de los de arriba.

Me gusta pensar que estoy trabajando en los márgenes de la definición oficial sobre el artista. En el contexto de la modernidad, ser un artista siempre ha tenido una relación creativa y destructiva con los límites y las categorías.

 

 

 

Biografía

Allan Sekula  creció en San Pedro, California, y comenzó a hacer arte en la década de los 70, realizando perfomances e instalaciones, y produciendo series de fotografías. Practicó lo que él llamó realismo crítico, conformado por el pensamiento marxista, la fotografía documental y el arte conceptual.

Su principal medio artístico fue la fotografía, que empleó para crear exposiciones, libros y películas. Su medio secundario era la palabra escrita, el empleo de ensayos y otros textos críticos en concierto con imágenes para crear una crítica de varios niveles del capitalismo tardío contemporáneo. Sus obras hacen aportes críticos sobre cuestiones de la realidad y la globalización social y se centran en lo que describió como "las geografías imaginarias y materiales del mundo capitalista avanzado".

También utilizó el cine y el video como medio de expresión, con frecuencia en colaboración con el teórico Noël Burch en proyectos como The Reagan Tapes (1984) y The Forgotten Space (2010), premiado en el Venice International Film Festival. También realizó A Short Film for Laos en 2006.

Obtuvo las becas Guggenheim Foundation, National Endowment for the Arts, Getty Research Institute, Deutsche Akademischer Austauschdienst (DAAD) y Atelier Calder. Con su trabajo Aereospace Folktales (1973) comenzó a mezclar sus series fotográficas con largos textos, una forma por la cual sería particularmente conocido. Fish Story (1995) explora el mundo marítimo dial y constituye la base de gran parte de The Forgotten Space

Fue nombrado USA Broad Fellow en 2007 y consiguió 50.000 dólares de United States Artists. Formó parte del cuerpo docente del Programa de Fotografía y Medios de Comunicación en el Instituto de las Artes en Valencia, California.

Entre otras muchas exposiciones podemos citar Sao Paulo Biennial (2010), La Virreina, Centre de la Imatge, Barcelona (2011, 2010), Taipei Biennial (2010), Mukha Anvers (2010), Documenta Kassel (2007, 2002), Centre Pompidou (2006, 1996), Whitney Museum (2006, 2002, 1993, 1976), Generali Foundation, Viena (2010, 2007, 2006, 2003), MACBA, Barcelona(2004, 2001, 2012), Winterthur Foto Museum (2001), Foto Institute Rotterdam (2001, 1997).

Por encargo del magazine de La Vanguardia realizó en 2002 la serie Black Tide- Marea Negra sobre el desastre del Prestige en la costa gallega y la respuesta ecológica y solidaria de la ciudadanía frente al abandono que el accidente sufrió por parte del gobierno del Partido Popular entonces en el poder.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

martes, 28 de octubre de 2014

Barbara Probst

Barbara Probst es una artista y fotógrafa alemana ( nacida en Múnich en 1964, vive y trabaja en Nueva York y Múnich) que fotografía desde múltiples puntos de vista, capturado imágenes separadas del mismo asunto, mediante el empleo de hasta doce cámaras y trípodes, realizadas simultáneamente con un solo disparador controlado por radio.

 

 

© Barbara Probst

© Barbara Probst

 

 

Biografía

Barbara Probst realiza series cuyas imágenes presentan diferentes vistas del mismo lugar o evento en un mismo momento, con lo que hace que sus espectadores experimenten un cambio en el tiempo, mientras que reconsiderar su presencia en el espacio físico.

Las imágenes de las series indican que un momento particular no sólo existe en el tiempo, sino que también tiene una dimensión espacial. También desafía la presunción de la fotografía como representación veraz por los múltiples encuadres de un mismo asunto, y además plantea preguntas sobre nuestra percepción del mundo que nos rodea.

Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales, de las que podemos citar las de FRAC Bretaña en Bignan, Francia, Madison Museum of Contemporary Art, Madison, Wisconsin,  y el Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago.

Su trabajo fue presentado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), en la exposición de 2006 New Photography y forma parte de la colección de este museo.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Barbara Probst,  (Hatje Cantz) 2013
  • Barbara Probst: Exposures 2007
  • Barbara Probst, 2002
  • Welcome, 1998
  • Through The Looking Glass, 1998
  • Barbara Probst, 1998
  • InExpectation, 1998
  • My Museum, 1994.

lunes, 27 de octubre de 2014

Georges Rousse

Georges Rousse es un artista plástico y fotógrafo francés (nacido el 28 de julio de 1947 en París, donde vive y trabaja) cuya obra trata fundamentalmente de nuestra relación con el espacio y el tiempo, conceptos transmitidos por su medio creativo: la fotografía. Su materia principal es el espacio; la segunda es la fotografía.

 

© Georges Rousse

© Georges Rousse

Es [la fotografía] un lugar sublime. Elimina los elementos más desagradables: los malos olores, la miseria, las ratas pululando. Cuenta con un espacio que es, finalmente, una seducción total. Una seducción que la instalación también tiende a aumentar. Así mi fotografía trata de dar lo mejor de la arquitectura en algún momento. Y todo lo que trata de la vida real y humana diaria desaparece.

 

 

 

Biografía

Georges Rousse tuvo de regalo de Navidad con 9 años una legendaria Brownie Flash de Kodak y ya no dejó la fotografía. Mientras estudiaba medicina en Niza, decidió aprender con un profesional  técnicas para la toma y el positivado y luego crear su propio estudio de fotografía de arquitectura. Pero pronto su pasión lo llevó a dedicarse a una práctica artística de este medio siguiendo los pasos de los grandes maestros americanos: Edward Steichen, Alfred Stieglitz y Ansel Adams.

Con el descubrimiento del Land Art y del Carré noir sur fond blanc de Malevich decidió intervenir en el campo fotográfico estableciendo una relación inédita del espacio con la pintura. Trabaja en lugares abandonados que él transforma  en espacio pictórico y construye una obra efímera sólo visible bajo el ojo de la cámara y a la que la fotografía vuelve única. Para dibujar en el espacio utiliza la anamorfosis, la técnica de deformación inventada por Piero della Francesca en su investigación sobre la perspectiva espacial.

Para permitir a los espectadores compartir su experiencia personal con el espacio, desde principios de los años 80, sus imágenes se muestran en gran formato, normalmente 160x125 cm. Hasta 2000 eran Cibachrome y desde entonces son obras digitales Lambda, sobre aluminio Dibond y algunas veces Diasec

Desde su primera exposición en París, en la Galerie de France en 1981, Georges Rousse ha expuesto en Europa, Asia (Japón, Corea, China, Nepal), Estados Unidos, Quebec y América Latina ..., continuando su trayectoria artística más allá de los modas temporales.

Ha participado también en numerosas bienales como las de París, Venecia y Sídney. Y ha obtenido   prestigiosos premios y becas como:

  • 1983 Villa Medici "extramuros" en Nueva York,
  • 1985 -1987: Villa Medici, Roma
  • 1988 Precio ICP (International Center of Photography), Nueva York
  • 1989 Premio de Dibujo Salón de Montrouge
  • 1992 Bourse Romain Rolland en Calcuta
  • 1993 Grand Prix National de la Photographie (Francia)
  • 2008 Miembro Asociado de la Academia Real de Bélgica.

Está representado por varias galerías de Europa y sus obras forman parte de importantes colecciones.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 26 de octubre de 2014

Ricarda Roggan

Ricarda Roggan es una fotógrafa alemana (nacida en 1972 en Dresde, vive y trabaja en Leipzig) que, con sus intensas, duras y sofisticadas imágenes de naturaleza muerta, trasciende el documental para investigar las conexiones entre la memoria y las construcciones espaciales. Su  trabajo ha evolucionado para incluir procesos artísticos e interacciones con el medio ambiente que retrata.

 

 

© Ricarda Roggan

© Ricarda Roggan

Mis fotografías no pretenden contar historias. Yo sólo quiero hacer fotos.

 

 

 

Biografía

Ricarda Roggan estudió en la Hochschule für Grafik und Buchkunst  de Leipzig, y después estudió fotografía con el profesor Timm Rautert, con el que también realizó un master. También estudió en el Royal College of Art de Londres.

Su obra más característica son viejas mesas y sillas en salas aisladas de la antigua Alemania Orienta, habitaciones abandonadas o claustrofóbicos áticos, que prepara cuidadosamente e incluso renueva. Sus imágenes no cuentan historias, sino que son indicativas de las múltiples historias que rodean el colapso de la antigua RDA, donde los objetos y arquitecturas viven en esculturas conmemorativas como objetos obsoletos tras el fracaso del sistema político.

Roggan realiza sus crudas y conceptuales series con una cámara de gran formato, lo que permite que cada detalle sea siempre visible, aunque esta precisión extrema no dé más información sobre lo fotografiado.

Como ejemplo, en la serie Garage (2008) muestra imágenes frontales de restos de automóviles. Estos coches nunca obtendrán una nueva vida, pero se dejan ver como víctimas antropomorfizadas de eventos desconocidos, llenos de rasgos humanos y emociones que transmiten una atmósfera inquietante de muerte, trauma y posibilidades.

Schacht (2006) es una serie de 9 fotografías de claustrofóbicas habitaciones de ladrillo vacías que casi podrían pasar por cubos blancos, pero que en realidad son habitaciones de ventilación en una planta de algodón hilado en desuso en el este de Alemania.

Set/Reset tiene su origen en un viaje a Chipre donde encontró algunas máquinas de juegos de arcade cubiertas de polvo en un bar incendiado.

Desde 2007 ha comenzado a trabajar al aire libre para tornar su trabajo hacia el género del paisaje pero con su propio estilo. En la serie Sedimente fotografió formaciones de rocas, restos de canteras artificiales, que muestran al espectador espacios duros casi abstractos. En Baumstücke, es la propia artista la que deja sus huellas en la naturaleza y prepara la imagen con su perfeccionismo habitual.

Ha realizado numerosas exposiciones en solitario y en grupo, ha obtenido diversos premios y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 25 de octubre de 2014

Olivier Richon

Olivier Richon es un fotógrafo suizo (nacido en 1956 en Lausanne, vive en Londres) cuya obra es principalmente conocida por composiciones de naturalezas muertas que incluyen cortinas de tela.

 

 

© Olivier Richon

© Olivier Richon

Biografía

Olivier Richon estudió en el Polytechnic of Central London. En la actualidad es profesor de fotografía en la Escuela de Bellas Artes en el Royal College of Art.

Su obra se centra principalmente en bodegones (aunque en algunos aparezcan animales vivos su composición sigue siendo de naturalezas muertas)  con una clara inspiración pictórica, aunque algunos destilen humor y surrealismo. También, crea representaciones alegóricas de animales, utilizando las convenciones del retrato, la iluminación del claroscuro y una comprensión de la perspectiva que rivaliza con pintores de bodegón como Jean-Baptiste-Siméon Chardin. Inmersa en la conciencia de la historia del arte, su obra revela las capas, matices y significados ocultos que se esconden bajo los medios propios de la fotografía.

En 1991 obtuvo el premio Camera Austria por su fotografía contemporánea. Su obra ha sido expuesta internacionalmente desde 1980 y se encuentra en numerosas colecciones públicas, incluyendo las del Victoria & Albert Museum de Londres, Musée d'art moderne de la Ville de París, Museo Folkwang de Essen, el Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto, Brooklyn Museum en Nueva York y National Gallery of New South Wales, Australia.

En la actualidad, ha publicado un libro con Karen Knorr, con fotografías de los punks londinenses de 1977. Ambos autores llegaron a Londres en 1976, se encontraron en la Polytechnic of Central London (ahora Universidad de Westminster) y se fascinaron con el punk, una de las subculturas florecientes de la ciudad en aquella época. Expuestas en la Photographers 'Gallery en 1978, estas fotografías se han publicado en 2014 en el libro Punks.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 24 de octubre de 2014

Heinz Kluetmeier

Heinz Kluetmeier es un fotógrafo deportivo estadounidense de origen alemán (nacido en 1943 en Berlín) que ha cubierto todos los Juegos Olímpicos menos uno para la revista para la revista Sports Illustrated desde los juegos de 1972 en Múnich, y tiene más de 125 portadas de la revista.

 

© Heinz Kluetmeier

© Heinz Kluetmeier

 

Lo que hay que recordar acerca de los deportes es que las más de las veces, la reacción emocional de ganar o perder es una imagen mucho más significativa que el touchdown que se anotó. Es la reacción emocional que todos pueden relacionar en su propia vida. Porque en definitiva, eso es lo que trata la vida.

 

 

 

Biografía

Heinz Kluetmeier nació en Berlín, Alemania, y creció en Bremen, y en 1952, con nueve años, se trasladó con su familia a Milwaukee, Wisconsin. Estudió en la Custer High School en Milwaukee, donde fue un nadador del equipo universitario y capitán del equipo de tenis. Con 15 años, Kluetmeier ya trabajaba como fotógrafo independiente para The Associated Press, y cubrió los Green Bay Packers y la campaña presidencial de 1960. Fotografió a Vince Lombardi, Paul Hornung, John F. Kennedey y Richard Nixon.

Asistió a la Universidad de Dartmouth como estudiante de ingeniería ante la insistencia de su padre, que nunca creyó que la fotografía se convertiría en una carrera. Kluetmeier realizó fotografías de atletismo y eventos del campus de Dartmouth y para la oficina de la AP en Boston. Después de graduarse en 1965, trabajó durante dos años con Inland Steel, y luego un año y medio en The Milwaukee Journal. En 1969, entró en Time, Inc. como fotógrafo para Life y Sports Illustrated.

Kluetmeier cubrió los primeros Juegos Olímpicos de la revista Sports Illustrated en los juegos de 1972 en Múnich, y fue dos veces director de esta revista. Su trabajo, a parte de numerosas portadas, contribuyó a crear nuevas técnicas y aparatos para mejorar las fotos deportivas, como la cámara remota cerca de la línea de meta en los Juegos Olímpicos de Moscú en 1980, que le permitió capturar a Sebastian Coe ganando los 1.500 metros.

También en 1992, se convirtió en el primer fotógrafo en colocar una cámara bajo el agua para capturar eventos de natación. Dieciséis años más tarde, en los Juegos de Pekín 2008, una fotografía de Kluetmeier con cámara submarina decidió el ganador de la segunda final de la carrera de 100 metros mariposa.

Entre otros premios por su trabajo, obtuvo el Lucie Award en 2007 por sus sobresalientes logros en la fotografía de deporte.

 

 

 

Referencias

jueves, 23 de octubre de 2014

Paul Seawright

Paul Seawright es un artista y fotógrafo norirlandés (nacido en 1965 en Belfast, Irlanda del Norte, donde vive y trabaja) conocido por sus series iniciales sobre su ciudad natal, sobre todo por  Sectarian Murder de 1988.

 

© Paul Seawright

© Paul Seawright

 

 

 

Biografía

Paul Seawright realizó en su juventud trabajos sobre su ciudad natal, en particular la serie de Sectarian Murder, donde fotografió los lugares de asesinatos alrededor de Belfast, vinculando las imágenes con los informes de los periódicos de la época . Mediante la eliminación de la referencia a la religión de la víctima, despolitizó la violencia, centrándose en las extensas pérdidas civiles (los 2 tercios de las muertes de esa época). También fue el primer director de la sede en Belfast de la revista de fotografía Source.

Posteriormente, ha fotografiado el Afganistán de la posguerra y el África urbana (Invisible Cities). En 2002, viajó a Afganistán, después de haber sido encargado por el Museo Imperial de la Guerra de Londres, para responder a la atentados del 11 de septiembre y la posterior guerra contra los talibanes.

Sus fotografías de campos de minas y campos de batalla han sido exhibidas internacionalmente y se encuentran en numerosas colecciones como The Irish Museum of Modern Art, Tate, San Francisco Museum of Modern Art, International Centre of Photography de Nueva York, Arts Councils of Ireland, England and N.Ireland, UK Government Collection y el Museo de Arte Contemporáneo de Roma.

En 2003 representó a Gales en la Bienal de Venecia de Arte y en 1997 ganó el Irish Museum of Modern Art/Glen Dimplex Prize. Está representado por la Kerlin Gallery Dublin. En 2005, el Fotomuseum de Amberes mostró una importante exposición retrospectiva de su obra con el acompañamiento del catálogo Field Notes.

Paul Seawright es profesor de fotografía en la Universidad del Ulster, y anteriormente fue Decano del Newport School of Art, Medios de Comunicación y Diseño de la Universidad de Gales. Es miembro del Arts Council of Northern Ireland y vicepresidente de la Royal Ulster Academy of Arts.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 22 de octubre de 2014

António Júlio Duarte

António Júlio Duarte es un fotógrafo portugués (nacido en Lisboa en 1965, donde vive y trabaja) que trata principalmente temas orientales cuestionando las diferencias y semejanzas entre oriente y occidente.

 

© António Júlio Duarte

© António Júlio Duarte

 

 

Biografía

António Júlio Duarte estudió fotografía en ArCo (Centro de arte y comunicación audiovisual) una de las escuelas capitales para entender la importancia de la generación de fotógrafos portugueses que se dio a conocer a principios de los años noventa. Comparte con este grupo una sólida formación, completada en Royal College of Art de Londres (gracias a una beca Gulbenkian), inquietud por los movimientos artísticos internacionales y la vocación por desarrollar una carrera creativa en la fotografía.

Colaboró con el seminario Expresso entre 1989 y 1992 y consiguió el prestigioso premio Kodak Portugal en 1990, participando en la exposición colectiva European Kodak Award en Les Rencontres d'Arles. Desde entonces, su trabajo fotográfico ha sido mostrado en exposiciones individuales y colectivas en Portugal y en el extranjero en lugares como Centro Português de Fotografia (CPF) de Oporto,  Museum fur Photographie, Braunschweig, Alemania y Tokyo Photographic Center, Japón, entre otros. Su obra está representada en diversas colecciones públicas y privadas.

Ha participado en multitud de proyectos fotográficos en Portugal, tanto en los festivales de Braga y Coimbra, como en encargos: Still para el Museo das Comunicaçoes, Macao, junto a Paulo Nozolino en Culturgest y, a su vez, ha continuado con series personales como Oriente Occidente/East West o Peepshow.

Como ejemplo de su trabajo, podemos citar su reciente serie (y libro) White Noise, para la cual Duarte ha estado fotografiando vestíbulos de casinos de Macao durante los últimos 10 años. Fotografiados de noche, con una cámara de formato medio y un flash, a menudo en modo desfasado, los vestíbulos se convirtieron en el territorio personal de Duarte. El lujo absurdo de los lugares junto con la extrañeza de los objetos, y la ausencia de la presencia humana, crea una fuerte sensación de ensueño.

En Japan Drugs nos transporta, completa y visceralmente, a un mundo desorientador que se siente a la vez cerca de casa y maravillosamente desconocido, en  un ejemplo de la potencia de su fotografía de calle.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros y catálogos

  • Deviation of the Sun
  • Japan Drug
  • White Noise, 2011
  • Voluntariado, 2011
  • Machines, 2008
  • Jesus nevers fail, 2008
  • Antonio Julio Duarte, 2006
  • Agosto, 2003
  • Peepshow, 1999.
  • East West – Oriente Ocidente, 1995.

martes, 21 de octubre de 2014

Atín Aya

Atín Aya fue un fotógrafo andaluz (nacido en Sevilla en 1955 y fallecido el 16 de septiembre de 2007 también en Sevilla) cuya cámara retrató nobles y bandidos, trabajadores y ociosos, artistas y artesanos, renombrados y anónimos, tópicos y tipismos, sombras y luces. En muchos casos con una profundidad conmovedora y un sentido de la composición que parece mirarse en la naturalidad de orden superior de los exquisitos de la pintura.

 

Concepción Martín Domínguez, Linares de la Sierra, Huelva. Mayo 2000 © Atín Aya

Concepción Martín Domínguez, Linares de la Sierra, Huelva. Mayo 2000 © Atín Aya

 

No puedo fotografiar más allá de la luz.

 

 

Biografía

Atín Aya se licenció en Psicología por la Universidad de Granada, después de cursar estudios de Ciencias Sociales en la Universidad de Navarra. En 1981 comenzó a estudiar fotografía en el Photocentro de Madrid y a trabajar en los archivos y laboratorios de la agencia Cover. Tuvo por mentor al cofundador de la agencia, Jordi Socias. Volvió a Sevilla en 1982, donde trabajó como reportero gráfico y retratista hasta ir abandonando el fotoperiodismo para dedicarse de lleno a su obra personal.

Como los fotógrafos de su generación, Atín Aya es heredero de todas y cada una de las formas y filosofías de apuntar con una cámara. De su experiencia como reportero gráfico para periódicos y revistas adquirió el instinto para la caza, el merodeo, el sentido de la oportunidad, la virtud de sacar partido a cualquier motivo obligado por ser noticia.

Cuando abandonó el fotoperiodismo para dedicarse a trabajos más elaborados y personales, a encargos más ambiciosos, Atín demostró ser capaz también de armar con paciencia sus fotografías, en las que cada ingrediente de la composición está cuidadosamente dispuesto, por muy marginal que sea su importancia. Combinando espacios, objetos y perspectivas, a la manera de un pintor. Su mirada captaba juegos callejeros, equilibrios de sombras, paisajes y, sobre todo, gentes, formas de vida: personas y personajes que aparecen en sus negativos posando con extrema naturalidad, relajados, incluso distraídos, dignos, entregados al objetivo. Individuos y grupos que parecen haberse pasado toda la vida delante de una cámara.

Trabajó para Abc de Sevilla, Diario 16 Andalucía, Cambio 16 y Panorama, entre otros medios, y fue parte del equipo de fotógrafos de la Sociedad Estatal para la Exposición Universal de 1992. Destacan las exposiciones de su obra celebradas en la Soho Photo Gallery de Nueva York, la Diputación Provincial de Sevilla y el Conde Duque de Madrid, esta última en el marco de PHotoEspaña 2000. En 1990 recibió el Primer Premio FotoPres en el apartado de Cultura y Espectáculos. Su obra figura en las colecciones permanentes de museos e instituciones como la Comunidad de Madrid, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) o la Fundación Foto Colectania (Barcelona).

La última entrega de fotografías del autor se reunió en su libro póstumo de título Paisanos, publicado en 2010. A este grupo de fotografías había precedido  la serie Sevillanos, terminada en 2001 y fruto de los retratos tomados durante 20 años a los vecinos de la capital andaluza, y su proyecto más reconocido, Marismas del Guadalquivir (1991-96), premiado con la Beca FotoPres. En él reflejaba las condiciones adversas de la vida diaria de los marismeños y cuya fotografía ha servido de inspiración en 2014 a la película La isla mínima.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 20 de octubre de 2014

Pierre Verger

Pierre Verger fue un fotógrafo, etnólogo, antropólogo e investigador francés (nacido en París el 4 de noviembre de 1902 y fallecido el 11 de febrero de 1996 en Salvador de Bahía, Brasil, ciudad en la que vivió gran parte de su vida) que elaboró una obra fotográfica de gran importancia, basada en la vida cotidiana y en la cultura popular en los cinco continentes. Además, escribió varios textos de referencia sobre la cultura afro-bahiana y la Diáspora, centrando su trabajo de investigador en el estudio de los aspectos religiosos del candomblé, asunto que se llegó a ser su principal foco de interés.
 


Foto Pierre Verger © Fundação Pierre Verger
Foto Pierre Verger © Fundação Pierre Verger





La sensación de que había un vasto mundo era constante y el deseo de ir a verlo me llevaba hacia otros horizontes.
El Candomblé es muy interesante para mí como la religión de la exaltación de la personalidad. Puedes ser realmente cómo eres,y  no la sociedad quiere que seas. Para las personas que quieren expresarse a través de su inconsciente, el trance es una posibilidad que tiene el inconsciente para mostrarse.

 




Biografía

Pierre Edouard Léopold Verger nació en París y, hasta los 30 años tuvo una vida normal para una persona de buenas condiciones financieras, aunque no estaba de acuerdo con los valores compartidos por la gente de su clase social. El año 1932 fue decisivo en su vida, pues aprendió un oficio -la fotografía- y descubrió una de sus pasiones: los viajes. Tras desarrollar las técnicas básicas de la fotografía con su amigo Pierre Boucher, logró comprar su primera cámara Rolleiflex y, después de la muerte de su madre, no dudó en convertirse en un viajero solitario. Su madre era su único pariente vivo y él nunca quiso hacerle daño con una vida errante e inconformista
 
Desde diciembre de 1932 hasta agosto de 1946 realizó casi 14 años consecutivos de viajes alrededor del mundo (Tahití, EEUU, Japón, China, Italia, España, India, México, Argentina, Perú, Bolivia, muchos otros países hasta casi 70 y finalmente Brasil) sobreviviendo únicamente de la fotografía. Verger negociaba sus fotos en periódicos como Paris-Soir, Daily Mirror (con el pseudónimo de M. Lensman), Life y Paris Match, agencias y centros de investigación. Fotografió para empresas e incluso llegó a cambiar sus servicios por transporte.
 
París se convirtió en su base, un lugar donde se reencontraba con los amigos -surrealistas vinculados a Prévert y antropólogos del Museo Trocadero - y hacía contactos para nuevos viajes. Trabajó para las mejores publicaciones de la época, pero como nunca anheló la fama, siempre estuvo de partida.
 
Las cosas empezaron a cambiar el día en que llegó a Bahía, Brasil. En 1946, mientras Europa experimentaba la post-guerra, en Salvador de Bahía todo estaba tranquilo. Pronto fue seducido por la hospitalidad y la riqueza cultural que encontró en la ciudad brasileña y decidió quedarse. Como lo hizo en todos los lugares donde había estado, prefirió la compañía de la gente común del pueblo y los lugares más sencillos. Los negros monopolizaban la ciudad y también la atención de Verger. Además de personajes de sus fotos, los negros rápidamente se convirtieron en sus amigos, cuyas vidas trató de conocer en detalle. Cuando descubrió el Candomblé, creyó que había encontrado la fuente de la vitalidad del pueblo de Bahía y se convirtió en un estudioso de la adoración de los Orishas (las deidades del Candomblé). Este interés por la religión de origen africano le valió una beca para estudiar sus rituales en áfrica, continente para donde fue en 1948.
 
Fue en África que experimentó su renacimiento y recibió un nuevo nombre en 1953: Fatumbi, "nacido de nuevo gracias a Ifá". La intimidad con la religión, que había comenzado en Bahía, le facilitó el contacto con sacerdotes y autoridades y, finalmente, fue iniciado como babalawo, para poder hacer adivinaciones a través del juego de ifá y tener acceso a las tradiciones orales de los yoruba.
 
Además de la iniciación religiosa, en este momento Verger comenzó un nuevo oficio de investigador. El Instituto Francés de la África Negra (IFAN) no se quedó satisfecho con los dos mil negativos que presentó como resultado de su investigación fotográfica y le pidió que escribiera sobre lo que había visto. A regañadientes Verger cumplió lo solicitado y, después, el universo de la investigación le encantó y no paró nunca más en sus estudios.
 
Verger nunca dejó de ser un nómada aunque encontrara su camino. La historia, las costumbres y sobre todo la religión practicada por el pueblo yoruba y sus descendientes en áfrica Occidental y en Bahía se convirtieron en los temas centrales de su investigación y de su obra. Vivió como un mensajero entre estos dos lugares al llevar informaciones, mensajes, objetos y regalos entre los dos mundos. Como colaborador y profesor visitante en varias universidades, logró reunir sus investigaciones en artículos, comunicaciones y libros. En 1960 compró una casa en el barrio de Vila América en Salvador de Bahía. Al final de los años 70 dejó de fotografiar e hizo sus últimos viajes de investigación a áfrica.
 
En sus últimos años de vida, la principal preocupación de Verger fue divulgar su investigación a la mayor cantidad de gente posible y asegurar la supervivencia de su acervo. En los años 80, la Editora Corrupio se hizo cargo de las primeras publicaciones en Brasil. En 1988, él creó la Fundación Pierre Verger (FPV), de la cual fue el donante, el mantenedor y el presidente. Así transformó su casa en un centro de investigación.

 



Referencias


 



Libros

domingo, 19 de octubre de 2014

Germaine Krull

Germaine Krull fue una activista política, dueña de un hotel y fotógrafa alemana (nacida el 20 de noviembre de 1897 en el distrito de Wilda, Poznań, entonces Imperio Alemán, ahora Polonia, y fallecida el 31 de julio 1985 en Wetzlar, Hesse, Alemania). Descrita como "ejemplo especialmente abierto" de un grupo de fotógrafas de principios del siglo XX que "podrían llevar una vida libre de convenciones", es mayormente conocida por sus libros ilustrados fotográficamente, como su portafolio Métal.

 

© Germaine Krull

© Germaine Krull

 

 

(¿Que porqué hago desnudos?) porque siembre son bellos y una mañana de verano eso me gustó.

 

 

 

Biografía

Germaine Luise Krull nació en la frontera entre Alemania y Polonia en Prusia Oriental, en una familia acomodada alemana. En sus primeros años, la familia se trasladó por Europa con frecuencia y ella no recibió una educación formal, estudiando en casa. Su padre, un ingeniero consumado y libre pensador la vestía de niño cuando era joven. También las opiniones de su padre sobre la justicia social la predispusieron a la participación en la política radical.

A partir de 1915 asistió a la Lehr-und Versuchsanstalt für Photographie, una escuela de fotografía de Múnich. Hacia 1918 abrió un estudio en Múnich donde hizo retratos de Kurt Eisner y otros, y donde trabó amistad con personas prominentes como Rainer Maria Rilke, Friedrich Pollock y Max Horkheimer.

Krull fue políticamente activa entre 1918 y 1921. En 1919 se pasó del Partido Socialista Independiente de Baviera al Partido Comunista de Alemania. En su vida bohemia conoció al anarquista ruso Towia Axelrod, con quien se casó en 1919. El asesinato de Kurt Eisner, secretario del Partido Independiente Democrático Social de Alemania (USPD), generó una feroz represión. Arrestada y condenada a muerte, Krull escapó en in extremis a su ejecución y huyó a Berlín. Luego  viajó a Rusia con su amante Samuel Levit. Después Levit la abandonó en 1921, y fue encarcelada por anti bolchevique y expulsada de Rusia.

Se juntó con el cineasta Joris Ivens con quien se trasladó a Holanda. Experimentó fotografía arquitectónica y colaboró con las revistas i-10 y Filmliga.

En 1925, dejó todo para instalarse en París. Su enfoque objetivo en fotografía, su fascinación por la máquina y su desviación poética y gráfica, la arquitectura de metal y la industria, y la modernidad de sus temas le valió los apodos de Valkiria de hierroValkiria de la película.

La Nouvelle Revue française publicó entonces una pequeña monografía en una serie titulada Photographes nouveaux. Influenciado por László Moholy-Nagy, frecuentó a los surrealistas y se encontró con Eli Lotar y Florence Henri. Después trabajó en la nueva revista francesa VU. En 1928 era considerada uno de los mejores fotógrafos en París junto con André Kertész y Man Ray.

En 1940, con la caída de Francia ante los alemanes, Germaine se escapó a los Estados Unidos, y luego se viajó a Brazzaville, Congo, donde dirigió el departamento de propaganda de la Francia Libre. Tras su paso por Argel, acompañó al 6º Grupo de Ejércitos durante el desembarco aliado en Provenza en agosto de 1944, y al 1º Ejército Francés hasta el final de la guerra. Sus fotografías aparecen en el libro La batalla de Alsacia, con textos de Roger Vailland.

En 1946, estuvo en Indochina como corresponsal de guerra. Recorrió el sureste asiático realizando más de 2.000 fotos sobre arte budista. También llevó a cabo investigaciones sobre la fotografía en color. Llamaba a sus logros Silpagrammes.

Después de vivir en la India en un ashram, regresó a Alemania en 1955. En 1967, André Malraux, entonces ministro de Cultura y amigo de toda la vida, le dedicó una exposición en el Palais de Chaillot, en París.

Ciudadana del mundo, vivió en Alemania, Rusia, Estados Unidos, Francia, Congo, India y Tailandia.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

  • Métal, 1927
  • 100 x Paris, 1929
  • Le Valois, 1930
  • Études de nus, 1930
  • La Route-Paris-Biarritz, 1930
  • La Folle d'Itteville, texto de Georges Simenon, 1931
  • La Route-Paris-Méditerranée
  • La Bataille d'Alsace, texto de Roger Vailland
  • Bangkok. Siam City of Angels, texto de Dorothea Melchers,  1964
  • Tales from Siam, texto de Dorothea Melchers, 1966.

sábado, 18 de octubre de 2014

Rax Rinnekangas

Rax Rinnekangas es un escritor, director de cine, intérprete, compositor de jazz y fotógrafo finlandés (nacido en Rovaniemi, Laponia, el 26 de septiembre de 1954) que está considerado como uno de los artistas contemporáneos más internacionales de Finlandia. Su obra está bañada de una delicada descripción del ser humano, destacando por sus detalladas composiciones arquitectónicas y su uso artístico de la luz y el color.

 

© Rax Rinnekangas

© Rax Rinnekangas

 

Nosotros venimos de la oscuridad y vamos a la oscuridad. Entre esos dos puntos definitivos pasa la vida de la luz, el único arquitecto de cada vida humana.

 

 

 

Biografía

Reijo Rinnekangas posee una amplia y reconocida trayectoria. Ha participado en múltiples exposiciones, tanto personales como colectivas, entre las que cabe destacar su muestra individual en el Museo Reina Sofía en 2003, donde expuso Rax Rinnekangas. Spiritus Europaeus. Tradición. Un trabajo para el que viajó de 1986 a 2002 por más de veinte países del continente europeo, y en el que reúne un 41 imágenes que permiten establecer vínculos entre regiones y culturas distantes, al tiempo que revelan la heterogeneidad y complejidad de las estructuras sobre las que se genera la convivencia entre países. Utiliza la temperatura del color como código simbólico.

Otros ejemplos de exposiciones son sus últimas comparecencias en el Festival Cervantino de Guanajuato en México, y en The AIA / Center for Architecture de Nueva York en 2010, el Memorial and Museum of Sachsenhausen de Berlín (2003), La Tabacalera -Centro Internacional de Cultura Contemporánea en San Sebastián (2005) y en El Centro de La Imagen, en Ciudad de México (2007). El Museo de Bellas Artes de Santander posee de él una importante obra fotográfica, adquirida hace pocos años, titulada Last bird (2004). Como podemos ver su obra ha tenido mucha visibilidad en el norte de España y también en Madrid.

Ha realizado más de una veintena de documentales y películas a lo largo de la última década. Ha publicado asimismo numerosos libros de poemas, novelas, relatos y ensayos de arte.

Su uso de la luz está influenciado por las obras de Edward Hopper (pintura) y Andrei Tarkovsky (cine).

Por su prolífica actividad ha sido galardonado en Finlandia tanto con el Premio Nacional de Fotografía (1989) como con el Premio Nacional de Literatura (1992). Por citar algunos premios más de fotografía: el Weiling & Göös Prize, The Book of the Year y The State Prize for Photography (1989).

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Photographies, 1994
  • Hiljaisuus Biskajanlahdella, 1996
  • Spiritus Europæus, 2000
  • Auschwitz: the colours of remembrance = Auschwitz: los colores del recuerdo = Auschwitz: les couleurs du souvenir = Auschwitz: muiston värit, 2001
  • Muisti on valon toinen kieli = Memory is the other language of light,  2002
  • Finlandia, 2003
  • Terrori: kertomus, 2004
  • Zerkalo = Russian mirror = Espejo ruso = Miroir russe = Russischer Spiegel = Rysk spegel = Venäläinen peili, 2004
  • Muodonmuutos: yksinpuhelu Rainer Maria Rilkelle, 2006
  • Esa Riippa: grafiikkaa 1997–2007 = grafik 1997–2007 = graphics 1997–2007, 2007
  • Európia, 2007
  • Pitämisen ja ei-pitämisen kirja, 2007
  • Art in artists: visual artists from the fringes and old centres of Europe, 2007
  • Kadonnut juutalaispoika,  2008.
  • Fabricando ladrillos de luz para la casa de Ícaro.