martes, 30 de septiembre de 2014

Esko Männikö

Esko Männikö es un fotógrafo finlandés (nacido en 1959 en Pudasjärvi, vive y trabaja en Oulu) en cuya fotografía muestra interés en los eventos, detalles y belleza de la vida cotidiana. Con el tiempo sus imágenes han variado hacia lo simbólico, pero su interés por lo cotidiano y lo marginal aún permanece.

 

 

© Esko Männikö

© Esko Männikö

 

 

 

Biografía

Esko Männikkö consiguió fama internacional ya en una etapa temprana de su carrera. Su interés en la fotografía comenzó en sus primeros viajes de caza. La caza de presas pronto se convirtió en una búsqueda de imágenes. Su primer gran éxito llegó en 1995 cuando fue elegido para ser el Artista Joven del Año.

En su exposición premiada presentó la memorable serie The Female pike que mostraba la vida y la soledad de los solteros del norte de Finlandia.

La forma de trabajar de Männikkö es en series y fotografía personas, lugares y estilos de vida con gran respeto, creando un ambiente íntimo y único para sus fotos. Sus fotos suelen estar enmarcadas en marcos de madera, montados por el propio autor.

Muchas de sus obras pertenecen a colecciones internacionales o finlandesas. En 2008 fue galardonado con el premio Deutsche Börse Photography, por su retrospectiva Cocktails 1990 - 2007 en Millesgarden, Estocolmo.

Este año 2014 se ha realizado en Finlandia, en Helsinki Kunsthalle y organizada por The Finnish Art Society su retrospectiva Time flies.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Naarashauki, The Female Pike.

lunes, 29 de septiembre de 2014

Catherine Leutenegger

Catherine Leutenegger es una fotógrafa plástica suiza (nacida en Lausana en 1983) que investiga el medio fotográfico y su contexto de producción desde la década del 2000.

 

 

© Catherine Leutenegger

© Catherine Leutenegger

 

 

 

 

Biografía

Catherine Leutenegger estudió fotografía en la Uiversidad de Arte y Diseño / ECAL de Lausana, y rápidamente ha obtenido numerosos premios en 2006 y 2008, que le permitieron exponer individualmente en el Museo del Élysée, publicar el  libro monográfico titulado Hors-champ (retratando los estudios de otros fotógrafos) y una residencia artística en Nueva York en 2007.

Durante esta estancia en Nueva York, Leutenegger se sumergió en la ciudad de Rochester City (llamada también Ciudad Kodak) al norte del estado de Nueva York, donde George Eastman, un pionero en la industria fotográfica, fundó la empresa Kodak, realizando un ensayo que se ha publicado en el libro Kodak City.

También ha tocado otros temas en sus trabajos personales, como Founex Motel (un restaurante motel de carretera abandonado) y Welcome Home Baby (donde retrata a bebés hechos con polímeros, con distintas ropas y accesorios dentro de cajas).

Su obra se ha presentado y publicado internacionalmente en Galerie Aperture (Aperture Foundation), The New York Photo Festival, Galleria Carla Sozzani, Journées photographiques de Bienne, EXIT Magazine, L’Insensé Magazine, British Journal of Photography, Photo District News, Le Temps, Swissinfo.ch y en la NZZ.

Sus trabajos forman parte de varias colecciones públicas y privadas, incluyendo el Museo de l'Elysée, el BCV, Maus Frères Holding y Raymond Weil.

El próximo 3 de octubre firmará su reciente libro Kodak City en el vestíbulo del museo International Center of Photography.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 28 de septiembre de 2014

Jean-Luc Moulène

Jean-Luc Moulène es un artista francés (nacido en 1955 en Reims, vive y trabaja en París) que utiliza la fotografía como una herramienta para el estudio de los fenómenos naturales y culturales, ya sean redefinidos por el desarrollo de la industria, los medios de comunicación o el comercio.

 

 

JeanLucMoulene

© Jean-Luc Moulène

 

 

Biografía

Jean-Luc Moulène estudió Estética y Ciencias del Arte en la Universidad de la Sorbona en París. Trabajó una decena de años como consejero artístico para el grupo Thomson. En 1989 decidió consagrarse principalmente a sus actividades creativas, compaginándolas con la enseñanza. Diez años más tarde se consagró exclusivamente a su actividad artística, que comenzó con performances, para pasarse más tarde a la fotografía y el dibujo.

Su práctica ha incluido también a menudo objetos manufacturados (esculturas que se han creado a partir de originales diseñados en 2D), dibujos y grabados, con un permanente interés en la cultura antropológica y materiales del pasado.

La relación continua entre la imagen y el objeto en el centro de la práctica de Moulène. Sus obras también revelan el uso de las matemáticas y de la geometría en el origen de la formulación de sus obras. Considera que la fotografía está entre las bellas artes y los medios de comunicación.

Su obra son principalmente objetos como sus series Objets de Grève (2000), Produits de Palestine (2004), etc., con la excepción de Les Filles d’Amsterdam (2005) donde examina la identidad en el trabajo y al mismo tiempo tiene el objetivo de combinar los géneros históricamente separados del retrato y la pornografía. Moulène fotografía a prostitutas con sus nombres artísticos en poses que dan énfasis igual y unificado a la cara y los genitales.

Participó en Documenta X (1997), Bienal de Sao Paulo (2002), Bienal de Venecia (2003), Bienal de Taipei (2004) y más recientemente en la Primera Bienal Internacional de la Imagen, Luang Prabang, Laos (2007) y en la Bienal de Sharjah (2010).

Ha realizado exposiciones individuales de su obra en el Centre d'Art Contemporain de Ginebra (2003), Centro de Arte Contemporáneo de Kitakyushu (2004), Musée du Louvre, París (2005), Culturgest, Lisboa (2007) y Carré d'art-Musée d'art contemporain en Nimes (2009) y en numerosas exposiciones colectivas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 27 de septiembre de 2014

Walter Niedermayr

Walter Niedermayr es un fotógrafo italiano (nacido el 27 de febrero de 1952 en Bolzano, donde vive y trabaja) conocido principalmente por sus fotografías en las que investiga el espacio como una realidad ocupada y conformada por las personas, cuestionando los reinos efímeros que conviven entre la realidad y la imaginación.

 

 

© Walter Niedermayr

© Walter Niedermayr

 

 

Biografía

Walter Niedermayr comenzó a principios de 1980 a enfocar su atención en el paisaje alpino, observando y documentando las consecuencias del avance del turismo de masas y de la industrialización sobre el medio ambiente alpino.

Al mismo tiempo, investigaba la acción de la propia mirada fotográfica, y específicamente sus límites,  mediante la creación de imágenes compuestas. Sus obras son polípticos en el que los márgenes entre las fotografías adyacentes incluyen porciones superpuestas o se repiten. A pesar de sus proporciones monumentales, sus obras pasan por un proceso de reducción tanto en el color como en la forma. La subexposición y desaturación de las superficies fotográficas dan a los elementos esenciales una luz cuando normalmente se ocultarían en la oscuridad. En torno a estos elementos, se crea un luminoso vacío enigmático, que cada espectador puede llenar de acuerdo a sus propias observaciones.

Esto se puede ver en sus series Alpine Landschaften (comenzada en 1987), Raumfolgen (comenzada en 1991), Rohbauten (comenzada en 1997), Artefakte (en 1992), Bildraum (desde 2001) que se centra en la arquitectura de una manera que destaca el espacio abierto y el ambiente que le rodea. Entre 2005 y 2008 trabajó en la serie Irán. Su serie Aspen es un trabajo realizado en distintas localizaciones por todo el mundo.

Desde 2011 Niedermayr es profesor de fotografía artística en la Facultad de Diseño y Arte de la Universidad Libre de Bolzano.

En 2010 participó en la Exposición Internacional de Arquitectura de la 12 ª Bienal de Venecia y en 2008 en MANIFESTA7 así como en exposiciones en el Museo de Arte Mori en Tokio, Louisiana Museum, Humlebæk y Kunsthalle Schirn en Frankfurt.

En 2003 se realizó una gran retrospectiva de su obra, que itineró por diversos museos: Museum der bildenden Künste de Leipzig, Kunsthalle de Viena, Kunstverein de Hannover, Württembergischer Kunstverein de Stuttgart y Museion - Museum für Moderne Kunst und Zeitgenössische de Bolzano.

Ha realizado numerosas exposiciones individuales entre las que se pueden citar DeSingel Int. Arts Centre de Amberes y Arc en Rêve Centre d'Arquitectura de Burdeos, junto con Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / SANAA Arquitectos Tokio (ambas en 2007).

 

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 26 de septiembre de 2014

Sohrab Hura

Sohrab Hura es un fotógrafo indio (nacido en un pequeño pueblo llamado Chinsurah en Bengala Occidental el 17 de octubre de 1981, vive y trabaja en Nueva Delhi) que, en sus trabajos, documenta la dimensión humana de los movimientos económicos, compaginando estos ensayos con otros más personales.

 

© Sohrab Hura

© Sohrab Hura

 

 

 

Biografía

Sohrab Hura se formó como economista en la Universidad de Delhi y de la Escuela de Economía de Delhi. Fotografía desde 2001 sin haber tenido un formación formal en este campo.

En su trabajo fotográfico Hura trata temas como el auge económico de la India y el efecto que esto tiene en la vida de las personas en las zonas rurales del continente, como en The Women’s Role in the Movement for the Right to Employment (2006), y ha concentrado sus esfuerzos en una pequeña región en el centro de la India llamada Pati,  pero también realiza  documentos más personales como su serie de dos capítulos Sweet Life (2005 a 2014). El primero es Life Is Elsewhere (2005 a 2011) y se centra en la relación con su madre, diagnosticada de esquizofrenia paranoide. El segundo  se llama Look, It’s Getting Sunny Outside!!! (2008 a 2014) cuando su salud mental ha comenzado a mejorar, y está terminado pero no publicado.

Actualmente está trabajando en The Song of Sparrows in a Hundred Days of Summer (2013 en adelante), con fotografías tomadas en un pequeño pueblo en el estado de Madhya Pradesh en la India central.

Actualmente es coordinador del taller de fotografía de niños Anjali House que tiene lugar durante el Angkor Photo Festival de Camboya cada año.

En 2014 se ha incorporado a la agencia Magnum Photos.

 

 

 

Referencias

jueves, 25 de septiembre de 2014

Brian Bress

Brian Bress es un artista estadounidense (nacido en 1975 en Norfolk, Virginia, vive y trabaja en Los Ángeles, California) célebre por sus video-creaciones, y que destaca también por sus collages, protagonizados por actores enmascarados (a veces él mismo) con composiciones de objetos surrealistas y absurdos, creados por él mismo.

 

 

© Brian Bress

© Brian Bress

 

 

 

 

Biografía

Brian Bress estudió Arte en la Rhode Island School of Design, y obtuvo su master en Bellas Artes en la Universidad de California de Los Ángeles.

Bress partió de una formación clásica en pintura, y evolucionó al vídeo-performance. Sus films encierran narraciones en circulo que redundan en lo absurdo, siendo surrealistas en composición y ritmo.

Brian Bress construye escenarios en su taller que ya de por si invitan a la performance. Se vale de sus allegados para que den vida a sus personajes: creaciones originales que Bress disfraza con sumo cuidado. Cada uno de los personajes nace de los accesorios y vestimentas caseras que el artista crea para ellos, y articula así un discurso original que nos aproxima a la pintura.

El artista enmarca y cuelga el vídeo como si de una pintura se tratase. Su planteamiento es radicalmente moderno al presentarlo como una consecuencia inmediata de la pintura y utilizarlo como mero soporte de sus composiciones, que ejecuta con total precisión técnica y meticulosidad.

Respecto al collage sus figuras enmascaradas y disfrazadas, casi siempre sin rostro, pueblan paisajes surrealistas, en collage y pintadas, con fondos que hacen referencia a las pinturas de Lichenstein o de Matisse.

Entre sus exposiciones individuales destaca Interventions, en el Santa Barbara Museum of Art. En los último años, Bress ha expuesto su trabajo en importantes instituciones como The New Museum en Nueva York, Museum of Contemporary Art  en North Miami, Institute of Contemporary Art  en Philadelphia, Arthouse en Austin, Parrish Art Museum en South Hampton, University of South Florida Contemporary Art Museum en Tampa y Utah Museum of Contemporary Art en Salt Lake City. Su vídeo Under Cover (2007) formó parte de la exposición California Video en el Getty Museum de Los Ángeles en 2008.

Revistas especializadas como The New York Times, Los Angeles Times, Artforum, Art in America, Art Review y Frieze han publicado artículos y reseñas sobre el artista.

 

 

 

Referencias

miércoles, 24 de septiembre de 2014

Manuel García Quintana

Manuel García Quintana es un fotógrafo andaluz (nacido en Huelva, donde vive) autodidacta y polivalente, que toca diversos campos, incluidos los experimentales, adaptando las distintas técnicas a lo que trata de expresar o contar.

 

 

© Manuel García Quintana

© Manuel García Quintana

Siempre fotografío para mí, al margen de modas mas o menos pasajeras.

 

 

 

Biografía

Manuel García Quintana lleva haciendo fotos desde los 14, de forma autodidacta. Su primera cámara fue una Winar de bakelita, allá por los años 60.

Su primera época como fotógrafo independiente se centró en el reportaje y cubrió manifestaciones y follones varios en pro de la solicitud de estatuto de autonomía para Andalucía. Hizo algunas cosas con la naciente agencia Cover Press que por los años 70 fundó Jordi Socias. Dentro del reportaje estuvo un mes en Madagascar haciendo un reportaje in situ (Fianarantsoa, Tulear, Tambomandrebo) para la ONG La casa del agua de Coco.

Dejó el reportaje para centrarse en el retrato y en un tipo de foto más intimista, que conectara más con él al tiempo que buscaba que el espectador llegara a sus emociones mas íntimas, y descubrió que éste era verdaderamente su terreno, en el que se sentía más cómodo y suelto.

Hasta el año 2000 aproximadamente trabajó con película y se pasó al digital como tantos, sintiéndose más libre pero dejando cosas por el camino … También ha realizado y expuesto  fotografía con dispositivos móviles.

Su fotografía actual trabaja con la frase "Si no te gusta la realidad, invéntala" de Pete Turner.

Ha sido socio fundador del Festival de Fotografía Latitudes 21 (al que ya no pertenece) y dentro del marco de este festival ha comisariado alguna exposición. Ha expuesto repetidamente en Huelva sus distintas series, y más recientemente en Zagreb y en el LA MOBILE ARTS FESTIVAL 2012 en San Diego.

En la actualidad prepara una exposición sobre Venecia y un libro sobre el mismo tema, así como un libro de artista de edición limitada.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros y publicaciones

  • 1993 - Interiors
  • 2000 - Dreams of Stone
  • 2001 - Particular Cuba - Notes from a photographer in the Habana
  • 2007 - Letters of Love and Desire
  • 2011 - Dreamscapes (The Birds can fly so high)
  • 2012 - The secret erotic life of a Salesman´s Cloud.

martes, 23 de septiembre de 2014

Eustasio Villanueva

Eustasio Villanueva fue un relojero y fotógrafo aficionado (nacido el 29 de marzo de 1875 en Villegas, provincia de Burgos, y fallecido el 22 de septiembre de 1949 en Burgos) que recorrió toda su provincia natal realizando fotografías estereoscópicas en placas de vidrio del formato 6 x 13 centímetros, entre los años 1913 y 1930. Sus temas preferidos fueron los monumentos románicos, góticos y renacentistas, así como la vida en los monasterios.

 

 

Campanero tocando en la torre de la Iglesia de San Gil, con la Catedral al fondo (Burgos), Eustasio Villanueva

Campanero tocando en la torre de la Iglesia de San Gil, con la Catedral al fondo (Burgos), Eustasio Villanueva Archivo Villanueva, Fototeca del IPCE, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

 

 

 

Biografía

Eustasio Villanueva Gutiérrez era hijo de Manuel Villanueva del Cerro, destacado fabricante de relojes de torre, y continuó en el campo de la profesión familiar. Fue alumno de la Academia Provincial de Dibujo de Burgos, dedicada a la difusión y promoción del dibujo y las artes en esa ciudad.

En 1901 se casó con Bernardina Vadillo Gómez, y tuvieron nueve hijos. En 1902 se independizó de su familia abriendo una tienda en la Plaza Mayor de Burgos, dedicada a objetos de joyería, platería y relojería. Pronto incorporó también artículos fotográficos y de sonido. Le robaron enseguida por el procedimiento del butrón y al año se quemó el edificio, pero en un nuevo local en la misma Plaza Mayor ya no volvió a tener problemas.

Con motivo de un viaje que tuvo que realizar a París, por asuntos profesionales, se interesó vivamente por la fotografía, estableciendo contacto con la famosa firma Lumière, descubridora de la cinematografía y de la fotografía en color (el conocido autocromo, comercializado desde el año 1907). Y llamándole poderosamente la atención la fotografía estereoscópica.

De regreso a Burgos sus viajes a través de la provincia comenzaron a intensificarse y en el equipaje que llevaba nunca faltaban las máquinas fotográficas y trípodes traídos de París. Adoptó el formato 6 x 13 centímetros, en cuya medida realizaría casi toda su colección. En un estereóscopo Taxiphote podía contemplar sus fotos en relieve, Realizó todas sus fotografías con trípode. Montó su laboratorio particular y empleó distintas fórmulas de revelado. Sus imágenes, que están muy bien conservadas en la actualidad, generalmente tienen gran calidad técnica y estética.

Uno de sus hermanos, llamado Adulfo, fue un destacado religioso escolapio, que le facilitó la entrada en las clausuras de los monasterios, para realizar fotografías.

Se conservan 1.000 transparencias o placas estereoscópicas positivas, en vidrio, en el Archivo Villanueva del Instituto del Patrimonio Cultural de España, en Madrid. El Estado español compró a su familia, en 1986, la mayor parte de las fotografías, incluyendo también unos dos mil negativos.

Aunque la mayoría de las vistas corresponden a la provincia de Burgos, Eustasio Villanueva también tomó fotografías estereoscópicas en otros lugares, como Aguilar de Campoo (Palencia), Soria, San Sebastián, Madrid y Barcelona.

A partir de 2001 se han organizado varias exposiciones monográficas de su obra fotográfica, incluyendo audiovisuales en tres dimensiones. Sus fotografías se han exhibido en 2001-2002 en Madrid, Alcalá de Henares, y Burgos. Y en 2003 en Bogotá (Colombia), y Santiago de Chile.

Desde junio de 2012, pueden verse en Internet las mil placas positivas escaneadas, en el catálogo de la Fototeca del Instituto del Patrimonio Cultural de España.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 22 de septiembre de 2014

Karine Laval

Karine Laval es una fotógrafa francesa (nacida en Meudon-la-Forêt, París, en 1971, vive en Brooklyn) cuya práctica artística abarca la fotografía, el vídeo y la instalación/proyección. Su imágenes fijas y en movimiento a menudo desafían la percepción que tenemos del mundo conocido, y pueden ser vistas como un puente entre el mundo en que vivimos y una dimensión más surrealista y onírica.
 

© Karine Laval
© Karine Laval

 



Biografía

Karine Laval se graduó de la Universidad de La Sorbona en París, donde se especializó en comunicación y periodismo. Completó su educación fotografía y de diseño en la Cooper Union School, SVA y en la New School de Nueva York.
 
Alternado su trabajo profesional con la práctica artística personal, en la que se combina el retrato con imágenes de ubicaciones geográficas (Francia, Noruega, Cuba, Argentina, etc.) y narrativas visuales.
 
Laval usa particularmente y manipula deliberadamente el color, introduciendo el azar en algunos casos, contribuyendo a cuestionar aún más la relación entre representación y realidad. En algunos de sus trabajos más recientes se mueve hacia la abstracción y la disolución de la imagen.
Combina técnicas analógicas y digitales para explorar el poder transformador de la cámara y para investigar el proceso de la toma de la imagen y su relación con la superficie y la materialidad. Las obras resultantes son ricas en textura y oscilan entre la representación y la abstracción, participando en un diálogo con otros medios como la pintura, la escultura y la performance.
 
Sus imágenes han aparecido en publicaciones internacionales como The New York Times Magazine, The New Yorker, Harper, The Sunday Telegraph, Dazed & Confused, Le Monde, Le Figaro Magazine, Eyemazing, Next Level, EXIT, ...
 
Su trabajo ha sido ampliamente exhibido en exposiciones individuales y colectivas en todo Estados Unidos e internacionalmente en lugares como el Museo de Arte de Palm Springs y el Centro de Arte Digital de Los Ángeles, el Museo de Arte en Sorlandet Kristiansand y el Centro Cultural Francés en Oslo, el Palais de Tokio en París, y en los siguientes festivales internacionales de fotografía: Palm Springs, Lodz Fotofestiwal (Polonia), ruibarbo-ruibarbo en Birmingham y Les Rencontres d 'Arles.
 
Su video Inferno se presentó en el Centro Pompidou de París, como parte del Festival Internacional de Cine ASVOFF en 2011. En 2014 Laval recibió el Premio del Jurado en el sexto Festival Internacional de Cine ASVOFF en Roma durante su corto State of Flux.
 
Otros premios incluyen Humble Art Foundation’s 31 Women in Art Photography (2011), Peter S. Reed Foundation’s Grant (2005), PDN’s Top 30 Emerging Photographers of the Year (2005), y Magenta Fundación Emerging Photographers of the Year (2005 y 2009), además de ser seleccionada para participar en el programa Descubrimientos de Photo España (2004).
 

 

 

 

Referencias

 



Libros

Su primera monografía se publicará en 2015.

domingo, 21 de septiembre de 2014

Luis Casado

Luis Casado Fernández (Ksado) fue un fotógrafo español (nacido en Ávila en 1888 y fallecido en el 6 de febrero de 1972 en Santiago de Compostela) cuyas fotografías de la Galicia de principios del siglo XX constituyen las imágenes más reproducidas de esta región, sus gentes y sus pueblos.

 

Luis Casado “Ksado”

Luis Casado “Ksado”

 

 

 

Biografía

Luis Casado Fernández nació en Ávila, aunque su familia pronto se trasladó a vivir a Orense. Con 8 años recibió como regalo una cámara de placas 6×9” con la que realizó sus primeras fotografías. Aprendió su oficio en el estudio del conocido fotógrafo José Pacheco donde trabajó durante diez años, desplazándose en ocasiones en burro para realizar fotografías por los pueblos de los alrededores. Realizó sus primeras fotografías a los paisajes de su entorno y alrededores.

En 1911 recibió la acreditación de corresponsal de El Nuevo Mundo y en 1915 se convirtió en responsable de fotografía del diario Galicia y abrió su propio establecimiento en Santiago de Compostela. La imagen de la calle del estudio, Rúa del Villar, mojada como es habitual de Galicia, es una de las imágenes más conocidas y reproducidas de la iconografía de Santiago de Compostela. En esta época realizó vistas urbanas y de monumentos. Investigó y mejoró su técnica fotográfica, creando en 1917 un nuevo procedimiento fotográfico, y en 1919 realizó un viaje a París para adquirir nuevo material.

En 1922 abrió un nuevo estudio en Vigo (el de Santiago quedó a cargo de su hermana Carmiña), entablando contacto con los intelectuales de la época y retratando a las familias más pudientes de la ciudad. Estuvo vinculado a la vanguardia con sus colaboraciones en la revista Nos, participando activamente en el Seminario de Estudios Gallegos.

Colaboró con otras revistas como ABC, La Esfera, Nuevo Mundo, incluso con publicaciones americanas como La Nación y La Prensa de Argentina. Sus fotos se incluyeron dentro del fondo fotográfico del Patronato Nacional de Turismo. Durante la Guerra Civil Española cerró su estudio.  En la posguerra lo reabrió, centrándose en el retrato, pero tuvo que trasladarse  a Santiago (donde residía su hermana y fotógrafa/retocadora, al frente del estudio) por las continuas persecuciones que sufría como  simpatizante galleguista. Expuso su obra en toda Galicia y en Madrid en el Centro Gallego.

En esta última época colaboran en su estudio tanto familiares como profesionales entre los cuales se puede destacar Roberto Caamaño. Antes de fallecer traspasó su estudio al fotógrafo Sandine. Son numerosas las fotografías que realizó de toda Galicia y sus gentes. Destaca el libro Estampas Compostelanas editado en 1928 con calles y monumentos de Santiago. En 1936 editó el libro Estampas de Galicia, que presenta un mundo rural idílico, con 405 fotos de diferentes tamaños: 6x9 y 12x17. La tirada inicial fue de 10.000 ejemplares. En 1948 reeditó Estampas Compostelanas. En 1961 ilustró la Guía de Galicia de la Editorial Espasa.

Sus concepciones estéticas no abandonaron los clásicos parámetros de la fotografía, bien distantes de las vanguardistas innovaciones que en la época estaban teniendo lugar en algunos puntos de Europa.

Su obra forma parte de las colecciones privadas de Roberto Pérez, Pastor Moscoso y la familia Casado; también de la empresa Foto Sandine, propietaria de su antiguo estudio fotográfico. Desde 2011, el Archivo Fotográfico Kasado pertenece al Centro Galego da Fotografía.

En su honor, la Diputación de La Coruña celebra cada año desde 1997 el Premio de Creación Fotográfica Luis Ksado.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

  • Estampas Compostelanas. 1928 y 1948
  • Estampas de Galicia. 1936
  • Del Daguerrotipo a la Instamatic. Juan Miguel Sánchez Vigil.
  • Summa Artis La Fotografía en España. Tomo XLVII
  • Ksado, 1996
  • Galicia en blanco y negro, 1960 y 2000.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI  2013.

sábado, 20 de septiembre de 2014

Florian Van Roekel

Florian Van Roekel es un fotógrafo holandés (nacido en Breda en 1980, vive y trabaja en Ámsterdam) cuyo trabajo trasciende cualquier debate acerca de la manipulación de las imágenes documentales o incluso la validez de la fotografía como forma de arte.

 

© Florian Van Roekel

© Florian Van Roekel

 

 

 

Mi trabajo gira en torno a la manera en que experimentamos la vida cotidiana y la forma en que esto afecta la forma en que tratamos a los demás. Mis imágenes son documentos, tomados de una realidad sincera. Pero lo que realmente parece que documento es la forma en que nuestra percepción del mundo que nos rodea ha sido coloreado por años de bombardeo de los medios de comunicación.

 

 

 

Biografía

Florian van Roekel se graduó cum laude en 2010 en la Real Academia de las Artes, La Haya, después de estudiar en la Hogeschool van Amsterdam en 2006.

Para él, no hay nada malo en percibir la fotografía simplemente como un medio técnico para capturar una imagen de lo que está delante de nosotros. Utiliza la técnica cinematográfica, para unir las imágenes una con otra en una serie, y como fotógrafo documental que pone en cuestión tanto el valor real como el papel documental en sí de la fotografía.

En su serie más aclamada  How Terry likes his coffee expone las minucias de la vida en una oficina, invitándonos a ampliar esta introspección para incorporar preocupaciones sociales más amplias. Este libro fue seleccionado en 2011 por Martin Parr como uno de los mejores libros de la década.

Ha obtenido diversos premios, como en 2012 el Talents en Berlín, y el Plat(t)form 2012 del Fotomuseum Winterthur en Suiza. Ha expuesto en 2013 en el Ministerio de Finanzas de La Haya, en 2012 en Paris Photo, Plat(t)form 2012, Fotomuseum Winterthur, Talents 2012 en C/O Berlín, International Forum For Visual Dialogues en Berlín, Deutsche Börse en Frankfurt, (en solitario).

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 19 de septiembre de 2014

Pierre-Louis Pierson

Pierre-Louis Pierson fue un fotógrafo francés (nacido en Héscinckange en 1822, fallecido el 22 de marzo de 1913) que fue el fotógrafo de la corte imperial francesa. Entre sus obras destacan los retratos de legisladores franceses aunque es más conocido por los cientos de fotos que tomó (a lo largo de décadas) a la condesa di Castiglione, Virginia Oldoini.

 

 

La Contessa di Castiglione, Pierre-Louis Pierson

La Contessa di Castiglione, Pierre-Louis Pierson 

 

 

Biografía

Pierre-Louis Pierson tuvo un temprano interés en la fotografía. Desde 1844, tuvo un estudio en París, y contó con una sólida reputación.

Estuvo instalado profesionalmente durante muchos años en el Boulevard des Capucines, cuando se unió a los hermanos Mayer (Léopold-Ernest  y Louis-Frédéric). Su sociedad se mantuvo en esa dirección, y se convirtió en una empresa comercial importante. Inicialmente con el daguerrotipo, su taller fue uno de los primeros en especializarse en la fotografía de retrato retocado en acuarela o en óleo. Gozó del favor Imperial e hizo muchos retratos de la familia imperial durante el Segundo Imperio.

Entre 1855 y 1862 fue el período más brillante del taller. La corte, la aristocracia, la altas finanzas, actrices y músicos se agolpaban en su sala de estar. Fueron proveedores del rey de Württemberg, del de Portugal y del Rey de Suecia. Desde 1862, su clientela se volvió más heterogénea, y después de 1866, bastante ordinaria.

Su encuentro con la condesa de Castiglione fue en 1856 y siguió siendo el fotógrafo oficial de la condesa durante 40 años. En 1867, Pierson presentó su retrato de la dama de corazones en la Exposición Universal de París. Entre 1861 y 1867, se realizó una intensa colaboración entre el fotógrafo y la modelo, en la que la condesa creó con la ayuda del fotógrafo diferentes personajes. Vestidos, peinados, actitudes, todo está diseñado para crear un efecto dramático. También fotografió sus piernas y pies, en imágenes eróticas muy avanzadas para su época.

En 1878, se asoció con su yerno Gaston Braun, heredero de la empresa Braun y con el cuñado de este último, Léon Clément, y su colección fotográfica pasará  a perteneces a la Maison Braun. En 1883, consiguieron un contrato de exclusividad de 30 años con el Museo del Louvre para reproducir 7.000 obras, que serían propiedad del Estado. A cambio, la Maison Braun consiguió el título del fotógrafo oficial del Museo del Louvre.

 

 

 

Referencias

jueves, 18 de septiembre de 2014

Andreas Laszlo Konrath

Andreas Laszlo Konrath es un fotógrafo inglés (nacido en 1981 en Chorleywood, al noroeste de Londres, vive en Brooklyn, Nueva York) que a su trabajo editorial y de moda, une uno más personal con retratos donde priman la identidad y la juventud.

 

 

© Andreas Laszlo Konrath

© Andreas Laszlo Konrath

 

Biografía

Andreas Laszlo Konrath es hijo de arquitecto húngaro y de bailarina y profesora de ballet inglesa. Su hermano, 7 años mayor, es escritor.

Con 11 años estaba en una banda de death metal con sus mejores amigos Richard y Robert Phoenix. Con 13 redescubrió el skate que había practicado de niño cuando su madre le trajo uno  de California, y estuvo destrozándose el cuerpo hasta que con 20 años terminó en el hospital con una rodilla rota y con problemas para arreglarla y volvió a centrarse en el punk, siendo el bajista de una banda que recorrió el Reino Unido de 2000 a 2004.

Su hermano le compró Tulsa de Larry Clark para su 18 cumpleaños, y compró su primera cámara. Aunque estudió Bellas Artes en el Amersham College, decidió dejar el diseño gráfico y concentrarse en tomar fotografías de lo que le rodeaba; skaters, bandas, amigos y actividades generales relacionadas con la juventud de los suburbios de Londres.

Al finalizar el curso se fue a estudiar Bellas Artes en la Universidad de Guildhall de Londres, Whitechapel. Aprendió mucho viviendo en el East End, y siguió fotografiando a sus amigos, perfeccionando su enfoque y documentando  su cultura.

En 2005 decidió mudarse a Nueva York. A finales de 2007 ya había realizado diversas tareas editoriales, y a principios de 2008 fue nombrado uno de los 30 de PDN. En los siguientes años consiguió nominaciones y premios como los SPD y D&AD y realizó varias exposiciones en Nueva York, Londres, Copenhague y Cerdeña.

A finales de 2008 comenzó una colaboración con su amigo Brian, para producir fanzines y libros de artista de edición limitada bajo el nombre de Pau Wau Publications.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Back to Mystery City
  • So Alone I Keep the Wolves at Bay

miércoles, 17 de septiembre de 2014

Immo Klink

Immo Klink es un fotógrafo alemán (nacido en 1972 en Marbach, Alemania, vive y trabaja en Londres) que realiza, además de su trabajo comercial, una labor de documentación revestida de una clara conciencia crítica, investigando las miserias de la sociedad del bienestar, como son la publicidad como elemento de manipulación de masas o la globalización de la cultura.

 

© Immo Klink

© Immo Klink

 

Biografía

Immo Klink se graduó con un Master en Leyes y trabajó unos meses en el estudio de Wolfgang Tillmans. Desde 1999 vive en Londres.

Ha publicado en revistas como ADBUSTERS, Another Magazine, Dazed & Confused, The Drawbridge, I-D, New York Times Magazine, DAS MAGAZIN, Liberation, CAMERA AUSTRIA, PhotoWorks, Independent Magazine, Jalouse, Süddeutsche Zeitung Magazin.

Ha realizado exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), National Portrait Gallery (Londres), Sala Rekalde (Bilbao), Northern Gallery for Contemporary Art(Sunderland), Museo del Xopo (México DF). También ha participado en numerosas exposiciones colectivas junto a Allan Sekula, Andreas Gursky, Boris Mikhailkov, Massimo Vitali, Thomas Hirschhorn, Tracey Moffatt y Wolfgang Tillmans.

Además de su trabajo comercial: retratos de celebridades, moda y reportajes, trabaja en series documentales más personales como, por ejemplo:

  • European Communities, donde ha documentado 17 comunidades alternativas en  Europa, tras 5 años documentando qué nuevos tipos se han creado y estudiando su ideología, hábitat y microeconomía.
  • Security, donde lanza una mirada crítica sobre la amenaza que los grandes despliegues de seguridad suponen para la libertad individual. Para realizar esta reflexión, el artista ha captado imágenes de algunos de los acontecimientos políticos, económicos y sociales más relevantes de los últimos años, como la cumbre del G8 en el año 2005 o los atentados de Londres del 7-J para desvelar las "estrategias del poder" y descubrir la "reacción de los ciudadanos”.

 

 

Referencias

martes, 16 de septiembre de 2014

Eulalia Abaitua

Eulalia Abaitua fue una fotógrafa vasca (nacida en Bilbao en 1853 y fallecida en 1943) que es la primera fotógrafa de la que existen referencias en el País Vasco. Su obra supone en la actualidad un magnífico documento histórico que recoge las costumbres, fiestas, tradiciones y en definitiva la vida pasada del pueblo vasco. Bajo una atenta y sensible mirada recogió aspectos de la vida rural y urbana que la rodeaba, a la vez que captaba las más diversas faenas y actitudes de las mujeres de la época, dotándolas de un importante protagonismo y acercando su papel a nuestros días.

 

Foto de una peregrina vasca realizada en Begoña en 1900 por Eulalia Abaitua

Foto de una peregrina vasca realizada en Begoña en 1900 por Eulalia Abaitua

 

 

 

Biografía

Maria Elvira Juliana Abaitua Allende y Salazar (llamada Eulalia tras la temprana muerte de su madre), nació en una familia adinerada, estudió en el colegio del Sagrado Corazón de Jesús de Sarriá en Barcelona y por la guerra carlista, con 18 años se trasladó junto a su familia a Liverpool, donde descubrió la fotografía, adquiriendo los aparatos y aprendiendo la técnica.

De regreso a Vizcaya, con su marido el ingeniero civil Juan Narciso de Olano se estableció en el Palacio del Pino, ubicado junto al santuario de la Virgen de Begoña, en Bilbao. En el sótano de esta mansión, instaló su laboratorio fotográfico.

Su obra puede clasificarse en tres grandes temáticas: la vida privada, las imágenes costumbristas y los viajes. El primer bloque lo protagonizan sus familiares y amigos en el Palacio del Pino; el segundo se compone de instantáneas que registran el ambiente de su localidad y alrededores; el tercero son fotografías de sus viajes por Italia, Venecia, Marruecos, Lourdes, Málaga, Madrid, Isla de Creta y Tierra Santa.

La mayoría de sus fotografías son en blanco y negro, aunque también tiene obra en color, los denominados autocromos.

La colección completa resulta una muestra del paisaje urbano y rural de Vizcaya en el paso del siglo xix al xx. De ahí que su trabajo fotográfico, llevado a cabo con un lenguaje directo, pueda hoy considerarse como una prueba rigurosa de la realidad de su tiempo.

Según revela su archivo de más de 2.500 imágenes conservadas en el Museo Vasco de Bilbao, su material preferido fueron las placas estereoscópicas de vidrio, tanto positivas como negativas, en formato 4,7 × 10,7 cm y emulsión de gelatinobromuro, aunque también trabajó con otros formatos. Entre 1991 y 2005, el Museo Vasco de Bilbao ha realizado cinco exposiciones de la colección con sus correspondientes catálogos.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 15 de septiembre de 2014

Markéta Othová

Markéta Othová es una diseñadora gráfica y fotógrafa checa (nacida en 1968 en Brno, vive y trabaja en Praga) cuyas fotografías interactúan como si fueran palabras para formar oraciones. La disposición sintáctica de las obras es un componente esencial de su praxis artística.

 

MarketaOthova

© Markéta Othová

 

 

Biografía

Markéta Othová ha estado trabajando con la fotografía desde principios de los 90, y estudió en la Academia de Artes, Arquitectura y Diseño de Praga.

Las grandes fotografías en blanco y negro de Markéta Othová se exhiben como series de imágenes que crean una narración lírica de nomadismo, trazando sus viajes entre su Praga natal y ciudades lejanas. Son momentos de tránsito capturados: una mirada desde la ventana de un coche o de un tren o de un momento capturado mientras se mueve rápidamente a través del paisaje abierto o camina distraídamente una calle de la ciudad.

Aunque sus fotografías son casi exclusivamente en blanco y negro, su trabajo no se ajusta a los tropos tradicionales del documental o la fotografía artística con la que el blanco y negro se asocia por lo general.

Grandes en escala, bajas en la resolución, sin enmarcar y clavadas a la pared, sus imágenes están claramente estructuradas a través de secuencias lineales o en forma de cuadrícula cuidadosamente intercalados con alguna fotografía independiente de forma ocasional.

Othová agrupa cuidadosamente las fotografías de su archivo, a veces tomadas hace años. Sus interesantes yuxtaposiciones de interiores, escenas callejeras, paisajes y naturalezas muertas se transforman en observaciones fotográficas con inquietantes códigos visuales, creando evocadores recuerdos de un pasado que parece sólo un poco más allá del alcance de la memoria personal.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 14 de septiembre de 2014

Jorge Aguirre

Jorge Aguirre fue un fotógrafo argentino (nacido el 4 de marzo de 1929 en Buenos Aires, donde falleció el 6 de junio de 1996) conocido principalmente por sus reportajes sobre su ciudad, que es considerado uno de los grandes maestros de la fotografía argentina.

 

© Jorge Aguirre

© Jorge Aguirre

 

 

Biografía

Jorge Aguirre comenzó con 18 años sus estudios de Ciencias Económicas en la Universidad de Buenos Aires, pero dos años después se incorpora al grupo de alumnos del grabador suizo Clement Moreau para realizar estudios sobre grabado, dibujo, pintura e historia y teoría del arte.

Al poco tiempo comenzó a trabajar en diferentes ocupaciones, como obrero en una fábrica de cerámica, y abandonó sus estudios universitarios y en 1956 comenzó a interesarse por la fotografía.

En 1958 entró a trabajar como reportero gráfico en el periódico argentino El Nacional, manteniendo simultáneamente colaboraciones con Associated Press y las publicaciones Leoplán, Vea y Lea o Time-Life. Entre 1959 y 1960 participó en diversas muestras colectivas de fotografía de prensa argentina.

En los años sesenta trabajó para diferentes medios de la Editorial Abril y la Editorial Atlántida: Panorama, Claudia, Parabrisas, Siete Días, El Gráfico y Para Ti. También colaboró con la fotografía de la colección Mi país, tu país. Enciclopedia argentina de la escuela y el hogar, del Centro Editor de América Latina.

Está incluido en un título de la colección Artistas argentinos del siglo XX, en la categoría de fotografía. En los setenta amplió sus colaboraciones en medios periodísticos. Sus últimos trabajos fueron para la Editorial Perfil y publicaciones como Mujer, La Semana y Playboy.

Jorge fue un hombre delgado y elegante, siempre bien vestido y nunca perdía la compostura. Amable y seductor, su imagen contrastaba con la de todos los demás fotógrafos de la época. Pero también era un solitario, con una producción fotográfica enorme que se desarrolló en unas pocas calles alrededor de su casa en Córdoba y Paraná, en las avenidas Callao, Corrientes y Santa Fe. Los cambios en la ciudad eran uno de sus temas preferidos .

Gran parte de su material es inédito. En 1986 se realizó su retrospectiva Allegro man non troppo en el Centro Cultural General San Martín. Siguieron años intensos donde participó en diversas exposiciones individuales y colectivas de prensa gráfica, entre las que destacó la realizada en la Sociedad Hebraica Argentina en 1989.


 

 

Referencias