domingo, 31 de agosto de 2014

John Hilliard

John Hilliard es un artista conceptual Inglés (nacido en 1945 en Lancaster, vive y trabaja en Londres) cuya obra trata principalmente de la  especificidad de la fotografía como medio: su incertidumbre como dispositivo de representación y su estatus dentro de las artes visuales, especialmente en relación a la pintura, el cine y la fotografía comercial.

 

 

Camera Recording It’s Own Condition, 1971 © John Hilliard

Camera Recording It’s Own Condition, 1971 © John Hilliard

 

 

 

Biografía

John Hilliard estudió en el Lancaster College of Art de 1962 a 1964, y luego en la Saint Martin's School of Art en Londres hasta 1967.  Siendo estudiante de arte en los 60, comenzó usando la cámara simplemente para capturar imágenes de sus instalaciones de arte, esculturas, a menudo efímeras. Pronto se dio cuenta de que la cámara no era completamente neutral, y exploró la manipulación del proceso fotográfico y sus resultados.

En los 70, examinó cómo los cambios en el proceso de la fotografía en blanco y negro podrían afectar el resultado. Su arte mostró cómo la objetividad teórica de la cámara era vulnerable a las decisiones tomadas por el fotógrafo previas a la toma, así como a las decisiones posteriores efectuadas en el cuarto oscuro en relación con las técnicas de selección y desarrollo del papel.

Ejemplos típicos/tópicos de su trabajo son:

  • Camera Recording Its Own Condition (1971) donde en una imagen mostraba 70 instantáneas tomadas por una cámara reflejándose en un espejo, con diferentes velocidades de película, tiempos de exposición y aperturas de diafragma.
  • Cause of Death (1974), mostraba cuatro imágenes del mismo cadáver humano bajo una sábana. Las imágenes fueron realizadas a partir de un único negativo fotográfico, pero cada uno sugería una causa distinta de la muerte, simplemente cambiando el encuadre.Esta serie es una elegante prueba forense que evidencia que, aunque la cámara no pueda mentir, las fotografías dicen verdades diferentes.

En 1983 y 1984, Hilliard expuso en Alemania en Kölnischer Kunstverein, Kunsthalle Bremen y Frankfurter Kunstverein. Con este motivo se publicó un libro de 69 páginas

A principios de 1989, una exposición de sus obras a gran escala fue presentada durante un mes en el museo Chicago's Renaissance Society de Chicago. Las obras eran Cibachromes y grabados Scanachrome, en los que se saturaba el color aplicando colorantes al lienzo. También se editó un libro de 30 páginas.

En la década de los 90 la obra de Hilliard desarrolló un cromatismo más fuerte, con un revelado forzado, saturación y brillo, los sujetos muestran una narrativa violenta o erótica. Al mismo tiempo, el espectador no puede ver claramente el contexto al haber objetos interpuestos tapando o difuminando partes de la escena. A mediados de esta década Hilliard amplió aún más la escala de sus obras fotográficas mediante la impresión sobre lienzo o vinilo, con un tamaño de mural, pero continuando con su idea de impedir al espectador una comprensión completa, como un comentario crítico sobre el proceso de la visión.

Hilliard enseñó durante un tiempo en la Camberwell School of Arts and Crafts, y posteriormente en la Slade School of Fine Art, University College London.

En 1999, una gran retrospectiva de su obra se mostró en tres galerías de arte alemanas. En 2003, la editorial alemana Verlag das Wunderhorn publicó una monografía de su obra, titulada The Less Said The Better, a la que acompañó una exposición en solitario en Ámsterdam. Ha realizado muchas exposiciones en solitario y en grupo, con especial hincapié en Alemania, donde en 1986 obtuvo el premio David Octavius Hill Memorial.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • The Less Said The Better, 2003.

sábado, 30 de agosto de 2014

Patrick Faigenbaum

Patrick Faigenbaum es un fotógrafo francés (nacido en 1954 en París, donde vive y trabaja) cuya obra está fuera de la inmediatez de lo contemporáneo y entra de lleno en la tradición pictórica, que se extiende a todos los géneros: retratos,  imágenes de calle, vistas urbanas y naturalezas muertas son parte de su producción, aunque el tema central de su obra es el ser humano y su inscripción en el tiempo y la historia.

 

© Patrick Faigenbaum

© Patrick Faigenbaum

 

Biografía

Patrick Faigenbaum estudió pintura y dibujo desde 1968 hasta 1973, cuando comenzó a explorar el medio de la fotografía. Fue influenciado por el trabajo de Richard Avedon, W. Eugene Smith y Bill Brandt. Éste mismo le aconsejó en 1976, que fotografiara sus sujetos en su ambiente natural en vez de un crudo estudio. Empezó haciendo retratos de sus amigos y familiares y, finalmente, evolucionado de la clase media parisina familiar a la aristocracia italiana, con la que se dio a conocer a principios de los años 80alianas. Las fotografías en blanco y negro, con un claroscuro lleno de humo, mostraban a sus modelos posando frontal y rígidamente en sus residencias palaciegas.

Posteriormente comenzó con retratos de ciudades, como la Ville de Tulle, y ya trabajó en blanco y negro y color indistintamente.

Faigenbaum ha viajado por toda Europa realizando retratos de personas y lugares, inscribiendo el pasado dentro de sus composiciones. Formado inicialmente como pintor, su cuadros fotográficos se llenan con los efectos artísticos de luz y sombra, textura y otras señales visuales que hacen referencia a la historia de la pintura, la fotografía y el cine. Sus retratos de personas encarnan tanto la especificidad y la distancia, dejando al descubierto la intimidad fugaz entre el artista y el modelo, mientras que sus fotografías de las periferias urbanas y paisajes rurales aluden a los cambios socioeconómicos que se dan en Europa.

Sus obras están presentes en las colecciones públicas y privadas más importantes, como el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York o MNAM, Centre Pompidou. Recientemente el Museo de Grenoble ha presentado su primera gran retrospectiva en Francia. Es profesor en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Patrick Faigenbaum - L'eclairement 2013
  • Patrick Faigenbaum - Vancouver Art Gallery 2013
  • Patrick Faigenbaum Noir & blanc 2012
  • Patrick Faigenbaum, Paris proche et lointain, 1972-2011 2011
  • Patrick Faigenbaum . Penny Hes Yassour 2009
  • Patrick Faigenbaum Santulussurgiu 2008
  • Patrick Faigenbaum, Tulle 2007
  • Patrick Faigenbaum, Fotografias 1973 . 2006 2007
  • Patrick Faigenbaum, D'après Beauvais 2002
  • Patrick Faigenbaum 2000
  • Patrick Faigenbaum: Fotografien; Florenz, Rom, Neapel, Bremen 1999
  • Patrick Faigenbaum - Praha 1998
  • Praha, Patrick Faigenbaum 1995
  • Patrick Faigenbaum - Mishkan le'Omanut, musée d'art, Ein Harod, Israël 1993
  • Patrick Faigenbaum 1989-1991, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris 1991
  • Patrick Faigenbaum - Tableaux romains 1989
  • Patrick Faigenbaum - Vies Parallèles 1989
  • Patrick Faigenbaum: Roman Portraits 1988
  • Vies parallèles - Patrick Faigenbaum - Rome Août 1987 1987
  • Nobili Fiorentini a Casa - 1885-1985 1986

viernes, 29 de agosto de 2014

Wim Van Den Heever

Wim Van Den Heever es un fotógrafo sudafricano que realiza fotografía de naturaleza salvaje, sobre todo fauna. También organiza safaris y alquila material fotográfico para ellos.
 

© Wim Van Den Heever
© Wim Van Den Heever



Biografía

Wim Van Den Heever tuvo interés en la fotografía y en la naturaleza desde siempre, al formar parte de una familia en la que la fotografía era una forma de vida más que una afición, y nunca perdió la oportunidad de visitar los Game Parks de su país.
 
De una manera natural combinó su amor por la fotografía y la naturaleza haciendo de la fotografía de fauna una profesión y estilo de vida en lugar de un hobby. Al principio tuvo que hacer un montón de fotografía comercial para complementar sus ingresos como un fotógrafo de la naturaleza, pero muy pronto se dio cuenta de que su verdadera pasión era la vida al aire libre y la fotografía de naturaleza y sus esfuerzos se concentraron en hacer de esto una realidad.
 
En 2007 se unió con Hedrus van der Merwe de OutdoorPhoto para formar una división para Camera Equipment Rentals and Safaris. Su empresa actualmente organiza safaris en lugares privilegiados en todo el mundo, y le da la oportunidad única de pasar una buena cantidad de tiempo al aire libre, buscando localizaciones y fotografiando lo que le gusta: la vida salvaje.
 
Ha conseguido diversos premios, entre los que podemos destacar el BBC Veolia Wildlife Photographer of the year - Runner up Award 2013 y el Africa Photographic Awards - Runner Up 2010. Fotografías suyas han sido portada en las revistas Weg Magazine y BBC Wildlife Magazine.



Referencias

jueves, 28 de agosto de 2014

Antonio Xoubanova

Antonio Xoubanova es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1977) que compagina su trabajo documental en medios editoriales con proyectos personales más sutiles.

 

 

© Antonio Xoubanova

© Antonio Xoubanova

 

 

 

Biografía

Antonio M. Xoubanova estudió fotografía en la Escuela de Arte y Diseño en Madrid, tras dejar Turismo. Es uno de los miembros fundadores del colectivo Blank Paper en 2003.

Ha recibido numerosas becas y premios, entre ellos el FotoPres'07 de la Fundación La Caixa para desarrollar su proyecto M-30, una subvención del Ministerio de Cultura, premio por fotografía documental en ARCO'05, Henri Cartie-Bresson Award, beca del Colegio de España en París, Caminos de Hierro, ...

Su trabajo ha sido publicado en The New York Times, El Semanal y ha estado trabajando regularmente para El Mundo desde 2006.

Casa de Campo es su primer libro y un cuento de hadas fotográfico llena de símbolos basados ​​en la realidad del parque público más grande de Madrid. Durante cinco años Xoubanova examinó este misterioso bosque observando las características de este espacio y, finalmente, creó una ficción narrativa de amor, muerte, instantes fugaces, simbolismo y falta de dirección (los cinco capítulos de Casa de Campo). Ha expuesto este mismo proyecto en Brachfeld Gallery, en la exposición CityScapes en el Ayuntamiento de Madrid y en Le Bal (París) en la muestra colectiva Regard Sur La Nouvelle Scène Photographique Espagnole.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 27 de agosto de 2014

Nicolai Howalt

Nicolai Howalt es un artista visual y fotógrafo danés (nacido en Copenhague en 1970, donde vive y  trabaja) cuya obra tiene referencias documentales, operando en la intersección entre la fotografía conceptual y la instalación.

 

© Nicolai Howalt

© Nicolai Howalt 

 

 

 

Biografía

Nicolai Howalt  se graduó de la Escuela de Arte Fotográfico Fatamorgana de Dinamarca en 1992.

Ha realizado exposiciones individuales en el Esbjerg Kunstmuseum, Bruce Silverstein Gallery en Nueva York, Martin Asbæk Gallery en Copenhague y el Center for Fotografi en Estocolmo, entre otros. También ha expuesto en Dinamarca, Corea, China, EEUU, Alemania, Lituania, Polonia, Francia, Finlandia, Inglaterra, Hungría y Turquía.

Ha recibido becas de la Fundación Hasselblad, el Ministerio de Cultura de Dinamarca, la Fundación Danesa de Artes y el Consejo Danés de las Artes.

Su obra está en numerosas colecciones públicas, incluyendo el Museo de Israel en Jerusalén, MUSAC en España, Maison Européenne de Photographie en Francia, el Museo de Bellas Artes de Houston en EEUU, La Casa Encendida en España, Fondation Neuflize Vie de Francia, Art Foundation en Mallorca, Hiscox Art Project en EEUU. Y en Dinamarca, el Museo Nacional de la Fotografía, la Fundación Danesa de Artes, Museo de Skagen en Nykredit y Museet for Fotokunst en Brandts.

Mantiene una colaboración a largo plazo con su esposa, la artista danesa Trine Søndergaard, con la cual ha publicado libros y realizado exposiciones en Suecia, Alemania, España, Francia, Canadá, Finlandia, EEUU, China y Corea. Sus trabajos de colaboración han recibido premios como el Premio Especial del Jurado en Paris Photo 2006 y el Premio de las Artes en la Fundación Niels Bagge Wessel en 2008.

Howalt es miembro del Kunstnersamfundet y de la Asociación Danesa de Artistas Visuales. Está representado por la Martin Asbæk Gallery en Copenhague y Bruce Silverstein Gallery de Nueva York.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • 3x1 2001.
  • Boxer 2003.
  • How to Hunt (con Trine Søndergaard) 2005.
  • TreeZone (con Trine Søndergaard) 2009.
  • Dying Birds (con Trine Søndergaard) 2011.
  • How to Hunt (con Trine Søndergaard) 2011.
  • sammenstoed 2011.
  • 78 boxers 2011.
  • Car Crash Studies (con Trine Søndergaard) 2012.

martes, 26 de agosto de 2014

Karen Knorr

Karen Knorr es una fotógrafa anglo-americana (nacida en 1954 en Frankfurt am Main, Alemania, vive en Inglaterra) que ha desarrollado un diálogo crítico y lúdico con la fotografía, con temas que van desde la investigación de los valores patriarcales de las clases altas inglesas, a abordar el papel de los animales y de su representación en el arte.

 

 

© Karen Knorr

© Karen Knorr

 

 

 

Biografía

Karen Knorr nació en Frankfurt am Main, Alemania, se crió en San Juan de Puerto Rico, y se educó en París y Londres (Universidad de Westminster), viviendo en Inglaterra desde la década de los 70.

Ha utilizado la fotografía para explorar tradiciones culturales, desde clubes de caballeros de Saint James, a interiores lujosos de los palacios de la India. Su trabajo mezcla el arte conceptual, la cultura visual y el feminismo. Sus serie más representativas son: Punks (1976-1977), Belgravia (1979-1981), Gentlemen (1981-1983), Connoisseurs (1986-1990), Academies (1994-2005), Fables (2003-2008) e India Song (2008-2011).

Desde la década de 1980 en adelante su trabajo se ha comprometido cada vez más con el examen de las cuestiones de poder que subyacen en el patrimonio cultural. Este es el tema principal de su trabajo pero que se encuentra sutilmente bajo la riqueza visual y la inventiva de sus imágenes. Sus fotografías satisfacen muchos de los requisitos de la fotografía tradicional al abordar el aspecto superficial de una especie o lugar, pero luego se trasladan a un espacio paradójico donde comienzan a cuestionar los supuestos claros de contenido de la imagen.

Al igual que los primeros fotógrafos pioneros encontraron en la India una gran cantidad de materia exótica, Knorr celebra la riqueza visual que se encuentra en los mitos e historias del norte de la India, para resaltar la casta, la feminidad y su relación con el mundo animal.

En India Song, su obra más reciente, los interiores son meticulosamente fotografiados con una cámara analógica de gran formato, y los animales vivos lo son en digital de alta resolución y se mezclan posteriormente en su ordenador, obteniendo imágenes originales y sorprendentes que reinventan el Panchatantra en el siglo XXI y que desdibujan los límites entre la realidad y la ilusión.

Aunque ampliamente expuesta en Europa y la India, India Song ha sido la primera exposición individual de Karen Knorr en los Estados Unidos. Este trabajo fue nominado para el Premio de Fotografía Deutsche Börse 2012, el premio más prestigioso de Europa "para el fotógrafo vivo que ha realizado la contribución más significativa al medio de la fotografía en el último año". También fue la ganadora del V Premio Internacional de Fotografía Pilar Citoler.

En la actualidad, ha publicado un libro con Olivier Richon, con fotografías de los punks londinenses de 1977. Ambos autores llegaron a Londres en 1976, se encontraron en la Polytechnic of Central London (ahora Universidad de Westminster) y se fascinaron con el punk, una de las subculturas florecientes de la ciudad en aquella época. Expuestas en la Photographers 'Gallery en 1978, estas fotografías se han publicado en 2014 en el libro Punks.

Karen ha dado clases de fotografía, realizado exposiciones y dado conferencias en la Tate Britain, Tate Modern, Universidad de Westminster, Goldsmiths, Universidad de Harvard y en el Instituto de Arte de Chicago. Actualmente es profesora de fotografía en la Universidad de las Artes Creativas de Farnham, Surrey.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 25 de agosto de 2014

Abbas Kiarostami

Abbas Kiarostami fue un guionista, montador, director artístico y productor de cine, poeta, pintor, ilustrador, diseñador gráfico y fotógrafo iraní (nacido en Teherán el 22 de junio de 1940, y fallecido el 4 de julio de 2016 en Francia) que forma parte de la generación de cineastas de la Nouvelle Vague iraní, un movimiento de cine persa que comenzó a finales de los 60. Estos cineastas comparten muchas técnicas comunes, incluyendo el uso del diálogo poético y la narración alegórica hacer frente a las cuestiones políticas y filosóficas. Kiarostami era conocido por su uso de la poesía contemporánea iraní en el diálogo, títulos y temas de sus películas.
 

© Abbas Kiarostami
© Abbas Kiarostami


Se dice que en el principio fue el verbo (la palabra), pero para mí el principio es siempre una imagen. Cuando pienso en una conversación, siempre empieza con imágenes. Y lo que me gusta de la fotografía es la inscripción de ese momento único: totalmente efímero. Haces la fotografía, y un segundo después, todo ha cambiado.
Cuando arrancas un árbol que tiene sus raíces en la tierra, y lo llevas a otro lugar, el árbol ya no da sus frutos. Y si lo hace, la fruta no será tan buena como lo era en su lugar original. Esta es una regla de la naturaleza. Creo que si hubiera dejado mi país, me hubiera pasado como al árbol.
Ahora mismo estoy trabajando en una película en Italia. Cuando hayamos terminado de filmar, cogeré mi cámara y me iré caminando, haciendo fotos de las colinas y la luz.



Biografía

Kiarostami tuvo su primera experiencia artística con la pintura en su adolescencia, ganando un concurso de pintura con 18 años. Después estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Teherán, donde se especializó en pintura y diseño gráfico, trabajando al mismo tiempo como agente de tránsito.
 
Como pintor, diseñador e ilustrador, Kiarostami trabajó en publicidad en la década de los 60, el diseño de carteles y la creación de anuncios publicitarios. Entre 1962 y 1966, filmó cerca de 150 anuncios para la televisión iraní. Hacia finales de 1960, comenzó creando títulos de crédito de películas e ilustrando libros para niños.
 
Kiarostami se mantuvo en Irán después de la revolución de 1979, cuando muchos de sus compañeros cineastas y directores huyeron a occidente, y cree que fue una de las decisiones más importantes de su carrera.
 
Sin embargo, tras la revolución, las cosas no le fueron fáciles y se refugió en la fotografía, un medio más íntimo y que podía hacer en solitario. Posteriormente pudo seguir su carrera en el cine, no sin dificultades, tanto en EEUU donde no ha podido acudir libremente por su nacionalidad, como en su propio país donde, su película Copie conforme, que ganó la Espiga de Oro en la 55 SEMINCI y por la que Juliette Binoche ganó el Premio a la interpretación femenina en Cannes 2010, ha sido prohibida.
 
Ha recibido numerosos premios por sus películas (más de 40 incluyendo cortos y documentales), incluyendo una Palma de Oro en Cannes (1997).



Referencias

domingo, 24 de agosto de 2014

Johann Ryno de Wet

Johann Ryno de Wet es un fotógrafo sudafricano (nacido el 30 de marzo de 1982 en Johannesburgo, donde vive y trabaja) joven y emergente con una gran proyección internacional y en cuyo trabajo muestra imágenes fantásticas y oníricas nacidas del inconsciente en forma de paisajes perturbadores.

 

© Johann Ryno de Wet

© Johann Ryno de Wet

 

 

Mi objetivo es dar a conocer no sólo los entornos de ficción de mis sueños, sino revelar tal vez un propósito o función de los sueños más elevados. Yo creo que cuando experimentamos obstáculos en la vida real, el subconsciente manifiesta el problema en sus sueños. Se podría argumentar que los sueños vienen de un lugar de nosotros mismos que tiene las respuestas a nuestros problemas, pero que tienen que ser descifradas con el fin de ser entendidas.

 

 

 

Biografía

Johann Ryno de Wet estudió Bellas Artes en la Design School de Sudáfrica y se licenció en Fotografía en la Tshwane University of Technology.

Creador de mundos distópicos y cinematográficos, empleando con eficacia técnicas digitales para transformar un punto de partida real en uno final, onírico y terrorífico, con una correcta distribución de los elementos en el paisaje y un gran equilibrio compositivo, su talento fue reconocido por la prestigiosa Aperture Foundation, seleccionando su obra para el proyecto reGeneration. 50 photographers of tomorrow.

Su obra se encuentra repartida por colecciones privadas de todo el mundo, incluyendo Sudáfrica, España, Bélgica, Reino Unido, Méjico y EEUU. A nivel institucional destaca su presencia en la colección del Centro de Arte Dos de Mayo (Madrid), en el Tucson Museum of Art (Arizona) y en el Musée de l’Elysée (Lausana).

Representado por la galería Cámara Oscura, tiene un fuerte presencia en España, donde ha expuesto en solitario:

  • 2014.  Introspect, Centro de Arte de Alcobendas, Madrid
  • 2012. Underland, camara oscura galeria de arte, Madrid
  • 2009. Shadow Valley, camara oscura galeria de arte, Madrid
  • 2007. No Man’s Land, camara oscura galeria de arte, Madrid.

 

 

 

Referencias

sábado, 23 de agosto de 2014

Andrew Walmsley

Andrew Walmsley es un fotógrafo inglés que realiza fotografía de paisaje y sobre todo de naturaleza salvaje, que ha capturado imágenes de algunas de las especies más carismáticas e impresionantes de este planeta.

 

Bad Boys © Andrew Walmsley

Bad Boys © Andrew Walmsley

 

Biografía

Andrew Walmsley comenzó en serio con la fotografía en 2005, y su primer trabajo fue la creación de un catálogo de fotoidentificación de los delfines nariz de botella de la bahía de Cardigan. Este  proyecto se basó más en la investigación científica que en la producción de buenas fotografías, pero le abrió los ojos y se dio cuenta de que el camino de la vida al aire libre era su carrera.

Se trasladó para 6 meses a Nueva Zelanda, pero se encariñó con el travieso y entrañable loro de montaña, el kea, el destructor de limpiaparabrisas y otras cosas de los coches, debido a su naturaleza curiosa y sin control,  que les permite sobrevivir en uno de los entornos más difíciles en la Tierra. Aproximadamente 150.000 de estas aves fueron sacrificadas en los años 70 y 80, y  los 1.500 que sobreviven hoy en día, no son muy populares entre los lugareños a este día. Se unió a la Kea Conservation Trust y donó varias fotografías para ayudar a cambiar su imagen, con el objetivo de proteger a este "payaso de las montañas". Sus esfuerzos culminaron en un artículo en la revista BBC Wildlife.

A su regreso al Reino Unido, centró su atención en los primates. Los monos y los simios tienen un lugar especial en el corazón de la gente, pero casi todas sus especies están amenazadas principalmente por nuestra explotación de sus hábitats y de los propios animales. A través de contactos en Oxford Brookes University, ha pasado gran parte de los últimos dos años documentando la difícil situación de algunas especies: desde los lentos loris y macacos crestados a los orangutanes y los gorilas de montaña.

Walmsley es ahora más fotógrafo de conservación que puramente un fotógrafo de la naturaleza, ya que siente que las imágenes que captura deben ser utilizadas para ayudar a asegurar la supervivencia de los animales que fotografía en sus frágiles entornos.

Ha obtenido el Wildlife Photographer of the Year 2007 en la categoría Vida salvaje en jardín y urbana, y el Wildlife Photographer of the Year 2013 en la categoría Mamíferos, con Bad Boys.

 

 

Referencias

viernes, 22 de agosto de 2014

Charles Frèger

Charles Frèger es un fotógrafo francés (nacido en 1975 en Rouen, donde vive y trabaja)  especializado en retrato. Desde sus comienzos ha realizado series de grupos sociales atípicos como: legionarios, jockeys, jugadores de waterpolo, patinadores, militares, luchadores de sumo, budistas, y artistas de la Ópera de Pekín por citar algunos.

 

© Charles Frèger

© Charles Frèger

 

Biografía

Charles Frèger comenzó en el mundo de la fotografía tras sus estudios de agricultura, después de  estudiar Bellas Artes y necesitar fotografías para sus litografías. Especialista en el retrato, los suyos son limpios, sencillos, bien elaborados, técnicamente impecables y cuidados hasta el último detalle.  Se ha dedicado a la representación poética y antropológica de grupos sociales, como atletas, escolares, fuerzas armadas, etc.,

En su serie Wilder Mann buscó en 2010 y 2011 por dieciocho países de Europa (Italia, Polonia, Escocia, República Checa, …) a grupos tradicionales que se visten de animales como parte de una tradición cultural ancestral, fotografiándolos en sus parajes naturales y otorgándoles una personalidad alejada del contexto de grupo folclórico tradicional.

El trabajo de Charles Fréger se ha exhibido en exposiciones individuales en Musee d'Art Moderne de Luxemburgo, Musee des Beaux-Arts de Rouen, Yokohama Museum of Art, Fotohof de Salzburgo y la Maison Européenne de la Photographie de París, entre otros.

Fréger es el fundador de la comunidad artística Piece of Cake y de la editorial POC.

 

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 21 de agosto de 2014

Geert Goiris

Geert Goiris es un fotógrafo belga (nacido en Bornem en 1971, vive y trabaja en Amberes) que ha recorrido en los últimos años medio mundo, del polo al desierto, en busca de paisajes silenciosos y desolados en los bordes mismos de la civilización, o dentro de ella.

 

 

© Geert Goiris

© Geert Goiris

 

A menudo utilizo un tiempo de exposición largo. Me parece fascinante que la cámara sea capaz de resumir toda una hora en una sola imagen. Ese tipo de fotografía me intriga ya que, en la película, se puede percibir un espectro más amplio que el de nuestros ojos, se puede observar muy rápidamente o muy lentamente. En la mayoría de mis imágenes, la cámara no es tanto un testigo del momento, sino que registra el estado de ser, un lapso de tiempo. Tal condensación de tiempo es la razón por la que me gusta viajar a regiones remotas. Allí el tiempo geológico está mucho más presente que el tiempo humano. Así, todos los elementos que dan testimonio de la presencia humana se ven desde un ángulo diferente.

 

 

 

 

Biografía

Geert Goiris se graduó en 1993 de la Academia de Arte de Bruselas y en la Film and Television Academy (FAMU) de Praga, República Checa, en 1995. Recibió un postgrado en el Higher Institute of Fine Arts (HISK) en Amberes en 2000.

Sus exposiciones individuales más recientes han sido en VOX en Montreal, Musée de Bagnes y Barrage de Mauvoisin en Le Châble (Suiza), Geert Goiris en Museum M en Leuven (Bélgica), Lying Awake en The Nest, Nairobi. También ha sido incluido en exposiciones colectivas como Manifesta 5 en San Sebastián, y Platform Garanti Contemporary Art Center en Estambul.

Goiris utiliza recursos de la fotografía documental: sus imágenes son nítidas y objetivas en su composición, en ellas todo es legible y, sin embargo, ese naturalismo apenas oculta una profundidad de ensueño que pronto hace aflorar una ambigüedad inquietante.

La sensación de deslizarse entre el despertar y el sueño se refuerza con el uso que hace de la luz: utilizando tiempos de exposición largos y construyendo cuidadosamente cada composición. Así, paisajes y figuras adquieren una calidad surrealista. Es lo que denomina realismo traumático: un punto de ruptura donde un mundo se desliza inexplicablemente a través de las costuras de otro, un ámbito misterioso que incita al espectador a fijar la atención en un plano inusitado de la realidad que lo circunda.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 20 de agosto de 2014

Alberto Lizaralde

Alberto Lizaralde es un fotógrafo español (nacido en 1979 en Aranjuez, cerca de Madrid, donde vive actualmente) que, en sus últimos trabajos, documenta los momentos cotidianos cuando todo se derrumba, las situaciones en las que el tiempo, objetos y lugares pierden su naturaleza física, los pequeños fragmentos de la vida que muestran nuestra vulnerabilidad en lo cotidiano.

 

© Alberto Lizaralde

© Alberto Lizaralde

Biografía

Alberto Lizaralde se licenció en Publicidad en Madrid. Trabajó como crítico de cine y dirigió dos cortometrajes y algunos eventos culturales.

Ha sido profesor de fotografía y coordinador online de la Escuela BlankPaper (Madrid). Combina su trabajo como director creativo de la agencia de publicidad Ogilvy & Mather con sus proyectos en la fotografía documental.

En 2006 trabajó en una serie llamada 24 horas con Rakesh en Calcuta. En 2008 completó Taiwán: China, a través del espejo, una visión personal sobre las huellas del pasado y los futuros pasos de la sociedad china de Taiwán.

Alberto ha sido finalista en Descubrimientos PhotoEspaña 2010 y nominado en tres ocasiones en el New York Photo Festival. Ha expuesto en las galerías San Diego TAOFS, Association of Photographers (Londres) y en el New York Photo Festival '09 y en Kkien Atelier (Milán).

Su reciente libro everything will be ok (Todo va a estar bien) es la crónica de una transformación mágica nacida de una crisis personal, una historia que termina con lo positivo, con la curación, donde, a través de fotografías tomadas durante cinco años, se desarrolla una historia hasta formar una estructura narrativa clásica en tres actos. El proyecto trata el punto a mitad de camino entre la ficción y la realidad; cruzar continuamente la línea entre documental y lo imaginario, lo verdadero y lo falso, lo personal y lo desconocido.

Para la cubierta del libro se ha utilizado una tinta especial que cambia de color con el calor de las manos y deja ver nuestras huellas al tocarlo. El libo ha conseguido una Honorable Mención en el premio de RM al mejor libro iberoamericano en 2013, siendo también seleccionado en 2014 en el Fotobook Festival Dummy Award.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 19 de agosto de 2014

Laia Abril

Laia Abril es una fotógrafa catalana (nacida en 1986 en Barcelona, vive en Treviso, Italia, y Barcelona) que centra su fotografía principalmente en contar historias íntimas que plantean realidades incómodas relacionadas con la feminidad y la sexualidad. Combina la fotografía con otras herramientas multimedia, como el vídeo y el diseño gráfico.

 

© Laia Abril

© Laia Abril

 

 

 

Biografía

Laia Abril se crió en Barcelona. y después de terminar su licenciatura en Periodismo y fotografía, en la Universitat Ramon Llull de Barcelona, estudió en el International Center of Photography (ICP) de Nueva York. Comenzó a trabajar en proyectos documentales de los Balcanes, cubriendo el 13º funeral de Srebrenica y la independencia de Kosovo, primero para una ONG española y luego para diarios españoles.

En 2009 y 2010 fue finalista del Ian Parry, participando en la exposición del Getty Gallery en Londres dos años, primero con su proyecto en la comunidad lesbiana joven en Brooklyn, y luego con Last Cabaret que trataba de un club de sexo en Barcelona.

Su obra ha sido expuesta en Studio la Città, Sarajevo Winter Festival, Hannover 3rd Lumix Festival, Winterthur PhotoMuseum, London Getty Gallery, Poland PhotoFestiwal, Arts Santa Monica, New York PhotoFestival, … En 2010 se incorporó a la agencia Reportage by Getty como un talento emergente y fue seleccionada en Plat(t)forman Winterthur Photomuseum 2012 en Suiza.

Su trabajo ha sido publicado en medios de comunicación como The Sunday Times Magazine, D Repubblica, Ojo de Pez, Le Monde, Ft. Magazine, Burn Magazine, GUP, The British Journal of Photography, Esquire (Rusia) o en la revista Colors, donde es miembro del equipo editorial desde que particpó en FABRICA, la residencia artística del Centro de Investigación de Benetton en Italia, en 2009.

Hace tres años, comenzó un proyecto a largo plazo sobre trastornos alimentarios, con el primer capítulo: A Bad day, un multimedia centrado en el día a día de una joven que lucha con la bulimia, que ha sido presentado internacionalmente en varios medios de comunicación y seleccionado en el NYPhotoFestival 2011, 3º Lumix PhotoFestival, PhotoMeeting Ojo de Pez 2012, entre otros.

En 2012 lanzó fanzine autopublicado Thinspiration, segundo capítulo de la serie de trastornos alimenticios, que explora el uso de la fotografía en los sitios web de Pro-Ana, destacado como uno de los mejores libros del año y exhibido en muchos festivales. El proyecto fotográfico también fue finalista en el Burn Emerging Photography Fun en 2012, finalista en la beca FotoVisura 2012 y seleccionado como el premio de elección del jurado en Santa Fe Center 2012.

Ha publicado en 2014 The Epilogue, el tercer capítulo de la serie de trastornos alimenticios, que documenta las consecuencias de los trastornos alimentarios en casos fatales, víctimas indirectas, familias y entornos de los pacientes.

Actualmente trabaja como fotógrafo y Consultor Editor de fotos en la revista COLORS, que combina con su carrera independiente y sus proyectos personales.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

lunes, 18 de agosto de 2014

Anatole Saderman

Anatole Saderman fue un fotógrafo ruso nacionalizado argentino (nacido el 6 de marzo de 1904 en Moscú, Rusia, y fallecido el 31 de octubre de 1993 en Buenos Aires, Argentina) verdadero maestro del retrato, que poseía un estilo inconfundible y una capacidad especial para encontrar el momento oportuno y el gesto exacto que expresase la personalidad de las personas a las que fotografiaba.

 

© Anatole Saderman

© Anatole Saderman

 

DECALOGO SIN MUCHA IMPORTANCIA 

  1. Lo más difícil en el oficio del retratista es perderle el miedo al asunto.
  2. Pero a lo mejor no es miedo, sino emoción. Esta, mejor que no la pierdas nunca: un retrato sin emoción no es un retrato, es una foto: una en un millón.
  3. Ama al prójimo a quien vas a retratar. Si no puedes amarlo, ódialo. Si te es indiferente, fotografía mejor una botella de alguna bebida gaseosa: puede rendirte más y aparte, no protesta ni te da indicaciones.
  4. Las leyes básicas de caligrafía y ortografía fotográficas rigen igual para fotografiar una manzana, una botella o una cara humana. Pero es más fácil practicar la gramática con una manzana que con el alma humana.
  5. Estudia las caras de tus prójimos “de ojito”, sin cámara: en el bar, en el colectivo, en la calle suceden milagros de expresión y de iluminación.
  6. Para hacer retratos en el interior, cualquier ventana es una excelente fuente de luz.
  7. En el exterior aprovecha el sol en su primera y en su última hora.
  8. Dios ha hecho un solo sol para iluminar este mundo, y ¡qué lindo luce! Usa un solo reflector para iluminar una cara. En todo caso ayúdate con la luna y las estrellas; nunca con un segundo sol.
  9. Para hacer un retrato no te gastes en extravagancias. La palabra “amor” se ha escrito millones de veces, pero “Hamor” con hache se puede escribir una sola vez y no sé si vale la pena.
  10. No busques un estilo “especial”. Si tienes garra, “tu” estilo cristalizará cuando menos lo pienses.

 

 

 

Biografía

Anatolyo Boriscovich Saderman nació en Moscú en una familia dedicada al comercio textil. Realizó allí sus estudios básicos hasta que con catorce años emigró con su familia a Minsk tras la Revolución Rusa, después a Lodz, Polonia, hasta que en 1921 se establecieron en Berlín, donde estudió filología eslava, historia del arte y dibujo. Tras la ascensión al poder de Hitler emigraron a Paraguay primero y posteriormente a Uruguay.

En 1926 realizó sus primeras fotografías y comenzó a aprender a realizar retratos de su maestro Nicolás Yaroboff en Montevideo mientras trabajaba de fotógrafo callejero. Aprendió laboratorio, haciendo también retratos a lápiz e iluminando fotografías.

En 1927 se trasladó a Asunción y abrió el estudio Electra que mantuvo hasta 1929. En 1932 se trasladó a Buenos Aires ingresando en el estudio Van Dyck, pero dos años después abrió su propio estudio. Fue socio fundador del Foto Club Argentino (1936) y del Foto Club Buenos Aires (1945). En 1938 realizó su primera gran exposición Retratos de Plásticos Argentinos en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes.

En 1953 participó en el grupo Carpeta de los diez que fue un foro de debate y de intercambio de opiniones que realizó su primera exposición en 1954. En 1960 el Fondo Nacional de las Artes incorporó a su colección unos 300 retratos suyos de artistas plásticos argentinos

Entre 1962 y 1966 vivió en Roma exponiendo paisajes urbanos en la Galería Nova Pesa.

Tras su regreso a Argentina realizó numerosas exposiciones y trabajos y también actividad docente. Algunos de sus retratos los realizó a artistas como Borges, Emil Ludwig, Pier Paolo Pasolini, Pablo Neruda, Alejandra Pizarnik, Pablo Casals, Ernesto Sabato, Nicolás Guillén, Maria Elena Walsh y su amigo Humberto Rivas.

Comenzó sus retratos a artistas con el escultor Luis Falcini, y luego segiría con los plásticos Daneri, Spilimbergo, Urruchúa, Victorica, Castagnino, Raúl Soldi, Carlos Alonso, Antonio Berni, Benito Quinquela Martín y muchos más. Hubo un momento en que Daneri comenzó la costumbre de regalarle una obra por el retrato, y al final Saderman intercambiaba autorretratos del pintor fotografiado por su retrato, obteniendo una muy interesante colección que posteriormente plasmaría en el libro Retratos, autorretratos + retratos (1974) donde se exhiben en pares el autorretrato del artista con el retrato que le hizo Saderman.

Recibió el premio Konex en el año 1982. En 1984 fue nombrado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Secretos del jardín
  • Retratos, autorretratos + retratos.

domingo, 17 de agosto de 2014

Nick Wapplington

Nick Waplington es un artista y fotógrafo inglés (nacido en 1970 en Adén, Yemen,  vive en la ciudad de Nueva York).

 

© Nick Waplington

© Nick Waplington

 

 

Si, como sospecho, Internet ha roto el dominio absoluto de los gobiernos y las grandes corporaciones en los medios de comunicación de masas, entonces podríamos estar en un período muy interesante de desarrollo en una serie de diferentes niveles. ¿Un cambio de los modelos actuales de cohesión social, moral y política es demasiado pedir?

 

 

 

Biografía

Nick Waplington es el mayor de tres hijos, y viajó mucho durante su infancia mientras su padre trabajaba como científico en la industria nuclear. Estudió arte en West Sussex College of Art & Design en Worthing, Trent Polytechic en Nottingham y en el Royal College of Art de Londres.

Waplington, hacia 1984, mientras visitaba regularmente a su abuelo en Broxtowe Estate en Nottingham, comenzó a fotografiar su entorno inmediato. Amigos y vecinos de su familia se convirtieron en su tema predilecto. Continuó con este trabajo de manera intermitente durante los siguientes 15 años y produjo con él dos libros (Living Room y Weddings, Parties, Anything) y numerosas exposiciones.

Su libro Other Edens (1994) se centró en preocupaciones medioambientales y, a pesar de que se concibió y trabajó al mismo tiempo que Living Room, fue visto como un cambio importante en su estilo y contenido.

Otros de sus ensayos son Safety in Numbers (1997), un estudio sombrío de la cultura de la droga éxtasis a mediados de la década de los 90, y The Indecisive Memento (1999), un viaje por el mundo donde el viaje en sí es la obra de arte.

Su siguiente obra publicada fue Truth or Consequences (2001), un juego pictórico basado en la historia de la fotografía utilizando la ciudad de Truth or Consequences de Nuevo México, como telón de fondo. En esta obra se inspiró en las normas de los programas de televisión de la década de los 50.

Learn how to die the easy way (2002) fue su contribución a una exposición colectiva en la Bienal de Venecia de 2001, expresando el anhelo de la libertad artística y comercial que la web todavía puede exponer y una celebración de la razón dislocada detrás de los pensamientos convencionales y los medios de comunicación.

En You Love Life (2005) utilizó imágenes tomadas en un período de 20 años para la construcción de una narrativa autobiográfica.

Realizó la novela gráfica Terry Painter en colaboración con Miguel Calderón en 2003. Este y otros proyectos con Calderón como The Garden of Delights Suburban se han expuesto en Europa y EEUU.

En 2007, la Whitechapel Art Gallery de Londres mostró su presentación Synethesia en diapositivas de fotos cogidas de Internet. También publicó una serie de diez libros de imágenes recogidas llamado You Are Only What You See, con un catálogo separado de fotos originales del propio Waplington llamado Doble Dactyl (2008).

Durante 2008 y 9 trabajó en un importante proyecto de libro con el diseñador de moda Alexander McQueen durante el 2008/2009, denominado Working Process (2013) que justo se completó en el momento de la muerte del diseñador en 2010.

En 2011 publicó el libro Surf Riot, y comenzó a autopublicar sus libros en tiradas de 100 ejemplares: Lackadaisical, Extrapolations.

Waplington participó en el colectivo This Place, fundado por Frédéric Brenner, al que contribuyó con el libro Settlement, un estudio de los colonos judíos que viven en Cisjordania, con retratos y paisaje tomadas con una cámara de gran formato.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

  • Living Room . 1991.
  • Other Edens. 1994. 
  • Weddings, Parties, Anything.1966.
  • The Wedding. 1996.
  • Safety in Numbers, 1997 y 2002
  • The Indecisive Memento,  1999.
  • Truth or Consequences , 2001.
  • Learn how to die the easy way, 2002.
  • Terry Painter, 2003.
  • You Love Life, 2005.
  • Double Dactyl , 2008. 
  • Alexander McQueen: Working Process, 2013.
  • Surf Riot, 2011.
  • Lackadaisical, 2011.
  • Extrapolations, 2011. 
  • The Patriarch's Wardrobe, 2012. .
  • Settlement, 2014. 
  • Made Glorious Summer, 2014.