jueves, 31 de julio de 2014

Manit Sriwanichpoom

Manit Sriwanichpoom es un fotógrafo tailandés (nacido en 1961 en Bangkok, donde vive y trabaja) considerado uno de los más importantes fotógrafos de Tailandia, y uno de los fotógrafos del sudeste asiático con mayor proyección internacional por sus exposiciones, muy conocido por sus críticas fotográficas al consumismo tailandés.

 

 

© Manit Sriwanichpoom

© Manit Sriwanichpoom

 

 

Bangkok se encuentra en una situación de crisis. Cuanto más cambiamos, más nos destruimos a nosotros mismos.
Tenemos rascacielos flotando en la bruma de la niebla de humo de Bangkok, pero no conocemos a nuestros vecinos.
Estamos rodeados de cosas, pero estamos perdiendo nuestro espíritu y alma.

 

Una vez, los imperios fueron creados por ejércitos. Los mismos antiguos señores de la guerra aún colonizan el mundo de hoy, pero ahora se hacen llamar inversores globales. Como decían los sabios: "Cuando el lago se seca, la verdad emerge" y ahora que la burbuja ha estallado y nuestras monedas se han derrumbado, podemos ver cómo ha funcionado el sistema de libre mercado para enriquecer y proteger a la vieja casta de señores coloniales a nuestra costa.

 

 

 

Biografía

Manit Sriwanichpoom nunca se pregunta si es fotógrafo. Por razones profesionales, realiza fotografías para agencias de publicidad y en ocasiones para la prensa. Sin embargo, sus verdaderas pasiones se dirigen a otra parte. Él mismo se define primero como activista cuya fotografía da forma a sus ideas y protestas.

Su personaje favorito es Mister Pink, pero ésta no es su única salida creativa. También realiza retratos en blanco y negro de sus amigos artistas, mientras que ponen en escena sus fantasías. En su serie This Bloodless War - greed, globalization and the end of independence, tomó 6 reportajes clásicos de Vietnam e Hirosima y los recreó mostrando el imperialismo comercial y el capitalismo global. En Amazing Thailand Year aprovechó una campaña institucional  y privada para promocionar el turismo que Manit llamó “gran promoción para salvar el país .. ¡vendiéndolo!”.

Su serie Pink Man ha sido exhibida internacionalmente y su obra forma parte de colecciones como la de la Maison Européenne de la Photographie de París o el Fukuoka Asian Art Museum de Japón. Ha expuesto en el Yokohama Museum of Art o en el Centre for Contemporary Photography de Melbourne, en la Bienal de Venecia, Photo España, Bienal de Sao Paulo, Paris Photo, International Photography Biennale (México), Pingyao International Photography Festival (China), Gwangju Biennale (Korea) y en las galerías Hayward  y Photographer’s Gallery (Inglaterra).

En 2001, realizó una serie de fotomontajes evocando a la vez el recuerdo de los estudiantes masacrados en 1976, los numerosos golpes de estado militares y la violencia en su país. Utilizando documentos en blanco y negro de fotoperiodistas de la época, algunos premiados en World Press Photo, volvió a poner en escena a su personaje fetiche Mister Pink. Este popular actor de series de televisión va ataviado con un ostentoso traje de seda rosa, con zapatos de charol rosas, equipado con un teléfono móvil rosa y un carrito pintado de rosa del que no se desprende nunca y que es una perfecta caricatura del consumo.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Plasticien, 1997.

miércoles, 30 de julio de 2014

Willi Moegle

Willi Moegle fue un fotógrafo alemán (nacido el 17 de agosto de 1897 en Esslingen y fallecido el 6 de julio de 1989 en Leinfelden) que realizó fotografía comercial de producto y que es considerado el principal exponente de este tipo de fotografía en el periodo de la posguerra.

 

 

© Willi Moegle

© Willi Moegle

 

He reconocido una buena forma, y en qué consistía una buena forma.

 

 

 

Biografía

Willi Moegle estudió durante tres años en la Escuela de Artes Aplicadas de Stuttgart, pero interrumpió sus estudios por la I Guerra Mundial. Después estudió diseño gráfico con el profesor Ernst H. Schneidler, uno de los tipógrafos más grandes de la época. Pero en 1922 la beca fue cancelada y tuvo que ganarse la vida, trabajando en la documentación fotográfica de la Oficina de Conservación del Estado en Stuttgart.

En las décadas siguientes, realizó encargos de numerosas fotografías en las áreas de arquitectura interior y exterior. En 1927, abrió su propio estudio de fotografía en Stuttgart, que fue bombardeado en 1944, y posteriormente puso en marcha otro estudio en Leinfelden.

A partir de 1945, realizó para las empresas Bauknecht, Arzberg, Schoenwald, Zwiesel y Vidrios Jena, y más tarde también para CH Pott, sus fotografías (de producto) más famosas. Sus obras se caracterizan por un estilo sobrio que llevó a la industria a que los productos fueran el centro de la obra.

También Moegle fotografió con cariño los diseños de los representantes de la Guten Form (Buena forma) como Hermann Gretsch, Heinrich Löffelhardt y Wilhelm Wagenfeld.

En 1978 le fue concedida la medalla David Octavius Hill.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

martes, 29 de julio de 2014

Malcolm Browne

Malcolm Browne fue un periodista y fotógrafo estadounidense (nacido el 17 de abril de 1933 en Nueva York y fallecido el 27 de agosto de 2012 en New Hampshire) ganador del premio Pulitzer. Su trabajo más conocido es la fotografía de la auto-inmolación del monje budista Thích Quảng Đức en 1963.

 

 

© Malcolm Browne / AP

© Malcolm Browne / AP

 

Después de un tiempo, un escritor de prensa puede comenzar a sentir una especie de monotonía en la mayoría de los acontecimientos que suceden como noticia. Cuando eso pasa unos pocos afortunados descubrirnos que en la ciencia, entre tanto esfuerzo humano, siempre hay algo nuevo bajo el sol.

 

 

 

Biografía

Malcolm Wilde Browne nació y se crio en Nueva York. Su madre fue una cuáquera con fervientes opiniones en contra de la guerra y su padre era católico y arquitecto. Browne asistió al Friends Seminary, una escuela cuáquera de Manhattan desde preescolar hasta el duodécimo de posgrado.

Más tarde acudió a un colegio cuáquero en Pensilvania y estudió química, trabajando como químico, hasta que fue reclutado durante la Guerra de Corea y asignado a la edición de Stars and Stripes donde trabajó por dos años, comenzando su relación con el periodismo. Trabajó para el Times Herald-Record de Middletown, luego se unió a la Associated Press (AP), y trabajó en Baltimore desde 1959 hasta 1961, momento en el que fue nombrado corresponsal en jefe de Indochina.

Allí obtuvo la foto del monje quemándose a lo bonzo que le dio premios y fama internacional. Pero su trabajo en la guerra de Vietnam no fue fácil. Las preguntas incisivas de Browne y los temas donde denunciaba la corrupción de los aliados de EEUU, hizo que fuera tildado de “amigo de los comunistas” desde Washington, y de que el propio régimen de Saigón lo incluyera en una lista de enemigos que había que liquidar.

Siempre andaba con “botas sucias y calcetines rojos”, título de su biografía publicada a principios de los 90. Decía que los calcetines rojos eran mucho más fáciles de emparejar y las botas nada impolutas mostraban lo mucho que uno se había movido.

Después de haber ganado un Pulitzer y recibir muchas ofertas de trabajo finalmente se fue de la AP en 1965. Trabajó para la cadena ABC de televisión alrededor de un año, pero se mostró insatisfecho por el periodismo de televisión. Trabajó de forma independiente durante varios años e tuvo una beca de un año en la Universidad de Columbia con el consejo de relaciones exteriores.

En 1968, se unió a The New York Times, y en 1972 se convirtió en su corresponsal para Sudamérica. En 1977, se convirtió en un escritor en temas de ciencia (había estudiado química), y  fue editor en jefe de Discover, regresando a Times en 1985. En 1991, cubrió la Guerra del Golfo Pérsico, donde criticó duramente la censura hacia los medios impuesta, muy alejado de la relativa libertad que gozó en Vietnam.

A lo largo de su vida consiguió importantes premios y reconocimientos, como el World Press Photo of the Year (1963), Premio Pulitzer de Reportaje Internacional (1964), Premio George Polk por su valor en el periodismo, Premio Overseas Press Club, …

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

 

Libros

lunes, 28 de julio de 2014

Mikel Bastida

Mikel Bastida es un fotógrafo vasco (nacido en Bilbao en 1982)  cuyo último proyecto trata sobre la recreación de un mundo ya pasado en el cual se capturan nuevas imágenes inspiradas en nuestra visión cinematográfica del pasado.

 

 

 

© Mikel Bastida

© Mikel Bastida

 

 

Biografía

Mikel Bastida es licenciado en Comunicación Audiovisual.

En 2010 realizó una serie en China y con ella ganó una de las prestigiosas becas Roberto Villagraz. Estudia el máster Nueva Realidad, Nuevo Documentalismo en la escuela de fotografía EFTI mientras producía su proyecto War Theatre, seleccionado en Descubrimientos Photoespaña.

Desde 2011 es representado por la Galería Cero de Madrid y ha expuesto en varios países de Europa. Actualmente compagina la labor docente con el desarrollo de proyectos personales.

Ha realizado las exposiciones:

  • 2010 A 1,20 metros, Sala EFTI; Madrid.
  • 2011 Displaced Consciousness, JustMad. Madrid
  • 2013.War Theatre, Openhouse, Barcelona
  • 2014 War Theatre, Getxophoto.

En 2009 desarrolló un proyecto (A 1,20 metros) sobre el 50º aniversario de la Revolución Cubana, por el que fue premiado. Tras esta experiencia decidió imprimir en sus proyectos un cariz "personal, que también reflejase su forma de ser. China fue una ruptura,  ytras dos meses y medio de trabajo el resultado fue una serie de 12 fotografías, Conciencias desplazadas, con las que ha intentado reflejar los cambios vertiginosos que vive el país.

Después y durante dos años, Mikel Bastida ha recorrido Europa Occidental y Oriental recreando la figura de un fotógrafo de la Segunda Guerra Mundial en diversas reconstrucciones históricas, donde grupos de reenactors representan diferentes episodios bélicos en escenarios históricos y campos de batalla ficticios.

La serie War Theatre constituye una búsqueda de esos paisajes que la historia ha convertido en literarios. Escenarios construidos a partir de las diferentes representaciones de la guerra, desde el cine a las fotografías de época, y convertidos en enormes decorados donde la recreación y la simulación dejan al descubierto un imaginario colectivo, donde figuras reales son transformadas en protagonistas de una falsa épica, arquetipos de un relato que ha impregnado toda la cultura popular hasta conseguir que la realidad tan solo interese cuando es mitificada por su representación.

Referencias

domingo, 27 de julio de 2014

Nguyen Thanh Hai (Maika Elan)

Nguyen Thanh Hai (alias Maika Elan) es una fotógrafa vietnamita (nacida en Hanoi en 1986, vive también en Hanoi).

 

© Maika Elan

© Maika Elan

 

 

Quiero mostrar que su amor y cuidado por el otro no es nada anormal ... El amor es hermoso, y sólo podremos reclamar en nosotros mismos apoyo a la homosexualidad cuando aceptemos su amor.

 

 

 

Biografía

Nguyen Thanh Hai comenzó a utilizar la cámara después de su licenciatura en Sociología en la Universidad de Ciencias Sociales y Humanidades. En 2006 usó las cámaras Lomo de la familia para tomar imágenes de su vida cotidiana y privada.

Enseguida se pasó a la fotografía profesional antes de iniciar colaboraciones con clientes editoriales y firmas de moda en Vietnam. En 2010 Maika comenzó con la fotografía documental y su primer proyecto llamado The Pink Choice, centrado en la vida personal de las parejas homosexuales en Vietnam, se ha publicado en muchas revistas en papel y en línea, en EEUU, Reino Unido, Alemania, Italia, Rumania, España, China, India y Brasil.

Maika Elan obtuvo los premios al "mejor reportaje fotográfico" y a la "mejor foto" en 2010 en Indochina Media Memorial Foundation y en 2012 The Pink Choice fue finalista en Asian Women Photographers.

Maika participó en 2013 en la Joop Swart MasterClass y ese mismo año ganó el World Press Photo 2013 en la categoría de Temas contemporáneos. También ganó el Pride Photo Award, ambos con The Pink Choice. Está representada por la agencia Most de Bangkok.

Su primera exposición individual tuvo lugar en el Goethe Institut de Hanoi en 2012. Ha estado también en el Chobi Mela International Festival of Photography in Dhaka, Bangladesh, y en 2014 en Getxophoto.

 

 

Referencias

sábado, 26 de julio de 2014

Pha Lina

Pha Lina es un fotógrafo camboyano (nacido en 1986, vive en Phnom Penh) cuyo trabajo ha ido centrándose desde el fotoperiodismo hacia temas más personales, en clave simbólica, y más focalizado hacia la sociedad camboyana.
 

© Pha Lina
© Pha Lina




Biografía

Pha Lina se interesó por la fotografía tras haber participado en un taller organizado por el orfanato en el que vivía. Ha trabajado como fotoperiodista para los periódicos Cambodge Soir y The Phnom Penh Post.
 
Después de tratar el tema de manera documental para la prensa con la que colabora, el autor escogió la puesta en escena simbólica para evocar una de las situaciones trágicas de su país. En la provincia de Ratanakiri, la desforestación y las expropiaciones abusivas ponen en peligro a una población que vive en y del bosque, y que aparecen en las fotografías envueltos en los metros que sirven para medir la tierra que se les roba, en una metáfora amarga y poética.
 
Estas minorías étnicas, portadoras de culturas ancestrales animistas, son un pueblo de cazadores que perpetúan una medicina tradicional a base de plantas, cortezas, raíces y hojas de árboles,y que se quedan, tras las concesiones a sociedades chinas y vietnamitas, que explotan de manera salvaje y a veces ilegal el bosque, sin presas para cazar, escasos alimentos y sin plantas medicinales.




Referencias

viernes, 25 de julio de 2014

JH Engström

JH Engström es un artista y fotógrafo sueco (nacido en 1969 en Karlstad, vive y trabaja a caballo entre Östa Ämtervik, París y Estocolmo) que construye historias fotográficas. Situadas sus fotografías en secuencia, mostradas en libros y dispuestas en cuadrículas y constelaciones en galerías, convence al espectador para reconstruir el sentido de su obra en conjunto, en lugar de visualizar cada imagen por sí misma. Por lo general, dentro de estos grupos el artista yuxtapone temática y perspectiva diversas.

 

© JH Engström

© JH Engström

 

Es un deseo y una necesidad fotografiar lo que experimento y lo que me rodea.
No importa con quién estoy, dónde estoy, lo que importa son los encuentros, paisajes y detalles que tengo que relacionar en mi vida cotidiana.



 

 

Biografía

JH Engström creció en Suecia, pero pasó mucho tiempo en París y Francia durante su infancia y adolescencia. Fue asistente de Mario Testino en 1991 en París, y en 1993 de Anders Petersen en Estocolmo. Se graduó en 1997 en el Departamento de Fotografía y Cine de la Universidad de Gotemburgo. Y el mismo año publicó su primer libro, Shelter.

Pronto comenzó a exponer y su carrera tuvo una gran proyección internacional. Entre otras exposiciones, participó en la titulada Je suis où del Espace Photographique Contretype de Bruselas (2003). En 2005 su libro Trying to Dance, para el que se había trasladado en 1998 a Brooklyn, Nueva York, volviendo en 2001 a su región natal, Värmland, para terminarlo, fue seleccionado para el premio de fotografía Deutsche Börse otorgado por The Photographers' Gallery de Londres.

En 2006 expuso Haunts en la Galerie VU' de París, Ca me touche, les invités de Nan Goldin, en el festival Les Rencontres d'Arles en 2009 y From Back Home en 2010 en el Museo Nacional de Fotografía, Cine y Televisión (National Media Museum) de Bradford, en el Reino Unido. El libro de esta serie fue el mejor libro del año en el Photofestival d’Arles en 2009.

Está representado por VU en París y GUN Gallery en Estocolmo.

 

 

Referencias

 

 

Libros

jueves, 24 de julio de 2014

Boushra Almutawakel

Boushra Almutawakel es una fotógrafa yemení (nacida en 1969 en Sana’a, donde vive y trabaja) cuya fotografía trata principalmente el tema de los derechos humanos de la mujer.

 

 

© Boushra Almutawakel

© Boushra Almutawakel

 

 

Biografía

Boushra Almutawakel estudió Comercio Internacional en la American University de Washington y fue en esos años cuando se interesó por la fotografía. En 1996 fue miembro fundador del colectivo Al-Alhaqa y en 1999 fue nombrada la primera mujer yemení fotógrafa por la Universidad de Sana’a.

Su trabajo ha sido publicado en medios como The Guardian, adquirido entre otros por el British Museum de Londres y expuesto internacionalmente.

A su regreso a Yemen en 1994, trabajó principalmente como asesor educativo, pero continuó desarrollando su obra fotográfica, participando en numerosas exposiciones colectivas. En 1996 fue miembro fundador de Al-Halaqa, un grupo de artistas yemení que creó un espacio para el discurso y exposiciones y establecido vínculos con artistas internacionales.

En 1998 se convirtió en fotógrafo a tiempo completo, y algunos de sus clientes han incluido a las Naciones Unidas, CARE Internacional, las embajadas de Holanda y Francia, la Organización Social para el Desarrollo Familiar, el Instituto Nacional para la Educación de la Salud, el British Council, el Centro Cultural Francés, Nixen, Foundry, Business & Accounting Magazine, Yemen Today, …

En 1999 fue galardonada como la primera mujer yemení fotógrafo, con un buen número de otras mujeres yemenís pioneras por Empirical Research and Women's Studies Centre en la Universidad de Sana'a.

En 2001 Boushra ganó una beca de la World Studio Foundation Scholarship de Atlanta. También ha obtenido diversos premios.

Sus fotografías han aparecido en Yemen Times, Yemen Observer, Yemen Today, Artasiapacific Almanac 2011, El País, Muse, así como en la revista online Nafas Art Magazine y blogs como 500 Photographers, Greater Middle East Photo, Mrs. Deane, New Yorker's Photo Booth y ahora en Cada día un fotógrafo.

En su serie The Hijab Series: Mother, Daughter & Doll, muestra con rotundidad su decidida oposición a la forma en la que los fundamentalistas musulmanes hacen desaparecer a las mujeres hasta hacerlas invisibles. Esta negación, que se manifiesta en diferentes fases, se vuelve una fábula cruel lanzada como un depurado grito, una forma de denuncia simbólica fundada sobre la única lógica de las imágenes. donde los colores se van fundiendo poco a poco hasta el negro a medida que los personajes deben llevar el oscuro velo que cada vez les cubre más. Quedan, sin que se pueda decir aquello que quieren expresar, tres pares de ojos tras la diminuta abertura.

 

 

 

Referencias

miércoles, 23 de julio de 2014

Lucia Ganieva

Lucia Ganieva es una fotógrafa rusa (nacida en1968 en Olenegorsk, Rusia, creció en San Petersburgo y vive en Amersfoort, Holanda, desde 1993) especializada en series fotográficas de retrato de personas de su entorno, en las que, a través de los retratos de la gente y su espacio, ilustra cuestiones sociales. Realiza la mayor parte de su trabajo en Rusia, debido a sus raíces y a su fuerte conexión con el pueblo ruso.

 

 

© Lucia Ganieva

© Lucia Ganieva

 

Biografía

Lucia Ganieva estudió moda y posteriormente se graduó en  2007 con una licenciatura (cum laude) en la Foto Academie de Ámsterdam.

Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo y ha sido galardonada con numerosos premios y reconocimientos internacionales (Gold Award PANL #16 en 2006, ganadora portafolios en Rencontres d’Arles en 2007, IPA Awards en 2007, 2 menciones en el PX3 Prix de la Photographie en 2008, mejor portafolio en Rencontres d’Arles en 2008, Winner Foto Triennale DK Awars en Odense en 2009, Silver Award PANL # 20 en 2011, …) tanto en competiciones artísticas como comerciales.

En su trabajo utiliza una cámara de medio formato, también con respaldo digital, y tiene experiencia en el trabajo con Photoshop y Phase One. Conocida por tener una buena ojo para el uso de la luz, su experiencia en la industria de la moda le ayuda a contribuir al proceso creativo en proyectos comerciales.

En los últimos años su trabajo ha sido publicado en varias revistas internacionales y en 2009 se publicó su primer libro. Su obra está presente en colecciones públicas y privadas, incluyendo el Museo Nacional de Fotografía de Finlandia , Museo de Arte Multimedia de Moscú, Museo Catharijneconvent, Image Galleri Aarhus, Rayko Gallery de San Francisco, ...

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 22 de julio de 2014

Asim Rafiqui

Asim Rafiqui es un fotógrafo independiente paquistaní (nacido en Karachi en 1966, vive en Estocolmo, Suecia) que ha estado investigando las cuestiones de derechos humanos en Pakistán. Su más reciente proyecto cubre las vidas y las historias de los presos paquistaníes en la prisión de EEUU en Bagram.

 

© Asim Rafiqui

© Asim Rafiqui

 

 

 

Biografía

Asim Rafiqui nació y se crió en Karachi, y se mudó a Nueva York en 1984 para estudiar Ingeniería y Ciencias Aplicadas y un máster (ambos de la Universidad de Columbia en Nueva York) antes de hacer del fotoperiodismo el centro de su trabajo en 2003. Se ha centrado en cuestiones relacionadas con las consecuencias del conflicto. Este enfoque le ha llevado a producir trabajos desde el Kurdistán iraquí, Haití, Israel, los territorios palestinos ocupados y las áreas tribales de Pakistán, viviendo en diversas ocasiones, en Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Lahore, Londres, Múnich, Bangkok, Estocolmo y más recientemente en Kigali, Ruanda.

También ha realizado regularmente asignaciones para revistas como National Geographic (Francia), Stern (Alemania), Wall Street Magazine, Newsweek y Time (EEUU, Asia).

Desde que en 2005 le nominaron para el Fuji Film Young Photographer Award y el Visa d’Or News, en Visa pour L’image, ha obtenido premios y becas como el Pulitzer Center For Crisis Reporting Grant en 2009 y las becas Blue Earth Alliance Sponsorship  y Aftermath Grant (2009), Swedish Institute – Visby Program Grant y Fulbright-Nehru Fellowship (2011).

Sus exposiciones en solitario han sido:

  • 2011 Gaza Undone en el Chobi Mela de Dhaka, Bangladesh
  • 2009 Gaza Undone en Paris Photo en París 
  • 2009 Gaza Undone en The Empty Quarter Gallery de Dubai
  • 2009 Gaza Undone en Dubai Art Fair  de Dubai
  • 2008 Aftermath of War en la Roosevelt University Gage Gallery de Chicago
  • 2005 Haiti’s Struggle for Democracy en Visa pour L’image en Perpiñán
  • 2004 The Unconsoled: Rafah, Gaza en Visa pour L’image en Perpiñán
  • 2002 Afghanistan: Restart en Galleri Kontrast de  Estocolmo.

Rafiqui es también un miembro de la Open Society Foundation y miembro de la agencia NOOR desde 2014. Es el autor del blog The Spinning Head, que ahora ha incluido en su página web. Su trabajo más reciente es The Idea of India, que comenzó gracias a la beca Aftermath.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • War Is Only Half The Story, 2008.

lunes, 21 de julio de 2014

Mats Bäcker

Mats Bäcker es un fotógrafo sueco (nacido en 1958 en Hagfords) es considerado el fotógrafo escandinavo de artistas por excelencia. Las imágenes que creó en los años 70 y 80 retratan una nueva ola de ideales y formas de vivir la música rock. Sus fotos son el resultado de su aproximación a la fotografía de reportaje.

 

David Bowie / Cracked Actor, Bruselas, 1983 © Mats Bäcker

David Bowie / Cracked Actor, Bruselas, 1983 © Mats Bäcker

 

 

Empecé a hacer fotos cuando era un adolescente para ganar algo de dinero. Eran mediados de los años 70 y entonces llegó el punk, que se convirtió en una inspiración para mí, como músico y como fotógrafo.

 

 

 

Biografía

Mats Bäcker nació en Hagfords, un núcleo industrial situado en una zona boscosa del centro de Suecia, pero pronto abandonó esos parajes naturales por la ciudad y los escenarios. Estudió fotografía en la Photographic Highschool de Malmoe, y luego trabajó en 1981 como fotógrafo del Värnpliktsnytt Stockholm y como freelance y músico.

Ya a los 19 años trabajaba como freelance haciendo fotos de grupos de música y colaborando con una revista de música radical. Cuando se convirtió en algo demasiado estalinista y menos libre, él y algunos de los que trabajaban allí fundaron una nueva publicación, Shlager, The only rock magazine. Era un título irónico, que significa malas canciones y se inspiraban en las revistas inglesas de música como The New Musical Express y The Face, que consideraban la fotografía no solo como algo para ilustrar, para acompañar un texto, sino como imágenes artísticas independientes. Bäcker trabajó allí como fotógrafo y editor de imagen, y fotografió a artistas tanto suecos como internacionales, como Ulf Lundell, David Bowie, Tina Turner , Grace Jones, Iggy Pop  junto a estrellas menos conocidas.

Pennie Smith y Anton Corbijn son dos fotógrafos que le inspiraron especialmente, dentro de la corriente que consistía en fotografiar al artista en blanco y negro, con composiciones gráficas, no como a estrellas.

Bäcker volvió a estudiar fotografía en la Konstfack Art Acadamy de Estocolmo y trabajó como freelance para revistas y el The Royal Dramatic Theatre, también para la Royal Opera y el ballet de Estocolmo y otras compañías independientes de danza, y desde 2006 como freelance para las óperas y teatros de Escandinavia.

En la actualidad Bäcker realiza trabajos más tranquilos. Fotos de ópera, danza y trabajos personales en su estudio ocupan la mayoría de su tiempo, aunque afirma que le divierte seguir exponiendo sus fotos de rock, como el proyecto de Raw Power que expone en Madrid en 2014, lo hará en Palma de Mallorca en octubre y quizás en Barcelona.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • 2012. Raw Power
  • 2004. Opera! The 30 best
  • 2000. Ole Bull
  • 1998. Royal Swedish Ballet 225 years
  • 1998. 46 Stories about Costumes
  • 1998. Drottningholm Court Theater
  • 1983. The Rockbook

domingo, 20 de julio de 2014

Helmut Gernsheim

Helmut Gernsheim fue un historiador del arte, fotógrafo y coleccionista inglés (nacido en 19 de diciembre de 1908 en Múnich, Alemania, y fallecido el 30 de marzo de 2000 en Lugano, Suiza)  que fue un pionero en la investigación de la historia de la fotografía.

 

 

Felix Man, 1946 © Helmut Gernsheim

Felix Man, 1946 © Helmut Gernsheim

 

 

 

Biografía

Helmut Erich Robert Kuno Gernsheim nació en Múnich y estudió historia del arte en la Ludwig Maximilian University of Munich y entre 1934 y 1936 en la Escuela Estatal de Fotografía de Baviera, también en Múnich y en la que realizó también un curso sobre fotografía en color con Uvachrome.

Sus estudios de fotografía se debieron en parte al consejo de su hermano que vivía en Londres. En julio de 1937 fue a exponer sus fotografías en la Feria Mundial de París y desde allí se trasladó a Londres para realizar una serie de reproducciones de cuadros de la National Gallery para la empresa Uvachrome de Múnich y aprovechó este trabajo para fijar su residencia en esta ciudad, ya que era en parte judío y muy crítico con el nazismo.

Al estallar la segunda guerra mundial fue ingresado en un campo de internamiento en Huyton, cerca de Liverpool, aunque pronto fue trasladado a Sídney y de allí a varios campos australianos: Hay, Orange y Tatura hasta ser liberado en noviembre de 1941 y pudo trasladarse a Londres donde realizó reportajes sobre edificios históricos para el National Buildings Records que tuvieron gran aceptación.

En abril de 1942 se casó con Alison Eames y en 1946 adquirió la nacionalidad británica. Entre 1940 y 1952 formó parte de la Royal Photographic Society aunque renunció al considerar que mantenía unos principios retrógrados.

Hacia 1945, animado por Beaumont Newhall, se interesó por el coleccionismo y en 1947 abandonaría la fotografía profesional para dedicarse solo al coleccionismo y realizó diversas adquisiciones como la heliografía titulada Vista desde la ventana en Le Gras que está considerada como la fotografía permanente conocida más antigua que en 1952 encontró y compró, sin embargo, quizá su descubrimiento de una cámara original de Nièpce se pueda considerar su descubrimiento más importante. La conservación del la obra de Lewis Carroll es también uno de sus logros. Helmut y Alison Gernsheim amasaron una gran colección que contiene el trabajo de figuras como Julia Margaret Cameron, Alvin Langdon Coburn, Hill & Adamson, William Henry Fox Talbot y Louis Daguerre.

Uno de sus primeros trabajos escritos fue publicado en 1942 cuando aún ejercía como fotógrafo profesional con el título de New Photo Vision y en él exponía ideas próximas al movimiento de la nueva objetividad que fueron muy discutidas en los círculos fotográficos más tradicionales. Su texto más destacado fue The History of Photography from the Earliest Use of the Camera Obscura in the Eleventh Century up to 1914 de 1955 que lo escribió en colaboración con su esposa Alison y del que escribieron una versión reducida y revisada en 1965 titulada A concise history of photography y otra revisión en 1969 titulada The History of Photography from the Camera Obscura to the Beginning of the Modern Era. Otro texto que despertó gran interés fue Creative Photography: Aesthetic Trends, 1839-1960 publicado en 1962 que permitió dar a conocer a los fotógrafos británicos otras tendencias poco conocidas.

A lo largo de su vida recibió numerosos premios y reconocimientos por su trabajo entre los que se puede destacar el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía de 1959, o la medalla David Octavius Hill de 1983. En 1961 vendió su colección de más de 50.000 fotografías, unos 3.000 libros y 300 elementos fotográficos al Harry Ramson Center de la Universidad de Texas en Austin, tras n. o encontrar mecenas en Inglaterra.

Con esta venta Gernsheim fue capaz de reestructurar su tiempo y esfuerzos. En ningún sentido, sin embargo, se retiró de la profesión o de su apasionada defensa de la fotografía. Desde su casa en Suiza continuó haciendo contribuciones activas a la literatura, la enseñanza y la influencia crítica de las múltiples dimensiones de la fotografía.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • 1942 New Photo Vision
  • 1948 Julia Margaret Cameron; her life and photographic work
  • 1948 The Man Behind the Camera
  • 1949 Focus on Architecture and Sculpture, an original approach to the photography of architecture and sculpture
  • 1949 Lewis Carroll, photographer
  • 1950 Beautiful London
  • 1951 Masterpieces of Victorian Photography
  • 1952 Those Impossible English [*]
  • 1954 Roger Fenton, Photographer of the Crimean War. His Photographs and his Letters from The Crimea [*]
  • 1955 The History of Photography from the Earliest Use of the Camera Obscura in the Eleventh Century up to 1914 [*]
  • 1955 Churchill: His Life in Photographs
  • 1956 L. J. M. Daguerre. The History of the Diorama and the Daguerreotype [*]
  • 1959 Victoria R. A Biography with Four Hundred Illustrations based on her Personal Photograph Albums [*]
  • 1960 Historic Events 1839–1939 [*]
  • 1960 The Recording Eye. A Hundred Years of Great Events as Seen by the Camera, 1839–1939 [*]
  • 1962 Creative Photography: Aesthetic Trends, 1839-1960
  • 1962 Edward VII and Queen Alexandra: A Biography in Word and Picture [*],
  • 1965 A concise history of photography [*] 
  • 1966 Alvin Langdon Coburn: Photographer [*]
  • 1969 The History of Photography from the Camera Obscura to the Beginning of the Modern Era .
  • 1970 Fotografia Artistica: Tendinte Estetice 1839–1960.
  • 1982 The Origins of Photography
  • 1984 Incunabula of British Photographic Literature: A Bibliography of British Photographic Literature 1839–75 and British Books Illustrated with Original Photographs
  • 2013 The history men: Helmut Gernsheim and Nicéphore Niépce.

[*] con su mujer Allison.

sábado, 19 de julio de 2014

Mak Remissa

Mak Remissa es un fotógrafo camboyano (nacido en Phnom Penh, en 1970) que está considerado como uno de los más exitosos fotógrafos jémer de su generación.

 

© Mak Remissa

© Mak Remissa

 

Biografía

Mak Remissa. A los 5 años fue trasladado forzosamente junto a su famila por los Jemeres Rojos a la provincia de Takeo.

En 1995, se licenció en Bellas Artes y Fotografía en la Escuela Real de Bellas Artes de Phnom Penh, y su trabajo pronto apareció en numerosas publicaciones como Cambodge Soir y el Phnom Penh Post. También ha trabajado para Reuters y otras organizaciones.

Remissa ha exhibido su fotografía artística en Camboya, Francia, Canadá y los EEUU, y después de pasar unos años en Canadá, ha vuelto a vivir y registrar los acontecimientos de su país natal. Siete obras de la serie Fish and Ants forman parte de la colección permanente del Museo de Arte de Singapur.

Obtuvo un primer y tercer premio en el 1997 National Photojournalism de Camboya organizado por el Club de Corresponsales Extranjeros y presidido por Phillip Jones GriffithsPhillip Jones Griffiths, que fue un catalizador importante en su carrera.

Actualmente trabaja como reportero gráfico para la European Pressphoto Agency (EPA) y su trabajo se ve a menudo en los canales internacionales de noticias.

Su serie Fish and Ants se ha expuesto en 2005 en galerías de Phnom Penh como Popil y Java, así como en el Festival de Fotografía de Angkor. En 2014 estará en GetxoPhoto. Esta serie ilustra el proverbio camboyano Cuando el agua sube, los peces se comen a las hormigas; cuando el agua baja, las hormigas se comen a los peces, donde con infinita paciencia recoge el traslado de restos de pescado por hormigas en un mundo lleno de color.

Ha expuesto Water is Life en el Hotel De La Paix en Siem Reap, Angkor, durante su festival de 2011, en el Institut Français de Birmanie en el Yangon Photo Festival de 2012, y también en la ICA Gallery2, Institute of Contemporary Arts de Singapur, LASALLE College of the Arts, también en Singapur en 2012, y en el Festival de Xishuangbanna en 2014 en China

Mak Remissa es miembro de Asia Motion desde 2010.

 

 

Referencias

viernes, 18 de julio de 2014

Jacques Pugin

Jacques Pugin es un fotógrafo suizo (nacido el 20 de mayo de 1954 en Bulle, Suiza, vive en Montrouge, Francia) precursor de la técnica de pintura con luz, que interviene en sus imágenes tanto en el disparo como a posteriori a través de diversas técnicas: dibujo, pintura, herramientas digitales. Inicialmente trabajó sobre cuerpos pero posteriormente ha trabajado principalmente sobre la naturaleza.

 

© Jacques Pugin

© Jacques Pugin

 

 

 

Biografía

Jacques Pugin se trasladó a Zúrich con 18 años para convertirse en un fotógrafo, contra la voluntad de su padre. Suzanne Abelin, que llevaba Galería 38, una de las primeras galerías en Suiza dedicada a la fotografía, organizó su primera exposición individual en 1977. Abrió su primer taller en 1978 en Ginebra.

Hizo un viaje a Grecia, donde produjo una obra fotográfica que le permitió obtener en 1979 una beca federal de Artes Aplicadas. Hizo su serie titulada Graffiti greffés (1978-1979) haciendo light painting utilizando una vela como un lápiz con el que dibuja formas en el paisaje o resalta los contornos.

Consiguió 3 años consecutivos la beca Bourse fédérale des Beaux-arts.

En 1983 continuó con Graffiti rouges investigando el color también con light painting  y utilizando elementos flotantes en el agua o el viento para simbolizar el paso del tiempo.

En 1984 produjo Les jouets en la que une la pintura con luz con cuerpos y juguetes. Este trabajo pertenece a la colección del Centre George Pompidou de París.

En 1985, en la Trienal de Friburgo en Suiza, Polaroid puso a su disposición de una cámara de 50x60cm con el que creó la serie The Polaroids. Fue incluido en la Encyclopédie internationale des photographes, de 1939 à nos jours de Camera obscura.

La Montagne bleue (1995-1998) combina los ordenadores y pintura con luz en un resultado pictórico, a medio camino entre la fotografía y la pintura.  A partir de fotografías de paisajes en bruto, añadiendo a la imagen líneas rectas o curvas, y/o añadiendo sombras y luces.

Sacred Sites (2001-2013) se realizó con el apoyo de una beca de la Fundación Leenaards y trataba inicialmente de los lugares sagrados de los aborígenes australianos y se ha extendido a los desiertos de África, India y América Latina.

En La montagne s’ombre (2005-2013) intenta poner de manifiesto la esencia de la montaña y la fuerza.

En Les Cavaliers du Diable (2008-2013) utiliza imágenes de satélite de Google Earth para documentar vestigios de la guerra civil en Darfur; eliminando el color, y después invirtiéndolo.

Ha expuesto internacionalmente, principalmente en Suiza. En España estuvo en 1990 en la Galería Spectrum de Zaragoza, en 2010 en la Galería Kowasa de Barcelona y va a estar en GetxoPhoto en 2014. Su obra forma parte de colecciones públicas, sobre todo de Francia y Suiza, y privadas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros y catálogos

  • 2014 La montagne s'ombre
  • 2006 36 photographies de Jacques Pugin
  • 1998 La Montagne Bleue
  • 1990 Catálogo Jacques Pugin
  • 1990 Catálogo Trace dans le monde physique
  • 1983 Catálogo Galerie Fotografia Oltre
  • 1982 Catálogo Espace-Ligne
  • 1980 Graffiti greffés I y Graffitis greffés II
  • 1979 Catálogo Graffiti greffés.

jueves, 17 de julio de 2014

Zsolt Szigetvary

Zsolt Szigetvary es un fotógrafo húngaro (nacido en Budapest en 1962) con una larga trayectoria en el fotoperiodismo húngaro.

 

 

© Zsolt Szigetvary

© Zsolt Szigetvary

 

 

 

Biografía

Zsolt Szigetvary estudió en la Vocational Scool of Photography de Budapest y ha trabajado como fotógrafo y foto-editor en periódicos y revistas húngaras como el Mai Nap, Pesti Hirlap, Magyar Hirlap, Teszt Magazin y desde 2004 como fotógrafo freelance para MTI, la agencia nacional húngara de noticias. Sus fotos pueden verse por todo el mundo y también en España, como en Vanitatis, por ejemplo.

Ha conseguido 8 premios Press Photo de Hungría, 2 World Press Photo.y un Pulitzer para el conjunto de fotógrafos del Magyar Hirlap.

 

 

 

Referencias

miércoles, 16 de julio de 2014

Martí Llorens

Martí Llorens es un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1962, donde vive) especializado en la documentación de procesos constructivos de Arquitectura e Ingeniería.

 

 

Derribo de un edificio ferroviario en la Avenida Icària, Barcelona 1989 © Martí Llorens

Derribo de un edificio ferroviario en la Avenida Icària, Barcelona 1989 © Martí Llorens

 

 

 

 

Biografía

Martí Llorens se licenció en Bellas Artes, especialidad Imagen, por la Universidad de Barcelona en 1987. Ha documentado las grandes transformaciones urbanísticas de Barcelona como la construcción de la Vila Olímpica (1987-1992) o la transformación del frente litoral barcelonés de Levante con motivo del Fórum de las Culturas (2000-2004). En 2010 creó la empresa Tempus Fugit Visual Projects S.L. especializada en la realización y la gestión de este tipo de trabajos documentales.

Su obra fotográfica personal se desarrolla  alrededor de dos ejes. Por un lado el tiempo, el territorio y la memoria, materializándose en proyectos como Nanterre–La Défènse en París (1992), Berlín-Potsdamer Platz en Berlín (1994) y Port de Barcelona (1989) y Serie Poblenou (1987-1989) en Barcelona. En 2013 realiza Estratos, un encargo realizado por el Fondo Fotográfico de la Universidad de Navarra incluido en su proyecto Tender Puentes.

La serie Poblenou sobre las demoliciones preolímpicas en Barcelona, obtuvo el segundo premio en el European Photography Award celebrado en Berlín en 1991. Sus fotografías se encuentran en el fondo fotográfico del MNAC de Barcelona, Museo de Teruel y la Fototeca Nacional del INAH de Pachuca, Hidalgo, México. Ha recibido las becas; Photo Press, (1999), Artes Plásticas Fundación Endesa (2002) Arte y Derecho (2008) Recerca i Creació CONCA (2010).

El resto de su producción incide en la construcción de la memoria y los recuerdos a partir de la fotografía, donde se narran historias que exploran la frontera de lo verosímil y lo imaginario. Entre otros, los proyectos Memorias Revolucionarias (1997), una serie de supuestos retratos de milicianos obtenidos durante los primeros días de la Guerra Civil española y Canard Déchaîné (2004) desarrollado a partir de la novela L´Espoir de André Malraux.

Desde su inicio en 2008 hasta su cierre en 2012, fue miembro fundador de la asociación cultural AtelieRetaguardia. Heliografía Contemporánea, grupo de trabajo barcelonés dedicado al estudio y la práctica artística mediante procedimientos fotográficos históricos. Actualmente investiga y trabaja con la técnica del negativo de papel encerado, un procedimiento  ideado en 1850 por el fotógrafo francés Gustave Le Gray que fue especialmente concebido para fotografiar temas de arquitectura y paisaje.

 

 

Referencias

martes, 15 de julio de 2014

Steven Siewert

Steven Siewert es un fotoperiodista y fotógrafo artístico australiano.

 

© Steven Siewert

© Steven Siewert

 

 

 

Biografía

Steven Siewert ha publicado sus fotografías en el Sydney Morning Herald, en The Guardian de Londres y en el libro The Last Anzacs: Lest We Forget de Tony Stephens, documentando desde el genocidio de Ruanda a los campamentos de drogas en Tailandia.

Ha fotografiado a muchas celebridades, incluyendo al Dalai Lama, Christina Aguilera y Nicole Kidman, y ganó un premio Walkley por su fotoperiodismo en 2007.

En 2001, Siewert también fue galardonado con una beca para trabajar en Bangkok, para el periódico The Nation. Su fotografía ha sido incluida en exposiciones individuales y colectivas en la Galería Leica en Solms, Alemania, el Museum of Sydney, el Centre for Contemporary Photography de Melbourne, State Library of NSW  y Albury Regional Art Gallery.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros