sábado, 30 de noviembre de 2013

Mark Klett

Mark Klett es un Investigador, docente y fotógrafo estadounidense (nacido en 1952 en Albany, Nueva York, vive en Tempe, Arizona) interesado en la Intersección de la cultura, el paisaje y el tiempo.

 

© Mark Klett

© Mark Klett

 

 

Biografía

Mark Klett estudió geología en St. Lawrence University en Canton, Nueva York, y trabajó como geólogo antes de iniciar su actividad como fotógrafo. Obtuvo un master en fotografía en la State University of New York en Buffalo.

En 1984, publicó Second View, un vasto proyecto que consistía en volver a fotografiar los escenarios del oeste norteamericano que fotógrafos tan conocidos como Timothy O'Sullivan, entre otros, realizaron en el transcurso de las expediciones encargadas por el Gobierno Federal durante la segunda mitad del siglo XIX.

Con este proyecto, Klett generó, a la vez, tres importantes elementos: la metodología necesaria para desarrollar el riguroso género de la refotografía, el equipo humano necesario para abarcar los ambiciosos propósitos de sus proyectos, y un discurso sobre la construcción del imaginario colectivo.

A finales de los años noventa Klett retomó el mismo trabajo, lo que le llevó a publicar la monografía Third Views, Second Sights, donde se recogen las imágenes realizas en el siglo XIX, las de los años setenta y las del final del siglo XX.

Klett ha utilizado una cámara de 4x5” para su fotografía. En sus trabajos iniciales utilizaba película Polaroid positiva y negativa dejando una trama irregular alrededor de sus imágenes que se asemejaba a las asperezas de negativos en placa de vidrio utilizados por los fotógrafos del siglo XIX. Los bordes fueron recortados por razones estéticas, antes de su inclusión en libros. En sus trabajos más recientes, todavía utiliza a menudo una cámara de 4x5”, pero la técnica digital le permite mezclar las imágenes de otros fotógrafos con las suyas propias.

Es profesor regente de Arte en la Arizona State University. Klett ha recibido becas de la Guggenheim Foundation, National Endowment for the Arts, Buhl Foundation y Japan/US Friendship Commission. Su trabajo ha sido expuesto y publicado a nivel nacional e internacional a lo largo de más de 30 años, y su obra está en más de 80 colecciones de museos y galerías de todo el mundo.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Reconstructing the View: The Grand Canyon Photographs of Mark Klett and Byron Wolfe.
  • Saguaros (2007)
  • After the Ruins: Rephotographing the 1906 San Francisco Earthquake and Fire (2005)
  • Yosemite in Time: Ice Ages, Tree Clocks, Ghost Rivers, con Rebecca Solnit y Byron Wolfe, (2005)
  • Third Views, Second Sights, A Rephotographic Survey of the American West (2004)
  • The Black Rock Desert, con Bill Fox (2002)
  • Desert Legends: Restorying the Sonoran Borderlands, con Gary Paul Nabhan, Henry Holt (1994)
  • Capitol View: A New Panorama of Washington DC, con Merry Foresta (1994)
  • Revealing Territory (1992)
  • Photographing Oklahoma. 1889-1991 (1991)
  • One City/Two Visions (1990)
  • Headlands: the Marin Coast at the Golden Gate, con Miles De Coster, Mike Mandel, Paul Metcalf y Larry Sultan (1989)
  • Traces of Eden: Travels in the Desert Southwest (1986)
  • Second View: The Rephotographic Survey Project, con Ellen Manchester y Joann Verburg (1984)

viernes, 29 de noviembre de 2013

Stuart Klipper

Stuart Klipper es un fotógrafo estadounidense (nacido en el Bronx, Nueva York, el 27 de agosto de 1941, vive en Minneapolis) cuyo trabajo es variado (él se define como “generalista”), pero se le conoce principalmente por los paisajes panorámicos de los Estados Unidos y los de las dos zonas polares.

 

© Stuart Klipper

© Stuart Klipper

 

La fotografía no trata de fotografía, trata del mundo. Simplemente, ¡haz fotografías! No hay reglas. Encuentra tu propio vocabulario.

 

 

 

Biografía

Stuart Klipper estudió en la Universidad de Michigan. Vivió en Nueva York y Estocolmo, Suecia, en los años 60, luego se mudó a Minneapolis en 1970 y reside allí todavía. Normalmente realiza panorámicas con una Linhof Technorama 617, que utiliza película.

Ha realizado seis visitas a la Antártida para fotografiarla. La primera vez en 1987, como participante en una expedición privada de veleros, las 5 siguientes bajo el auspicio de National Science Foundation's Antarctic Artists and Writers Program.

En varias ocasiones también ha trabajado en el Norte: Groenlandia, Islandia, Svalbard , Alaska, y Laponia (donde fotografió regiones irradiadas por las consecuencias de la catástrofe de Chernobyl).

En julio de 2009 pisó el Polo Norte, lo que le hace formar parte del selecto club de las 400 personas que han pisado ambos polos.

Otros viajes importantes lo han llevado al Outback de los aborígenes del norte de Australia, a los desiertos bíblicos de Israel y el Sinaí, a las selvas tropicales de Costa Rica, a los confines de la Patagonia y Tierra del Fuego en Chile y Argentina y a las ciudades y provincias de Sri Lanka y Pakistán. También ha navegado miles de millas por mar, fotografiando todos los océanos de la Tierra y en muchos de sus mares y grandes masas de agua.

Durante casi 30 años ha realizado fotografías en los 50 estados de su país, extrayendo las características propias de cada regiones de América. También ha fotografiado extensamente los cementerios y los monumentos a los caídos en el Primera Guerra Mundial en el Frente Occidental en Bélgica y Francia, y las grandes instalaciones de investigación física y astronómica en EEUU. También ha realizado retratos de personas en Pakistán y Sri Lanka.

Sus fotografías han sido expuestas y coleccionadas por los principales museos nacionales e internacionales como el Museum of Modern Art, San Francisco Museum of Modern Art, The Art Institute of Chicago, The Minneapolis Institute of Arts, Walker Art Center, The Jewish Museum (Nueva York), The McDonald Gallery (Nueva Zelanda), The Israel Museum, The Victoria and Albert Museum en Londres, Artium - the Basque Museum of Contemporary Art (Vitora), Bonn Kunsthalle
(Alemania), Moderna Museet (Estocolmo),

Ha conseguido premios y becas como Guggenhiem Foundation, Bush Foundation, McKnight Foundation, Minnesota State Arts Board, National Endowment of the Arts, … Ha recibido también una US Navy's Antarctic Service Medal. Ha sido profesor en el Colorado College.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • The Antarctic: From the Circle to the Pole.
  • Stuart Klipper Cardinal Points.
  • Bearing South: Antarctica at Sea (1991).

jueves, 28 de noviembre de 2013

Linda Connor

Linda Connor es una fotógrafa estadounidense (nacida el 18 de noviembre de 1944 en Nueva York, vive en San Anselmo, California) que ha tenido una vida creativa dedicada a la fotografía. Es conocida por sus fotografías luminosas e icónicas y por su fascinación por los sitios sagrados y los paisajes culturales. Su obra revela la esencia de sus temas, dando una sensación de atemporalidad evocando visualmente lo intangible.

 

Hagia Sofia © Linda Connor

Hagia Sofia © Linda Connor

 

 

 

Biografía

Linda Stevens Connor, después de estudiar con los fotógrafos estadounidense Harry Callahan y Aaron Siskind, se dedicó a una carrera docente en el Instituto de Arte de San Francisco, donde ha enseñado a estudiantes de pregrado y posgrado desde 1969.

Con su cámara de gran formato, que le permite lograr una gran nitidez y riqueza de detalles, ha viajado por África, el sudeste asiático, Nepal, India, Turquía, México, Tíbet, el suroeste de Estados Unidos, Europa y ha explorado lugares que evocan misterio y espiritualidad.  Realiza las copias por contacto directo del negativo 8x10” a la luz del sol. Viradas y fijadas con cloruro de oro, las copias tienen una calidez, luminosidad y delicadeza que rara vez se encuentran en la impresión fotográfica estándar.

Connor abarca una amplia gama de temas, que conectan el mundo físico y el espiritual. Así como el arte sagrado evoca un profundo significado muchas veces sin una comprensión explícita, ella espera que sus fotografías tengan una función metafórica similar.

Entre sus imágenes hay copias que ha hecho a partir de negativos astronómicos de placas de vidrio  del siglo XIX de los archivos del  Lick Observatory. Estas imágenes nos llevan a una contemplación de lo espiritual y lo científico, la cultura y la naturaleza, la admiración y el conocimiento.

Connor ha conseguido becas National Endowment for the Arts (1976, 1988) y Guggenheim (1979). Su obra se encuentra en las colecciones del Art Institute of Chicago; Center for Creative Photography, University of Arizona, Tucson; J. Paul Getty Museum, Museum of Modern Art, Nueva York; San Francisco Museum of Modern Art; y Victoria and Albert Museum, Londres . Linda Connor también es presidente y fundadora de PhotoAlliance, una organización sin ánimo de lucro que apoya el entendimiento, la apreciación y la creación de fotografía contemporánea.

Aunque su trabajo ha sido ampliamente exhibido y publicado, su monografía Odyssey es un conjunto global y coherente que representa treinta años de fotografía. En ella ha compuesto una secuencia para guiar a los espectadores a hacer asociaciones inesperadas, proporcionando una forma poética de ver sus imágenes.


 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Odyssey: The Photographs of Linda Connor (2008),
  • Heaven/Earth (2008).
  • Odds n Ends (2008),
  • On the Music of the Spheres,
  • Luminance,
  • Spiritual Journey: Photographs 1967-1990.
  • Solos (1979)

miércoles, 27 de noviembre de 2013

David W. Lewis

David W. Lewis es un fotógrafo canadiense (nacido en 1946 en Toronto, vive en Callander, Ontario) reconocido internacionalmente como uno de los últimos maestros supervivientes de los procesos de pigmentos de aceite, bromóleo y transferencia. Es, sin duda, la principal autoridad del mundo en la historia y práctica de estos procesos.

 

 

© David W. Lewis

© David W. Lewis

 

Biografía

David W. Lewis es uno de los pocos artistas del bromóleo activos. Fascinado con este proceso desde que tenía 20 años, su primera exposición fue en una galería Bowmanville en la década de los 70. Sólo unos pocos maestros del proceso quedaban entonces y David tuvo la suerte de conocer y aprender de Georgia Procter-Gregg en Inglaterra, Trevor Jones en Gales y Ralph Davis en Nueva York, entre otros. David tuvo la suerte de heredar trabajos terminados, materiales y pinceles de grandes artistas que deseaban preservar su arte. Tiene una copia de todos los libros y revistas conocidos sobre el bromóleo.

David realiza en bromóleo paisajes, retratos y estudios de figuras muchas de las cuales han sido expuestas en importantes galerías de arte, museos y empresas de todo el mundo. Sus imágenes son obras de arte únicas vendidas por el boca a boca en galerías de Toronto y Cape Cod, y ha realizado numerosas exposiciones individuales en América del Norte, Europa y Asia.

Captura sus imágenes en película con una cámara tradicional y luego escanea los negativos y con Photoshop escala y ajusta la densidad de la imagen antes de imprimirla con tintas pigmentadas sobre soportes transparentes. Luego usa su Omega D6 de luz fría como fuente de luz para la impresión.

En los últimos 30 años, David ha realizado cientos de talleres y clases magistrales (estuvo en 2010 en PhotoEspaña) y es sin duda el responsable del resurgimiento de esta forma de arte casi perdida.

Su libro The art of Bromoil & Transfer todavía se considera el libro más definitivo sobre este proceso. Lewis es el único fabricante y proveedor en el mundo que cuenta con una línea completa de materiales para los procesos de bromóleo y transferencia.

David está fotografiando actualmente abandonadas y aserraderos por toda América del Norte y le gustaría compartir sus conocimientos de ubicaciones de este tipo de sitios con otras personas interesadas. Viaja regularmente a West Virginia, Kentucky, Pennsylvania, Vermont, New Hampshire, Nueva York, Ohio, Montana y Oregón.

El bromóleo es uno de los más raros y el más permanente de los procesos de impresión fotográfica. Básicamente la imagen de plata se sustituye por la tinta litográfica. Fue inventado en 1907 por Wellbourne Piper tras una sugerencia de E J Wall, y construido sobre el proceso anterior de Rawlins. Dos años más tarde, el proceso de transferencia al bromóleo fue inventado por Fred Judge y popularizado por Robert Demachy. David W. Lewis ha actualizado los productos para este proceso.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • The art of Bromoil & Transfer.
  • Corporate Wasteland.
  • The Passion Pit.

martes, 26 de noviembre de 2013

Angel López Soto

Angel López Soto es un fotoperiodista argentino-español (nacido en Buenos Aires, Argentina, vive en Madrid) cuyo trabajo se centra en temas de actualidad, denuncia social y medio ambiente, a través de un  profundo acercamiento a las personas y su entorno, dentro de los estrictos límites establecidos por el periodismo. Ha realizado un trabajo muy interesante sobre el exilio tibetano.


 

Dalai Lama © Angel López Soto

Dalai Lama © Angel López Soto

 

 

 

Biografía

Ángel López Soto estudió Periodismo y Publicidad en Buenos Aires, ciudad desde la que se embarcó con destino a Europa a los 22 años. Vivió entre Londres, Ámsterdam, Zúrich e Ibiza donde trabajó de asistente de diversos fotógrafos y realizó talleres de fotografía.

Es, junto a Alfons Rodríguez y Juan Carlos de la Cal, uno de los fundadores de GEA PHOTOWORDS, asociación de fotógrafos y periodistas.

Sus reportajes se publican en revistas y diarios de todo el mundo.

Desde 1997 realiza un seguimiento fotográfico sobre los 150.000 tibetanos exiliados en el mundo tras la invasión china del Tíbet en 1949. Ha realizado una treintena de viajes a la India y Nepal, países donde se halla el mayor número de refugiados y donde, en Dharamsala, fue recibido por el Dalai Lama, líder espiritual y político del pueblo tibetano. Ha visitado diversos países de Norteamérica y Europa con este fin.

Entre sus exposiciones se pueden mencionar:

  • Yemen. Círculo de Bellas Artes (Madrid).
  • Valencia vista por el autor y los fotógrafos Tony Catany, Genín Andrada, José M. Revuelta, Guillermo Ferrer y Sabine Frank. Exposición y libro por encargo del Turismo Valencia Convention Bureau. IVAM (Valencia).
  • Tíbet, el éxodo. En la Casa del Tíbet (Barcelona). Exposición realizada con motivo de la visita del Dalai Lama a Barcelona y que contó con su presencia.
  • Imágenes por la Dignidad, junto a Cristina García Rodero y Sebastião Salgado entre otros fotógrafos, en PHotoEspaña.
  • Femmes et espoir (Mujeres y esperanza). Exposición encargada por la ONU (UNFPA, United Nations Population Fund) y que forma parte de un proyecto que se enmarca en las acciones que desarrolla la ONU para erradicar la violencia de género en el país Centro Franco Guineano de Conakry (Guinea).

Ha conseguido diversos premios, entre ellos el Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña, en sus ediciones II y IV, con una exposición que se Inauguró en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y después se paseó por España, y Merit en los Kodak Gold Awards en la especialidad de retrato.

 

 

 

Referencias

lunes, 25 de noviembre de 2013

Antonio Cánovas del Castillo (Kaulak)

Antonio Cánovas del Castillo y Vallejo fue un pintor y fotógrafo español (nacido en Madrid en 1874 y fallecido en 1933), gran retratista, que trabajó para la nobleza y la Familia Real. 

 

© Antonio Cánovas del Castillo y Vallejo

© Antonio Cánovas del Castillo y Vallejo

 

Biografía

Antonio Cánovas del Castillo y Vallejo, también llamado Dalton Kaulak desde 1904 o simplemente Kaulak, era sobrino del político del mismo nombre, fue abogado y ocupó varios cargos públicos, además de pintar y de escribir dos novelas, antes de dedicarse a la fotografía gracias a su hermano Máximo Cánovas, miembro fundador de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid.

También ejerció la crítica artística, ya que dirigió La correspondencia de la España Ilustrada y colaboró con La Época y otros periódicos con sus crónicas de Bellas Artes. Fue también pintor bajo las enseñanzas de Carlos de Haes, firmando sus obras como Vascano.

En 1899 participó en el concurso convocado por La ilustración española y americana y obtuvo el primer premio con la serie titulada Tipos populares, compuesta por tres fotografías: Aparejando, Vendimia y Los esparteros. Todas de un claro contenido pictorialista, aunque posteriormente se opuso a esta corriente imperante en su época y cultivó un retrato pulcro y profesional al servicio de la burguesía.

En 1901 creó la revista La Fotografía que fue durante bastante tiempo el órgano de difusión de la Real Sociedad Fotográfica. También colaboró en diversas revistas, entre ellas cabe citar Blanco y Negro.

El mismo año, colaboró con los fotógrafos de origen suizo, Oscar Hauser y Adolfo Menet, quienes habían fundado en Madrid una empresa de artes gráficas, con varias fotografías realizadas en la ciudad de Cuenca para transformarlas en tarjetas postales.

El año 1902 ganó el premio patrocinado por la revista Blanco y Negro para ilustrar las Doloras de Ramón de Campoamor que, posteriormente, fueron reproducidas en un álbum de diecisiete postales del que se llegaron a vender 180.000 ejemplares. Antes había conseguido prestigiosos premios: Exposición de San Sebastián (1900), medalla de bronce en la Exposición Universal de París (1900), primer premio en la Exposición de Barcelona (1901), etc.

Criticado y denunciado entre sus colegas por no pagar impuestos (regalaba las fotografías) y no parar de conseguir premios,  abrió en 1904 el estudio Kaulak en Madrid en la calle Alcalá (en el que anteriormente había sido el estudio del también fotógrafo Antonio Portela). Desde el primer momento pasaron por sus salones la alta sociedad madrileña incluida la realeza y llegó a ser el fotógrafo que más contribución pagaba de toda España.

Sus retratos recogen imágenes de los más importantes políticos de la época como Antonio Maura, escritores como José de Echegaray, compañeros de la Real Sociedad Fotográfica como Guirao Girada, toreros como Manuel Granero y, por supuesto, la Familia Real.

Su estudio fue regentado por parte de su familia después de la Guerra Civil Española hasta que cerró definitivamente en 1989. En 2004 gran parte de sus fondos pasaron al Estado al ejercer éste el derecho de tanteo en una subasta dicho año.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • El retoque fotográfico (1921).
  • La Fotografía Manual. Compendiado de los conocimientos indispensables del fotógrafo. (1912).
  • Un milagro en Venecia (novela).
  • La Trini.(novela).

domingo, 24 de noviembre de 2013

Massimo Berruti

Massimo Berruti es un fotógrafo italiano (nacido en 1979 en Roma, donde vive actualmente) que realiza trabajos de documentación abordando el tema del cambio social en lugares en conflicto.

© Massimo Berruti
© Massimo Berruti



Biografía

Massimo Berruti, después de algunos cursos de fotografía, dejó sus estudios de biología en 2003 para profundizar en la fotografía. Fotógrafo freelance desde 2004, comenzó a trabajar en la Europa del Este y sobre todo en Italia, donde se centró en trabajos sobre la inmigración, los suburbios y la crisis industrial en un proyecto colectivo que dio lugar al libro Made in Italy, publicado en 2006 .
En 2007 fue uno de los 20 fotógrafos de todo el mundo seleccionados por el Ministerio del Patrimonio y Actividades Culturales y Artísticas para un reportaje sobre el estado del patrimonio y el paisaje italiano. Después viajó por Asia central, particularmente Pakistán y Afganistán, y comenzó a abordar el tema del cambio social. Su trabajo ha aparecido en las principales publicaciones italianas e internacionales, como L' Espresso, Vanity Fair, Internazionale, Paris Match, Le Monde2, The Independent, Time, Newsweek y The Wall Street Journal.
Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en Europa en festivales como Perpignan, Arles, Paris PHOTO, Noorderlicht, Fotoleggendo, TOPS CHINA y en EEUU en la VII Gallery de Nueva York.
Massimo Berruti fue el ganador de un premio en World Press Photo 2007, 2 premios POYi , 2 IPA (International Photography Awards), Premio al Joven Reportero de la Ciudad de Perpiñán en 2009  y ganador del Carmignac Gestion Prize of Photojournalism en 2010. En 2012, fue galardonado con una beca Eugene Smith Fellowship por The Dusty Path, su trabajo en Pakistán.
De 2005 a 2009, Berruti estuvo representado por la desaparecida Grazia Neri Photo Agency y en 2008 se unió a la Agence Vu.



Referencias




Libros

  • Lashkars (2011).
  • Made in Italy (2006).

sábado, 23 de noviembre de 2013

Eric Bouvet

Eric Bouvet es un fotógrafo francés (nacido el 16 de mayo de 1961 en París, donde vive) especializado en conflictos armados, logrando escenas impactantes por su crudeza pero también por su carácter intimista y cercano.

 

 

© Eric Bouvet

© Eric Bouvet

 

Biografía

Eric Bouvet comenzó su carrera fotográfica en 1981 después de estudiar Arte y Diseño Gráfico en la Estienne School de París.

Su interés por la fotografía se desató cuando, a la edad de 8 años, vio las primeras imágenes de televisión en directo de la misión del Apolo 11 aterrizando en la luna. Fue entonces cuando se dio cuenta de la importancia de las noticias y de los momentos históricos.

Bouvet trabajó como fotógrafo de plantilla de la agencia fotográfica francesa Gamma durante la década de los 80, e inició su carrera como freelance en 1990. Su primer reconocimiento internacional fue por sus casi 2.000 fotografías de las labores de rescate tras la erupción de un volcán en Omeyra, Colombia . Desde entonces Bouvet ha cubierto conflictos en Afganistán, Irak, Irán, Chechenia, Sudán, Somalia, la antigua Yugoslavia, Líbano, Israel. Irlanda del Norte, Kurdistán, Surinam, Burundi y Libia.

Ha cubierto también los principales eventos internacionales, como el funeral del ayatolá Jomeini en Irán, la Plaza de Tiananmen en China, la caída del Muro de Berlín, la Revolución de Terciopelo de Praga, el ataque de EE.UU. contra Libia, la liberación de Nelson Mandela y los Juegos Olímpicos.

También ha trabajado en muchas historias sociales como la vida en las cárceles rusas, marineros jóvenes en portaaviones, policías franceses que trabajan en los suburbios de París, los últimos mineros del carbón de Francia y la vida en una clínica pediátrica para los niños con cáncer. Durante  2012 trabajó en historias de paz y amor con una cámara de 4X5”.

Su trabajo ha sido publicado en numerosas revistas internacionales como Time, Life, Newsweek, Paris-Match, Stern, New York Times Magazine y The Sunday Times Magazine. También ha liderado campañas fotográficas de ONGs como Médicos Sin Fronteras (MSF), Cruz Roja Internacional (CICR), Medecins du Monde (MDM) y Action Against Hunger (ACF).

A lo largo de su carrera, Bouvet ha recibido cinco premios World Press Photo, así como dos Visa d'Or, la medalla de oro del 15º Aniversario de la Fotografía, el Premio Bayeux-Calvados para Corresponsales de Guerra, Visa d’Or du Festival du Photojournalisme y el Award Paris-Match, estos 3 últimos en 2000 con su serie Grozny, Tchéchénie,  donde retrata no sólo la guerra sino la vida diaria de los soldados rusos, con los que convivió dos semanas en la montaña.

También ha realizado numerosas exposiciones. La más reciente, Rainbow Family, ha terminado a principios de este noviembre en el Festival Photo La Gacilly.

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • 1985: Le Canada.
  • 1986: Les Ours Polaires.
  • 1988: Jeux  Olympiques  de Séoul (colectivo),
  • 1989: Rolland Garros (colectivo),
  • 1991: Tempête  du désert (colectivo),
  • 1994: Sarajevo (colectivo),
  • 1997: 30 ans de Gamma (colectivo),
  • 1998: Souffles du monde (colectivo),
  • 1999: Femmes du Rwanda. Veuves du génocide,
  • 2002: Femmes Afghanes (colectivo),
  • 2002: Cahiers d’Afghanistan (colectivo),
  • 2002: Une femme nue (colectivo),
  • 2005: La Dernière mine,
  • 2006: Don de vie.

viernes, 22 de noviembre de 2013

Frank Gohlke

Frank Gohlke es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1942 en Wichita Falls, Texas) figura destacada en la fotografía del paisaje americano.

 

© Frank Gohlke

© Frank Gohlke

 

 

 

En la década de los 70, desarrollé esta idea de mirar el mundo que hacíamos, más que al mundo donde nacimos. En esencia, el paisaje es el mayor artefacto que crea una cultura.

Parte de la razón por la que son interesantes (los paisajes alterados por el hombre) para mí es que nadie les presta atención. Yo prefiero no ir por ahí con los ojos cerrados. Quiero verlo todo.

Hay algo peculiar en la forma en que atribuimos la claridad de algunas de fotografías al propio mundo. Trato de reforzar esa paradoja al hacer fotografías que convenzan al espectador de que esas revelaciones, orden y potencial de significado vienen del mundo y no de la fotografía.

 

 

 

Biografía

Frank Gohlke estudió Literatura inglesa en la Universidad de Texas en Austin. En la Universidad de Yale, donde obtuvo su máster en Inglés en 1966, conoció a Walker Evans y luego estudió en privado con Paul Caponigro.

Frank Gohlke es una figura destacada en la fotografía del paisaje americano. Ha recibido dos becas Guggenheim y otras dos National Endowment for the Arts. Conocido por sus fotografías de gran formato de paisaje, su trabajo ha sido expuesto en museos de todo el mundo y se incluye en colecciones como la del Museum of Modern Art y Metropolitan Museum, ambos en Nueva York, George Eastman House International Museum of Photography and Film, Amon Carter Museum en Fort Worth, Texas, Australian National Gallery,  National Gallery de Canadá, Art Institute de Chicago, Minneapolis Institute of ArtsVictoria and Albert Museum en Londres y la Bibliothèque Nationale de Paris

Gohlke ha viajado y trabajado en el centro de Francia, América del Sur y el Medio Oeste, Nueva Inglaterra y el Monte St. Helens después de una erupción volcánica.

Sus fotografías formaron parte de la mítica exposición colectiva New Topographics: Images of a Man-Altered Landscape en la George Eastman House International Museum of Photography and Film en Rochester, Nueva York en 1975.

Ha sido profesor en el Massachusetts College of Art and Design; en el Art Institute of Boston en Lesley College; en la School of the Museum of Fine Arts, Boston; y en las universidades de Harvard, Princeton y Yale. Actualmente enseña fotografía en la University of Arizona College of Fine Arts.

Gohlke ha realizado importantes encargos para empresas como Seagrams Corporation, AT&T, Laboratorio di Fotografia de Reggio Emilia, The George Gund Foundation en Cleveland, y organismos públicos como Tulsa International Airport, la Ciudad de Venecia y la francesa Mission Photographique de la DATAR.

Accommodating Nature, una retrospectiva de la mitad de su carrera fue organizada por el Amon Carter Museum (en 2007 y 2008).  Está representado por la galería Howard Greenberg.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 21 de noviembre de 2013

George Tice

George Tice es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1938 en Newark, Nueva Jersey, vive en Middletown, también en Nueva Jersey) cuyo trabajo, normalmente vestigios de cultura americana en peligro de extinción y paisaje americano, se caracteriza por el uso del gran formato, un exquisito tratamiento del blanco y negro, unido a una narrativa directa que convierte su trabajo en una obra muy sugerente.

 

Petit’s Mobil Station, Cherry Hill, New Jersey, 1974 © George Tice

Petit’s Mobil Station, Cherry Hill, New Jersey, 1974 © George Tice

 

Se necesita el paso del tiempo antes de una imagen de un tema común se pueda evaluar. La gran dificultad de lo que intento hacer es ver más allá del momento, pues la cotidianidad de la vida se interpone en el camino de lo eterno.

Yo no hablo emocionalmente de mis fotografías. Eso es para que lo hagan otros. Tengo que decir que me encantan mis fotografías. Eso es lo que me mantiene vivo. Eso es lo que me mantiene ambicioso.

 

 

 

Biografía

George Tice comenzó a fotografiar a la edad de 14 cuando, siguiendo el consejo de un profesor, se unió al Camera Club. Tice estudió brevemente fotografía comercial en Newark Vocational and Technical High School, y se alistó a la Marina

En 1959, Edward Steichen, director de fotografía del MOMA entonces, seleccionó una fotografía de George Tice de una explosión a bordo del U.S.S. Wasp  para la colección del museo. Luego trabajó una década como retratista y ayudó a montar The Witkin Gallery. Este éxito le permitió concentrarse en proyectos personales.

En la década de los 60, fue pasando de formatos de cámara pequeños a los más grandes, lo que le permitió conseguir imágenes más detalladas y con una mejor graduación tonal. Retrató a las comunidades tradicionales Amish y Shaker, así como las duras vidas de los pescadores de Maine. En la década de 1970, Tice comenzó a explorar su estado nata, creando con estas fotografías su serie Urban Landscapes, que trabajó hasta el año 2000.

Con una carrera que abarca cinco décadas, su visión y su extraordinario dominio del positivado lo convirtieron en uno de los fotógrafos más prominentes de su generación. Su primera venta a un museo fue al Museum of Modern Art en 1959. Obtuvo la becas Fundación Guggenheim, National Endowment for the Arts,  Bradford Fellowship (Inglaterra) y New Jersey State Council of the Arts.

Ha realizado numerosas exposiciones tanto en Estados Unidos como en el extranjero. Sus huellas se encuentran en numerosos museos, como el Museum of Modern Art, Art Institute de Chicago y el Metropolitan Museum, en el que tuvo una exposición individual en 1972.

Muy pronto se dio cuenta del potencial del libro de fotografía como forma de arte y ha publicado 18 libros. También ha realizado talleres para Maine Photographic Workshops desde 1977.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Fields of Peace: A Pennsylvania German Album  (1970), 
  • Paterson, New Jersey  (1972), 
  • Seacoast Maine: People and Places  (1973), 
  • Urban Landscapes: A New Jersey Portrait  (1975),
  • Artie Van Blarcum, An Extended Portrait (1977)
  • Hometowns: An American Pilgrimage  (1988),
  • Lincoln (1984),
  • Stone Walls (1993),
  • Grey Skies (1993), 
  • A Vision of Yorkshire (1993),
  • George Tice: Selected Photographs, 1953-1999 ( 2001)
  • George Tice: Urban Landscapes (2002),
  • Common Mementos (2005),
  • Paterson II (2006),
  • Ticetown (2007)
  • Seacoast Maine (2009).

miércoles, 20 de noviembre de 2013

Harvey Stein

Harvey Stein es un fotógrafo profesional, profesor, conferenciante, escritor y comisario (nacido en Pittsburgh, Philadelphia, vive en Nueva York) que realiza principalmente fotografía de calle.

 

© Harvey Stein

© Harvey Stein

 

 

Biografía

Harvey Stein nació y creció en Pittsburgh donde todavía tiene familiares y amigos que viven allí, y a donde le gusta volver a fotografiar de vez en cuando. Es una ciudad montañosa, visualmente interesante, con gente amable. Un buen lugar para fotografiar.

Obtuvo una licenciatura en Ingeniería Metalúrgica de la Universidad de Carnegie Mellon, trabajó en Bethlehem Steel durante unos años, y luego asistió a la Universidad de Columbia para obtener un MBA en marketing. Trabajó en el mundo corporativo durante unos seis años, pero lo odiaba, se salió e intentó ganarse la vida con la fotografía, lo que, además, le alimenta emocionalmente y físicamente, le mantiene comprometido, informado y en contacto diario con sus semejantes y le lleva a lugares a los que no pertenece, lo que es siempre un reto. La fotografía le mantiene siempre alerta.

Ben Fernández fue uno de sus primeros maestros en la década de los 70 en Nueva York, y le sugirió que se comprara una Leica, con un 21 mm, y se fuera a Coney Island a disparar. Cuarenta años después ha publicado su libro Coney Island: 40 años (1970-2010) y no tiene claro si 40 años de hacer lo mismo te convierte en un tonto o un genio.

Harvey Stein es, actualmente, profesor en el International Center of Photography y en el Master of Professional Studies Program in Digital Photography en la School of Visual Arts. Con frecuencia es conferenciante sobre fotografía, tanto en Estados Unidos como en el extranjero y también da talleres.

Es el director de fotografía de Umbrella Arts Gallery, en Manhattan. También ha sido miembro de la facultades de New School University, Drew University, Rochester Institute of Technology y de la University of Bridgeport.

Las fotografías y portafolios de Stein se han publicado en revistas como The New Yorker, Time, Life, Esquire, American Heritage, Smithsonian, The New York Times, Reader's Digest, Glamour, Forbes, Psychology Today, Playboy, Harpers, Connoisseur, Art News, American Artist, New York, People, Der Spiegel, Die Zeit, The Hopkins Review (portada) y en las más importantes revistas de fotografía, incluyendo Camera Arts, Black & White Magazine (portada), Shutterbug, Popular Photography, American Photo, Camera, Afterimage, PDN, Zoom, Photo Metro, fotoMagazine (Alemania) y View Camera.

Sus fotografías han sido ampliamente exhibidas en los Estados Unidos y en Europa, con más de 70 exposiciones en solitario y más de 140  colectivas. También ha comisariado más de 15 exposiciones. Sus fotografías están en más de 55 colecciones permanentes, incluyendo la George Eastman House, Bibliotheque Nationale, Art Institute of Chicago, Museum of Fine Arts, Houston, Brooklyn Museum of Art, New Orleans Museum of Art, International Center of Photography, Denver Museum of Art, Carnegie Museum of Art (Pittsburgh), Portland (Oregón) Museum of Art, Museet for Fotokunst (Odense, Dinamarca), Musee De La Photographie (Charleroi, Bélgica), Portland (Maine) Museum of Art, Corcoran Gallery of Art, American Museum of Natural History, Santa Barbara Museum of Art, Addison Gallery of American Art y, entre otras, las colecciones privadas de grandes empresas como Polaroid, Reader's Digest, Johnson & Johnson, Hewlett Packard, LaSalle Bank (Chicago), Barclay Bank y Credit Suisse. 

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Harlem Street Portraits (2013).
  • Coney Island 40 Years (2011).
  • Parallels: A Look at Twins (1978);
  • Artists Observed (1986);
  • Coney Island (1998);
  • Movimento: Glimpses of Italian Street Life.

martes, 19 de noviembre de 2013

Lisette de Boisblanc

Lisette de Boisblanc es una fotógrafa estadounidense (nacida en Nueva Orleans, Louisiana) que realiza fotografías con rayos X de muñecas.

 

 

 

© Lisette de Boisblanc

© Lisette de Boisblanc

 

 

 

Biografía

Lisette de Boisblanc nació y se crió en Nueva Orleans, abrazada por su herencia francesa en una ciudad vibrante, que celebra sin lugar a dudas las artes. Lisette desarrolló un temprano interés por la fotografía y, siempre una pensadora científica, comenzó una exploración independiente de las técnicas fotográficas de rayos X bajo la dirección del Dr. Bert Myers.

La universidad le dio la oportunidad de dejar el nido y viajó a Atenas, Georgia, buscando el título de medicina veterinaria. A las 2 semanas, el Katrina golpeó su querida Nueva Orleans, lo que tuvo como efecto el que estudiara bellas artes. Este cambio le permitió aprovechar su interés por la ciencia, mientras que era capaz de canalizar las emociones de una manera creativa y en 2010 Lisette se licenció en fotografía en la Universidad de Georgia en 2010, y volvió a Nueva Orleans, donde está trabajando como artista.

Cuatro años después de la tormenta encontró la colección de muñecas estropeadas de su abuela, que habían estado sumergidas en agua durante dos semanas. Empezó a utilizar los rayos X para ver el daño en el interior de las muñecas y se encontró con uñas, clavos, ganchos, resortes, objetos perdidos, imperdibles y piezas de joyería.

Las muñecas tienen un aura que es casi humano, a veces tienen fuerza; otras veces corazones rotos. Hacer estas fotografías le ayudó a ir más allá de su dolor.

 

 

Referencias

lunes, 18 de noviembre de 2013

Isabel Flores

Isabel Flores es una artista plástica multidisciplinar y fotógrafa canaria (vive y trabaja en Madrid) que además de una fotografía bastante especial, con incursiones en procesos alternativos, realiza grabados, pinta, dibuja y hace litografías. Además complementa las fotografías con elementos como madera, cajas, espejos, pluma, vidrio.

 

© Isabel Flores

© Isabel Flores

A veces olvidamos que fotografiar nos permite atisbar un territorio que se extiende más allá de lo que puede captar una cámara, más allá de lo meramente visible.

 

 

 

Biografía

Isabel Flores González-Moro se licenció en 1994 en Bellas Artes, especialidad Pintura, en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna, Santa Cruz de Tenerife. En 1996 finalizó el doctorado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, en el programa Tecnologías
de lo Imaginario
con la tesis El imaginario del paisaje.

Ha asistido a diversos talleres impartidos por maestros como Duane Michals, Chema Madoz, Antonin Kratochvil, Pierre Vallet, Miguel Arocha, Laura González, Juan Lara, Alejandro Castellote, Juan Manuel Castro Prieto, Quinn Jacobson, entre otros.

Ha expuesto su trabajo fotográfico en salas, galerías y museos nacionales e internacionales, y ha obtenido numerosos galardones (Generaciones 2001 de Cajamadrid, Fotógrafo revelación en Photoespaña 2000, entre otros) y su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas.

Ha sido profesora en la Escola de Fotografia de Terrasa, la escuela de fotografía Grisart y el Centre Pont del Dragó de Barcelona.

Ha desarrollado los siguientes trabajos fotográficos:

  • Viaje a las Islas Raras (1995),
  • Notas fotográficas de un aficionado en sus viajes (1996-97),
  • Naufragio (1998-99),
  • Aventuras… (2000),
  • Cartas atlánticas (2001),
  • Islario (2002),
  • Airscapes (en curso).

Como ejemplo de sus trabajos, Aventuras de Arthur-Pierre Ledru es una serie fotográfica compuesta por 14 imágenes de corte narrativo. Siguiendo el trayecto sugerido por la narración, el texto adquiere forma objetual al acoplarse a la imagen, ilustrando escritos de André-Pierre Ledru, científico ilustrado que recaló en el siglo XVIII en Canarias tras sufrir un naufragio real, y fragmentos de Aventuras de Arthur Gordon Pym, la única novela de Edgar Allan Poe.

En Paisajes del aire, el aire, elemento ligero e inmaterial elude con facilidad cualquier forma definitiva que pueda sugerir el discurso. Por este motivo constituye un elemento clave para acceder al paisaje. En esta serie la poética del aire inspira un ejercicio de paisajismo en el que el objeto fotográfico, definido formal y conceptualmente a través de la disolución de sus límites ontológicos y el juego de las paradojas visuales, queda subvertido.

 

 

 

Referencias

domingo, 17 de noviembre de 2013

Stefano Nobile

Stefano Nobile es un fotógrafo italiano (nacido en Manfredonia el 12 de enero de 1972, vive en Lima, Perú) que realiza fotografía de retrato, moda y glamour.

 

© Stefano Nobile

© Stefano Nobile

 

 

Me fascina el hecho de que cada persona, dando vida a sus emociones, se transforma, muta y parece ser otra o más personas al mismo tiempo.

 

 

 

Biografía

Stefano Nobile empezó con la fotografía a la edad de trece años, cuando compró su primera réflex. Siempre se ha sentido atraído por la oportunidad de mirar a las personas en una sesión y ser capaz de capturar miradas, sonrisas, melancolía, miedo, sentimientos, emociones, etc. ...

Le apasiona crear servicios fotográficos para actores, actrices, modelos o aspirantes, por no hablar de la gente común, o aquellas personas que deciden disfrutar de una sesión especial de fotos para capturar los momentos más importantes de sus vidas. Está especializado en fotografía de retrato, moda y glamour y, también, bodas.

La búsqueda de diferentes expresiones culturales le llevó a emprender viajes por diferentes países de Europa y América del Sur.

Ha publicado en revistas como SguardiOnline (revista online de Nikon), FotoUp, Reportnet, Fotografare (donde publicó una portada) y Tutto Digitale. Ha realizado encargos de publicidad para empresas italianas y sudamericanas como D' Luxe, Coteinsac, TextilMercurio, Fateysac, ImportadoresPeru, etc ... En América del Sur ha realizado también algunos reportajes sobre la pobreza infantil.

 

 

 

Referencias

sábado, 16 de noviembre de 2013

Sébastien Grébille

Sébastien Grébille es un músico y fotógrafo luxemburgués que realiza fotografía de larga exposición y retratos de músicos.

 

© Sébastien Grébille

© Sébastien Grébille

 

 

Biografía

Sébastien Grébille, violinista de profesión, se acercó a la fotografía a través de la música. Inmerso en ese mundo, transcribir la emoción del público, el gesto técnico, o el poder de los maestros de la música clásica se convirtió en inevitable y, poco a poco, empezó a buscar estas escenas intensas, líricas y dramáticas en otros lugares ... en la naturaleza.

Utiliza la técnica de larga exposición (disparando al menos un minuto), que muestra los paisajes de una forma atemporal y surrealista. Los cielos pesados ​​cobran vida así como el agua del mar se vuelve lechosa, sumergiéndonos en una visión de otro mundo.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 15 de noviembre de 2013

Yo Imae

Yo Imae es un fotógrafo japonés (nacido en 1980 en Yokohama, vive en Brooklyn) cuya obra más conocida son los retratos en la calle.

 

 

© Yo Imae

© Yo Imae

 

Espero usar mis herramientas básicas como ser humano, todo lo que tengo dentro y fuera, y mi cámara como una herramienta para mediar el intercambio de la percepción, y servir como una herramienta más para conseguir una mayor claridad. A través de mi cámara espero tomar lo que percibo lo más claramente posible, y sentir el valor de la interacción. Quiero simplemente reaccionar ante el mundo en la medida de lo posible, y la sutil percepción de una fotografía que creo que me lleva a un cierto grado de claridad. Al estar en la calle y hacer fotografías de personas también en la calle, estoy interesado en lo que percibimos, y en las conexiones que establecemos. Más de la individualidad, o de buscar personas diferentes, estoy interesado en mostrar la unidad. A través de una interacción sencilla, espero que mis fotografías muestran algunos puntos en común que puedan ser percibidos por todos.

 

 

 

Biografía

Yo Imae estudió en una universidad japonesa antes de ir a Nueva York y graduarse en el International Center of Photography en fotografía documental y fotoperiodismo.

La mayoría de sus fotografías son retratos en blanco y negro en formato cuadrado con un simple fondo negro con textura de rayas suavemente iluminado desde la parte delantera y alto contraste. Suele hablar y llega a conocer a su modelo antes de disparar, lo que hace que los sujetos estén relajados frente a la cámara. Son retratos clásicos aunque personales. En otras series su fotografía es experimental, con tramas de color que ocultan los rostros o con múltiples puntos de luz.

Su trabajo ha sido mostrado internacionalmente en el Nikon Salon (Tokio), Descubrimientos PHE PHOTOESPANA (Madrid), el International Center for Photography y el New York Photo Festival (ambos en Nueva York), entre otros.

En 2008, Imae cosiguió una Honorable Mention en el PX3 Prix de La Photographie y fue finalista en el Tierney Family Foundation Grant en 2007. Sus fotografías han aparecido en muchas revistas, como SEKAI y American Photo.

 

 

 

Referencias

jueves, 14 de noviembre de 2013

Arthur Meehan

Arthur Meehan es un fotógrafo estadounidense (nació en Nueva Jersey en 1968, vive en Nueva York y Londres) que produce piezas sutiles y únicas de gran belleza. Sus copias lith se centran en las curvas sensuales y en los tonos de la naturaleza, en particular los desnudos femeninos y los bodegones de flores.

 

© Arthur Meehan

© Arthur Meehan

 

 

Muchas veces fotografío una flor repetidamente en distintas etapas de su vida, esperando ese momento indefinible cuando simplemente se ve o se siente bien.

 

 

 

Biografía

Arthur Meehan estudió en la Escuela de Artes Visuales (SVA) en Manhattan, Nueva York, considerada como una de las principales escuelas de arte de los Estados Unidos. Sus héroes artísticos son el escultor Rodin y el fotógrafo Edward Weston. Arthur se inspira en la belleza natural, pura y sin adornos como la naturaleza misma.

Para fotografiar desnudos, Meehan utiliza una cámara Polaroid 195 y película Polaroid en blanco y negro. Retrata con una luz muy suave que crea exposiciones largas y una suavidad en su trabajo. Esta técnica se complementa con el proceso de creación de copias lith, un proceso químico que aumenta el contraste y el grano. A través de este proceso fotográfico, crea retratos íntimos y viscerales con sutiles variaciones de tono.

Ha fotografiado para compañías como De Beers, antes de centrarse en la fotografía artística. Su trabajo se ha mostrado en una variedad de publicaciones, incluyendo: 125 Magazine, EXIT Magazine, Sunday Times, Esquire, The Guardian, The Observer,  Wallpaper y Black and White Photography.

Ha obtenido numerosos premios, entre los que destacan:

  • Spotlight Award del Black and White Magazine 2013.
  • Ganador en la categoría Fine Art Still Life en el PX3 Prix de la Photographic, París. 2010
  • Ganador en la categoría Fine Art Nude en el International Photography Awards, 2009.
  • Award of Excellence del Black and White Magazine, 2008.

Ha realizado exposiciones en solitario en:

  • 2013 - Raw Beauty en Gallery 1, Holanda
  • 2012 – Contour, en Studio Bergamott, Estocolmo
  • 2012 - The Muse, en Park Walk Gallery, Londres
  • 2010 - The Wine Box Series, en Park Walk Gallery, Londres
  • 2008 - A Personal View, en Park Walk Gallery, Londres

Arthur sigue trabajando en nuevos proyectos entre Londres, París, Nueva York y Dinamarca.


 

Referencias

 

 

 

Libros

  • The Wine Box Series
  • A Personal View
  • Rustle
  • Secludere

miércoles, 13 de noviembre de 2013

Lalla Essaydi

Lalla Essaydi es una fotógrafa marroquí (nacida en 1956 en Marrakech, vive en Nueva York, EEUU) que realiza una fotografía crítica contra la represión e invisibilidad de la mujer islámica, un trabajo valiente y arriesgado.

 

 

© Lalla Essaydi

© Lalla Essaydi

 

En mi arte, me gustaría presentarme a mí misma a través de múltiples lentes: como artista, como marroquí, como tradicionalista, como liberal, como musulmana.  En resumen, invito a los espectadores a romper los estereotipos.

 

 

 

Biografía

Lalla A. Essaydi obtuvo su máster en pintura y fotografía en la School of the Museum of Fine Arts / TUFTS University  en 2003, tras haber estudiado en la École des Beaux-Arts de Paris.

Su obra ha sido expuesta en importantes museos y galerías de Boston, Chicago, Minneapolis, Texas, Búfalo, Colorado, Nueva York, Siria, Irlanda, Inglaterra, Francia, Países Bajos, Sharjah, Emiratos Árabes Unidos y Japón, y forma parte de una serie de colecciones: Williams College Museum of Art, The Art Institute of Chicago, el Fries Museum en Holanda y The Kodak Museum of Art.

Su arte, que a menudo combina la caligrafía islámica con representaciones del cuerpo femenino, se refiere a la compleja realidad de la identidad femenina árabe desde la perspectiva única de su experiencia personal. En gran parte de su trabajo, regresa a su infancia marroquí, mirando hacia atrás como una mujer adulta atrapada en algún lugar entre el pasado y el presente, y como artista, explorando el idioma en el que "habla" de este espacio incierto.

Sus obras a menudo se asemejan a la imaginería orientalista de la tradición de la pintura occidental, invitando a los espectadores a reconsiderar la mitología orientalista.

Ha trabajado en numerosos medias: pintura, vídeo, cine, instalaciones y fotografía analógica.

Está representada por Howard Yezerski Gallery de Boston y Edwynn Houk Gallery de Nueva York.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Converging Teriitories, 2005
  • Encyclopedia of Arab American Artists, 2007
  • Les Femmes du Maroc, 2009
  • Arab Photography Now, 2012.