miércoles, 30 de abril de 2014

Anna Boyé

Anna Boyé es una antropóloga y fotoperiodista catalana (vive en Barcelona) que siempre se ha interesado por retratar el universo femenino y las distintas culturas alrededor del mundo. Sus prolongadas, intensas y a menudo peligrosas incursiones en los más diversos temas y lugares, giran siempre en torno a un único principio: situar en el otro lado del objetivo un ser humano e intentar explorar profundamente aquello que conforma su humanidad.

 

 

© Anna Boyé

© Anna Boyé

 

Estoy especializada en el reportaje social y de investigación, y la fotografía me ha ayudado a comprender el mundo en el que vivo. A través del reportaje conozco otras culturas, otras maneras de ver y sentir la vida, otros lenguajes. Me permite mirar en las personas y comprender la "diferencia", todo aquello lejano a mi. Por eso me fascina.

 

 

 

Biografía

Anna Boyé es una antropóloga y fotoperiodista especializada en el reportaje social y de investigación. Su obra es el resultado de incursiones por los más diversos temas y lugares, teniendo como misión principal el estudio de aquello que conforma al hombre como ser humano.

Destacan sus proyectos La mujer y Dios, Viaje a través de la espiritualidad de la mujer en el mundo: desde las sacerdotisas anglicanas de Londres y las novicias de clausura catalanas hasta las monjas budistas de China; y Matriarcados (2006), un trabajo etnográfico realizado en Guinea Bissau,
China y México sobre comunidades matriarcales donde las mujeres son respetadas por su sabiduría, organizan el trabajo, gobiernan y disponen el cumplimiento de la ley.

Es colaboradora habitual del Ayuntamiento de Barcelona y la Agencia Contac y ha publicado en diversos medios nacionales e internacionales, como el Magazine de La Vanguardia, Stenr, Vsd y Courrier Japón.

Sus numerosos proyectos y reportajes han sido objeto de exposiciones entre las que destacan las celebradas por el Ayuntamiento de Barcelona (2004 y 2006), el Fórum Universal de las Culturas (Barcelona, 2004), el Palau Robert (Barcelona, 2007 y 2010) y el Museu d‘Art Contemporani de Barcelona (2012). Su proyecto Novicias de clausura fue galardonado con el Tercer Premio FotoPres en 1999. Ha impartido conferencias en la Universitat Pompeu Fabra y la Universidad de Barcelona.

Actualmente trabaja en sus propios proyectos profesionales. Entre ellos, la continuación de Matriarcados en videos de los trabajos ya realizados con la etnia bijagó, de Guinea Bisau; los mosuo, de China y las mujeres de Juchitán, de México. Y próximamente los tiwi australianos, los minanganausssss de Sumatra y los matsigenka de Perú.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Mujeres de iglesia. 1999.
  • Viaje al corazón del vino. 2001
  • El Prat de Llobregat. 2002.
  • La mujer y Dios. 2004.
  • Matriarcados. 2006.
  • Terminal Sud. 2009.
  • Badalonines. 100 imágenes y 100 historias de mujeres de Badalona, Edición digital, 2011.
  • Distrito V. Fotografías de la vida cotidiana del antiguo Barrio Chino de Barcelona (1979-80). Edición digital, 2012.

martes, 29 de abril de 2014

Homer Sykes

Homer Sykes es un fotógrafo británico de origen canadiense (nacido en 1949 en Vancouver) cuya carrera ha incluido fotografía de paisaje y proyectos personales sobre temas tan diversos una Gran Bretaña celta, los disturbios del Carnaval de Notting Hill en 1976, subculturas juveniles de la década de los 80 y muchos otros aspectos del cambio social y la vida cotidiana en Inglaterra desde 1960.

 

 

Britannia Bacup Coconut dancers, Bacup Lancashire 1972 © Homer Sykes

Britannia Bacup Coconut dancers, Bacup Lancashire 1972 © Homer Sykes

 

 

Yo era un muchacho de clase media que llegó a Londres desde Birmingham para hacer fotografía de moda y publicidad, y ganar dinero. Todo en Londres era nuevo para mí, siempre había vivido cómodamente y ahora quería explorar los contrastes entre los que tenían y los que no. Así me interesé en el reportaje.

 

 

 

Biografía

Homer Warwick Sykes nació en Canadá tras la vuelta a su casa familiar de su madre Helen Grimmitt, canadiense nacida y criada en Hong Kong, tras la muerte de su marido en un accidente en el aeródromo de Lunghua en 1948.

Cuando su madre se volvió a casar en 1954, la familia se trasladó a Inglaterra. De adolescente era un entusiasta de la fotografía, con un cuarto oscuro en su casa y otro en la escuela. En 1968 inició un curso de tres años en el London College of Printing. En las vacaciones de verano, durante su primer año, se fue a Nueva York, y quedó impresionado por el trabajo de fotógrafos del momento como Cartier-Bresson, Davidson, Friedlander, Frank, Uzzle y Winogrand, cuyas obras vio en el Museum of Modern Art.

Mientras buscaba un nuevo proyecto fotográfico, Sykes llegó por casualidad a la historia de los bailarines Britannia Bacup Coconut. Esto lo llevó a buscar más fiestas locales en Gran Bretaña para fotografiarlos con una sensibilidad moderna y una cámara de pequeño formato, para documentar el drama que se desarrolla en una urbe contemporánea.

Sykes también trabajó en las noticias gráficas para a fotografiar noticias para Weekend Telegraph, Observer, Sunday Times, Newsweek, Now, Time y New Society. Trabajó con varias agencias como Viva, y de 1989 a 2005 con Network Photographers.

Sykes también fotografió el paisaje británico para varios libros publicados por Weidenfeld & Nicolson, pero siempre tuvo tiempo para sus propios proyectos: Hunting with Hounds, una documentación de otro conjunto de rituales que definen una dimensión de la forma de vida del Inglés, y On the Road Again, con fotografías de cuatro viajes a América del Norte por carretera tomadas hacía más de tres décadas.

Cuando la Grimstone Foundation le invitó a fotografiar Shanghai, la ciudad donde fue concebido, no dejó pasar la oportunidad. Un punto culminante para el fotógrafo fue el descubrimiento de que el edificio de Jiang Xi Lu, donde vivieron sus padres aún existía, el edificio Fu Zhou. Este trabajo fue exhibido y publicado como Shanghai Odyssey.

Tiene obra en colecciones como las de Birmingham Central Library, British Council, British Government Art Collection, Victoria and Albert Museum (Londres). Sykes ha impartido clases en el Máster en Fotoperiodismo y Fotografía Documental en el London College of Communication.

Ha realizado numerosas exposiciones de sus trabajos. Sólo en 2013 ha expuesto en Londres, Chelsea y Derry-Londonderry y el 2014 lo hará en París en la Maison Robert Doisneau.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 28 de abril de 2014

Ron Jude

Ron Jude es un fotógrafo estadounidense (nacido en Los Ángeles en 1965, vive en el estado de Nueva York) cuyo trabajo juega deliberada y libremente con la naturaleza elástica de la imagen fotográfica, y con los significados complejos que surgen cuando esas imágenes se agrupan y se secuencian de forma insistentemente oblicua.

 

© Ron Jude

© Ron Jude

 

 

 

Biografía

Ron Jude creció en el noroeste del Pacífico, y tuvo su primera cámara Instamatic cuando tenía unos diez años, y su primera 35mm cuando con 16, pero no tomó ninguna clase de fotografía hasta que estuvo en la universidad, donde su interés en estas clases era periférica a su enfoque principal de estudio, que era la filosofía. Pronto se dio cuenta de que sus preocupaciones fotográficas y las filosóficas estaban empezando a fusionarse, y que disfrutaba más haciendo fotos que escribiendo.

Sus fotografías han sido expuestas en lugares como The Photographers' Gallery (Londres), Daugeu Cultural Center (Daugeu, Corea del Sur), Proekt_Fabrika (Moscú) y Roth/Horowitz Gallery (Nueva York).

Jude es cofundador de A-Jump Books, una pequeña editorial de photobooks.  Su libro Lick Creek Line ha sido nombrado uno de los mejores libros del año por FOAM, PDN, Gerry Badger, Alec Soth y John Gossage. En este libro Jude extiende y amplifica su fascinación por los caprichos del empirismo fotográfico, y la zona gris entre la documentación y la ficción. En una narración secuencial marcada por momentos de violencia y belleza muy contrastados, Jude sigue el viaje laberíntico de un cazador de pieles comprobando metódicamente su línea de trampas en una zona remota de Idaho. A través de la convergencia de imágenes de paisajes, arquitectura, comunidad turística invasora, y el proceso solitario y secreto de atrapar las martas por sus pieles, Lick Creek Line subraya la naturaleza turbia y culturalmente arbitraria de la crítica moral.

Jude ha dado numerosas conferencias sobre su trabajo, como en The School of the Art Institute of Chicago, Rochester Institute of Technology y en el Carnegie International Satellite Apartment en Pittsburgh.

Sus fotografías han sido reproducidas en Blind Spot, Harper’s Magazine, The New Yorker y Doubletake, entre otros. Una visión general de sus tres proyectos de Idaho (Alpine Star, emmett y Lick Creek Line) ha sido exhibida recientemente en el Museum of Contemporary Photography en Chicago en una muestra de tres autores titulada Backstory.

Ha contribuido con uno de los diez libros al Super Labo (Tokio), un proyecto de colaboración titulado Lost Home que fue lanzado recientemente en Paris Photo. Jude está representado por Gallery Luisotti en Santa Mónica.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Fires, 2013 Ver Fires en Have a Nice Book
  • Executive Model, 2012
  • Lick Creek Line 2012 Ver Lick Creek Line en Have a Nice Book
  • emmett. 2010
  • Other Nature, 2008
  • Ron Jude: Postcards, 2006
  • Alpine Star, 2006

domingo, 27 de abril de 2014

Michael Wolf

Michael Wolf es un fotógrafo alemán (nacido en 1954 en Múnich, vive en Hong Kong) que pone el foco en la vida en las grandes ciudades, documentando en muchos de sus proyectos la arquitectura y la cultura vernácula de las metrópolis.

 

 

© Michael Wolf

© Michael Wolf

 

 

 

Biografía

Michael Wolf creció en Canadá, Europa y los Estados Unidos, estudiando en el North Toronto Collegiate Institute y en la University of California, en Berkeley. En 1976 estudió comunicación visual en la Universidad de Essen, Alemania, donde estudió con Otto Steinert.

Comenzó su carrera como reportero gráfico, pasando ocho años trabajando en Hong Kong para la revista alemana Stern.

Ganó un primer premio en Temas Contemporáneos en el concurso World Press Photo 2004 por sus fotografías para un artículo de Stern titulado China: fábrica del mundo. Luego conseguiría otros dos premios World Press Photo y fue finalista en el pictet prix.

La bajada en la industria de las revistas ha llevado a que los encargos de fotoperiodismo sean “estúpidos y aburridos”, y Wolf en 2003 decidió trabajar sólo en proyectos fotográficos artísticos.

Sus proyectos más característicos son:

  • Bastard Chairs / Sitting in China.- Donde fotografía sillas que los chinos reparan y vuenven a reparar, con cualquier material.
  • Architecture of Density.- Fotografías de altos edificios de viviendas de Hong Kong, sin cielo ni horizonte, enfatizando las líneas verticales.
  • 100x100.- Fotografió 100 residentes del complejo Shek Kip Mei Estate de Hong Kong antes de que fuera demolido, usando un gran angular para poder captar lo máximo del apartamento de 100 pies cuadrados (no llega a 10 m2).
  • Copy Art / Real Fake Art.- Entre 2005 y 2007, Wolf fotografió a pintores de Shenzhen, China, que realizaban copias de obras de arte famosas. En las fotos se podía ver al artista con su obra.
  • Transparent City.- Chicago en 2006. Wolf captura las ventanas de rascacielos por la noche envueltos en niebla.
  • Tokyo Compression.- Fotografías de japoneses dentro del metro pegados a las ventanas.
  • Series usando Google Street View (Paris Street View, Manhattan Street View y A Series of Unfortunate Events)

Su obra forma parte de colecciones como las del Brooklyn Museum, Nueva York; Milwaukee Art Museum, Wisconsin; Museum Folkwang, Essen, Alemania; Museum of Contemporary Photography, Chicago; …

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 26 de abril de 2014

Kenneth Josephson

Kenneth Josephson es un fotógrafo estadounidense (nacido el 1 de julio 1932 en Detroit, Michigan) que ha sido un fotógrafo conceptual muy influyente desde la década de los 60, utilizando su trabajo para llamar la atención sobre el acto físico de la fotografía, como por ejemplo,. utilizando técnicas como capas de fotografías en las fotografías con el fin de determinar los grados tanto de veracidad como la ilusión dentro del medio.

 

Polapan, 1973 © Kenneth Josephson

Polapan, 1973 © Kenneth Josephson

 

Biografía

Kenneth Josephson completó su educación primaria en Detroit. En 1953, después de haber sido enviado en Alemania por el ejército de Estados Unidos fue entrenado en la fotolitografía y fotografía aérea de reconocimiento. En 1957 obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Rochester Institute of Technology, con sede en Nueva York. Allí le dio clases Minor White.

En 1960 obtuvo un master en el Institute of Design of the Illinois Institute of Technology, recibiendo influencias de Aaron Siskind y Harry Callahan. Y posteriormente, trabajó en la School of the Art Institute of Chicago desde 1960 hasta 1997, cuando se retiró, habiendo educado a 2 generaciones de fotógrafos. En 1963 cofundó con otros treinta fotógrafos notables la Society for Photographic Education.

Sus obras en los años 60 y 70 se centran en la fotografía conceptual, y o colocaron en la vanguardia de dicha fotografía. En 1972 fue galardonado con la beca Guggenheim Fellowship y en 1975 y en 1979 fue galardonado con la beca NEA por el National Endowment for the Arts.

Muchas de sus colecciones se encuentran en museos como el Contemporary Art de Chicago, Smithsonian Institution en Washington, National Museum of American Art, Foograficka Maseet en Estocolmo, Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C. y la Bibliothèque National de París. Ha expuesto en Austria, Reino Unido, Alemania, Países Bajos, Suecia, Suiza y Francia.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

viernes, 25 de abril de 2014

Carl Curman

Carl Curman fue un médico sueco y un termalista prominente (nacido en Sjögestad el 08 de marzo 1833 y fallecido en Estocolmo el 19 de octubre 1913) que también fue un arquitecto aficionado con talento y fotógrafo.

 

La Alhambra, Granda, España. Carl Peter Curman - The Swedish National Heritage Board

La Alhambra, Granda, España. Carl Peter Curman - The Swedish National Heritage Board

 

Biografía

Carl Peter Curman después de ir a la escuela en Skänninge y Linköping, estudió medicina en la Universidad de Uppsala, y se graduó con un master en cirugía en 1859 en el Instituto Karolinska de Estocolmo, y una licenciatura médica en 1864. En paralelo con estos estudios de medicina pasó varios años como estudiante en la Real Academia de Arte, y fue considerado uno de los estudiantes más prometedores en escultura. Curman enseñó anatomía en 1864 y1865 en la Real Academia de Arte y  de 1869 a 1902 fue profesor de anatomía plástica. También fue docente de balneoterapia y climatología en el Instituto Karolinska de 1880 a 1898.

Carl Curman ha pasado a la posteridad principalmente como balneologista. Anders Retzius, su maestro en el Instituto Karolinska, lo convenció de tomar un puesto como médico en un balneario en las afueras de Lysekil, establecido por un viejo capitán marino JG Mollen. Tras la muerte de Mollen en 1863, el complejo fue transformado en una sociedad anónima y Curman lo convirtió un centro turístico moderno, diseñando personalmente la casa de baños y otros edificios y se mantuvo al frente de la estación hasta 1888. Curman fue un activista de los efectos beneficiosos de los baños y dirigió la construcción de muchas casas de baño, como la casa de baños Sturebadet en Stureplan, en el centro de Estocolmo.

Curman también diseñó su propia villa clásica en Floragatan, Estocolmo. Durante las dos últimas décadas del siglo XIX, sus salones fueron muy populares entre los círculos artísticos e intelectuales de la capital. Compartió su vida con su esposa Calla y sus hijos en su casa en el centro de Estocolmo y su residencia de verano en Lysekil, construida en estilo nórdico antiguo. Carl contrajo matrimonio con Calla Lundström (joven viuda de 26 años hija de un pudiente industrial) con 43 años y eligieron para su luna de miel recorrer España, donde principalmente visitaron Andalucía, fotografiando la Alhambra, paisajes de Granada y gitanos en 1878.

Carl Curman comenzó a fotografiar en los años 1860 y se convirtió en un aficionado destacado y laborioso de la fotografía. Dejó una colección de cerca de 700 fotografías: copias de impresión originales y negativos en placas de vidrio, sobre todo de finales del siglo XIX, que ahora son guardadas por el Swedish National Heritage. Los motivos de las fotos reflejan su vida profesional y su interés por las artes plásticas y la arquitectura, así como su vida privada y familiar.

 

 

 

Referencias

jueves, 24 de abril de 2014

Daniel Meadows

Daniel Meadows es un fotógrafo inglés (nacido en 28 de enero de 1952 en Great Washbourne, Gloucestershire) que se ha convertido en creador de historias digitales, y cuya labor docente también se ha trasladado de la fotografía a los medios participativos.

 

 

Butlins Filey, Yorkshire, summer 1972 © Daniel Meadows

Butlins Filey, Yorkshire, summer 1972 © Daniel Meadows

 

 

Mi trabajo siempre ha sido de enrollarme con la gente. Inicialmente tenía una curiosidad insaciable por los que me rodeaban, que probablemente venía del hecho de que me había pasado 10 años de mi infancia  encerrado en escuelas de niños blancos de clase media. Mientras que afuera, en el mundo, la gente apenas uno o dos años mayor que yo estaban peleando y matando en Vietnam,  desertando, peleando en los disturbios en París u oyendo tocar a Hendrix ...

 

 

 

Biografía

Daniel Meadows nació en el medio de la nada en la frontera de los Cotswolds y pasó sus primeros años sin televisión. Estudió en la Manchester Polytechnic con Peter Fraser, Brian Griffin, Charlie Meecham y Martin Parr, Sus series June Street de 1972 fueron en colaboración con Martin Parr.

Mientras era estudiante se inspiró sobre todo en una conferencia a cargo de Bill Jay (editor de Creative Camera y Album) y una exposición en la Galería Hayward de la obra de Bill Brandt.

Meadows vivía en la zona de Moss Side de Manchester que iba a ser demolida. Con sus numerosas tiendas pequeñas, pensó que el barrio podría apoyar una tienda de fotos, así que alquiló una peluquería, invitando a la gente a hacer sus fotografías gratis, y a los dos meses se había quedado sin dinero y tuvo que cerrar, pero había adquirido una útil experiencia.

Durante catorce meses en 1973 y 1974, viajó a través del Reino Unido en un autobús de dos pisos para fotografiar a la gente del país. Inspirado por lo que Bill Jay había dicho acerca de los viajes de Benjamín Stone por Gran Bretaña en caravana tirada por caballos, Meadows trabajó el verano de 1972 y consiguió fuentes de financiación para comprar el autobús y montar un laboratorio en él. Así el Free Photographic Omnibus viajó por Inglaterra y parte de su trabajo se materializó en su primer libro Living Like This (1975).

Después fotografió el noroeste de Inglaterra y en la década de 1980 hizo un estudio sobre la gente de clase media de los barrios londinense, que se publicó como Nattering in Paradise.

Meadows se interesó en la enseñanza mientras fotografiaba en Lancashire en 1970; en 1983 David Hurn lo invitó a dar clases en el curso de Fotografía Documental en Newport College of Art and Design. Desde 1994 ha sido profesor en la Cardiff School of Journalism, Media and Cultural Studies,. teniendo como alumno a Tim Hetherington. En los 90, dirigió talleres de fotoperiodismo en la Fundación Reuters, el British Council y otras organizaciones en Europa y en el subcontinente indio.

Influenciado por las ideas de Iván Illich y Pedro Meyer se ha pasado a los medios participativos. De 2001 a 2006 Meadows fue el director creativo de Capture Wales, un proyecto de la BBC de Gales, con una reelaboración innovadora del modelo californiano, adaptándolo a la ecología de medios de la radio y televisión pública del Reino Unido. Desde entonces también ha realizado numerosas conferencias sobre narrativa digital.

Desde su primera exposición en solitario The Free Photographic Omnibus, en el Museum of Modern Art Oxford, en 1974, pasando por Suburbia en la The Photographers' Gallery (Londres) en  1987, hasta Daniel Meadows: Early Photographic Works en The Library of Birmingham que va a realizar en verano de 2014, ha realizado numerosas exposiciones en solitario y en grupo.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 23 de abril de 2014

Patricia Esteve

Patricia Esteve es una fotógrafa catalana (nacida en Barcelona en 1972, vive actualmente en Nairobi, Kenia), que realiza fotografía documental, centrando gran parte de su trabajo en cuestiones sociales de actualidad llevando a cabo proyectos a largo plazo en países en vías de desarrollo.

 

 

© Patricia Esteve

© Patricia Esteve

 

 

Biografía

Patricia Esteve estudió Filosofía en la Universidad de Barcelona. Interesada por la  imagen decidió entrar en el Institut d´Estudis Fotogràfics de Barcelona IEFC, donde descubrió la importancia de   la fotografía documental, y, tras finalizar sus estudios, se estableció como fotógrafa freelance en Barcelona, trabajando para diferentes ONGs, asociaciones, medios e instituciones de carácter local y nacional, como Naciones Unidas, UNICEF, Maiti Nepal, Amics del Nepal, The direct help foundation, Sinergia Social, Àmbit Adhessió, Institut Genus, GVC.

Siempre interesada en la fotografía documental, Desde 2011 ha centrado gran parte de su trabajo en África, primero en Chad trabajando para UNICEF, después en Costa de Marfil con Naciones Unidas, actualmente vive en Nairobi.

Sus artículos han sido publicados en Fundació "la caixa", Departament educació de l´Ajuntament de Barcelona, Consorci d´Educació de Barcelona, Barcelona Activa, Ajuntament Mataró, Barcelona Educació, Diari ABC, La Razón, Época, La Gaceta de los negocios, Barcelona Metropolitan, Dominical diari Avui.

 

 

 

Referencias

martes, 22 de abril de 2014

Harold Feinstein

Harold Feinstein es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1931 en Brooklyn, Nueva York, vive Merrimac, Massachusetts) mayormente conocido por sus trabajos continuados en 6 décadas sobre Coney Island, y también por sus desnudos y bodegones.

© Harold Feinstein
© Harold Feinstein


Biografía

Harold Feinstein comenzó a fotografiar en 1931. A la edad de 15 años se unió a la Photo League donde recibió su educación fotografía. Con 19 años fue considerado un niño prodigio y Edward Steichen compró obra suya para la colección permanente del Museum of Modern Art (MoMA). Hizo sus primeras exposiciones en el Whitney Museum of American Art en 1954 y en el Museum of Modern Art.en 1957.
A los 20 años, Feinstein fue parte de la escena artística de Greenwich Village, colaboró ​​estrechamente con W. Eugene Smith y formó parte de lo que finalmente sería conocido como el loft jazz. Es considerado uno de los fotógrafos de la Escuela de Nueva York, trabajando desde la década de 1930 a 1960, cuando los fotógrafos capturaban la esencia de la ciudad de Nueva York durante los períodos de cambios turbulentos del siglo XX.
Posteriormente, su obra también formaría parte de las colecciones del Center of Photography, George Eastman House, Museum of the City of New York y Musée d’Art Moderne de París, entre otras, y también ha aparecido en revistas como LIFE, Aperture, Black and White, Camera Arts, The New York Times Magazine, American Photo, Oprah Magazine, Evergreen Review, Photography Annual, Modern Photography y Popular Photography.
Su carrera ha abarcado la mayor parte del siglo XX, principalmente su notable documentación de Coney Island, Nueva York, con sus fotografías más recientes en color de flores y conchas marinas. Ha cubierto una gama amplia de temas como sus ensayos fotográficos de la Guerra de Corea, el trabajo de calle documental, desnudo, paisajes y bodegones.
Además de sus talleres privados realizados en su estudio, ha sido profesor en la University of Pennsylvania’s Annenberg School of Communications, Philadelphia Museum School, School of Visual Arts, the University of Massachusetts, Maryland Institute of Art, Windham College y College of the Holy Cross.
También ha sido pionero en los avances de la fotografía digital, utilizando un scanner como cámara (One Hundred Flowers) en 1998 y cámaras digitales desde 2000, por lo que ganó el Smithsonian Computerworld Award en 2000. Recientemente ha vuelto al laboratorio, tras una ausencia de 12 años.
Está representado por Panopticon Gallery.




Referencias




Libros

lunes, 21 de abril de 2014

Ikkō Narahara

Ikkō Narahara es un fotógrafo japonés (nacido en 1931 en Fukuoka) que ha destacado por sus reportajes que relacionan al hombre con el binomio naturaleza e industrialización.

 

© Ikkō Narahara

© Ikkō Narahara

 

 

 

Biografía

Ikkō Narahara terminó sus estudios de Derecho en la Universidad de Chūō en 1954 y en 1959 los de Historia del Arte en la Universidad de Waseda en Tokio.

Realizó su primera exposición individual en 1956 en la galería Matsushima de Ginza bajo el título de Ningen no tochi (Tierra humana) en la que mostraba un pueblo llamado Kurokamimura que se encuentra situado sobre el volcán Sakurajima y con ella obtuvo bastante popularidad. Su segunda exposición la realizó dos años después en el Salón Fotográfico Fuji y se tituló Dominios, en ella mostraba la forma de vida en un monasterio trapista en Tōbetsu en la isla de Hokkaidō y en una prisión de mujeres en Wakayama.

En sus fotografías empleaba con frecuencia objetivos del tipo gran angular y ojo de pez. En 1959 fundó la agencia Vivo junto a Eikoh Hosoe y Shōmei Tōmatsu.

Entre 1962 y 1965 estuvo viviendo en París y entre 1970 y 1974 en Nueva York, lo que le permitió entrar en contacto con diversos fotógrafos europeos y americanos. Por ejemplo, participó en un curso ofrecido por la fotógrafa Diane Arbus. Sus dificultades con el inglés le llevaron a grabar las clases, en lo que luego constituiría un interesante documento biográfico de Arbus, ya que habla de su fotografía poco antes de suicidarse.

En 1974 participó en la exposición New japanese Photography (Nueva fotografía japonesa) en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y dos años más tarde en otra exposición realizada en Graz llamada Neue Fotografie aus Japan (Nueva fotografía japonesa). En la década de los ochenta expuso en Londres, Seúl y Tokio y en 2002 en la Casa Europea de la Fotografía de París, un año después en el Museo de Bellas Artes de Houston y en 2009 en la Galería Priska Pasquer de Colonia.

Entre 1999 y 2005 estuvo trabajando como profesor en la Universidad Kyūshū Sangyo

Recibió numerosos premios, entre ellos:

  • Medalla de Honor del gobierno japonés, 1996.
  • Premio Higashikawa, 1987.
  • Premio de la Sociedad Fotográfica de Japón, 1986.
  • Premio Fotógrafo del Año de la Japan Photo Critics Association, 1967.

.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Yōroppa: seishi shita jikan / Where time has stopped, 1967.
  • Supēn: Idai naru gogo / España gran tarde. 1969.
  • Japanesuku / Japanesque, 1970.
  • Ōkoku / Man and his land. 1971.
  • Shōmetsu shita jikan / Where time has vanished. 1975.
  • Ōkoku: Chinmoku no sono, kabe no naka, 1978.
  • Chikakute haruka na tabi, 1979.
  • Hikari no kairō: San Maruko, 1981.
  • Shashin no jikan, 1981.
  • Narahara Ikkō, 1983.
  • Venetsia no yoru / Venice: Nightscapes. 1985.
  • Shōzō no fūkei, 1985.
  • Ningen no tochi / Human land, 1987.
  • Hoshi no kioku / The memory of stars, 1987.
  • Venetsia no hikari / Venetian Light, 1985
  • Burōdowei / Broadway, 1991.
  • Dyushan dai-garasu to Takiguchi Shūzō shigā bokkusu / Marcel Duchamp large glass with Shuzo Takiguchi cigar box, 1992.
  • / Emptiness. 1994
  • Ikko Narahara: Japanesque, 1994.
  • Tokyo, the '50s, 1996.
  • Narahara Ikkō, 1997.
  • Poketto Tōkyō  / Pocket Tokyo. 1997.
  • Ten / Heaven, 2002.
  • Mukokuseki-chi / Stateless Land: 1954, 2004.
  • Jikū no kagami  / Mirror of space and time, 2004.
  • En / En: Circular vision, 2004.

domingo, 20 de abril de 2014

Carlos Barrantes

Carlos Barrantes es un fotógrafo y técnico de laboratorio español (nacido en Madrid en 1960) conocido por su excelente dominio de las diferentes técnicas y calidades de la fotografía, que encuentra en este arte su medio de expresión de sensaciones, emociones y experiencias vividas.

 

 

© Carlos Barrantes

© Carlos Barrantes

 

 

Para mí el horizonte es incierto, no me serena, de ahí mis fotografías desequilibradas.

 

 

 

Biografía

Carlos Barrantes comenzó su relación con la fotografía en 1987 como asistente de varios fotógrafos de moda (Pepe Botella, Javier Vallhonrat, …). Un día tuvo que ir a entregar unos carretes al laboratorio fotográfico LAB-Valentín Vallhonrat, y descubrió la cianotipia. Decidió que su profesión sería el laboratorio y la fotografía su trabajo personal. Consiguió trabajo en este laboratorio, primero revelando negativos y haciendo hojas de contactos y luego ya, en 1992, trabajaría como tirador realizando trabajos de moda, exposiciones, fotografía antigua (conservación, restauración y tiraje) para fotógrafos como Cristina García Rodero, Alberto Schommer, Javier Vallhonrat, Emmanuel Sougez.

Movido por la búsqueda y el perfeccionamiento de procesos fotoquímicos antiguos, fundó en 1993 su propio taller fotográfico artesanal. Primero en Palma de Mallorca, y en 2006, en Perpiñán, en el sur de Francia.

Además de realizar tirajes en papeles fotográficos tradicionales, se ha dedicado a la investigación de procesos históricos y alternativos como el papel salado y la albúmina, la goma bicromatada, la cianotipia o la transferencia de color, y se especializa en el tiraje de platinotipia y papel al carbón a los que ha añadido la Platinocromía, un procedimiento híbrido fotoquímico/digital, en blanco y negro y color. Ha realizado, además, impresiones de la obra de Ortiz Echagüe, Graciela Iturbide y ha impartido talleres fotográficos en la Universidad de Navarra (Pamplona) y en Francia, en la École Nationale Supérieure Louis-Lumière y el Institut National du Patrimoine (París) y en la École Nationale Supérieure de la Photographie de Arlés.

Entre 2005 y 2012, desarrolló su proyecto de investigación en colaboración y con financiación del Fondo Fotográfico de la Fundación Universitaria de Navarra (FFF). De su trabajo personal destacan una colección de fotografías en blanco y negro resultado de sus viajes a Costa de Marfil, Perú y Palma de Mallorca, y una serie sobre la pérdida y la transformación a través del arte, en la que superpone fragmentos de Baudelaire a algunas de las imágenes en platinocromía.

Sus obras han podido verse en la Galería Efti de Madrid y la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca (1999), Paris Photo (2002 y 2004) y en el Centro Andaluz de la Fotografía (2009), por citar las exposiciones más relevantes. Su trabajo está presente en las colecciones de la Bibliothèque Nationale de France y el Musée Carnavalet (París), la Colección Ordóñez-Falcón (San Sebastián), la Colección Rafael Tous (Barcelona), el CAF (Almería) y la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Movimiento, 1999
  • Sorpresa, 2000
  • Yo soy , 2003
  • Más allá del horizonte, 2009
  • Un jour partons, 2009.

sábado, 19 de abril de 2014

Miroslav ‎Tichý

Miroslav ‎Tichý fue un fotógrafo checo (nacido el 20 de noviembre de 1926 en aldea de Nětčice y fallecido el 12 de abril de 2011, en Kyjov) opuesto a los planteamientos artísticos del progresismo comunista y conocido por sus fotografías distorsionadas y defectuosas tomadas con cámaras de fabricación propia realizadas con materiales de desecho.

 

Miroslav ‎Tichý

Miroslav ‎Tichý

 

 

Fotografía es lo que ven tus ojos así de rápido. Para algunos fotógrafos significa pintar con la luz, eso es un error. Los fotógrafos son los poetas que escriben a través de una calidad pictórica. Y para poder realizar eso tu necesitas una cámara mala, si tu buscas ser famoso, tu necesitas ser el peor en algo, más que cualquier persona en este mundo!

 

 

 

Biografía

Miroslav Tichý fue hijo único de un sastre y pasó su infancia en Kyjov hasta que, tras la Segunda Guerra Mundial, comenzó a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Praga. De una timidez extrema, en 1948 se rebeló contra las autoridades junto a un grupo de estudiantes. La razón fue estética, no política. El nuevo régimen dictatorial había decidido cambiar las modelos que posaban para dibujo del natural por rudos obreros con mono. Dejó los estudios, dejó todo. Su fascinación por las mujeres es la constante de su vida. Pintaba, pero sus cuadros no interesaban a nadie.

Se convirtió durante décadas en un vagabundo e indigente, considerado por la policía de Checoslovaquia como un enfermo mental, pasando por numerosos psiquiátricos y prisiones. Tras dedicar sus esfuerzos a la pintura, ser desalojado de su casa y haber perdido su obra, en la década de 1960 se construyó con materiales de desecho una cámara fotográfica, dedicándose desde entonces a realizar retratos de mujeres que caminaban, descansaban en el parque, tomaban el sol en la piscina o subían a un autobús. Sus fotografías, que revelaba descuidadamente en su chabola sobre los más variados materiales, tienen un aspecto borroso, a veces sobrexpuestas, con rayaduras, impresas sobre papeles rasgados a mano, enmarcadas en ocasiones con simples cartones coloreados. Son características que lo ligan a lo pictórico. Tienen el encanto y el embrujo de lo imperfecto, de lo manual; también se nota la carga sensual en la mirada de este voyeur, ladrón de momentos fugaces e intrascendentes.

En la década del 2000 fue descubierto por el crítico de arte contemporáneo, Harald Szeemann, quien le organizó una exposición en la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla en 2004, aunque ya había realizado en 1990 una exposición en la Die Blaue Kunsthalle DuMont de Colonia. A partir de ese momento gozó de gran prestigio y sus trabajos recorrieron las salas de Madrid, Palma de Mallorca, París (Centro Pompidou) y Nueva York (International Center of Photography). En 2009, coincidiendo con su exposición en Mallorca, se presentó un documental sobre él, Tarzán jubilado.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Miroslav ‎Tichý
  • Long Moments
  • ‎Tichý
  • Artists for Tichý – Tichý for Artists

viernes, 18 de abril de 2014

José Manuel Ferrater

José Manuel Ferrater es un fotógrafo catalán (nacido en 1948 en Barcelona, donde reside) reconocido por su fotografía de moda y dirección de spots de belleza, moda y publicidad. Su trabajo lleno de fuerza, expresividad y creatividad le ha ganado el respeto de los profesionales del este sector.

 

 

© José Manuel Ferrater

© José Manuel Ferrater

 

 

 

 

Biografía

José Manuel Ferrater se inició en la fotografía matriculándose en 1968 en la escuela Eina. Sus primeras fotos (que eran de un doble accidente en el circuito de fórmula 1 de Montjuïc y nunca las pudo firmar) las publicó en la revista Triunfo durante una substitución de Xavier Miserachs, su profesor en Eina. Desde mediados de los 70 se ha dedicado a la fotografía de moda, participando en campañas internacionales al máximo nivel y trabajando con las mejores modelos (Naomi Campbell, Cindy Crawford, Claudia Schiffer, Linda Evangelista, Amber Valletta, Lara Stone, Carolyn Murphy, Carmen Kass, Helen Christensen, Laetitia Casta, ... ).

Pasó siete años trabajando entre Nueva York, París y Milán, en una vorágine compulsiva de producción fotográfica y de cine publicitario que le situó en la cúspide de la fotografía de moda,  publicado sus imágenes en las más relevantes publicaciones del mundo, como Harper’s Bazaar, Vogue, Glamour, Donna y Arena.

En 1990 entró en un proceso de reflexión personal que le llevó a reducir drásticamente su prolífica actividad fotográfica y a regresar a Barcelona, donde dirige, desde 2008, Ferrater Estudio, un proyecto interdisciplinar (fotografía y cine) basado en el trabajo en equipo (director de arte, retoque, producción, iluminación y técnicos) con un objetivo común: volver al espíritu libre de los 70 utilizando las últimas tecnologías.

Lo más característico de su fotografía es una constante búsqueda de la expresividad del modelo. Sus imágenes, en su mayoría retratos en blanco y negro, poseen una fuerza vibrante que busca extraer al máximo la belleza interior, al margen de la evidente belleza superficial. Su obra transmite algo más que los valores del producto: emoción, tensión, dolor a veces. Resuelve la frustración, el desencanto o la incomodidad en juegos de luces y sombras que impactan por su fuerza visual, condensando la belleza en un instante congelado.

En su última etapa, ha encontrado en la pintura un tipo de expresión que la fotografía no ha podido proporcionarle.

En 2009 expuso por primera vez, la muestra, Los niños de Benín (Imaginart Gallery, Barcelona, 2009), una instalación compuesta de 36 cuadros, 66 fotos en un vídeo y 23 poesías, donde, a partir de unos niños bailando en Benín, escupe sus traumas infantiles, en un trabajo realizado a lo largo de ocho años, en gran formato, y en los que utiliza tres colores básicos: el rosa brillante, el blanco y el negro. En esta obra aparecen cruces, curas, aguijones de escorpión y figuras humanas a las que sólo les queda la piel, como símbolo perturbador de lo que físicamente permanece.

Actualmente prepara  una exposición antológica de su obra pictórica en el Museu Brasileiro da Escultura de São Paulo y en el Museu Oscar Niemeyer de Curitiba (Brasil).

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 17 de abril de 2014

Karin Apollonia Müller

Karin Apollonia Müller es una fotógrafa alemana (nacida en Heidelberg en 1963, vive en California y Alemania) que, trabajando en color con una paleta apagada y con poco contraste, crea imágenes que investigan la lucha entre el mundo natural y el entorno construido, sobre todo la incapacidad de la arquitectura para conseguir el nivel de los ideales humanos de orden y control.

 

 

© Karin Apollonia Müller

© Karin Apollonia Müller

 

 

 

Biografía

Karin Apollonia Müller es hija de un capitán de barco. Estudió fotografía y cine en la Universidad de Essen antes de trasladarse al oeste de los Estados Unidos en 1995.

Mientras Angels in Fall  trata de la desconexión entre los seres humanos y su entorno, On Edge muestra cómo la tierra se desmorona, y nuestros esfuerzos son inútiles para controlar u ocultar la invasión sutil de la naturaleza en los espacios “cultivados” por el hombre.

Recientemente, en sus tres series tituladas Citylights, Worldlights y Starlights, ha adoptado una perspectiva aún más remota, la transformación de datos de la NASA en representaciones oníricas de la vida humana y el cosmos. Este trabajo representa un cambio hacia un estudio más concentrado de la casualidad, ya que sus imágenes dependen de los datos que se apropia.

Ha recibido numerosos premios y becas, entre ellas una Getty/CAL Arts Grant (2001), Lannan Foundation (2000) y DAAD Foundation (1995). Está representada por Diane Rosenstein Fine Art en Los Ángeles y Julie Saúl Gallery en Nueva York.

Su trabajo ha sido ampliamente exhibido en los Estados Unidos y Europa, y se incluye en colecciones como las del The Museum of Modern Art, Nueva York; Whitney Museum, Nueva York; y el San Francisco Museum of Modern Art.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros