lunes, 30 de septiembre de 2013

Raúl Eduardo Stolkiner

Raúl Eduardo Stolkiner es un fotógrafo argentino (nacido en 1957 en Córdoba, Argentina, vive y trabaja en Buenos Aires) que ha desarrollado una obra fotográfica con fuerte acento conceptual que indaga en la relación entre tiempo, historia y representación.

 

 

© Raúl Eduardo Stolkiner

© Raúl Eduardo Stolkiner

Por épocas, para mí las fotos fueron una pata de palo. Hoy me inclino a creer que es más bien un residuo, lo que queda de una acción llevada a cabo por las puras ganas de buscar y de encontrar.

 

 

 

 

Biografía

Raúl Eduardo Stolkiner (alias RES) cursó estudios primarios y secundarios en escuelas públicas. A los dieciséis años se inscribió en el Instituto de Artes Lino E. Spilimbergo donde asistió dos años. En 1975 instaló un estudio fotográfico en el centro de su ciudad natal y, un año más tarde, ingresó en la Universidad Nacional de Córdoba iniciando simultáneamente las carreras de Derecho y de Economía.

Con la dictadura militar en el poder, se fue a México. Acababa de cumplir veinte años y su único oficio era la fotografía. Trabajó sucesivamente en estudios de fotografía publicitaria, en empresas de producción audiovisual y en uno de los mejores y más completos laboratorios fotográficos del Distrito Federal. Mientras estudiaba Economía (un programa surgido del ’68 con énfasis en Economía política marxista) en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) asiste, también, a los talleres de fotografía de la Casa del Lago, coordinados por Lázaro Blanco.

En 1985, una vez restaurada la democracia en Argentina, vuelve a su país y se establece en Buenos Aires, y desde 1989, cuando sus obras formaron parte de la exposición argentina en la muestra U-ABC, en el Museo Stedelijk de Ámsterdam, su trabajo se ha expuesto tanto individual como colectivamente en muchos países, tanto en lugares emblemáticos como en lugares apartados de los circuitos comerciales.  

Sus series más conocidas son ¿Dónde están?, Pardiez, El enloquecimiento de la esfera de Pascal o sobre J.L.B., Yo cacto, El plastiquito, NECAH 1879, Intervalos intermitentes, Conatus y El juicio, lo abyecto y la pata de palo.

En la última década y tras su paso por la European Graduate School en Suiza, donde cursó el Master of Arts in Communication, su búsqueda se ha volcado también hacia la reflexión teórica  y hacia la acción. En los últimos años esta tendencia se acentúa, como puede verse en sus series Acciones rosarinas y en Dunamis. La fotografía deja de ser el soporte exclusivo de su trabajo, dando espacio a la instalación y al video como registro de acciones pensadas por RES y llevadas a cabo por grupos de personas convocadas a tal fin.

Su obra se ha ido integrando a colecciones públicas y privadas de Argentina, Brasil, México, Perú, Chile, Venezuela, Estados Unidos, Italia, España y Francia.

Ha obtenido numerosos premios, becas y distinciones, entre ellos el Premio Konex a las artes visuales 2012, el Premio Nacional de fotografía 2011, la Beca de Intercambio del Ministerio de Relaciones Exteriores de Argentina – Conaculta de México 2010, la Beca y el Subsidio de Antorchas, la Beca del Fondo Nacional de las Artes y la Beca de la European Graduate School entre otras.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • El juicio, lo abyecto y la pata de palo, 2009;
  • Intervalos Intermitentes, 2008
  • La verdad inútil, 2006.
  • La verdad inútil, RES Fotografías, 2003.

domingo, 29 de septiembre de 2013

Bohnchang Koo

Bohnchang Koo es un comisario y fotógrafo surcoreano (nacido en 1953 en Seúl, donde vive y trabaja) cuyo trabajo se centra a menudo en el paso del tiempo, en la desaparición y en el patrimonio. Ha fotografiado cerámicas y porcelanas de la dinastía coreana de Joseon. Ha viajado por museos de todo el mundo para encontrar y documentar objetos de color blanco sobre fondo también blanco con luz suave. Es pionero y líder de la fotografía moderna de Corea.

 

 

© Bohnchang Koo

© Bohnchang Koo

 

Para mí, la aventura más emocionante que se me ocurre no es coger una cámara e irme a un lugar inexplorado. Para mí lo importante es buscar lo que hay dentro de mí.

 

 

 

 

Biografía

Bohnchang Koo nació en una familia acomodada, se tituló en Administración de Empresas en la Universidad de Yonsei en Seúl y comenzó su vida adulta trabajando en una oficina. La insatisfacción con su carrera le llevó a trasladarse a Alemania en 1980, donde estudió fotografía en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Hamburgo en 1985. Tras varios años de estudio en Alemania volvió a Corea.

Koo está considerado uno de los fotógrafos más influyentes de su país, no sólo por su arte fotográfico, sino también como educador y creador de exposiciones que han ayudado a formar y promover la fotografía coreana a un público más amplio.

Su trabajo ha sido expuesto en más de 30 muestras individuales en diferentes países como Corea del Sur, Japón, Alemania, Francia, Dinamarca y EEUU, y se encuentra en colecciones públicas en el Museo de San Francisco de Arte Moderno y el Museo de Bellas Artes de Houston.

Está representado por la galería Hasted Hunt (Nueva York y Los Ángeles), Galerie Camera Obscura (París) y la Kukje Gallery (Seúl). Ha sido profesor de fotografía en la Escuela Kaywon de Arte y Diseño en Seúl, Corea desde 1999.

Una de sus series más recientes y conocidas, es White, donde ha fotografiado durante 2 años porcelanas blancas muy sencillas también sobre fondo blanco con una luz muy suave. Al final, ha conseguido mostrar  la esencia y la sensibilidad interior de los vasos, más que la forma externa visible, captando la filosofía propia del periodo de Joseon.

En su serie In the Beginning trata del conflicto físico y la frustración entre lo que se consigue y lo que se pierde, un conflicto que se encuentra en el paisaje de la Corea moderna donde sus artistas están tratando de descubrir una personalidad artística propia.

En Portraits of Time, las exquisitas impresiones muestran la fascinación de Koo con la naturaleza frágil y efímera y la temporalidad de nuestro mundo. Su aguda visión nos muestra la belleza de las sencillas escenas ordinarias que la mayoría pasamos por alto en nuestra prisa y el bullicio de vivir nuestras vidas. Es un recordatorio para frenar y mirar, con gran atención, en la delicada belleza que se encuentra en las creaciones efímeras de la madre naturaleza.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 28 de septiembre de 2013

Nicol Vizioli

Nicol Vizioli es una fotógrafa italiana (nacida en Roma en 1982, vive en Londres) que comenzó como pintora y poco a poco su fascinación por las imágenes fijas se desarrolló en forma de una fuerte pasión por la fotografía.

 

© Nicol Vizioli

© Nicol Vizioli

 

Son declinaciones de mi imaginación, los deseos, las esperas, los intentos de silencio de la redención. A veces son sueños, a menudo son oraciones. El casting fue muy instintivo: gemelos, ancianos, albinos o calvos.

 

 

 

Biografía

Nicol Vizioli ha pintado y dibujado desde que era niña, luego obtuvo una licenciatura en cine en la universidad La Sapienze de Roma y recientemente (2011) un master en fotografía de moda en el London College of Fashion.

La visión de su trabajo se basa en diversos lugares, como el mundo natural y animal, la mitología, la literatura y la pintura, finalmente: la fotografía, que es considerada por ella como el punto de convergencia, donde todo esto se entremezcla. La pintura y la fotografía son inseparables en su trabajo, que se influyen mutuamente, en un proceso continuo, de interminable flujo.

Su obra ha sido expuesta en varios lugares y ferias de arte internacionales como Miami, Basilea, Somerset House de Londres, el Festival Mundial de la Fotografía, la colección Zabludowicz, la XV Bienal de la Mediterranée, Milán, Roma y otros sitios.

Ha publicado y ha sido entrevistada en revistas como Dazed & Confused (Reino Unido), Eyemazing (Holanda), 125 Magazine (Reino Unido), Espoarte (IT), RARA (Guatemala), la revista Blink (Corea) y otras.

Nicol ha sido profesor invitado en la London College of Fashion (Londres) y en la IED - Istituto Europeo di Design (Roma).

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Nicol Vizioli. An opening song

viernes, 27 de septiembre de 2013

Miguel Candela

Miguel Candela es un joven fotógrafo español (nacido en Alicante en 1985, vive en Hongkong) que, con una fotografía directa, sin limitaciones, combinando elementos periodísticos y una narración antropológica, quiere realzar la figura humana captando su diversidad en su totalidad.

 

 

© Miguel Candela

© Miguel Candela

 

 

 

Biografía

Miguel Candela descubrió la fotografía en su época del instituto en Connecticut, EEUU, donde tomó por primera vez contacto con la fotografía tradicional. En su último año de carrera y a pesar de su juventud, Candela consiguió el primer y tercer puesto en el concurso de fotografía Boston Press Photography Association (BPPA), llegó a ser finalista de los concursos Photographer´s Forum magazine, Sony World Photography Awards y National Geographic 2008, para finalmente obtener diversos premios como, entre otros:

  • 2012. - Prix de la Photographie (Px3): Mejor nuevo talento.
  • 2012.- Ganador del premio The Art of Documentart, de SocialDocumentary.net
  • 2012.- 3° International Contest 8 Marzo Fotografia Città di Montevarchi.
  • 2011 - WPGA - Pollux Awards: 1º y 2º premios en Humanitarian documentary.
  • 2011 - International Photography Awards (IPA): 1º en Photo Essay & Feature Story.
  • 2011 – Ganador de la beca del Photon Festival.
  • 2011 – Oro en el premio Zoom-in on poverty.

En 2009 tuvo lugar su primera exposición en el extranjero (Hong Kong) con motivo del día del niño en Hong Kong. Con esta exposición, Candela participó, promovió y recaudo donaciones destinados a los programas de Médicos sin fronteras (MSF) en África.

Posteriormente también ha expuesto en Pekín Un amargo cuento de hadas, que muestra la cara más amable de una infancia a veces difícil, con niños que sonríen y juegan en Malí, uno de los estados más pobres del mundo. Además ha expuesto en otras ciudades de China, en Nueva York, París, Buenos Aires, en el festival PhotON de Valencia, en el The Art of Documentary en Nueva York, en Copenhague y en París como ganador del PX3.

Curioso, impulsivo, impaciente y testarudo, como se define él mismo, está especializado  en reportajes, fotografía documental, fotografía de viaje y retratos, o lo que es lo mismo, en el drama humano de la vida, capturando en imágenes el color y las reacciones de las personas, los lugares y los acontecimientos. Así muestra la diversidad de la humanidad,  su modo de vida, los hogares, las creencias, las tradiciones, las relaciones, los trajes y las reacciones a los problemas o situaciones generales de la época.

Candela ha viajado mucho y ha pasado largos períodos documentando a la gente y su forma de vida comunitaria en varios países como Malí, Kenia, Filipinas, Bangladesh y China, además de Hong Kong, su actual base de operaciones.

Sus fotografías se han publicado en CNN, CNN Go, Spiegel, South China Morning Post (SCMP), Grupo Vocento, Piel de Foto y La Voz de Galicia, entre otros.

 

 

 

Referencias

jueves, 26 de septiembre de 2013

Xavier Ferrer Chust

Xavier Ferrer Chust es un fotógrafo levantino (nacido en 1958 en Vila-real, Castellón) que eleva el concepto de instantánea a su máxima expresión, deteniendo el tiempo en el momento preciso, para contar una historia única e irrepetible que sucede en una decima de segundo, en algún lugar del mundo.

 

 

© Xavier Ferrer Chust

© Xavier Ferrer Chust

 

 

 

 

Biografía

Xavier Ferrer Chust conoció pronto los secretos del laboratorio, ya que su padre era un aficionado a la fotografía, aunque no comenzó a hacer fotografías hasta el año 1982.

En sus inicios, sus trabajos fueron de tipo social y creativo sobre soporte en blanco y negro. En esta época participó en concursos consiguiendo galardones de carácter local y nacional.

Pero es a partir de 1988 cuando,  ya dominando la técnica, desarrolló su labor con más calidad y sin dejar de lado la concursística, se centró más en la elaboración de trabajos homogéneos para darlos a  conocer en exposiciones.

En el año 2000 dejó a un lado la fotografía y desmontó el laboratorio, pero en 2007, aprovechando el auge de la fotografía digital consiguió adaptarse al nuevo ritmo, al retoque y a las nuevas posibilidades de las cámaras, para realizar una nueva fotografía, un nuevo documentalismo ahora en color, rompiendo con las premisas que aun le atenazaban de la fotografía analógica de blanco y negro que en tantos años había realizado.

Tiene la suerte de poder viajar estos últimos años produciendo variados trabajos en diferentes países. 

Aunque se ha distinguido siempre por el foto reportaje, tanto antropológico como social, también ha realizado incursiones en fotografía creativa y conceptual y es un maestro del instante decisivo.

Ha expuesto individualmente en más de veinte salas de toda la geografía española (actualmente lo hace en la feria Entrefotos 2013), y su obra está presente en muchos centros y agrupaciones culturales y publicas y más de cien premios nacionales (los más recientes son 2 obras adquiridas en el ASISA 2012, y en 2013 1º premios en Ciudad de La Vilavella, Hermandades de Gandía y Casar de Cáceres) avalan la trayectoria del autor, que ha participado en la feria Entrefotos y ahora va a exponer su serie Grabarka en la Galería Ignacio Barceló, de Afoco.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • 1992. Ilustraciones de Gent, Ciutat i Paisatje,
  • 1998. Sant Pasqual, Altres festes , altres pobles.

miércoles, 25 de septiembre de 2013

Bharat Sikka

Bharat Sikka es un fotógrafo indio (nacido en 1973, vive en Nueva Delhi) que ha estableciendo un enfoque artístico en el campo de la fotografía, desarrollando proyectos de fotografía documental, con el foco en la cultura y la gente de la India, los paisajes urbanos y de los barrios periféricos, así como un proyecto personal sobre su familia.

 

 

© Bharat Sikka

© Bharat Sikka

 

 

 

 

Biografía

Bharat Sikka se crió y trabajó como fotógrafo en la India antes de decidirse a estudiar en la Parson's School of Design donde obtuvo un BFA en fotografía.

Su portafolio está formado por retratos ambientales en Indian men, Urban landscapes de la India y un proyecto personal de su familia.

Desde su primera exposición Indian men en el Artists Space en Nueva York, su obra ha sido exhibida en numerosas exposiciones nacionales e internacionales, entre ellas una en el Museo Nacional de la India (2008).

Ha realizado exposiciones en solitario en Nature Morte de Nueva Delhi (2009) y Berlín (2011), Bose Pacia Kolkata (2007), Otto Zoo de Milán y el Museo Nacional de Nueva Delhi (2008), Project 88 en Bombay y el Centro de Arte Sunaparanta en Goa (2010). Su trabajo ha sido publicado en los periódicos y revistas de prestigio como , Vogue India, Vogue Hommes International, , la revista Time, The New Yorker, Bharat ha publicado en revistas como el The New York Times, GQ, New Yorker, ID, Vogue, Vogue Homme International, ID Magazine, Details y Time Magazine, donde fue presentado como uno de los mejores fotógrafos de 2005,  y ha sido colaborador de la campaña Incredible India.

Sikka viaja constantemente desde su casa en Nueva Delhi, trabajando como fotógrafo para numerosos proyectos entre Europa y la India. Su trabajo abarca un amplio rango de géneros: paisaje, retrato, interiores y naturaleza muerta.

 

 

 

Referencias

martes, 24 de septiembre de 2013

Chen Man

Chen Man es una fotógrafa china (nacida en Pekín, en 1980, donde trabaja) que está considerada como una de las mas excitantes fotógrafas emergentes de China, combinando su talento con la cámara y el procesado digital.

 

© Chen Man

© Chen Man

 

 

A veces el trabajo de un artista es suscitar controversia, prefiero que mi trabajo sea criticado a que pase desapercibido.

 

 

 

Biografía

Chen Man terminó sus estudios de diseño gráfico en la Central Academy of Fine Arts de China en 2005 y ya había publicado portadas en Vision, revista china de arte y diseño.

Inicialmente retocaba mucho sus fotografías. Podía hacer solo una fotografía al mes y tenía que sacarle partido a base de tratamiento digital para obtener varias imágenes distintas. 

Posteriormente se dedicó a la fotografía de moda y belleza, donde es la fotógrafa de moda del momento en China, y cada día gana más y más adeptos a su trabajo alrededor del mundo. Ha sabido marcar la diferencia con su propio estilo, que podemos definir como una mezcla entre la delicadeza tradicional de la belleza asiática y una estética poderosa y moderna.

En la actualidad, también realiza fotografía artística.

A través de su cámara fotográfica, logra evidenciar su particular visión de la belleza, a la que suma una mágica post-producción digital que realiza ella misma para cada toma. Con Photoshop, 3D Max y 3D Render, programas que Chen Man conoce perfectamente, nos sorprende con imaginarios asiáticos y fantásticos, añadiendo a menudo colores y texturas que no estaban en la imagen original utilizando el software de acabado fotográfico, para lograr una mirada que ella describe como esencia china, método occidental.

Su lista de clientes incluye a Panasonic,Toshiba, Lenovo, Motorola, Canon, Sony Ericsson, DFS, Adidas, Nike, Converse, Puma, Kappa, Pepsi, Leo Valli Jewellery, TSL Jewellery, Jason Wood jeans, Marie France Body line, Shu Uemura, MAC,Lancôme, Max Factor, Cover Girl, Colour Zone, Chlitina, Pantene y ENICAR.

Desde su incursión inicial en Vision, ha publicado sus fotos en otras publicaciones como Vogue China, Cosmopolitan , Elle , Marie Claire , Madame Figaro , Preferencia , Nylon, Unlimited y Esquire.

El trabajo de Chen ha sido presentado en varias galerías y museos de todo el mundo, incluyendo la exposición China Design en 2008 en el Museo Victoria and Albert de Londres, en los que se utilizó una de sus imágenes para publicitar la exposición especial. También ha expuesto en el Hotel Royal Monceau en París en una exposición llamada Partido de demolición. Su trabajo ha sido expuesto en la galería de arte Fabien Fryns en Los Ángeles, Hai Gallery en Londres, Galería Joyart en Beijing, Galerie Loft en París, OOIBOTOS Gallery de Hong Kong, Galerie Maeght de París y en el Museo de Arte en Beijing.

 

 

 

Referencias

lunes, 23 de septiembre de 2013

Colin Delfosse

Colin Delfosse es un fotógrafo belga (nacido el 2 de junio de 1981 en Bruselas) que realiza fotografía documental sobre cuestiones sociales.

 

 

© Colin Delfosse

© Colin Delfosse

 

Biografía

Colin Delfosse es un fotógrafo documentalista que estudió Periodismo. Junto con Pauline Beugnies, Thomas Freteur y Thomas Vanden Driessche, fundó el colectivo Out of Focus en el año 2005, colectivo centrado sobre todo en la documentación fotográfica de cuestiones sociales.

Colin ha viajado extensamente a países como China, Malí, Kurdistán iraquí, Iraq, Vietnam y la República Democrática del Congo. Uno de sus últimos proyectos se ha centrado en Kazajstán y Uzbekistán, donde se concentra en el legado soviético del país. También regresa periódicamente a Kinshasa continuar su labor en la lucha libre congoleña.

En 2011 ganó el PDN Photo Award por su trabajo sobre la lucha libre congoleña. En 2010 con The PKK Amazons ganó el premio del Museo de Fotografía de Charleroi.

Su trabajo ha aparecido en The New York Times, Le Monde, The International Herald Tribune, Esquire Russia, Le Monde, Jeune Afrique, Vision China, Standaard, Inrock, Feuilleton, La Libre Belgique, Vice, L’Echo, De Tijd (2012), Polka, 6Mois, GQ italy, L’Echo, De Tijd, Time Lightbox,  De Morgen, Squaremag, Inrock, Photoraw, Eyemazing, Causette, VSD, Le Soir,  View (Bélgica), …

 

 

 

Referencias

domingo, 22 de septiembre de 2013

Laurence Demaison

Laurence Demaison es una fotógrafa francesa (nacida en 1965, vive en Estrasburgo) cuya obra está constituida mayoritariamente por autorretratos surrealistas en blanco y negro, fruto de las infinitas posibilidades que ofrece la fotografía analógica, una herramienta que la artista explota al máximo.

 

 

© Laurence Demaison

© Laurence Demaison

 

El uso de mi odiada envoltura habría sido inconcebible si no hubiera sentido tanta molestia por la mera presencia de los modelos que participaban en mis primeras fotografías. Es una lástima, porque hubiera sido más fácil proyectar mis deseos en cuerpos que me parecían bonitos; pero tengo que decir que no fue tan malo como podría haber sido demasiado evidente y demasiado cómodo. Entre el horror de mi propia carne y la mirada de los otros, elegí el más manejable. Esta alternativa me obligó a aventurarse en una profunda investigación cuya única solución era desaparecer, o por lo menos convertirse en otra cosa, aunque en en realidad sea lo mismo.

 

 

 

Biografía

Laurence Demaison inició sus estudios de Arquitectura en Estrasburgo en 1984. Practicó varias formas de expresión artística (pintura, dibujo, escultura) desde la infancia, y en 1990 tuvo su primera aproximación a la fotografía y en 1993 realizó sus primeros autorretratos.

Liberada de la carga de las palabras y de la presencia de otros, abrazó la soledad, el silencio y la libertad, mientras que luchaba por hacer frente a la imagen de su propio cuerpo. En lugar de representar su cuerpo, lo trata de ocultar, modificar, incluso destruirlo y reconstruirlo en una forma más aceptable para ella. El resultado es una serie de autorretratos que usan hábilmente las capacidades de reflexión y distorsión de sus materiales junto con los efectos de sombra de luz y las imágenes negativas de crear "fantasmas de papel", fantasmas de sí misma que están ahí.

Laurence juega con la reflexión y la refracción de la luz, las exposiciones múltiples, la manipulación de los negativos y la alteración de los procesos químicos de revelado y ampliación, para crear un estilo lleno de magia, horror y fragilidad, muchas veces invisible a la percepción del ojo humano pero al alcance de la cámara fotográfica.

La obra fotográfica de Laurence Demaison está constituida por autorretratos desde 1993 a 2009; desde 2010 usa ocasionalmente maniquíes o muñecas, y en sus comienzos alguna modelo. Todas las técnicas utilizadas son analógicas y realizadas totalmente por la autora. Utiliza una Contax 645.

Ha sido galardonada con numerosos premios de organizaciones fotográficas europeas y su trabajo ha sido expuesto ampliamente en París y en otras partes de Francia, Alemania, España, Suiza, Luxemburgo y Bélgica, y, recientemente, en los Estados Unidos.

 

 

Referencia

 

 

 

Libros

sábado, 21 de septiembre de 2013

Tomasz Gudzowaty

Tomasz Gudzowaty es un fotógrafo polaco (nacido en 1971) cuya obra se caracteriza por sus fuertes y poderosas imágenes en blanco y negro realizadas con una cámara de formato analógico de gran tamaño.

 

 

© Tomasz Gudzowaty

© Tomasz Gudzowaty

 

Biografía

Tomasz Gudzowaty se graduó de la Facultad de Derecho de la Universidad de Varsovia. Se interesó en la fotografía humanística y la forma clásica de foto-ensayo en blanco y negro.

Empezó con fotografías de la naturaleza (con las que obtuvo sus primeros éxitos internacionales), cambiando luego al reportaje social, y hace unos años empezó a concentrarse en la fotografía de deporte. Le interesan particularmente los deportes exóticos, no comercializados ni típicos, los que salen fuera de lo común, como el sumo, lucha libre, el golf urbano en la India, una versión mexicana de la lucha libre, carreras de coches en Méjico, carreras de caballos de Mongolia, gimnastas chinos, monjes saolín, natación sincronizada, …

Sus fotos han sido publicadas en Max, L’Equipe, Guardian, Newsweek, Forbes, Time y Photo entre otras.

Ha obtenido numerosos premios de los concursos más importantes de la fotografía: World Press Photo, Pictures of the Year y NPPA Best of Photojournalism. Coopera con la agencia Focus Fotoagentur en Hamburgo, así como con Yours Gallery en Varsovia.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 20 de septiembre de 2013

José Francisco Gálvez Jurado

José Francisco Gálvez Jurado es un fotógrafo andaluz (nacido en Córdoba en 1949, donde reside) que ha realizado además de su propia obra fotográfica, una gran labor didáctica y organizativa de la fotografía en Córdoba y Andalucía.

 

© José Francisco Gálvez Jurado

© José Francisco Gálvez Jurado

 

 

 

 

Biografía

José Francisco Gálvez Jurado cursó estudios de ciencias de la investigación, psicología, grafología, decoración y fotografía, en la que ya se había iniciado en 1973 de forma autodidacta, realizando desde 1981 una labor docente al tiempo que dirige cursos y seminarios coordinados por la Universidad de Córdoba, Junta de Andalucía, Ayuntamiento de Córdoba y otras instituciones.

Desarrolló trabajos de gestión, organización y coordinación para el Ayuntamiento de Córdoba desde 1983 hasta 2001, realizando importantes proyectos como la Bienal Internacional, el Premio Mezquita, el programa de exposiciones de la Posada del Potro y el proyecto Una aproximación visual a la guitarra de la Fundación Pública Municipal Gran teatro de Córdoba, siendo dos de sus mayores logros la creación de la Fototeca de Córdoba y la colección de libros de fotografía Albors. Esta fototeca cuenta hoy con más de 1.200 fotografías de autores contemporáneos de todo el mundo.

Dirigió también los cursos de fotografía de los seminarios Fons Mellaria de Fuente-Obejuna en 1991 y 1992 para la Universidad de Córdoba.

Ha ocupado los cargos de presidente de AFOCO (Asociación Fotográfica Cordobesa) y vicepresidente de la Federación Andaluza de Fotografía y es miembro de la Sociedad de Historia de la Fotografía Española.

Ha organizado más de 700 exposiciones y ha intervenido en la realización de otros tantos catálogos y libros, destacando Sueños de un fotógrafo (1998) para el artista cordobés Juan Vacas, y Córdoba entre dos siglos, considerada como la primera aproximación a la historia de la fotografía local.

Ha participado en numerosas exposiciones nacionales e internacionales, tanto individuales como colectivas y escrito más de mil artículos para otros fotógrafos y medios especializados, interviniendo en innumerables programas de televisión y radio.

Participó en la Enciclopedia Electrónica de Andalucía, presentada en la Exposición Universal de Sevilla (1992) y en el libro Los Andaluces del siglo XX del Ateneo de Córdoba.

Posee el título EsFIAP (1991), el Trofeo Oro al mejor fotógrafo andaluz (1984‑1985), el Premio Andaluz de Fotografía (1998-1999) por su labor en el ámbito de la Comunidad Andaluza. En 2006 la Confederación Española de Fotografía le concedió el Premio Nacional de Fotografía.

En diciembre de 2001 fue secretario del I Congreso de Historia de la Fotografía Andaluza y ha sido director de la revista Diafragma Foto y del proyecto Fotógrafos de  Fin de Milenio, serie de 4 cdrom’s con más de 600 autores de todo el mundo y un total de 8.000 fotografías, en 1998.

Ha sido asesor artístico de la Galería Diafragma Foto de Córdoba desde 1990 hasta 2007 y miembro asociado de la agencia I+GEN Producción Cultural S.L.

En abril de 2005 creó la revista virtual News.

Ha publicado artículos y fotografías en numerosas revistas y libros y expuesto su obra en Lyon, Manchester, Tallin, Moscú, Riga, San Juan de Puerto Rico, Atenas, Buenos Aires, Gent, Virton, Riva del Garda, Barcelona, Madrid, Salamanca, Valencia, así como en Córdoba y otras ciudades andaluzas. Su obra se encuentra en la Fototeca de Córdoba y en varias colecciones públicas y privadas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Ha editado y participado en numerosos libros y catálogos. Y es coautor de:

  • AFOCO. Embrujo latente-25 años de fotografía cordobesa.

jueves, 19 de septiembre de 2013

García de Marina

García de Marina es un fotógrafo asturiano (nacido en Gijón en 1975), que desde el minimalismo, la creatividad de su mirada reivindica otra realidad.

 

(c) Garcia de Marina

 

 

 

Biografía

Jesús González nació en Gijón en 1975. En 2010 se compró una buena cámara y empezó a hacer fotos por su ciudad, de paisaje básicamente, también retratos, luego fotografía nocturna. Es autodidacta y a través de Internet y libros fue aprendiendo. Pero fue todo muy rápido, porque leía a todas horas y al mismo tiempo ponía a prueba todo lo que aprendía. Por otro lado, también iba haciendo fotos más creativas que en un principio no pensaba mostrar. Iban a quedarse en su ordenador, porque le daba pudor enseñarlas, pero al final las mostró y la gente respondió muy bien, así que subió más fotos y tuvieron mucho éxito, tanto, que ahora ya sólo sube este tipo de fotos.

Finalmente Jesús González aceptó su propio destino y dejó que naciera García de Marina, que en un año mostró su insólita mirada fotográfica en las redes sociales con gran éxito y presentó su trabajo en diversas exposiciones en grupo y en solitario: Insospechada cotidianidad y Poesía de lo prosaico, las más recientes en Exodos: II Congreso de Fotografía, en Oviedo en junio 2013 y en Avilés, en el Palacio de Valdecarzana en agosto 2013.

Su creatividad no ha pasado desapercibida en los medios de comunicación y ha sido portada en el mes de febrero de la revista Arte Fotográfico online.

García de Marina no realiza ninguna manipulación fotográfica en las imágenes, sino que transforma los objetos creando escenarios y busca la mejor perspectiva para fotografiarlos, siempre con luz natural.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Video

miércoles, 18 de septiembre de 2013

Dana Popa

Dana Popa es una fotógrafa rumana (nacida en 1977, vive en Londres) que realiza fotografía documental trabajando sobre todo en Europa del Este y en el Reino Unido, tratando temas sociales contemporáneos, con especial énfasis en los derechos humanos.

 

 

© Dana Popa

© Dana Popa

 

Biografía

Dana Popa finalizó un posgrado en Fotografía Documental y Fotoperiodismo en el London College of Communication.

Su obra se ha exhibido en exposiciones individuales en la galería Impressions de Bradford y en el centro Photofusion de Londres, así como en numerosas exposiciones colectivas internacionales.

Sus fotografías forman parte de colecciones permanentes de varios museos, entre ellos el Musée de l’Elysée, el Museo de Arte de Portland y el Museo de Artes Fotográficas de Kiyosato.

Su obra ha aparecido en diversas revistas como Foam International Photography Magazine, Next Level Magazine, Foto8, British Journal of Photography, Portfolio Magazine, D: La Repubblica delle Donne, Vrij Nederland, KK Magazine, Days Japan, Amnesty International USA, Ogoniok.

Su serie Not Natasha, que cuenta con retratos específicos de 17 ex-esclavas sexuales en Moldavia, recibió el primer premio en el concurso Project de la organización CENTER (Santa Fe, Nuevo México), así como el premio Jerwood de Fotografía 2007 y el Premio del Jurado en los premios internacionales de fotoperiodismo de la revista japonesa Days, Japan International Photojournalism Awards 2007.

A raíz de este proyecto surgió The Missing, una obra más abstracta, intuitiva y metafórica donde Popa capta los rastros de cientos de mujeres desaparecidas a través de imágenes de sus hogares y las habitaciones en las que estuvieron durante sus horas de trabajo.

En After the new man, fotografía la generación nacida después de la caída del régimen comunista, pero no se limita a una serie de retratos. El cuerpo de trabajo está también en el paisaje y en las naturalezas muertas de Rumania, integradas con los retratos de esta generación.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Not Natasha, 2009
  • East Book, 2008
  • Home, Elephant and Castle, 2008.

martes, 17 de septiembre de 2013

Pieter Hugo

Pieter Hugo es un fotógrafo sudafricano (nacido en 1976 en Johannesburgo, vive en Ciudad del Cabo, donde creció) que ha realizado interesantes trabajos de fotoperiodismo sobre el continente africano.

 

© Pieter Hugo

© Pieter Hugo

 

 

Mi patria es África, pero yo soy blanco. Me siento africano, sea lo que signifique, pero si le preguntas a cualquiera en Sudáfrica si soy africano, es casi seguro que dirán que no. No encajo en la topografía social de mi país.

 

 

 

Biografía

Pieter Hugo aprendió fotografía él mismo tras recibir su primera cámara como regalo por su 12 cumpleaños. Esto ocurrió en el ocaso del apartheid en su país, y los conflictos resultantes y el estado de ánimo general de emoción mezclada con el miedo lo impulsaron a comenzar a fotografiar su entorno. Pronto experimentó los estigmas asociados con ser un fotógrafo blanco en un país negro. Empezó a trabajar como fotoperiodista pero rápidamente evoluciono a la fotografía documental donde se encontraba mucho más cómodo. Con su fotografía nos adentra en las particularidades de un continente tan extenso y con tantos contrastes como África.

Ha recibió numerosos premios. En el 2005 ganó el primer premio en la categoría de retratos del World Press Foto  con una foto de Hombres Hiena, en 2008 el Premio Descubrimiento en el Festival Rencontres d’Arles y en ese mismo año el KLM Premio Paul Huf.  En 2011 ganó el Premio Seydou Keita en el 9 Rencontres de Bamako, bienal de la fotografía africana, en Malí.

Su trabajo está incluido en las colecciones del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el San Francisco Museum of Modern Art y el GEM Haag / Fotomuseum, entre otros.

En sus trabajos nos muestra submundos africanos cuajados de peligros y temores para un occidental blanco:

  • En There’s a Place in Hell for Me and My Friends (Hell) retrata a sus amigos y a sí mismo, y convierte sus imágenes a ByN enfatizando la melanina de la piel “ensuciando” el retrato.
  • En Permanent Error refleja una zona marginal, Agbogbloshie, en Ghana, o el lugar sin nombre como lo llaman los lugareños. Es un impresionante basurero de placas base, ordenadores, cintas de vídeo, basuras tecnológicas, restos del consumo occidental que van a parar a esas tierras, donde conviven con los pobladores y sus ganados.
  • En Nolywood nos muestra la industria del cine en Nigeria. Ese lugar es la tercera industria cinematográfica del mundo, con unas mil películas al año, todas de bajo presupuesto
  • En The Hyena & Other Men trata de la vieja historia de dominar al animal salvaje y usarlo para los fines que el hombre desea.
  • En Messina / Mussina reflexiona sobre las heridas y cicatrices de raza, clase y nacionalidad que persisten aquí, en la ciudad de Sudáfrica más al norte, en la frontera de Zimbabwe, un país en el proceso de auto-destrucción.
  • En Rwanda 2004: Vestiges of a Genocide documenta el genocidio de Ruanda ocurrido 10 años antes, a través de los evidentes vestigios todavía existentes.
  • En Looking A Side trata entre otras cosas al albino en la África negra.

La obra de Pieter ha estado presente en más de una docena de exposiciones individuales, entre las que cabe resaltar la de Nollywood en la Yossi Milo Gallery de Nueva York, y en Shoshana Wayne Gallery en Los Ángeles. También en Le Chateau d'Eau en Toulouse, Francia, y Permanent Error en Michael Stevenson.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 16 de septiembre de 2013

Jürgen Lechner

Jürgen Lechner es un fotógrafo alemán (nacido en 1962 en Nümberg, vive en Eckental) que realiza fotografía en blanco y negro con cámara estenopeica.

 

© Jürgen Lechner

© Jürgen Lechner

 

Biografía

Jürgen Lechner estudió técnico de laboratorio fotográfico y juego fotografía. Trabaja como fotógrafo freelance desde 1989.

En 2006 decidió volver a las raíces de la fotografía, redescubrir la fotografía estenopeica con una cámara oscura, lo que se ha convertido en su medio preferido para la toma de fotografías.

Ha estudiado las obras de diferentes artistas, entre ellos los pintores que influyeron en su trabajo actual. Una buena fotografía requiere tiempo, a menudo visita lugares varias veces para encontrar las condiciones que necesita para una fotografía especial. Trabajar con una cámara estenopeica significa una inmensa profundidad de campo, un gran círculo de imagen y una larga exposición.

Todo tiene que ser considerado. Le encanta la fotografía "lenta", ser uno con la naturaleza, la participación en una profunda introspección, conseguir movimiento en la imagen, en el agua o en las ramas, en contraste con los objetos que no se mueven para conseguir  más tensión. Hace fotografía estenopeica solamente en blanco y negro, ya que cree que es más misteriosa, más insistente, más tranquila y se adapte al método mejor que la fotografía en color.

De este modo, Lechner presenta al espectador escenas contemporáneas que ponen de relieve los puntos de vista que a menudo pasan desapercibidos en nuestro entorno. El abandono de la fotografía digital puede ser inusual, pero su estética resulta ser tan innovadora si no más que cualquier estilo fotográfico basado en lo digital. Sus escenas sombrías tienen un aire tranquilo y meditativo que anima al espectador a disfrutar de un mundo que parece comparable con el que ya ha desaparecido en nosotros.

Ha conseguido numerosos premios, desde medallas de oro en el Trierenberger Supercircuit en 2006 (en Panorama) y 2007 (en árboles), hasta ganar el Kunstpreis Sparkasse Nürnberg en 2012, pasando por premios en PX3, Epson International Photographic Pano Awards, etc.

 

 

 

Referencias

domingo, 15 de septiembre de 2013

Susan de Witt

Susan de Witt es una fotógrafa canadiense que realiza fotografía principalmente con el procedimiento alternativo de positivado lith. Su obra trata sobre las marcas de la luz e invitan al espectador a crear algo nuevo a partir de sus experiencias de la vida. De esta manera, sus imágenes oscuras iluminan nuestra imaginación, con una densa intensidad gráfica que atrae y sorprende.

 

The consort © Susan de Witt

The consort © Susan de Witt

La serendipia juega un papel importante al imprimir con productos químicos lith. A menudo irrepetibles resultados aparecen delante de mí en el papel, resultados que me excitan en su imprevisibilidad. Aprecio la calidad de pluma y tinta de dibujo que lith me ofrece, la realidad desaparece de la página, dando a luz una ilusión para el espectador, una tergiversación de la precisión. Todas mis composiciones se realizan en el cuarto oscuro, donde lo absurdo tiene prioridad sobre la realidad.

 

 

 

Biografía

Susan de Witt nació, creció y se educó en Canadá. Estudió fotografía en el Photographic Center Northwest, de Seattle, Washington durante 4 años.

Ha estudiado con:

Los matices surrealistas de sus imágenes juegan con el subconsciente y la imaginación, diciéndonos no lo que vemos, sino invitándonos a ver lo que encontramos en nosotros mismos.

Su elección del proceso de impresión lith para producir sus imágenes conlleva tanto retos técnicos reales debido a la naturaleza del proceso como  ventajas estéticas importantes como las propiedades visuales distintivas del positivado lith. De esta manera elimina aún más la imaginería  realista de la reproducción fotográfica convencional.

 

 

 

Referencias

sábado, 14 de septiembre de 2013

Manuel Lafuente Caloto

Manuel Lafuente Caloto fue un fotógrafo español (nacido en Soria en 1930 y fallecido el 20 de mayo de 2009) considerado como uno de los fotógrafos de mayor importancia de Soria. Nadie como él ha sabido reflejar los diferentes paisajes y personajes de la provincia.

 

 

© Manuel Lafuente Caloto

© Manuel Lafuente Caloto

 

 

 

Biografía

Manuel Lafuente Caloto fue funcionario de Telecomunicación desde 1948, ingresó en la Diputación en 1971, y en 1979 se estableció el Departamento de Cultura, del que fue responsable desde 1980 hasta su jubilación.

Fue precursor del Rally Fotográfico que ahora lleva su nombre; de los ya más que reconocidos premios de poesía de la institución provincial así como de otros certámenes como el de Pintura Rápida o los premios Numancia.

Además, su pasión por la fotografía le llevó a fundar la Sociedad Alto Duero, donde decenas de jóvenes iniciaron su camino en la fotografía.

Desde 1966 obtuvo más de 30 premios provinciales y nacionales en fotografía; realizó más de 80 exposiciones individuales y 25 colectivas; participó como jurado en concursos nacionales e internacionales. Obtuvo el Premio Nacional de Fotografía otorgado por la Confederación Española de Fotografía (CEF) en 2005 y por la Federación Andorrana; fue socio de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, y de socio de honor de la Federación Fotográfica de Castilla y León y de las sociedades fotográficas de Gipuzkoa, Valencia y Zaragoza.

Ha dejado una obra demásde50.000fotografíasentrenegativosydiapositivas. Fotografías suyas se han publicado en más de veinte revistas especializadas, y numerosos libros de muy diversos temas se ilustran con sus imágenes.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros