viernes, 28 de febrero de 2014

Enrique Muñoz García

Enrique Muñoz García es un videoartista, comisario y fotógrafo chileno (nacido en 1969 en Ancud, Chiloé, vive y trabaja en Biel/Bienne, Suiza) cuyo trabajo fotográfico se basa en la mezcla entre la fotografía clásica y las nuevas técnicas audiovisuales.

 

 

© Enrique Muñoz García

© Enrique Muñoz García

 

 

Biografía

Enrique Muñoz García estudió dibujo en la Universidad Católica de Chile y desde 1998 ha trabajado en la fotografía periodística de la prensa Suiza y para variados medios publicitarios.

Su obra ha sido expuesta en la Leica Gallery, Suiza, Biel/Bienne Festival of Photography, Suiza; Photomonth Festival, Polonia; Artisterium, Georgia, y en MAZ – The Swiss School of Journalism, en Suiza también.

Ha sido dos veces nominado para el Swiss Photo Award. En 2013 ganó el Prix de la Photographie de París PX3 en la categoría de Press Performing Arts.

Es fundador y comisario del espacio público de arte en video Juraplatz y cofundador del Lokal-int. en Biel/Bienne.

 

 

 

 

Referencias

jueves, 27 de febrero de 2014

Mario Giacomelli

Mario Giacomelli fue un pintor, poeta aficionado y fotógrafo italiano (nacido el 1 de agosto de 1925 en Senigallia, y fallecido el 25 de noviembre de 2000, también en Senigallia) considerado uno de los autores más originales de la fotografía italiana. Su estilo independiente, anárquico y valiente le permitió tocar los más diversos temas dejando siempre su poderosa impronta personal en las imágenes.

 

MarioGiacomelli

© Mario Giacomelli

 

Yo no puedo hacer las fotos que hacen en la agencia Magnum porque no me muevo de mi pueblo. Por eso documento mi sensibilidad, las cosas que me sugiere el alma.

 

Yo quiero documentar, pero no lo hago sólo por mi. Pienso en los que vendrán después de mi, quiero fotografiar algo que se queden en la mente, y eso se obtiene a través de la forma del corte de la fotografía, de cómo disparas, de cómo la positivas. El auténtico realista dirá que te has equivocado, que debes presentar la realidad tal cual es. Uno de los grandes fotógrafos, Henri Cartier-Bresson, dice que no corta las fotos, que el corte lo hace antes de disparar, pero son tonterías dichas por un gran hombre, pero tonterías. Yo corto y quito todo lo que quiero porque yo he visto a un escritor de la talla de Leopardi hacer un montón de correcciones en los manuscritos de sus poemas y no por eso se concluye que no supiera escribir. Si Leopardi, que era un dios para mi, corregía, yo, que soy un pelagatos, ¿Por qué no voy a corregir mis fotos? Corregir quiere decir cubrir, enmascarar, hacer ver una luz que no existía.

Biografía

Mario Giacomelli estuvo trabajando desde 1938 en una empresa de tipografía y dedicaba sus fines de semana a la pintura de paisajes. La empresa fue destruida durante la segunda guerra mundial, la restauró y se convirtió en su propietario. En 1953 se compró su primera cámara fotográfica: una Comet Bencini. Se inició como fotógrafo en 1954 de la mano de Paolo Monti, una figura de referencia para los pioneros de la fotografía contemporánea de Italia.

Comenzó aprendiendo él mismo la técnica necesaria pero cuando conoció a Giuseppe Cavalli pudo perfeccionar sus conocimientos y además pudo entrar en el mundo de la fotografía artística, primero como miembro de la MISA en la que estaban fotógrafos como Piergiorgio Branzi, Alfredo Camisa o Silvio Pellegrini con los que pudo aprender de su trabajo y después se integró en el grupo La Bussola que representaba en Italia la innovación al igual que en España lo hacía el grupo fotográfico AFAL o en Alemania lo hizo unos años antes el grupo Fotoform.

Poeta y pintor, Giacomelli utilizaba su cámara (una Kobell a la que había eliminado él mismo parte de su s mecanismos) “como un lienzo” sobre el que se puede hacer todo aquello que se quiera. Bastante alejado de los protocolos de la estética fotográfica, sus imágenes destilan los signos característicos de lo borroso, del movimiento, son deliberadamente imprecisas. Para ello, interviene sobre las fotografías utilizando diversas técnicas que dotan a su obra de un léxico absolutamente personal y poderosamente expresionista.

En su obra fotográfica empleó la fotografía en blanco y negro de medio formato, que revelaba en papel con alto contraste, y su obra se incluye en el movimiento neorrealista italiano de esa época. Uno de sus temas favoritos eran los paisajes entre los que incluyó alguno realizado desde el aire o los realizados en sus viajes al Tibet y Etiopía, pero también realizaba fotografías de animales, personas discapacitadas o peregrinos al santuario de Lourdes.

Comenzó participando en concursos y salones y su primera exposición la realizó en 1958 en la galería Il Naviglio en Milán, pero tuvo mayor relevancia la que realizó en 1964 en el MOMA de Nueva York que trataba sobre el pueblo de Scanno. John Szarkowski, conservador de fotografía del MOMA le incluyó entre los 100 mejores fotógrafos de la colección del museo neoyorquino. A parte de estas fotografías de Scanno, Giacomelli es muy conocido por sus fotografías de jóvenes seminaristas jugando con la nieve en  Io non ho mani che mi accarezzino il volto (No tengo manos que acaricien mi rostro), tras un encargo de la Iglesia Católica para documentar su vida en los seminarios.

También expuso en otros museos y galerías como en George Eastman House en Rochester, en el museo Nicéphore-Niépce de Chalon-sur-Saône, en el Victoria and Albert Museum de Londres y en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Son muy numerosos los premios que obtuvo: en 1955 ganó el primer premio en la Exposición Nacional de Castelfranco Veneto y cuarenta años después le galardonaron con el premio de cultura de la Asociación Alemana de Fotografía.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 26 de febrero de 2014

Jochen Lempert

Jochen Lempert es un fotógrafo alemán (nacido en 1958 en Moers, vive y trabaja en Hamburgo) cuyo trabajo trata sobre el mundo de la naturaleza y los animales.

 

 

© Jochen Lempert

© Jochen Lempert

Biografía

Jochen Lempert estudió biología antes de dedicarse a la fotografía en la década de los 90. Como consecuencia de ello, sus fotografías y fotogramas analógicos en blanco y negro y que se refieren principalmente a la exploración del mundo natural, están marcadas con aspectos científicos, no sólo en referencia a sus motivos, sino en todo el proceso de la fotografía.

Lempert crea grupos de obras en respuesta a espacios particulares, generando una red dinámica de asociaciones que se pueden comparar a un laboratorio visual abierto. Sus fotografías, que se presentan sin marco y conectadas directamente a la pared, ponen de relieve las similitudes entre los humanos y los animales o se centran en el aspecto efímero de las olas, las bandadas de pájaros o nubes volcánicas. Los patrones, estructuras y formaciones resultantes son documentos artísticos modestos y, a la vez, impresionantes del mundo que nos rodea.

Sus imágenes del mundo natural: olas del mar, plantas, aves, insectos, reptiles, conchas marinas y especímenes disecados de museos de historia natural, las realiza a través de una variedad de procesos experimentales y tradicionales que, en cierta medida, imitan el orden inherente y aleatoriedad de la propia naturaleza.

Ha construido una sólida reputación con publicaciones científicas y sus exposiciones individuales en instituciones internacionales de arte como el Museum Ludwig, en Colonia y Rochester Art Center, en Minneapolis. Su obra se encuentra en la colección del estado alemán. En 2005 fue el ganador del Premio Edwin Scharff.

En 2010 ha participado en exposiciones nacionales e internacionales. Su primera revisión de su trabajo fuera de Alemania, titulada Trabalho de Campo, se celebró en el Culturgest, en Lisboa, en 2010.

Ha realizado varias exposiciones en solitario, como:

  • Jochen Lempert, Contemporary Art Museum, St. Louis, 2010
  • Jochen Lempert, Museum Ludwig, Colonia, 2010
  • Jochen Lempert, ProjecteSD, Barcelona. 2010
  • Jochen Lempert, Galerie Reinhard Hauff, Stuttgart. 2011
  • Jochen Lempert, Rochester Art Center, Minneapolis. 2012
  • Jochen Lempert, Midway Contemporary Art, Minneapolis. 2012
  • Jochen Lempert, Hamburger Kunsthalle, Hamburgo, 2013.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

martes, 25 de febrero de 2014

Julius Shulman

Julius Shulman fue un fotógrafo de arquitectura estadounidense (nacido el 10 octubre 1910 en Brooklyn, Nueva York, y fallecido el 15 julio 2009 en Los Ángeles, California) que, a través de sus numerosos libros, exposiciones y presentaciones personales de su trabajo marcó el comienzo de una nueva apreciación del modernismo a partir de la década de los 90.

 

Case Study House #22, Los Angeles, 1960 Pierre Koenig, Architect © Julius Shulman

Case Study House #22, Los Angeles, 1960 Pierre Koenig, Architect © Julius Shulman

 

 

Las técnicas del cuarto oscuro son una parte tan importante del proceso fotográfico como hacer clic en el obturador de la cámara.

 

 

 

Biografía

Julius Shulman nació en Brooklyn y creció en una pequeña granja en Connecticut antes de mudarse a Los Ángeles cuando todavía era un niño. Asistió brevemente a la Universidad de California en Los Ángeles y en Berkeley, donde se ganaba algo de dinero mediante la venta de fotografías a sus compañeros.

En 1936, regresó a Los Ángeles, donde un amigo le encargó hacer fotografías de una casa nueva en Hollywood, diseñada por Richard Neutra, cosa que hizo con su cámara de aficionado Kodak Vest Pocket. Cuando Neutra vio las fotos, procedió a darle sus primeros encargos.

En 1947, Shulman pidió al arquitecto Rafael Soriano que le construyera una casa de acero de mediados de siglo y estudio en las colinas de Hollywood. En 1987, esta casa, Shulman House, fue designada como Monumento del Patrimonio Cultural de la ciudad de Los Ángeles.

Shulman abrió un estudio en Los Ángeles en 1950, pero mucho de su trabajo fue para revistas con sede en Nueva York. Su fotografía más icónica es Case Study House #22, Los Angeles, 1960. Pierre Koenig, Architect. La casa también es conocida como la Casa Stahl.

En 1960 ya era reconocido como el más importante fotógrafo arquitectónico de todos los tiempos. Siguió su profesión compaginándola con docencia en Berkeley, de donde saldrían importantes fotógrafos formados por él.

Algunas de sus fotografías arquitectónicas  como las icónicas de las obras de Frank Lloyd Wright o Pierre Koenig, han sido publicadas incontables veces. La brillantez de edificios como los de Charles Eames, y los de sus amigos Richard Neutra y Rafael Soriano se visualizaron en buena parte por la fotografía de Shulman.

La claridad de su obra logró que la fotografía arquitectónica haya sido considerada como una forma de arte independiente. Cada imagen de Shulman une la percepción y comprensión de los edificios y su integración en el paisaje. Las composiciones exactas no revelan sólo las ideas arquitectónicas detrás de la superficie de un edificio, sino también las visiones y aspiraciones de toda una época. Un sentido de la humanidad está siempre presente en su obra, aún cuando la figura humana esté ausente en las fotografías reales. Muchos de los edificios fotografiados por Shulman ya han sido demolidos o reutilizados, aumentando el valor de sus imágenes.

Permaneció en el negocio a tiempo completo hasta finales de los 80. En 2000, Shulman abandonó su retiro para comenzar a trabajar con su socio Juergen Nogai, con el que realizó conjuntamente exhibiciones en el Design and Architecture Museum de Frankfurt, en 2005; Barnsdall Municipal Gallery en Los Angeles en 2006; Craig Krull Gallery Bergamot en Los Angeles en 2007 y 2009 y en Mannheim, Alemania en 2010.

El Getty Research Institute expuso en 2005/2006 una muestra de copias de Shulman titulada Julius Shulman, Modernity and the Metropolis, que incluía secciones como Framing the California Lifestyle, Promoting the Power of Modern Architecture,The Tools of an Innovator y The Development of a Metropolis Esta exposición paso también por el National Building Museum y el Art Institute de Chicago.

Su amplia biblioteca de imágenes reside actualmente en el Getty Center en Los Ángeles. Sobre su vida se han realizado la película, Julius Shulman – Palm Springs, y el documental Visual Acoustics: The Modernism of Julius Shulman. Le fue otorgado el premio Lucie Awards en 2004.

 

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 24 de febrero de 2014

Aitor Lara

Aitor Lara es un fotógrafo español (nacido en Baracaldo, Vizcaya, en 1974, vive en Sevilla) que aborda cuestiones relacionadas con los valores socio-culturales, la identidad y el anonimato, sugiriendo un modo de interpretar la realidad contemporánea. Ha trabajado en diferentes países profundizando en las dimensiones antropológicas de diferentes cultos religiosos y de algunas minorías sociales.

 

 

© Aitor Lara

© Aitor Lara

 

 

(Photoshop) … me ayuda a llevar la imagen donde yo quiero. Por ejemplo, a mí me siguen interesando las fotos sucias, los negros empastados, los blancos quemados ...

 

La fotografía es una cuestión de sensibilidad. Puedes estar en un desierto de piedras y si te pones al final sacas geometrías, puedes buscar relaciones espaciales con las rocas y la arena. Si estás en un mitin político del PP vas a buscar los aspectos más significativos de la derecha más rancia de nuestro país. Si estás en un concierto de punk lo mismo... A mí me interesa todo. Nuestra vida, talento y sensibilidad son limitados y uno hace lo que puede.

 

 

 

Biografía

Aitor Lara estudiaba filosofía, viajaba mucho, hacía fotos. En 1999 consiguió el Premio de Fotografía Juana de Aizpuru, y comenzó su carrera profesional, mostrando su trabajo en ferias internacionales como ARCO y ParisPhoto.

Luis Baylón fue uno de sus maestros, y como éste siempre fotografía en blanco y negro, Aitor trabaja mayormente en escala de grises haciendo medio formato con los Tri-X de 220, con Hasselblad y Rolleiflex. La mayor parte de su trabajo sigue siendo analógico, aunque luego escanea los negativos y los procesa digitalmente.

En 2004, recibió la beca de investigación Ruy de Clavijo de Casa Asia para llevar a cabo un proyecto en Uzbekistán, inspirado en el viaje de Ruiz de Clavijo, embajador del rey Enrique III, a la corte de Tamerlán entre 1403 y 1406. Aitor recorrió algunos de los itinerarios de Clavijo seis siglos después, fotografiando las ciudades, gentes y culturas de la región ocupada hoy por las cinco repúblicas de Asia Central: Kazajstán, Kirguizistán, Tayikistán, Turkmenistán y la mencionada Uzbekistán.

En 2008 recibió el premio Europa Multicultural de Médicos del Mundo.

Ha publicado por el momento 3 libros y las fotografías de uno de ellos, Maestranza, sobre la plaza de toros de Sevilla decoran la fachada del edificio FNAC de Sevilla desde 2009.

Además, sus fotografías se han publicado en NewsWeek, Financial Times, OjodePez y Vokrug Sveta. En el 2010, participó en OjodePez Photo Meeting en Barcelona. En 2012 fue nominado para la beca Magnum Foundation Emergency Fund.

En 2013 ha realizado para Save the Children un trabajo sobre pobreza infantil en España. También ha recibido la Beca Endesa de Artes Plásticas por su proyecto Dragoman.

En la actualidad Aitor desarrolla trabajos en diferentes países como India, Cuba y Burkina Faso.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

domingo, 23 de febrero de 2014

Lynne Cohen

Lynne Cohen es una fotógrafa estadounidense/canadiense (nacida en 1944 en Racine, Wisconsin, EEUU, reside en Montreal, Québec) con renombre internacional que presenta imágenes sorprendentes de interiores de hogares o de establecimientos de trabajo. Sus escenas, por lo general fotografiadas en blanco y negro, son notables por su iluminación plana y por la ausencia de figuras humanas. Son a veces divertidas, y a veces inquietantes.

 

 

© Lynne Cohen

© Lynne Cohen

Mi trabajo siempre ha sido acerca del artificio psicológico, sociológico, político e intelectual. Esto era evidente en mis primeras imágenes, pero en los últimos años es más claro todavía. Ahora estoy más preocupada por el engaño, la claustrofobia, la manipulación y el control ... Me tomo mi trabajo para ser social y política, pero no hay ningún mensaje concreto. Tal vez por eso me siento mucho más cerca en espíritu a Jacques Tati que a Michel Foucault.

 

 

 

Biografía

Lynne Cohen estudió impresión artística y escultura en la Universidad de Wisconsin en Madison, Wisconsin, y en Ann Arbor y la Universidad del Este de Michigan, en Ypsilanti, Michigan. Estudió durante un año en la Slade School of Fine Art de Londres. Allí, ella se vio influenciada por el artista pop británico Richard Hamilton. Otros contemporáneos que le influyeron fueron Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Claes Oldenburg.

Cuando era una joven escultora, Cohen se fascinó por las técnicas utilizadas en la fotografía publicitaria, bienes raíces y las postales, y por los materiales sintéticos. En 1971, Cohen ya estaba trabajando como fotógrafa, interesándose por la iluminación neutra, la profundidad de campo y la composición que veía en catálogos de compra por correo.

Cohen ha vivido y trabajado en Canadá desde 1973, inicialmente en Ottawa y en Montreal desde 2005.

Ha impartido talleres en varias instituciones, principalmente la Universidad del Este de Michigan (1968-1973), Algonquin College (1973-1975) y en la Universidad de Ottawa (1974-2005). Cohen ha realizado numerosas exposiciones y residencias en América del Norte y Europa. En 2005, fue galardonada con el Governor General's Award in Visual and Media Art. 

Cohen es conocida por sus fotografías de espacios interiores domésticos e institucionales, como salas de estar, salas públicas, residencias de ancianos, laboratorios, oficinas, salas de exposiciones, campos de tiro, fábricas, balnearios e instalaciones militares. A pesar de este interés en vivir y trabajar los espacios, las fotografías de Cohen por lo general carecen de presencia humana. Fotografía usando una  cámara de 8 x 10”, lo que le permite capturar con gran detalle y crear impresiones de gran tamaño. Su trabajo ha sido publicado en los catálogos como Occupied Territory (1987) y No Man's Land (2001).

La frialdad y el distanciamiento de sus composiciones pueden ser vistas como un espacio de reflexión, aparentemente neutral, desde donde extraer conclusiones o, al menos, plantear dudas e interrogantes. Sin embargo, Cohen siempre deja un hueco al guiño y a la complicidad con el espectador, utilizando toques humorísticos e irónicos en unas imágenes que de otra forma podrían acusar una excesiva frialdad, debido a su acusado anonimato y descontextualización respecto a su entorno.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Además de los numerosos catálogos de sus múltiples exposiciones.

sábado, 22 de febrero de 2014

Shomei Tomatsu

Shomei Tomatsu fue un fotógrafo japonés (nacido el 16 de enero de 1930 en Nagoya y fallecido el 14 de diciembre de 2012 en Naha, Okinawa) que destacó por sus reportajes sociales, siendo considerado en Japón como uno de los autores que más ha influido en la fotografía de la segunda mitad del siglo XX.

 

Prostitute, Nagoya, 1958 © Shomei Tomatsu

Prostitute, Nagoya, 1958 © Shomei Tomatsu

 

 

Sueño con un nuevo tipo de cámara conectada directamente a la corteza cerebral. No más grande que un par de lentes ni más pesada que un sombrero. Funcionaría de continuo, ajustando automáticamente la velocidad de obturación, la apertura, el foco y moviendo el zoom de lo más cercano a lo más lejano. Bastaría con que el fotógrafo pensara que quiere fotografiar determinada cosa. La película se rebobinaría automáticamente y podríamos tomar mil fotos sin cambiarla. Sería tanto en blanco y negro como en color. No sería posible registrar al mismo tiempo el lugar donde uno se encontrara, pero sí el día y la hora de cada foto, que quedaría registrada en el borde del film, automáticamente (…) Con esta cámara acoplada a mi cuerpo dispararía y dispararía y dispararía…

 

 

 

Biografía

Shomei Tomatsu  estudió economía en la Universidad de Aichi mientras aprendía fotografía de un modo autodidacta. Siendo aún estudiante, publicó sus fotografías en las mejores revistas japonesas. Entró en la Editorial Iwanami y trabaja en las series Iwanami Shashin Bunko. Dos años más tarde lo dejaría para dedicarse a trabajar por libre.

Al terminar sus estudios empezó a trabajar en la editorial Iwanami Shoten. En 1959 fundó la agencia Vivo junto a Ikkō Narahara y Eikoh Hosoe. Dos años después, la publicación del libro que realizó con Ken Domon Hiroshima–Nagasaki Document, 1961, sobre los efectos de las bombas atómicas, consiguió grandes elogios.

En 1966, Tomatsu publicó en revistas una serie llamada The Sea Around Us que duró casi un año,  para lo cual viajó por todo su país, inspirado por un libro del mismo nombre del ecologista estadounidense Rachel Carson, mostrando también la americanización que había obrado cambios profundos en Japón desde los bombardeos y la ocupación que siguió el fin de la Segunda Guerra Mundial.

En 1969 Tomatsu fue a una Okinawa, bajo jurisdicción de los Estados Unidos, y a la que a pocos japoneses se les permitió la entrada. Tomatsu finalmente se mudó allí durante varios años, realizando cuatro libros y muchos más artículos en revistas sobre la vida en las islas del sur (Islas Ryukyu). Las fotografías en blanco y negro y políticamente incisivas que había hecho en la década de los 60, que incluían fotos de los bombarderos estadounidenses despegando desde Okinawa para bombardear Vietnam, dieron paso a paisajes marinos de colores deslumbrantes y escenas cotidianas. En 1975 se publicó su libro Lapiz del sol (Taiyō no enpitsu), que fue ganador de un premio de fotografía en Okinawa,

Su obra estuvo enfocada al reportaje social como crítica de la pérdida de los valores de la sociedad japonesa frente a la influencia estadounidense, y también las consecuencias de las bombas atómicas en el pueblo japonés. En el plano formal realizó una innovación en la fotografía documental al emplear imágenes simbólicas en sus series. Ha publicado numerosos libros.

Ha expuesto su obra por todo el mundo y su trabajo se puede encontrar en el Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Galería Nacional de Canadá, el Museo de Arte Moderno de San Francisco y la Galería de Arte Corcoran.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 21 de febrero de 2014

William Gedney

William Gedney fue un fotógrafo estadounidense (nacido el 29 de octubre de 1932 en Greenville, Nueva York, y fallecido en esa misma ciudad el 23 de junio de 1989) que realizó una importante fotografía documental y de calle, pero no fue hasta después de su muerte que su obra cobró impulso y su obra se reconoció ampliamente, como su serie de la Kentucky rural, y las de la India, San Francisco y Nueva York, realizadas en los 60 y 70.

 

 

© William Gedney

© William Gedney

 

 

 

Biografía

William Gale Gedney estudió en el Pratt Institute de Brooklyn, Nueva York.

En su carrera desde finales de los 50 a mediados de los 80, creó un gran número de trabajos, incluyendo la serie que documenta las comunidades locales en sus viajes a la India, San Francisco, Brooklyn y Nueva York. También realizó fotografía nocturna, principalmente de grandes estructuras como el puente de Brooklyn, y estudios de arquitectura de barrios tranquilos y vacíos por la noche.

Desde escenas de calle fuera de su apartamento de Brooklyn a los quehaceres cotidianos de los mineros del carbón en paro, desde el estilo de vida indolente de los hippies en Haight-Ashbury a los rituales sagrados de los fieles hindúes, Gedney registró la vida de los demás con notable claridad y ... algo de patetismo. Sus fotografías, junto con sus cuadernos y escritos, iluminan la visión de un hombre intensamente retraído que, como escritor y fotógrafo, reveló las vidas de los demás con una gran sensibilidad.

Durante su vida recibió varias becas y subvenciones, incluyendo una John Simon Guggenheim Memorial Foundation 1966-1967, una Fulbright Fellowship para la fotografía en la India desde 1969 hasta 1971, una beca New York State Creative Artists Public Service Program (C.A.P.S.) en 1972-1973, y un National Endowment for the Arts para 1975-1976.

En 1969, comenzó a enseñar en el Pratt Institute, aunque más tarde, en 1987, dos años antes de su muerte, se le negó poder volver a dar clases en esta institución.

El trabajo de Gedney fue expuesto en numerosas exposiciones colectivas, como en el Museum of Modern Art, Photography Current Report, en 1968, Ben Schultz Memorial Collection en 1969, y Recent Acquisitions en1971; Vision and Expression en la George Eastman House, y en el Rochester Institute of Technology, en 1972. Sin embargo, sólo realizó una exposición individual en su vida y sólo publicó una fotografía.

A pesar de recibir el reconocimiento de fotógrafos notables de la época como Walker Evans, Diane Arbus, Lee Friedlander y John Szarkowski, permaneció siendo el artista más infravalorado de su generación. No logró publicar ninguno de sus ocho proyectos de libros.

William Gedney murió de SIDA en 1989. Dejó a sus fotografías y escritos a su amigo de toda la vida Lee Friedlander, que con el tiempo conseguiría poner en valor la obra Gedney, lo mismo que hizo anteriormente con la de EJ Bellocq.

Una extensa colección de su obra, incluyendo hojas de contacto, bocetos, cuadernos y fotografías son custodiadas por la Duke University en Carolina del Norte.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

  • William Gedney Photographs and Writings.