jueves, 31 de octubre de 2013

José Ramón Bas

José Ramón Bas es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1964, vive en Barcelona) cuyos trabajos provocan sorpresa. Muy lejos de resultar naíf, su fotografía es natural, sencilla e irradia luz sobre los niños que retrata. Niños que viven en desiertos, islas, playas infinitas y alejados del materialismo del hemisferio norte.

 

© José Ramón Bas

© José Ramón Bas

 

Trabajo con cámaras analógicas de juguete. Creo en la fotografía como un modo de energía y pienso que las muy sofisticadas interfieren en esa energía.

Considero la fotografía como una interesante herramienta para captar energías, es algo difícil de explicar. Sucede y ya está.

 

 

 

Biografía

José Ramón Bas se inició de manera autodidacta en la fotografía en 1979, bajo la guía del fotógrafo asturiano Florencio García Fernández, y en 1985 cursó estudios de fotografía y vídeo en la Escuela de la Imagen y el Diseño (IDEP) de Barcelona.

En el 96, empieza a viajar a Cuba de forma esporádica hasta el 98, mostrando un país sonriente y dinámico a través de sus imágenes, tomadas con gran angular y en blanco y negro en las que Bas interviene directamente pintando a mano. Es año expone de manera individual en el IDEP de Barcelona, en el Hatuey de Sitges y en la Sala Arcade de Nueva York.

En 1997 la Fundación la Caixa le otorgó la beca Fotopres para nuevos creadores (por su trabajo en Cuba) y comenzó su colaboración con la galería Berini de Barcelona.

Ha realizado numerosas exposiciones individuales en España y en el extranjero y está representado por la Galería VU de París desde 2001.

Su interés se centra en las nuevas formas de expresión y en la memoria del viaje, de las que parten trabajos como Cuba en el ojo (1996), Puerta de África (1998), Viaje impreciso (2001), Unguja (2004), Ícaro (2005) y Mukalo (2006).

Tiene sus obras en museos y colecciones como la Colección Testimonio, Fundación “la Caixa”, Colección Rafael Gelman, Fundación Goldberg, Fundación Vilacasas, Colección Bobbi Hamill, Colección Isabelle Darrigrand, Colección de fotografía Ayuntamiento de Vigo, Colección Centro de fotografía Isla de Tenerife, Colección Encontros da imagen de Braga, Colección Ministerio de Cultura, Colección BH&R, Colección Centro de Arte Contemporáneo Piramidón, ….

Ha recibido el premio Federico Vender, en Trento, Italia, en 2004, Y en 2005 el Premio Fundación Arena.

También ha realizado actividad docente, con un taller en el Master de Fotografía Creativa de la escuela EFTI, de Madrid.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • José Ramón Bas (Photobolsillo)
  • Ícaro, 2005

miércoles, 30 de octubre de 2013

Lewis Baltz

Lewis Baltz fue un artista visual y fotógrafo estadounidense (nacido el 12 de septiembre de 1945 en Newport Beach, California, y fallecido en París el 22 de noviembre de 2014) considerado uno de los máximos representantes de la corriente Nueva Topografía surgida en la década de los 70.

 

 

© Lewis Baltz

© Lewis Baltz

 

 

 

Biografía

Lewis Baltz se licenció en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco en 1969 y tiene un master en Bellas Artes de la Claremont Graduate School.

Ha recibido varias becas y premios, incluyendo 2 National Endowment For the Arts (1973 , 1977), John Simon Guggenheim Fellowship (1977), US-UK Bicentennial Exchange Fellowship (1980), y el Charles Brett Memorial Award (1991).

Su trabajo se centra en la búsqueda de la belleza en la desolación y destrucción. Sus imágenes describen la arquitectura del paisaje humano, oficinas, fábricas y parkings. Sus imágenes son el reflejo de control, el poder y la influencia de y sobre los seres humanos.

El movimiento New Topographics trataba de mostrar el paisaje desde el punto de vista de la alteración sufrida por el hombre, sacando a éste de la escena y produciendo el vacío. Sólo los restos inacabados de las construcciones definen a la sociedad.

Sus fotografías minimalistas en la trilogía Ronde de Nuit, Docile Bodies y Politics of Bacteria son imágenes del vacío.

En 1974 publicó un libro de 54 fotografías en blanco y negro sobre la arquitectura industrial y el paisaje en el condado de Orange. No había otra intención mas que mostrar el caos y la desolación de estas construcciones frente a unos paisajes que no debían corresponderles.

Su serie The New Industrial Parks near Irvine, California, fue la primera parte de lo que hoy se considera una trilogía, junto con Park City (1980) y San Quintin Point (1986) mostrando su visión crítica sobre la tecnología y el hombre y mostrando los cambios en el paisaje.

En su serie Nevada (1977) alterna las vistas panorámicas del paisaje con obras en construcción y calles en construcción que muestran como se devora el paisaje abierto.

En los años 80 culminó una de sus principales series, Candlestick Point, donde muestra una zona al sur de San Francisco sin ninguna referencia natural, un espacio público cerca de Candlestick Park, arruinado por detritus naturales y la intervención humana.

En los 90 se trasladó a Europa donde realiza instalaciones con bandas sonoras y sigue investigando sobre las relaciones entre tecnología, poder y sociedad. Para él la fotografía digital es sólo una forma más de codificación de la realidad. Ha realizado también diversos videos.

Las obras de Lewis Baltz han sido objeto de más de cincuenta exposiciones en solitario (Centro Georges Pompidou en París, Stedelijk Museum en Ámsterdam  y el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, por ejemplo).

Su obra se encuentra en las colecciones de numerosas instituciones, como el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York, el Museo Whitney de Arte Americano, también en Nueva York, Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio, la Corcoran Gallery of Art en Washington DC y el Instituto de Arte de Chicago.

En 2002 se convirtió en profesor de fotografía en la European Graduate School in Saas-Fee, Suiza, y en la actualidad vive en París y Venecia.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Lewis Baltz, 2013
  • Texts, 2012
  • Rule without Exception / Only Exceptions, 2012
  • Works, 2011
  • Prototype Works, 2011
  • Lewis Baltz: Maryland 1976, 2010
  • Lewis Baltz: Nevada 1977, 2010
  • 89-91 Sites of Technology, 2009
  • Lewis Baltz: The Tract Houses; The Prototype Works; The New Industrial Parks Near Irvine, California, 2005
  • The Tract Houses: Die Siedlungsh, 2005
  • Lewis Baltz (Phaidon), 2001
  • The New Industrial Parks Near Irvine, California, 2001
  • Politics of Bacteria. Docile Bodies 1998
  • Louisiana Særkatalog 5, 1995
  • Candlestick Point, 1989
  • San Quentin Point, 1986
  • Park City, 1980
  • Landscape: Theory, 1980
  • Lewis Baltz: Nevada, 1977
  • ...

martes, 29 de octubre de 2013

Shahidul Alam

Shahidul Alam es un activista, escritor, comisario y fotógrafo bengalí (nacido el 2 de junio de 1955 en Dhaka, Bangladesh) profundamente influenciado por la desigualdad en su país natal y la guerra de liberación que tuvo lugar, ha utilizado la fotografía para desafiar la opresión y el imperialismo en todas sus formas, por lo que ha sido atacado, arrestado y amenazado de muerte.

 

 

© Shahidul Alam

© Shahidul Alam

 

Biografía

Shahidul Alam obtuvo un doctorado en química en la Universidad de Londres, antes de hacer fotografía. Regresó a su ciudad natal Dhaka en 1984, donde fotografió la lucha democrática para eliminar al General Ershad.

Después de tres mandatos como presidente de la Sociedad Fotográfica de Bangladesh, Alam lo dejó para concentrarse en la creación de la galardonada agencia Drik  y de Pathshala, el Instituto de Medios del Sur de Asia, considerada una de las mejores escuelas de fotografía en el mundo, el festival Mela Chobi y la agencia Majority World.

Su trabajo ha sido expuesto en el MOMA de Nueva York, el Centro Georges Pompidou de París, el Royal Albert Hall de Londres y el Museo de Arte Contemporáneo de Teherán. Consumado orador  ha dado conferencias en la Tate Modern y en la conferencia Tech Pop junto a presidentes y premios Nobel.

Ganador de numerosos premios internacionales, Alam también ha presidido el jurado internacional del World Press Photo. Miembro honorario de la Royal Photographic Society, también es profesor visitante de la Universidad de Sunderland en el Reino Unido.

Su reciente libro My Journey as a Witness ha sido descrito por John Morris, ex editor de fotografía de la revista Life como "el libro más importante jamás escrito por un fotógrafo" .

Fue comisario invitado de la National Art Gallery de Malasia y la Bienal de Bruselas. Sus numerosos premios fotográficos incluyen los premiso Mother Jones y Andrea Frank.

 

 

Referencia

 

 

 

Libros

  • My Journey as a Witness, 2011
  • Portraits of Commitment, 2009
  • Nature’s Fury, 2007.

lunes, 28 de octubre de 2013

Julie de Waroquier

Julie de Waroquier es una fotógrafa francesa (nacida en 1989, vive en Lyon) que trata de mostrar los límites del pesimismo posmoderno, recordando el valor y la profundidad del ser humano,  explorando, a través del simbolismo, lo invisible que constituye la mente y el corazón del hombre: los miedos, deseos y pasiones.

 

© Julie de Waroquier

© Julie de Waroquier

 

 

Estoy en un enfoque simplemente poético, que cuestiona el mundo y el hombre que lo habita: busco el sentido allá donde se querría mostrarnos el absurdo o el vacío.

 

 

 

 

Biografía

Julie de Waroquier se graduó en filosofía en la Ecole Normale Supérieure / Université Lyon 3, después de haber comenzado de forma autodidacta en la fotografía en 2008. Destacó a partir de 2010 al ganar varios premios nacionales e internacionales, entre ellos el International Emerging Artist Award. Sus fotografías se exhiben en el mundo, y se han presentado en los Rencontres d’Arles.

Representada en Francia y en el extranjero por varias galerías de arte, Waroquier está presente en muchos festivales y eventos franceses e internacionales, y su obra ha sido objeto de varias publicaciones y exposiciones en Francia y en el extranjero.

Julie se inspira en cuentos de hadas y mitos, así como en escritos psicoanalíticos (Sigmund Freud, por ejemplo), además de otros artistas y escritores como Perrault, Magritte, la Comtesse de Ségur y Diderot.

En su fotografía, busca el sueño, el misterio, la sorpresa. Trata de asegurarse de que cada imagen sea como un escape de la imaginación, que perturbe las categorías de mundo real. Para volver a nuestro mundo, sin embargo, con la vista alimentada de visiones inusuales pero familiares. Así trata de sondear el inconsciente en su parte más poética, y de una manera colectiva: cada fotografía se ve como la captura de un sueño que se haría realidad, y que la máquina acaba de recoger.

Sus premios más recientes (en 2013):

  • Grand Prix de Découverte International Fine Art Photography Award: Grand Prix Juror Award of Merit
  • Photographies de l'Année, premiada en Moda y Belleza.
  • Prix de la Photographie  Paris (Px3), premiada en Autorretrato.
  • [F] Awards, nominada como Best fine art photographer.
  • Prix Arte Laguna, seleccionada en la categoría Menores de 25 años.

En colaboración con el realizador Damien Steck ha realizado el corto Rêvalités (adaptación de su libro del mismo nombre) con la actriz Ana Falvius.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Rêvalités, 2012

domingo, 27 de octubre de 2013

Poras Chaudhary

Poras Chaudhary es un fotógrafo indio (nacido en Kurukshetra, Haryana, el 4 de febrero de 1981) que trabaja como reportero gráfico freelance y fotógrafo documental, y que imprime a sus obras un color y composición únicas.

 

 

© Poras Chaudhary

© Poras Chaudhary

 

Biografía

Poras Chaudhary nació en una pequeña ciudad al Norte de India conocida como Kurukshetra. Desde que era un niño, se ha sentido intrigado por los momentos visualmente impactantes, que pueden ser especiales por su color, composición o sólo por la rareza de este momento en el tiempo.

Vivió allí hasta ir a la universidad, desde donde se mudó a Chandigarh para jugar al cricket de manera profesional. Sin embargo se lastimó el hombro lo que hizo que regresara a su ciudad natal.

Una vez ahí se compró una cámara digital (canon 350D) y se encontró con el trabajo de los fotógrafos de Magnum. Desde entonces, 2005, él y su cámara son inseparables y ha conseguido numerosos premios:

  • Ganador del premio The Digital Camera Magazine’s “Photographer of the Year” en 2006.
  • Ganador del premio al mérito en el National Geographic Traveler’s “World in Focus”  2008.
  • Runner Up en el Epson Color Imaging Contest, 2008.
  • Nominación en los International Photography Awards en 2009.
  • Ganador en la categoría Homeland en el Travel Photographer of the Year, 2009.
  • Ganador en la categoría Travel en el Smithsonian Magazine’s Annual Photo Contest en 2010.

Entre sus numerosos trabajos, es conocido por plasmar en imágenes uno de los festivales sagrados hindúes más coloristas del mundo, el festival de Joli.

 

 

Referencias

sábado, 26 de octubre de 2013

Antoine Gonin

Antoine Gonin es un fotógrafo francés (nacido en Paris en 1951, vive y trabaja en Bougival) apasionado por la fotografía, sobre todo la de publicidad (en Francia y Europa) y la industrial.


© Antoine Gonin
© Antoine Gonin






Biografía

Antoine Gonin, en 2000, publicó Eloge de l' avenir,  una gran obra contemporánea en los albores del tercer milenio, en blanco y negro dedicada al cambio de siglo, con las obras industriales a gran escala en Francia, como testimonio de una época fértil y creativa. Esta serie ha dado lugar a unas sesenta exposiciones en todo el mundo en colaboración con el Ministerio de Relaciones Exteriores francés.
En 2005, EADS le encargó una serie de fotografías que ilustraran los diversos sectores de este grupo de la industria para la Exposición Universal de Auchi en Japón.
Su libro Horizons se publicó en 2008. Y es el fruto de la paciencia, la curiosidad y la mirada atenta al patrimonio natural y arquitectónico, tras ocho años de trabajo en blanco y negro sobre el paisaje francés.
Su serie Empreinte marca la unión de sus orígenes y su obra paisajística. Libre de cualquier intención documental , son composiciones abstractas, gráficas y poéticas que en conjunto revelan la marca que la actividad humana ha dejado en la naturaleza. Esta serie se ha expuesto en Rencontres d’Arles 2013.



Referencias




Libros

  • Eloge de l' avenir, 2000
  • Horizons, 2008

viernes, 25 de octubre de 2013

Antony Cairns

Antony Cairns es un fotógrafo inglés (nacido en el East End de Londres en 1980, vive y trabaja en Londres) que tiene como tema constante en sus imágenes la ciudad de su nacimiento. Ha escogido éste como su tema y recorre su camino para documentar su ciudad, el lugar que llama hogar, una metrópolis que es sin duda el centro de su universo.

 

 

© Antony Cairns

© Antony Cairns

 

 

 

Biografía

Antony Cairns ha fotografiado desde los 15 años. Aprendió su oficio en el London College of Printing hacia el final de la década de los 90. Su práctica fotográfica ha mantenido sus raíces en las técnicas basadas en productos químicos. Trabaja casi exclusivamente en película en blanco y negro y positiva él mismo toda su obra, experimentando a menudo con métodos olvidados y/o abandonados y, cada vez más absorbido por el proceso, jugando con imperfecciones y rarezas.

Desde que se relacionó con el Archive of Modern Conflict en 2007, su obra también ha sido influenciada por algunos de los tesoros fotográficos raros e inusuales de la colección de dicho archivo.

Sus proyectos más conocidos, LDN y LDN2 que ha plasmado en libros, son una visión irreconocible de Londres. Son un viaje itinerante a través de un paisaje urbano anónimo, un laberinto de calles, pasillos y huecos de escalera de hormigón. Moviéndose rápidamente, Cairns apunta con su cámara a las luces, los edificios de hormigón y vidrio y luego sigue adelante. Sin embargo, el ritmo frenético y la forma agresiva ocasional de los disparos no indica un desprecio por el tema sino que es un reconocimiento de que cada imagen no es más que un fragmento o una nota de un todo más grande.

Las imágenes se originan como negativos de 35 mm, luego vienen las transparencias o el papel, se revelan y se solarizan antes de ser otra vez reveladas unos cinco minutos más o menos. El positivado se hace por contacto sobre hojas de aluminio. En este proceso hay una serie de etapas y un grado elevado de manipulación del material. Así, lo que surge no es una imagen perfectamente realizada, sino que está marcada por las exigencias del proceso, con marcas de dedos, gotas y  ampollas. Imperfecciones que hacen cada obra única.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • LDN.
  • LDN 2.

jueves, 24 de octubre de 2013

Anne Rearick

Anne Rearick es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1960 en Boise, Idaho, reside en Gloucester, Massachusetts) que realiza fotografía documental con imágenes densas y evocadoras, trabajando de forma humanista, capturando momentos que celebren el espíritu humano. Su proyecto más conocido es el retrato de la vida y la cultura vasca en el suroeste de Francia durante 15 años.

 

© Anne Rearick

© Anne Rearick

 

 

 

Biografía

Anne Rearick ha explorado culturas tan diversas como el País Vasco francés, la rural Escocia, Italia y España, el boxeo amateur, la vida del pueblo de Kazajstán, el post-apartheid de Sudáfrica y la vida actual de los nativos americanos de la tribu Nez Perce del norte de Idaho.

Consiguió becas Guggenheim y Fulbright, y los premios European Mosaique Prize y Mass Cultural Council Artist Grant, entre otros.

Sus fotografías se encuentran en colecciones públicas y privadas, incluyendo la Bibliotheque Nationale de París, el Centre National de L'Audiovisuel en Luxemburgo, el Museum of Modern Art de San Francisco y el Southwest Museum of Photography de Florida.

Rearick está representada por la Agence VU de París. Enseña fotografía en la Cambridge School of Weston

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Anne rearick’s Miresicoletea
  • Celebre Visages (con otros fotógrafos de la Agence VU).

miércoles, 23 de octubre de 2013

Mariano Vivanco

Mariano Vivanco es un fotógrafo peruano (nacido en 1975 en Lima, vive en Nueva York) que realiza principalmente fotografía de moda en la cual su rica herencia cultural le brinda una estética única.

 

David Gandy © Mariano Vivanco

David Gandy © Mariano Vivanco

Soy un soñador; soy un romántico y me gusta coquetear. Me gusta creer que una foto puede hacer a alguien feliz y también amo el concepto de paz y unidad. Creo que esto podría hacer un mundo más feliz.

 

 

 

Biografía

Mariano Vivanco nació en Lima y como su padre, Henry William Vivanco, era un científico, a los 5 años dejó su país, y llegaría a Nueva Zelanda, país en el que desarrolló su pasión por la fotografía y la moda. Tras estudiar fotografía en Melbourne (Australia) en el año 2002 se trasladó a Londres para iniciar su carrera profesional. Actualmente vive en Nueva York y Londres.

Su gran salto al mundo comercial fue de la mano de Dolce & Gabbana. El dúo italiano ha confiado en Mariano no solo para sus campañas publicitarias, sino también para la elaboración de proyectos personales o incluso los calendarios anuales de la firma, entre los que destaca el calendario del año 2008 con algunas de las imágenes más sexys del prestigioso modelo David Gandhi, y más recientemente la campaña protagonizada por cinco célebres futbolistas italianos de los que se vale para anunciar su línea Underwear 2010.

Publicó varios libros sobre el fútbol italiano y,  en 2006, fotografió al equipo francés de rugby para el calendario Dieux Du Stade de 2007.

Sus trabajos han sido protagonistas en revistas como The Face, I-D,  Another Magazine, GQ, Dazed & Confused, Vogue, Vogue Nippon, Nippon Vogue Homme, L'Uomo Vogue, Numero, Man About Town, Allure, Details, GQ Italy y 10 and 10 Man.

Entre sus célebres retratos, desnudos, imágenes sensuales e instantáneas de caras conocidas podemos citar los de Dita Von Tesse, Naomie Campbell, Eva Herzigova, Sir Paul Smith, Sienna Miller, David Gandy, Lily Cole, Eva Mendes, Cillian Murphy, Rupert Friend, Emma Watson, Ricky Martin, Miranda Kerr, Helena Christiansen, Lady Gaga, Ronaldo, Messi, Cristiano Ronaldo, Kaká

En 2007 realizó su primera exposición en solitario en la Print Space Gallery en el este de Londres, con el apoyo de Dazed and Confused, con sus series Cult y Artist.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Calcio (2003)
  • A.C.​​Milán (2004),
  • Nacional (2006)
  • Ninety Five Chapel Market (2008)
  • Milán Familia
  • David Gandy by Dolce & Gabbana (2011).
  • Uomini (2011)

martes, 22 de octubre de 2013

César Lucas Abreu

César Lucas Abreu es un fotógrafo español (nacido en 1967 en Madrid) especializado en fotoperiodismo de viajes, cuyos retratos e imágenes destacan como resultado de su empatía natural, consiguiendo fotografías muy cercanas y espontáneas.

 

© César Lucas Abreu

© César Lucas Abreu

 

Biografía

César Lucas Abreu es hijo del conocido fotógrafo César Lucas y ha trabajado desde 1988 como fotógrafo freelance para diferentes medios de comunicación.

En su variada trayectoria sobresalen los encargos realizados para la revista Viajar, publicación de referencia en España. A través de su mirada contemporánea ha capturado imágenes en más de 55 países. Junto a sus paisajes urbanos llaman especialmente la atención los retratos y las escenas sociales, fotografías posibles gracias a la empatía natural de este fotógrafo hacia las personas.

Aunque especializado en fotoperiodismo de viajes, también ha retratado a importantes actores y músicos españoles. Además ha realizado fotografía corporativa para importantes empresas y reportajes de diversa temática para los medios editoriales importantes a nivel nacional e internacional (El País, El Viajero, Woman, Hola, Periódico de Catalunya, Gentleman, Sunday Telegraph, Iberia, Air Europa, Porsche, entre muchos otros) .

En la actualidad, Getty Images distribuye a nivel internacional algunas de sus imágenes. También es Fotógrafo de confianza para Fotos de Negocios de Google Maps.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 21 de octubre de 2013

Rinko Kawauchi

Rinko Kawauchi es una fotógrafa japonesa (nacida en 1972 en Shiga, vive y trabaja enTokio) cuyo trabajo se caracteriza por un estilo sereno, poético, con la atención puesta en los momentos íntimos de la vida.

 

© Rinko Kawauchi

© Rinko Kawauchi

 

 

Para mí, el espacio y el tiempo no son importantes, quiero mostrar una esencia más poética y abstracta. Añadir demasiada información a la imagen es algo que puede molestar, desviar la atención del mensaje principal. Sencillamente creo que demasiados detalles crean confusión y como resultado se pierde el mensaje que trato de comunicar. El tiempo tampoco es importante. Es como en el universo, donde el concepto ‘tiempo’ es inútil. Me gustaría desnudar ideas subconscientes que tienen valor en cualquier lugar que fotografío.

 

 

 

Biografía

Rinko Kawauchi se ha dedicado a la fotografía desde 1997, cuando comenzó a interesarse en ella mientras estudiaba en el Seian College of Art and Design. Trabajó en publicidad durante varios años antes de embarcarse en su carrera de fotógrafa.

Kawauchi irrumpió en la escena internacional en 2001 con la publicación simultánea de tres libros: Utatane (Siesta), con fragmentos del día a día, Hanabi (Fuegos artificiales), con fiestas populares y Hanako (un estudio íntimo de una joven con ese nombre). En 2002, recibiría el prestigioso Premio 27a Kimura por sus libros, Utatane y Hanabi. Ha conseguido una beca Honorary Fellowship de The Royal Photographic Society in 2012.

Su obra se centra principalmente en series temáticas dedicadas al carácter íntimo de lo cotidiano. Su obra es profundamente autobiográfica, vinculada a los ritos y tradiciones de su pueblo, y retrata e interpreta su entorno doméstico, su comunidad local y familiar. Su obra nos lleva hacia el amor a las cosas pequeñas y al silencio, nos invita a meditar y a recrear la imagen como poesía visual. Trabaja principalmente con su Rolleiflex de formato 6x6”, aunque también tiene un diario con fotografías realizas con teléfono móvil.

Otras series/libros son Aila, que parte del nacimiento de varias criaturas como el pollo, el perro, el caballo, la tortuga o el ser humano; The Eyes, the Ear donde vuelve a mostrar momentos cotidianos combinados con palabras susurradas en forma de poesía; Cui Cui documenta momentos de la vida de su familia; Semear, es el resultado de sus viajes a Brasil.

Sus exhibiciones más importantes han sido:

  • Les Rencontres d'Arles (2004)
  • Fondation Cartier pour l'art contemporain, París (2005)
  • The Photographer's Gallery, Londres (2006)
  • Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil (2007)
  • Brighton Museum & Art Gallery, Brighton Photo Biennial, Brighton (2010)

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Hanako (2002)
  • Utatane (2002)
  • Hanabi. (2002)
  • Blue (2003)
  • Aila (2004)
  • The eyes, the ears (2005)
  • Cui cui (2005)
  • Rinko Diary (2006)
  • Rinko Diary 2 (2006)
  • Semear (2007)
  • Majun (2007) Libro de postales
  • Beta-Rinko (2010)
  • Murmuration (2010)
  • One Day (2010) – Uno de los libros de One Day Ten Photographers
  • Illuminance (2011) Ver Illuminance en Have a Nice Book
  • Approaching Whiteness (2012)
  • Ametuschi (2013)  Ver Ametuschi en Have a Nice Book

domingo, 20 de octubre de 2013

Michael Ackerman

Michael Ackerman es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1967 en Tel-Aviv, Israel, vive en Berlín) considerado uno de los fotógrafos más relevantes de la actualidad. Su uso del blanco y negro, sus imágenes enigmáticas y la iluminación rozando el límite entre lo visible y lo invisible le han creado una reputación de fotógrafo que muestra el mundo al borde del abismo.

 

© Michael Ackerman

© Michael Ackerman

La fotografía me muestra algo que no veo en condiciones normales.

 

 

 

Biografía

Michael Ackerman hizo su primera exposición End of time city en 1996. Fue su primer trabajo que tomó forma de libro. Es sobre la ciudad de Benarés y lo convirtió en un fotógrafo de culto. Fotografía siempre en blanco y negro y trabaja en situaciones de iluminación muy limitadas, en las que cualquier otro fotógrafo no se atrevería a disparar. Por este libro recibió el Premio Nadar en 1999 y recibió el Infinity Award for Young Photographer otorgado por el ICP en 1998. También consiguió el SCAM Roger Pic Award en 2009. Actualmente trabaja como fotógrafo para la agencia VU.

Half Life, su primer libro publicado en España (2009), se detiene en rostros, paisajes, prostitutas, trenes abandonados y barrios marginales, logrando un tenso y durísimo reportaje, sin duda uno de los más importantes de la década. Su obra no puede agruparse en torno a la idea concreta de la vejez, pero sí alrededor de la fatiga vital, o el modo en cómo envejecen nuestras almas. Berlín o Cracovia son algunas de las localizaciones en las que Michael se mueve por el libro, pero que en realidad resultan indiferentes para apreciar su obra.

Sus autorretratos (bastante frecuentes en su obra) nos muestran su mundo interior, su manera diferente de explorar la naturaleza humana y usando el desenfoque y las imágenes movidas nos hace viajar a través del subconsciente a la intimidad de los seres retratados.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 19 de octubre de 2013

John Davies

John Davies es un fotógrafo inglés (nacido en 1949 en Sedgefield, condado de Durham, vive en Liverpool) que realiza proyectos a largo plazo que documentan Gran Bretaña y explorar la industrialización del espacio.

 

© John Davies

© John Davies

 

Ver el paisaje como una composición pictórica de elementos es simplista. Percibir el paisaje dentro de un conjunto de reglas (el arte, la ciencia, la política, la religión, la comunidad, los negocios, la industria, el deporte y el ocio) es una manera de que la gente pueda hacer frente a la complejidad de los significados que se presentan en nuestro entorno. Somos colectivamente responsables de la configuración del paisaje que ocupamos y, a su vez, el paisaje nos conforma,  seamos conscientes de ello o no.

 

 

 

Biografía

John Davies creció en comunidades que vivían de la minería del carbón y de la agricultura, y esta combinación de espacios abiertos y de industrias iba a convertirse en un motivo constante en su obra creadora. Sus primeros años vivió en los paisajes industriales del condado de Durham y Nottinghamshire.

John Davies estudió fotografía, primero en la Mansfield School of Arts y luego en Trent Polytechnic, donde se graduó en 1974. Después de esto, comenzó a trabajar en proyectos a largo plazo, en busca de encargos y financiación para apoyar su trabajo.

Ha trabajado estrechamente con Amber/Side Collective en una serie de encargos. Fue el primer fotógrafo en ser comisionado por el Museo de Londres en 2002. En 2008, fue nominado para el Premio Deutsche Börse Photography, organizaron por The Photographers 'Gallery

Davies es conocido por realizar impresiones a gran escala de alta calidad fotográfica, utilizando técnicas de cuarto oscuro tradicional. Su trabajo en la década de 1980 se creó principalmente con cámaras de formato medio, y trabaja desde la década de 1990 con una cámara de gran formato, aunque en los últimos años ha comenzado a utilizar réflex digital de formato medio.

Mientras que comenzó su carrera produciendo imágenes de paisajes tradicionales, rápidamente  pasó a composiciones donde el entorno natural se yuxtapone con elementos industriales, convirtiéndose el tema de la industrialización en su cuerpo de trabajo más conocido.

Ha realizado numerosas exposiciones, de las que podemos citar, sólo en 2013:

  • all that is solid melts into air, Manchester Art Gallery (del 11 de octubre 2013 al 19 de enero de 2014),
  • hidden river, Hôtel Fontfreyde - Centre Photographique, Clermont-Ferrand
  • france england, Les Rencontres d’Arles
  • paysage document lV. Galerie les Filles du Calvaire, París
  • landmarks: the fields of photography. Somerset House, Londres
  • highways. Museum of London, Londres
  • paysage-document. la galerie de l'artothèque de Vitré. Francia

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Aggie Weston's no.13. 1977
  • The Valleys project. 1985
  • On the edge of White Peak. 1985
  • In the wake of King Cotton 1986
  • Mist Mountain Water Wind. 1986
  • A Green & Pleasant Land. 1987
  • Autoroute A26, Calais – Reims. 1989
  • Phase 11 (eleven).  1991
  • Broadgate. 1991
  • Cross Currents, 1992
  • Linea di Confine della Provincia di Reggio Emillia Laboratorio di Fotografia 5. 1992
  • Skylines 1993
  • Through fire and water: River Taff, 1997
  • Sguardigardesani, 1999
  • Temps et Paysage, 2000
  • Visa III, Littoral / Le retour de la nature, 2001
  • Seine Valley, 2002
  • The British Landscape. 2006
  • Cities on the Edge, 2008
  • Urban Landscapes / Krajobrazy Miejskie, 2008.
  • European Eyes on Japan / Japan Today volume 10, 2008.

viernes, 18 de octubre de 2013

Osama Esid

Osama Esid es un escenógrafo y fotógrafo sirio (nacido en Damasco en 1970, reside en Minneapolis, Estados Unidos) que juega con los mecanismos de creación de tópicos y estereotipos que existen acerca del mundo árabe y, en particular, sobre Egipto.



 


Biografía

Osama Esid estudió fotografía en el Instituto Técnico de Damasco, al mismo tiempo que trabajaba en la sastrería de su padre. En 1994 decidió irse de Siria para viajar primero a París y en 1996 a Estados Unidos, donde tras un largo viaje por 32 estados, decidió instalarse en Minneapolis, donde trabaja como óptico, siguiendo  con la fotografía, perfeccionando su técnica y exponiendo sus primeros trabajos en esa ciudad.
Tras el 11 de septiembre, Esid sintió la necesidad imperiosa de mostrar al mundo quién es y a dónde pertenece. Para completar esa idea decidió ir a vivir a Egipto, a El Cairo, donde abrió  un estudio, que sigue activo en la actualidad, viviendo de 2003 a 2007 y realizando el trabajo fotográfico que más le representa:
  • En la serie Orientalismo y nostalgia, parece representar la vida cotidiana en escenarios aparentemente "orientales", pero se trata de "una trampa", ya que en realidad los espacios son en su mayoría modernos apartamentos cairotas y los modelos son occidentales, con lo que "se cree ver algo oriental que no está allí".
  • La serie Trabajadores de El Cairo parece estar realizada en un viejo estudio de principios de siglo, pero en realidad las escenas están preparadas colocando en las calles un fondo de colores chillones, que recrea un paisaje con palmeras, una superficie de agua y varios pájaros, ante el que posaron trabajadores cairotas que desempeñan los oficios más comunes.
  • En Ciudad en distorsión, ha utilizado la antigua técnica de "revelado al sol" para mostrar El Cairo "casi como una maqueta" y jugar con la idea preconcebida de que se trata de una capital en la que impera "el ruido, el caos, el desorden, el movimiento.
En su trabajo, Esid utiliza cámaras antiguas, lentes de época, técnicas de revelado del siglo XIX o imágenes en blanco y negro coloreadas para reflejar a las gentes y los paisajes urbanos de la capital egipcia actual.
Está considerado como uno de los grandes fotógrafos contemporáneos y ha recibido numerosos galardones, entre ellos el primer premio de la McNight Foundation de la Franklin Art Works de Minneapolis o el tercer premio de la Feria de Arte del Estado de Minnesota.
En 2007 y 2008 comenzó su itinerancia por España y en particular por Andalucía con la exposición Juego de representaciones; el experimento egipcio producida por Casa Árabe, y que se paseó por Córdoba, Jaén, Tarifa, Granada, Pamplona y GetxoPhoto 2008.
Ha presentado su trabajo en ferias internacionales tales como la Feria de Arte de Dubai, Emiratos Árabes Unidos, en 2008 y 2009; la Feria de Arte de Hong Kong y la Feria Internacional de Arte de Shangai en 2009, representado en todas ellas por la Galería Kaysha Hildebrand de Zúrich. Participó también en 2009 en Paris Photo, en esta ocasión representado por Empty Quarter Gallery de Dubai.



Referencias

jueves, 17 de octubre de 2013

Lisa Elmaleh

Lisa Elmaleh es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1984 en Miami, Florida, vive en Brooklyn, Nueva York) que recorre la parte más rural de su país con su cámara de gran formato de 8x10" y su cuarto oscuro móvil en la parte trasera de su furgoneta para realizar fotografías, con la técnica del colodión húmedo, que reflejen la verdadera naturaleza de la América rural: paisajes, su gente y los músicos que llaman a esa tierra hogar.

 

© Lisa Elmaleh

© Lisa Elmaleh

 

 

 

Biografía

Lisa Elmaleh nació y se crió en Miami. Como nativa del sur de Florida, los Everglades son un ecosistema que ha dado forma a su propia historia. Inspirada por los primeros fotógrafos del oeste americano, ha documentado la flora y la fauna de los Everglades y las zonas naturales de los alrededores con su cámara de gran formato 8x10" y mediante el proceso de colodión húmedo, un proceso del siglo XIX que requiere que la imagen sea expuesta y revelada en el mismo lugar. El proceso del colodión se hace a la luz poco a poco y revela el paso del tiempo, una cualidad que es esencial para su trabajo.

Ella y su cámara 8x10" (a la que llama Fitzgerald Fitzwilliam Fitzgeorge) viven muchas aventuras juntos, en busca de gente y lugares dignos de ser retratados. Con el fin de ser capaz de viajar sin restricciones técnicas, montó su cuarto oscuro en la parte de atrás de su furgoneta Toyota Tacoma del 1996.

Lisa Elmaleh asistió la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y se inspira en los fotógrafos históricos del oeste americano. Ha documentado los Everglades en Florida, un ecosistema que ha perdido la mayor parte de su tierra para uso urbano y agrícola. Lisa espera preservar la esencia de los Everglades.

Elmaleh ha obtenido numerosas becas, subvenciones y residencias como la Aaron Siskind Foundation IPF Grant (2011), The Everglades National Park Artist Residency (2010), Goldwell Artist Residency (2010), Camera Club of New York Darkroom Residency (2008), y la Tierney Fellowship (2007). Su trabajo ha sido publicado en Harper’s Magazine, Dear Dave, Rattle Journal, NPR’s The Picture Show y Visura Magazine.

Es profesora en la School of Visual Arts  y en el Center for Alternative Photography en la ciudad de Nueva York.

Sus fotografías han sido exhibidas internacionalmente en solitario en KMR Arts (2010 Washington, CT), Arbor (2009), Michael Mazzeo Gallery, Nueva York), Linked: New Yorkers Meet Londoners(2009), Keumsan Gallery, (Corea) y en el New York Photo Festival (2007 y 2010).

 

 

Referencias

miércoles, 16 de octubre de 2013

Julián Barón

Julián Barón es un fotógrafo levantino (nacido en 1978 en Castellón) que compagina con la docencia su propia práctica de la fotografía.

 

© Julián Barón

© Julián Barón

 

 

En ese gran circo que es la política, fotografía y censura se alían para manipular al pueblo a través del falso uso de la imagen como documento, utilizando a los grandes medios de comunicación para enmascarar de manera sutil pero constante aquellos aspectos que no responden a las pretensiones de los partidos, enturbiando y desfigurando la realidad.

 

 

Biografía

Julián Barón se formó como Ingeniero Industrial, pero abandonó su trabajo como responsable del departamento de Ingeniería y Calidad de una empresa, para dedicarse al 100% a su pasión, su obsesión: la fotografía. Es miembro del Colectivo BlankPaper en España, y actualmente co-dirige con Fosi Vegue BlankPaper Escuela de fotografía con sus dos sedes en España (Madrid y Valencia).

De la fotografía le interesa la capacidad y poder que posee para transmitir el mensaje. El mensaje propio es el objeto de la comunicación que toda creación fotográfica personal debe contener. Desde el mensaje se crea sentido.

Su formación fotográfica es autodidacta, aunque ha realizado diversos talleres con Boris Mikhailov, Martin Parr, Joan Fontcuberta, Pablo Ortiz Monasterio, Alejandro Castellote, Gueorgui Pinkhassov, Erik Kessel y Veronique Bourgoin entre otros.

Desde 2001 ha recibido varias becas para realizar proyectos como Herederos de Chernobyl, y la trilogía sobre inmigración en España con Niños de Nadie (Melilla), La Tierra Prometida (Marroquíes) y Una nueva vida (Rumanos). En 2005 inició el proyecto Cabanyal sobre este barrio valenciano amenazado por la especulación urbanística. Entre 2006-07 trabajó en las costas de Normandía fotografiando la zona del desembarco de Normandía de 1944, en busca de esos lazos históricos y el sueño euro-americano. Bajo el título de Les alliès, este trabajo se ha proyectado en el Paraninfo de la Universidad de Brest (Francia), Museo de Bellas Artes de Castellón y en Group-Show de Humble Media (Nueva York). Desde 2008 hasta 2010 trabajó en un proyecto titulado Mancha, donde trata de mostrar la esencia de nuestra época en el corazón de la Península Ibérica.

En 2011 publicó su primer libro, CENSURA, bajo el sello de la editorial RM. Éste es un trabajo sobre los políticos y sus maneras de operar en la España contemporánea, basado en el estilo de “cámara descompuesta”, utilizando potentes flashes que ciegan tanto al espectador como al personaje fotografiado, pero convirtiendo ese error fotográfico en un lenguaje político. C.E.N.S.U.R.A. fue seleccionado por Photo-eye Magazine como uno de los 10 mejores fotolibros de 2011 y recibió la Mención de Honor en el Photobook Award Aperture – Paris Photo 2012.

En Junio 2013 autopublicó HUMINT, un dossier de espionaje industrial realizado para una compañía China de azulejos, sobre las nuevas tendencias en una Feria Internacional de Azulejos en España.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Censura  hanb13
  • Dossier-humint  hanb13[4]

martes, 15 de octubre de 2013

López Moral

López Moral es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1966) cuya obra representa un nuevo pictorialismo a través de las nuevas tecnologías digitales, principalmente los teléfonos móviles y en concreto, el iPhone.

 

© López Moral

© López Moral

 

 

 

 

 

Biografía

López Moral es un fotógrafo que proviene del mundo de la pintura, una pintura cargada de materia e influenciada por las tendencias expresionistas de los 80. Fruto de aquella fértil etapa fueron sucesivas exposiciones en destacadas galerías de Madrid, y su participación en certámenes nacionales, en loa que obtuvo varios premios. Hacia 1997, su inquietud estética le llevó al terreno del grabado, tomando así un nuevo rumbo en la expresión de su universo particular.

Con la entrada del nuevo milenio decidió hacer un corte en su manera de entender el arte y dio un giro de 180 grados, volcándose hacia las nuevas tecnologías, que le permiten experimentar con la fotografía digital como si de pintura se tratara.

Es en ese momento cuando empieza a enfocar el paisaje con un punto de vista mucho más clásico, y cuya inspiración inconsciente o consciente son  Friedrich, Constable, Turner y un largo etc. de pioneros de la fotografía.

Es cuando el trabajo de retratista de paisajes o cazador de paisajes comienza realmente. Huye de los convencionalismos del paisaje en la fotografía del siglo XXI y comienza una búsqueda de la esencia en las fotografías que toma. Éstas pasan a ser un reposo mental y una confluencia de ideas de un paisaje que no existe. Acerca su obra al concepto poético de la imagen e intenta rescatar del olvido los paisajes de los suburbios que habitan en nuestras capitales. Es en este medio donde mejor desarrolla su obra.

Sus trabajos han viajado en los últimos meses a la KIAF 05, la Feria internacional de Arte de Seúl (Corea), y el Art Miami 06 (Estados Unidos). También ha participado en Entrefotos, La feria 2013.

 

 

 

Referencias

lunes, 14 de octubre de 2013

Jenny de Vasson

Jenny de Vasson fue una fotógrafa francesa (nacida el 20 de agosto 1872 en La Chatre, fallecida en Abbaye de Varennes el 15 de febrero de 1920) para la que la fotografía fue una pasión, no un trabajo. Fotografió por placer y el de su entorno, para mantener los recuerdos y no con un enfoque artístico consciente.

 

Jenny de Vasson

Jenny de Vasson

 

 

 

Biografía

Jenny Girard Vasson fue la hija única de un juez, dentro de una familia aristocrática y liberal. Su infancia y adolescencia las pasó en Berry, con una educación muy fuerte, pero con mucho tiempo libre para dar paseos por el bosque y visitar los muchas dominios de sus abuelos. De esa época guardó los recuerdos de paseos con George Sand, ya que sus padres se encontraban entre los familiares del gran escritor. Con 15 años sufrió de exceso de sobre peso precoz y pronto renunció a la idea de casarse, aunque tuvo una gran vida social.

La casa de sus padres, en Issoudun, siempre estaba abierta a muchos invitados y la joven Jenny tenía un interés particular en los artistas más asiduos como el poeta Maurice Rollinat, el escultor Ernest Nivet y sobre todo el pintor Fernand Maillaud, que estuvo siempre entre los íntimos de los los Vasson.

Ella misma, de 1890 a 1894 recibía cada semana la ayuda en sus estudios de un joven que había deslumbrado a su familia por sus dibujos, Bernard Naudin, cuya brillante carrera como grabador e ilustrador influenciará a Jenny, en particular mediante el desarrollo de su gusto musical, y con el que mantendrá esta vieja amistad durante toda su vida.

Hacia 1894 el padre de Jenny, republicano y masón, participará decididamente en la lucha a favor de Dreyfus, en el famoso caso del mismo nombre, por lo que la biempensante sociedad de Berry hizo el vacío a su familia. Sin embargo, Jenny trabó relaciones con el grupo de jóvenes intelectuales brillantes formado por Jean-Richard Bloch, cuya reputación literaria pronto se desarrollará, el orientalista Julius Bloch, el lingüista Marcel Cohen y el escritor Emile Herzog (André Maurois).

En 1899, Jenny adquirió una cámara e instaló un laboratorio en la casa familiar. Esta cámara le acompañó a los veinte viajes que llevó a cabo hasta 1914 por Bélgica, España, Grecia, Italia, Suiza y por el resto de Francia. Las fotografías son sobre todo recuerdos, pero algunas muestran un deseo estético o una puesta en escena.

En 1901, el padre de Jenny se retiró y se instaló con su familia en una mansión de Versalles en la que residían en invierno (en verano vivían en la propiedad que su madre había heredado en Berry, Abbaye de Varennes). La proximidad de la ciudad permitía a Jenny asistir a teatros y conciertos y le permitió conocer a nuevos artistas, incluyendo a Roger Martin du Gard.

De vuelta a Berry con su familia de 1914 a 1918, Jenny hizo muchas fotografías de la población de los pueblos de los alrededores, de los soldados que iban al frente felices de llevar consigo la imagen de su familia.

En 1942, gran parte de su obra fue destruida por los ejércitos de ocupación durante el saqueo del hotel en el que vivió en Versalles y en el que se mantenía una buena parte de su archivo.

En 1980, con motivo de una visita a Berry, Jean-Marc Zaorski (Premio Niépce 1988) descubrió la obra de Jenny de Vasson y se esforzó para que fuera conocida publicando su primer libro. Desde entonces, varias publicaciones y exposiciones en Francia y en el extranjero han contribuido a la difusión de la obra de una de las primeras fotógrafas francesas, cuyo trabajo se compone de unos dos mil grabados de época, siete mil placas negativas y de una correspondencia importante.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Libros sobre ella, de otros autores:

  • Jenny de Vasson, une femme photographe au début du siècle (Christian Caujolle) 1982
  • Une figure de femme : Jenny de Vasson (1872-1920) Hélène Abraham, 1965
  • Jenny de Vasson, Photographe Dominique Le Bas y Gilles Wolkowitsch, 1998