sábado, 31 de agosto de 2013

Juan Jesús Huelva Esteban

Juan Jesús Huelva Esteban es un fotógrafo andaluz (nacido en Algeciras en 1964) galardonado con el premio Mejor Fotógrafo Andaluz en 1995 y el Premio Nacional de Fotografía de la CEF en 2002.

 

© Juan Jesús Huelva Esteban

© Juan Jesús Huelva Esteban

Biografía

Juan Jesús Huelva inició sus estudios de fotografía en la Escuela de Artes y Oficios de Algeciras, a la vez que cursaba otra serie de materias complementarias en el Instituto de Formación Profesional Ventura Morón de esta ciudad. De temprana vocación, complementó su formación profesional con la asistencia a talleres dirigidos por fotógrafos de reconocido prestigio, y de manera muy significativa con el propio ejercicio de la actividad fotográfica, es decir, de forma autodidacta.

Contando apenas 30 años de edad, la Federación Andaluza de Fotografía le nombró, en 1995, Mejor Fotógrafo Andaluz.

La Junta de Andalucía y el Ministerio de Asuntos Sociales le han becado en varias ocasiones para realizar viajes, cursos e intercambios culturales por toda Europa, fruto de lo cual han sido algunas de sus exposiciones en el extranjero. Posee numerosos premios de carácter nacional e internacional. Entre sus exposiciones podríamos destacar, muy resumidamente, las celebradas a lo largo de estos últimos años en la Diputación de Granada, Palacio Villa Don Pardo en Jaén, Palacio de la Merced en Córdoba, Círculo de Las Artes en Lugo, Diputación Foral de Guipúzcoa, Palacio Fernán Núñez, Sala Amadís, Universidad Cardenal Cisneros y Museo Nacional de Antropología en Madrid, Centro Julio González-I.V.A.M. y Palau de la Música en Valencia, Galería Wien, Bilder, en Alemania, Diputación Provincial en Sevilla, Festival Internacional PhotoEspaña 98 en Madrid, y un largo etcétera.

Su obra esta recogida en museos y colecciones públicas y privadas de toda España. Juan Jesús Huelva ha sido directivo y comisario de exposiciones de la UFCA (Unión Fotográfica y Cinematográfica Algecireña) hasta 1996, y es Consejero de Número del Instituto de Estudios Campo gibraltareños, en su Sección de Artes Plásticas.

Posee numerosos premios de carácter nacional e internacional, y su nombre figura en los cuadros de honor de la mayor parte de concursos fotográficos de España. Su presencia en Internet se basa únicamente en los diversos premios obtenidos en los últimos años. En 2002 la Confederación Española de Fotografía (CEF) le otorgó el Premio Nacional de Fotografía.

 

 

 

Referencias

viernes, 30 de agosto de 2013

Jorge Ribalta

Jorge Ribalta es un comisario, crítico de arte y fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1963). Considerado un fotógrafo promesa en su juventud, ganó premios y luego se dedicó durante una quincena de años principalmente al comisariado. Actualmente ha vuelto a la práctica fotográfica con series en la que realiza observaciones sobre el campo cultural, entendido y presentado como resultado de la intersección del arte, la política, la economía y la historia. 

 

© Jorge Ribalta

© Jorge Ribalta

 

 

La fotografía es parte de las cosas, es un fósil; pero el montaje, que pone en relación las imágenes, les devuelve la vida. El montaje de imágenes remite a la ilusión de movimiento del cine. Poner imágenes juntas no es solamente relacionar los diversos procesos y trabajos que se muestran, y producir legibilidad, sino poner las propias imágenes en movimiento. Dar vida a las piedras es crear ilusión de movimiento.

 

 

 

Biografía

Jorge Ribalta tras estudiar en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona inició una fructífera carrera de formación en el extranjero. Primero en Niza, donde obtuvo el premio de la Jeune Création Européenne (Prix de la Villa Arson) Art Jonction 89. Al año siguiente se instaló en Nueva York gracias a una beca. En 1990 residió de nuevo en Niza, en la Villa Arson. En 1992 fue artista visitante de la Slade School of Art (University College) de Londres, y en 1996 de la School of the Art Institute de Chicago. Entre 1997 y 1998 participó en el International Studio Program de Nueva York.

Dirigió entre 1999 y 2009 el Departamento de Programas Públicos del MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona) y ha editado varios libros de referencia.

Ha comisariado, entre otras, las siguientes exposiciones:

  • Domini Públic (Centre d'Art Santa Mònica, Barcelona, 1994);
  • Procesos Documentales. Imagen testimonial, subalternidad y esfera pública (La Capella, Barcelona, 2001);
  • Joan Colom. Fotografías de Barcelona, 1958-1964 (Ministerio de Cultura-Fundación Telefónica, Madrid, 2004);
  • Jo Spence. Más allá de la imagen perfecta. Fotografía, subjetividad, antagonismo
    (MACBA, Barcelona, 2005);
  • Manolo Laguillo. Barcelona 1978-1997 (MACBA, Barcelona,
    2007);
  • Archivo Universal. La condición del documento y la utopía fotográfica moderna
    (MACBA, 2008);
  • Helen Levitt. Lírica urbana. Fotografías, 1936-1993 (MUICO Photoespaña,
    Madrid, 2010).

Su propia obra ha podido verse, desde su primera exposición en la galería Forum de Tarragona (1988), en individuales como las de la galería Zabriskie de Nueva York (1994, 2000, 2005) y París (1996), Estrany-De la Mota (1998), Universidad de Salamanca (2006) y Casa sin fin (Cáceres, 2010; Madrid, 2011), además de en numerosas exposiciones colectivas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 29 de agosto de 2013

Philippe Brault

Philippe Brault es un cineasta y fotógrafo francés (nacido en Brest en 1965) que realiza fotografía documental.

 

 

Living in Urban Slums. Egypt © Philippe Brault

Living in Urban Slums. Egypt © Philippe Brault

 

 

 

Biografía

Philippe Brault se convirtió en fotógrafo en los años 80, cuando en el Líbano descubrió la guerra civil y decidió mostrar la violencia que afectaba a la población civil.

Muy a menudo, de forma restringida, fuera de cámara, la violencia se soporta con resentimiento. Y el fotógrafo trata de mostrar sus sujetos/víctimas mientras se someten, con una cierta fatalidad, a lo que se ha convertido en su condición diaria. Su enfoque y su estética son parte de una nueva forma de documentar, lo que da un mayor lugar a la poesía y la distancia.

En El Cairo, Philippe Brault trabajó sobre las condiciones de vida de la población olvidada de los barrios marginales de la ciudad. En la ciudad de Guatemala, dirigió un reportaje sobre la violencia cotidiana donde las ejecuciones sumarias y la pobreza son la norma. Trabajó como un investigador comprometido en las consecuencias del huracán Katrina, y en la esperanza que la campaña de Obama transmitió.

Philippe Brault y periodista David Dufresne co​​dirigieron en 2010 el documental Prison Valley, una evaluación implacable de la industria de las prisiones en los EEUU con la que han ganado muchos premios, entre ellos el World Press Photo Multimedia 2011.

Philippe Brault es miembro de la Agence VU.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Prison Valley 2010
  • Dignité 2010 (colectivo)
  • L’ŒIL PUBLIC 15 ans d’histoires 2010 (colectivo)
  • Cela commence par … 1997
  • Nom d’une France 1995 (colectivo).

miércoles, 28 de agosto de 2013

Samad Ghorbanzadeh

Samad Ghorbanzadeh es un fotógrafo iraní (nacido en 1984 en Urmia, Irán, donde vive y trabaja) cuya obra está principalmente basada en escenas surrealistas en blanco y negro que parecen sueños o más bien pesadillas.

 

 

© Samad Ghorbanzadeh

© Samad Ghorbanzadeh

Las canciones más tristes de los seres humanos se producen cuando están colgados en la cuerda del tiempo, entre el suelo y el aire, entre el ayer y el hoy, con una fría sonrisa en la cara y con una mente angustiada por contemplar los hechos que sucedieron en el pasado y por el temor de esperarlos en los próximos eventos que sucederán en el futuro.

 

En mi vida he nacido dos veces: la primera vez en 1984 cuando mi madre me abrió los ojos al mundo y la segunda en  2004 cuando mi cámara me abrió los ojos también. Pero los dos nacimientos son diferentes entre sí, ya que el primero abrió mis ojos a un mundo lleno de colores, pero el segundo me abrió los ojos a un mundo lleno de oscuridad.

 

 

 

Biografía

Samad Ghorbanzadeh comenzó con la fotografía en 2006 y estudió Graphics en la Universidad Ferdowsi de Mashhad. Ejerce de profesor de fotografía en Urmia.

A menudo representa paisajes interminables y abiertos que son, probablemente, los que rodean su hogar. Misteriosas y escalofriantes, sus fascinantes imágenes provocan pensamientos y auto-reflexión. Con series como Fictional Reality, Daily Dream and Gray Nightmares, el trabajo de Samad Ghorbanzadeh es muy introspectivo. A menudo, los rostros de sus sujetos están ocultos, lo que permite al observador superponer su propia cara en ellos.

Sus paisajes en blanco y negro parecen extrañamente tranquilos en el exterior, pero el espectador obtiene la clara sensación de que un problema está al acecho constantemente a la vuelta de la esquina, y que una pesadilla está a punto de comenzar. Hay un montón de imágenes siniestras en sus series, muñecas rotas inertes en el suelo, casas abandonadas,huevos rotos de gran tamaño, siluetas de mujeres y hombres como posibles autores de un crimen sin nombre, o como fantasmas.

Realiza exposiciones de fotografía en Irán y en los Estados unidos, donde es bastante conocido. Compite en salones de fotografía artística donde consigue premios, como los conseguidos este año 2013:

  • Mención honorífica en el  CHANG fineart international photo festival, Tailandia
  • Medalla de bronce en el 1 KULA International festival of photography, Serbia
  • Medalla de bronce en el 1 Khayyam International festival of photography, Irán.

 

 

 

Referencias

martes, 27 de agosto de 2013

Pedro Javier Alcázar

Pedro Javier Alcázar (El niño de las luces) es un fotógrafo español (vive en Lorca, Murcia) cuya temática principal en la fotografía es la pintura con luz (light painting).

 

© El niño de las luces

© El niño de las luces

 

 

Lo que uno siente pintando con luces en la oscuridad es algo único, y por eso esta técnica merece un hueco en este mundo apasionante.

 

 

 

Biografía

Pedro Javier Alcázar lleva poco tiempo en la fotografía y con su poca experiencia puede decir que la fotografía es inigualable: puedes captar un instante, una historia, un momento crucial en tu vida que siempre tendrás expuesto en tu memoria.

Ha puesto en práctica diversas técnicas fotográficas, pero la que le hace soñar es la técnica Light Painting, que descubrió en agosto de 2009. Mucho se podría decir de esta técnica, pero es muchísimo más lo que se puede soñar con ella.

La fotografía nocturna es un mundo especial, diferente y el simple hecho de elaborar una fotografía se hace muy complicado. El Light Painting es otra vuelta de tuerca más en este mundo noctámbulo.

Su seudónimo El niño de las Luces es la prueba que explica cómo se siente cuando practica esta técnica: disfruta creando en la oscuridad, inventando formas y aprendiendo de las miles de fotos no validas.

Utiliza una sencilla Canon 40d y un sinnúmero de artilugios luminosos comprados o fabricados o montados por él. Además crea personajes que reutiliza en sus fotografías.

Imparte talleres (muy amenos y didácticos) de Light painting y tiene un curso online en su propia web.

 


Referencias

lunes, 26 de agosto de 2013

Wang Lin

Wang Lin es una fotógrafa china (nacida en 1973 en Tianjin, vive y trabaja en Beijing) que realiza su trabajo sobre el mundo de la aviación comercial, tanto de forma documental como conceptual.

 

 

© Wang Lin

© Wang Lin

 

 

Biografía

Wang Lin se diplomó en Fotografía en la Academia de Bellas Artes de Beijing en 2003 y en 2007 expuso por primera vez en el Museo Chino de las Artes de Xie Yi.

En 2012 recibió el Premio Shiseido a la mejor fotógrafa durante el Festival PhotoSpring de Caochangdi.

Durante varios años Wang Lin ha colaborado con numerosos periódicos como China Daily, Southern People’s Weekly, China Youth Daily, China Photo Press o Blog Weekly.

Está representada por Beaugeste Photo Gallery de Shanghai.

Su serie Stray Tulips es la historia de una joven china, azafata aérea, que ha perdido su empleo y sueña obsesivamente con recuperarlo. En consecuencia, tal como explica en las panorámicas que contienen sus visiones, espera un avión en vano. Aparece siempre en escena, generalmente acompañada por una pequeña maleta con ruedas, en unos fotomontajes digitales de colores dorados junto a los colores blanco y púrpura de los tulipanes.

Esta serie es autobiográfica de alguna manera, pues Wang Lin, de hecho, azafata y apasionada por la fotografía, había obtenido la autorización de sus compañeros y de la dirección de la línea aérea para documentar, en blanco y negro, la cotidianidad de las tripulaciones. Lo logró con talento y con humor, en la serie Diario de una azafata y fue recompensada con un prestigioso premio. Pero las imágenes que divulgó la prensa se encuentran en Internet manipuladas junto a comentarios obscenos o inoportunos, por lo que Wang Lin fue despedida. Desesperada, a través de las imágenes reitera que ella no tiene nada que ver con esta pesadilla, que le gusta su trabajo, los aviones, y que desea volver a empezar a trabajar.

 

 

 

Referencias

domingo, 25 de agosto de 2013

Clément Briend

Clément Briend es un artista y fotógrafo francés (vive y trabaja en París) que trabaja principalmente con imagen proyectada, creando espacios híbridos, que partiendo de la fotografía confunden la realidad y la proyección, el espacio y la superficie.

 

© Clément Briend

© Clément Briend

 

 

Siempre busqué tomarle fotos a todo el mundo sin tener un poco de fe en lo que hacía, siempre imaginé encontrar aparatos que pudieran transformar e intervenir los espacios a través de la luz y poder fusionar al final mis fotografías.

 

 

 

Biografía

Clément Briend terminó en 2008 sus estudios de Fotografía en la École Louis Lumière y actualmente es profesor en la Universidad de Valenciennes. Su trabajo se centra en la exploración de la oscuridad a partir de intervenciones con luz en los espacios que fotografía.

En 2011 creó el Collectif des Illuminations Politiques, grupo que utiliza las proyecciones como una forma de expresión libre que permite mostrar realidades invisibles de nuestro mundo.

Su trabajo ha sido expuesto en el Festival PhotoPhnomPenh de Camboya y la Maison Européenne de la Photographie de París, entre otros. Está representado por la galería parisina Wall30.

Es, desde siempre, un auténtico fanático de la proyección. Uno de aquellos que, con el pretexto de respetar la etimología de la palabra fotografía –escribir con la luz– suele afirmar que lo único aceptable para dicho medio es aquello que la luz le deja ver.

Astuto artesano, ha inventado proyectores ligeros, autónomos, que puede transportar a su conveniencia con el fin de que sus imágenes existan en los lugares más sorprendentes e inesperados, transformando por completo el espacio que reinventa.

 

 

 

Referencias

sábado, 24 de agosto de 2013

Jesús de Echebarría

Jesús de Echebarría fue un fotógrafo vasco (nacido en Bilbao en 1885 y fallecido en 1960) que documentó, con su mirada elegante y fresca, una Bizkaia en transición parece hablarnos más del futuro que del pasado, y al mismo tiempo consiguió contagiarnos la tristeza con la que observaba un mundo rural que empezaba a desaparecer.


© Jesús de Echebarría
© Jesús de Echebarría

(Se puede ver en 3D con las gafas adecuadas)

 



Biografía

Jesús de Echebarría nació en Bilbao en el seno de una familia de la burguesía media bilbaína. Realizó estudios mercantiles y en 1903 entró a trabajar en el Banco de Bilbao, puesto del que se vería privado durante diez años por motivos políticos.
Con una posición económica desahogada, comenzó a practicar la fotografía hacia 1910. Lo hizo con una cámara estereoscópica, un sistema sencillo en su manejo, fácil de transportar y de resultados espectaculares. Este era un instrumento muy en boga entre los aficionados de aquellos años, cuya peculiar forma de visionado permitía convertirlo en una agradable atracción en reuniones de amigos y familiares.
A partir de entonces, lo que inició como un pasatiempo le permitió obtener premios destacados en concursos de Bilbao, Santander, Tarragona y Soria. En 1916 sus resultados fueron reconocidos por la revista La Argentina en Europa que se editaba en Barcelona y que le dedicó toda una página
Su gran archivo de placas de cristal, tiene cinco grandes vertientes: el mundo baserritarra, las calles de Bilbao, los toros, los deportes y el desnudo femenino. A esto habría que añadir series realizadas con motivo de sus viajes a Francia o Alemania.





Referencias

viernes, 23 de agosto de 2013

José Verón Gormaz

José Verón Gormaz es un poeta, narrador, periodista y fotógrafo aragonés (nacido en 1946 en Calatayud).

 

© José Verón Gormaz

© José Verón Gormaz

 

Durante el último decenio, en parte por obligación y en parte por devoción, he recorrido los territorios aragoneses, desde los Pirineos a Gúdar y Javalambre. Pero no sólo las tierras de Aragón han constituido el motivo de mis viajes fotográficos: también lo han sido los territorios atravesados por el Ebro y sus afluentes. Lugares como las Bardenas Reales o las tierras mágicas del Delta han atraído mis pasos y mi cámara.

 

 

 

Biografía

José Verón Gormaz estudió Ingeniería Agrícola (1970) y Administración y Planificación de Empresas (1976) en la Universidad Politécnica de Madrid.

Cuando tenía 12 años, su padre, gran aficionado a la fotografía y al cine en super-8, le introdujo en la fotografía. Lo llevaba en muchos de sus viajes de trabajo por España y le daba sabios consejos. Con 15 o 16 años empezó a ganar certámenes de fotografía.

Después le llegó la pasión por la literatura, que a lo largo de su vida, estuvo a punto varias veces de apagar la que sentía por la fotografía.

A comienzos de los 70 adquirió varias cámaras y se especializó en macrofotografía con fantásticos resultados. También hacía retratos, reportajes, paisajes de Bílbilis, desnudos, … A finales de los 70 dejó el blanco y negro y casi la fotografía por la literatura, pero, afortunadamente, una exposición de fotografía en su Calatayud natal tuvo tal éxito que comprendió que en la expresión por medio de la fotografía se encontraba cómodo y podía crear libremente.

A partir de ahí, y durante más de 20 años, centró su trabajo en el paisaje, la abstracción en la naturaleza y la foto social urbana, trabajando con diapositivas cibachrome y complementando la poesía y la fotografía.

Ha sido Cronista Oficial de Calatayud, ciudad que lo nombró Hijo Predilecto en 2006, consejero del Centro de Estudios Bilbilitanos. Académico Correspondiente de la Real Academia de San Luis, y ha obtenido la Medalla Aragonesa de Merito en Arte (2002), el Premio Nacional de Fotografía de la CEF, 2000) y la Medalla de Oro de las Cortes de Aragón (2006).

En 2007 se creó la Asociación Fotográfica Bilbilitana José Verón, en enero de 2008 aparecieron las bases para el I premio internacional de poesía "José Verón Gormaz" (Ayuntamiento de Calatayud) del que en 2009 se hizo una II edición.

En el Pabellón de Aragón de la Expo-2008 de Zaragoza hubo 275 fotografías suyas expuestas, que han servido de base para el libro Aragón imágenes editado por el Gobierno de Aragón (2009). También le entregaron el Premio Honorífico de la Asociación Aragonesa de Escritores "I Premio Imán" concedido por votación entre los asociados.

Ha obtenido, como fotógrafo, más de 300 premios nacionales e internacionales y ha realizado más de 100 exposiciones individuales. Tiene obra en museos, fototecas y colecciones institucionales y privadas. En 1987 le concedieron el título EFIAP.

Ha sido colaborador durante muchos años de Heraldo de Aragón, SER Calatayud y otros medios de comunicación. Ha publicado 26 libros, y ha obtenido premios de poesía (Juan Alcaide 1989, Santa Isabel de Portugal 1988 y 1994, Hermanos Argensola 1999, Ciudad de Santo Domingo 1982...), de novela (San Jorge, Zaragoza 1981) y de periodismo (Husa, Barcelona 1984).

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Aragón Imágenes (2009)
  • Calatayud, Imágenes y sueños (2000 y 2002),
  • José Verón Gormaz (2001),
  • Calatayud, ciudad en el tiempo (2001 y2005)
  • Los dedos de la luz (2003). Con poemas de Mariano Castro.
  • y otros muchos libros de poesía y narrativa …

jueves, 22 de agosto de 2013

Eduard Ibáñez

Eduard Ibáñez es un pintor, grabador y fotógrafo valenciano (nacido en Tavernes de la Valldigna, Valencia, en 1954) que es conocido en el ámbito fotográfico español principalmente por su consolidada trayectoria en fotomontajes.

 

© Eduard Ibáñez

© Eduard Ibáñez

 

Biografía

Eduard Ibáñez es doctor en Bellas Artes y profesor de la Universidad Politécnica de Valencia. Pintor y grabador desde hace más de tres décadas centra su labor investigadora en el medio fotográfico.

Sus fotografías han sido expuestas en prestigiosas galerías (Visor, Valencia; Spectrum, Zaragoza; Vrais Raves, Lyon; Claude Samuel, París), así como en museos y espacios institucionales y su obra está representada en las más importantes ferias de arte.

Es un maestro en los fotomontajes, técnica en la que se inició a finales de los años 70 de la mano de su maestro y amigo Josep Renau.

Sus series más conocidas, que ha expuesto recientemente, son:

  • Espejismos de la memoria es una amplia serie de montajes fotográficos, de la que aquí se muestra tan solo una parte de ellos, a partir de material gráfico proveniente de colecciones de revistas ilustradas europeas y americanas, editadas entre 1954 y 1964.
  • Con la mirada perdida, es un trabajo fotográfico que reúne trece imágenes de gran formato en torno a la ciudad de Venecia, tomadas en las primeras luces del día, cuando la ciudad parece desperezarse y se prepara para una nueva escenificación de su belleza. Es una visión intimista pero poderosa de su arquitectura. Imágenes como guiños al recuerdo y la memoria.
  • Francesc de Borja, fites d'una vida, encargo del Ayuntamiento de Gandía con motivo de l'Any Borja. Ibáñez empezó a documentarse y estudió en profundidad la biografía de este personaje. A partir de ahí, escogió hechos puntuales y lugares referentes de su vida y los interpretó a través de su cámara fotográfica.

 

 

 

Referencias

miércoles, 21 de agosto de 2013

JJ Levine

JJ Levine es una artista trans y fotógrafa canadiense (nacida en 1986, vive en Montreal) cuyo trabajo se centra en el retrato íntimo. Sus fotografías exploran el género, la sexualidad y lo queer.

 

 

© JJ Levine

© JJ Levine

 

Biografía

JJ Levine realizó en 2010 estudios de Fotografía y Estudios Interdisciplinarios en Sexualidad en la Universidad de Concordia y en 2013 fue becada por el Consejo de las Artes de Canadá.

Levine ha expuesto en galerías de Estados Unidos, Canadá y Europa. En septiembre lo hará en GetxoPhoto 2013.

Ha sido, además, conferenciante en diversas universidades y su trabajo ha sido publicado en revistas académicas y artísticas a nivel internacional.

La obra artística de Levine combina el enfoque político con un fuerte sentido estético. Además, ofrece cortes de pelo en una elegante peluquería en el barrio gay de Montreal y en todo el mundo.

En su serie Switch, Levine, artista militante, plantea las cuestiones de actualidad sobre identidad sexual con un humor devastador. Practica la puesta en escena con alegría y, mediante un simple juego de disfraces de cada uno de los dos miembros de una pareja, transforma a él en ella y viceversa. Juega con la fotografía como con las múltiples ilusiones de la imagen y proclama serenamente que nunca nos debemos fiar de las fotografías.

 

 

 

Referencias

martes, 20 de agosto de 2013

Laurent Chéhère

Laurent Chéhère es un fotógrafo francés (nacido en Ménilmontant, un barrio de París, en 1972) al que le encanta explorar las ciudades, suburbios, los países,  explorando todos los campos de la imagen a través de reportajes de fotografía y la imagen conceptual.

 

 

© Laurent Chéhère

Cirque © Laurent Chéhère

He construido estas casas en función de mis deseos incorporándoles una dimensión a veces documental, personal o estética; un homenaje a un viejo París desaparecido, a la arquitectura, la fotografía y al cine.

 

 

 

Biografía

Chéhère Laurent trabajó en publicidad, pero abandonó ese mundo por sus dos pasiones: los viajes y la fotografía y comenzó a explorar barrios, ciudades y países de todo el mundo: de Shanghai a Valparaíso, de La Paz a Lhasa, de Bamako a Bogotá, de Srinagar a Ushuaia, …

Su trabajo personal va desde el reportaje hasta la fotografía conceptual. Ha sido seleccionado en festivales como el de Pingyao en China y en la ferias Fotofever Art de Bruselas y la Art Fair de París, entre otras. Ha expuesto, además, en Alemania, Guatemala, Bélgica y Brasil.

Laurent ha expuesto su serie Flying Houses en el Dock-en Seine, Cité de la Mode et du Design  en junio de 2012, donde ganó el Premio Especial. La serie también se ha presentado en China en el Festival Internacional de Fotografía 2012 Pingyao, Guatemala, París, Nueva York, Sao Paulo, Camboya y lo hará también en septiembre  2013 en GetxoPhoto (Bilbao).

Inspirado por una visión poética del viejo París, por el famoso cortometraje The Red Balloon de Albert Lamorisse y un montón de influencias como Wim Wenders, Federico Fellini, Marcel Carné, Laurent Chéhère recorrió los barrios de Belleville y Ménilmontant poniendo sus ojos en sus casas típicas y viejas.

Técnicamente estas fotografías son un fotomontaje. Hace un dibujo rápido de lo que quiere y seguidamente fotografía con buena luz todos los elementos que necesita: fachada, ventana, graffitis, tejados, gente, etc. El tiempo de elaboración depende del número de elementos asociados y de su complejidad: El Circo le llevó un mes de trabajo, frente a la semana de El globo rojo.

 

 

Referencias

lunes, 19 de agosto de 2013

Harit Srikhao

Harit Srikhao es un joven fotógrafo tailandés (nacido en 1995) que realiza una fresca fotografía de calle. Posee una aguda conciencia del mundo que es capaz de transcribir en imágenes y de analizar con rigor al mismo tiempo.

 

 

© Harit Srikhao

© Harit Srikhao

 

 

He tenido la sensación que visitaba a viejos amigos, que recuperaba sentimientos familiares. Y fue entonces cuando las imágenes se impusieron.

 

 

 

Biografía

Harit Srikhao realizó sus primeras fotografías con una cámara que le había prestado la madre de un amigo. Desafortunadamente, su falta de conocimientos técnicos provocó que perdiera todas las fotos pero este incidente le motivó a concebir la fotografía como un medio para expresarse y entrar en el mundo del arte.

El próximo año estudiará fotografía en el King Mongkut’s Instutute of Technology Ladkrabang.

Cuando tenía catorce años tuvo que regresar a pie a su casa, de noche, tras unos violentos enfrentamientos en la capital tailandesa que, además de provocar numerosas víctimas, paralizaron los transportes públicos y todas las actividades restantes en abril de 2009.

Tuvo que andar diez kilómetros a la una de la madrugada, entre prostitutas, perros erráticos, jóvenes tan perdidos como él y, sobre todo, sombras, sombras inquietantes.

En el año 2011 decidió repetir el trayecto a la misma hora, y el recuerdo volvió fuertemente, como una sucesión de imágenes que se correspondían con la pesadilla vivida, la difícil experiencia siempre presente en su subconsciente. Y las imágenes se impusieron. Las grabó como una ficción, un relato que en un principio tituló Red Dreams. Sueños rojos como la sangre derramada en aquel entonces, como sus propias heridas, como luces cruzadas.

Participó en los talleres 2011 Angkor Photo Workshops y como resultas se formó el grupo Sideways con 12 de los participantes, entre ellos Srikhao, que se dedican a la fotografía callejera y que han realizado  la exposición conjunta Street Inbox: Exhibition Street Photography by Sideways.

 

 

 

Referencias

domingo, 18 de agosto de 2013

Gianni Cipriano

Gianni Cipriano es un fotoperiodista italiano freelance (nacido en Sicilia en 1983, vive en Nueva York y Palermo) comprometido con los temas sociales de actualidad. Su trabajo se centra tanto en éstos como en el desarrollo político y económico del entorno contemporáneo.

 

"Perfect, La più grande perfezione è l'imperfezione" © Gianni Cipriano

© Gianni Cipriano

 

La belleza se ha convertido en una herramienta política en la era Berlusconi. Desde los años ochenta, su imperio mediático ha introducido una cultura de lujo y de sexo para controlar a los electores.

 

 

 

Biografía

Gianni Cipriano, hijo de inmigrantes, pasó su infancia y adolescencia entre Brooklyn, Ginebra y Palermo. Tras terminar sus estudios en Ingeniería Aeronáutica y Arquitectura se graduó en Fotografía Documental y Fotoperiodismo en el International Center of Photography de Nueva York, donde trabajo como ayudante de Ron Haviv y Christopher Anderson.

En 2008 fue seleccionado para el Premio Talento Emergente de Getty Images.

Desde 2009 forma parte del Reflexions Masterclass, un seminario internacional sobre fotografía contemporánea dirigido por Giorgia Fiorio y Gabriel Bauret. Ha sido seleccionado, además, en el Joop Swart World Press Photo durante los últimos tres años.

En la actualidad trabaja entre Nueva York y Palermo y sus proyectos editoriales son distribuidos por OnOff Picture. Sus clientes y publicaciones incluyen The New York Times, The Wall Street Journal, The International Herald Tribune, Time, Le Monde, MSNBC.com, D Repubblica, Io Donna, Ventiquattro, IL, Courrier International, Vanity Fair Italy, Diario, Esquire Russia, The Sunday Times Magazine, The British Journal of Photography, PepsiCo, Classic Media, ...

Como fotoperiodista, muestra en su trabajo los acontecimientos actuales en Sicilia y otros lugares del mundo. Al mismo tiempo, tiene series más personales, como:

  • Perfect, inspirada por el hecho de que la belleza se haya convertido en un instrumento político en su país durante el mandato de Berlusconi, lo que ha generado un sinfín de certámenes y concursos en los que mujeres de toda condición exhiben sus atributos físicos con el fin de convertirse en la próxima reina de la belleza. Entre las concursantes figuran mujeres de edad avanzada; de peso elevado; generalmente vestidas con ajustados modelos de fuertes colorido; la mayoría de las cuales se ha practicado diversas cirugías para seguir sintiéndose jóvenes e incluso para cambiar su sexo.
  • Where Beauty Soften your Grief está realizado en una funeraria de Harlem, Nueva York, en la que Isaiah Owens prepara a sus “clientes” con suma profesionalidad y respeto, al modo de los antiguos egipcios, para que realicen el transito para una vida posterior.
  • In The Land Of Black Coats, realizado en 2007, nos muestra las costumbres y la vida cotidiana del barrio judío ortodoxo de Brooklyn.

 

 

 

Referencias

sábado, 17 de agosto de 2013

Toni Riera

Toni Riera es un empresario y fotógrafo catalán (nacido en Barcelona, en 1950) cuya obra fotográfica, aunque ha hecho publicidad, moda y reportajes por medio mundo, está muy ligada a Ibiza y a la discoteca Pachá, y de su cámara han salido gran parte de las imágenes oficiales de la discoteca.

 

© Toni Riera

© Toni Riera

 

 

 

Biografía

Toni Riera veraneaba en su adolescencia en el pequeño pueblo de Garraf, pero siempre que podía se escapaba con los mayores en un Seat 600 a la vecina y mucho más animada Sitges, donde incluso había una calle llamada ‘del Pecado’. En ella estaba Tito’s, un bar siempre lleno de turistas extranjeras. Ricardo Urgell era el dueño de ese bar y poco después abrió una discoteca, Pachá, a donde fue mucho desde el primer día. En esta etapa Toni conoció a Ricardo y a su hermano Piti, y antes de ganarse la vida con su Yashica lo hizo lavando vasos en aquella discoteca de los hermanos Urgell, con los que mantiene desde entonces una estrecha relación de amistad.

Mientras, unos franceses rodaban en Ibiza More, una película sobre el incipiente movimiento hippie, el amor libre y las drogas, un cóctel evidentemente prohibido en la España franquista y en otros muchos países, escandalizados del estilo de vida, la libertad sexual y la desnudez de la pareja protagonista. Hoy ya nadie se acuerda de la película, pero produjo un efecto llamada convirtiendo a  Ibiza en un eslabón más del “Hippie Trail” (“Ruta hippie”) en su paso por Europa, junto a Londres, Ámsterdam y Estambul.

Empresario de olfato, Urgell montó la primera versión de Pachá Ibiza, una casita que imitaba la arquitectura tradicional de la isla a las afueras de la capital y que abrió sus puertas al público en 1973. Ese día es el mismo Toni Riera pisó por primera vez Ibiza,  para tres días pero se quedó cuatro meses. Se vivía muy bien y en armonía con la naturaleza, existía una gran estima por el medio ambiente y  no había llegado la nefasta especulación inmobiliaria de nuestros días, que ha inundado todo de ladrillos y cemento.

Toni Riera se ha convertido en el fotógrafo emblemático de Ibiza. Las famosísimas cerezas de la discoteca Pachá son un símbolo en la obra de este fotógrafo, que las implementa y las incluye en la muchas de sus tomas, haciéndolas íconos mismos de la isla.

Con motivo de los 40 años de la llegada de Pachá a la isla, Toni ha preparado una serie de exposiciones Ibiza, Pacha & Cerezas y el libro Toni Riera. Ibiza & Pachá en los que se recopila una selección de las mejores imágenes captadas a lo largo de esta larga y fructífera relación profesional, y que muestran el espíritu hedonista y glamuroso que caracteriza a las espectaculares playas de Ibiza y la noche de Pachá, y que luego de más de 30 años de su existencia, ya resultan indisolubles. Ibiza es un plató perfecto con gente original, colorida, diferente y única, cuerpos impresionantes, sensaciones, vivencias. Ibiza es un paraíso.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 16 de agosto de 2013

Ángel Duerto Oteo

Ángel Duerto Oteo fue un fotógrafo aragonés (nacido en Zaragoza el 1 de abril de 1932 y fallecido el 10 de mayo de 2013, también en Zaragoza) que fue precursor de la fotografía contemporánea, de la fotografía con historia, de los trabajos de manipulación fotográfica y siempre realizados a mano, en el laboratorio.

 

© Ángel Duerto Oteo

© Ángel Duerto Oteo

 

 

 

Biografía

Ángel Duerto Oteo, tras desempeñar diferentes cargos en la Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza, fue su presidente en 1977 y 1978. Dicha Real Sociedad le concedió en 1981 su Insignia de Oro. Es Socio de Honor en varias Agrupaciones Fotográficas de España, y realizó, junto con otros autores aragoneses, la selección y recopilación del libro Fotografía Aragonesa que, publicado en 1982, abarca la fotografía de los setenta.

Se le puede considerar como el artista más premiado de Aragón y el segundo de España. Recibió, entre otros, el Premio Isabel de Portugal de Fotografía en 1987, y el Premio Nacional de la CEF en 1996. Tiene obra en numerosos museos.

Fue miembro fundador del zaragozano Grupo Cierzo en 1986.

En 1960 presentó Abstracción en el Salón Internacional de Zaragoza. Su obra en los setenta era en blanco y negro y se caracterizaba por la supresión de los elementos formales y por una distorsión de las figuras, lo cual se aprecia, por ejemplo, en los retratos. El paisaje, que adquiere una singular belleza, también puede distorsionarse. El blanco y el negro, muy contrastados, y los grises, sirven para crear una especial atmósfera: serenidad y quietud, intriga, ...

Desde los ochenta trabaja cinco series, o colecciones según las define su autor, Monegros, 1980, y El Camino, 1983, aludiendo al itinerario del ser humano desde que nace, son en blanco y negro, mientras que De Natura, 1985, y Natura-(L)-Mente, 1988, son en color.

La serie Dos por Dos, 1981, es un diáfano ejemplo de su imaginación, mediante la mezcla de formas inventadas, palomas por doquier y misteriosos edificios. Si la distorsión y la supresión de elementos formales son muy propios de la pintura, su obra en color también sugiere matices pictóricos.

El paisaje, diurno o nocturno, suele tener una zona con color más contrastado y su tratamiento, incluyendo el formal, se aleja de la realidad para crear un mundo propio sin pérdida de verosimilitud. En ocasiones añade manchas abstractas o incorpora una figura inmersa en la naturaleza.

No pintaba sobre los positivos fotográficos, sino que retocaba y trabajaba los negativos o las diapositivas hasta conseguir lo que deseaba con máscaras y retoques analógicos, antes de positivar definitivamente en papel.

En 2009 se cumplieron los 50 años de la irrupción en el mundo de la fotografía de Ángel Duerto, realizándose una muestra, en la sala de exposición del Centro Cultural Matadero de Huesca, de algunas fotografías de la última década, junto a las obras de tres de sus hijos: Ángel, Ricardo y Nacho, excelentes continuadores de su obra.

Ángel Duerto vivió en los últimos años en la localidad tarraconense de Cunit, a cuya Asociación Fotográfica pertenecía y donde expuso en 2010. Estaba considerado como uno de los grandes de la fotografía artística de naturaleza.

 

 

Referencias

jueves, 15 de agosto de 2013

Thomas Mailaender

Thomas Mailaender es un fotógrafo francés (nacido en Marsella en 1979, vive en Marsella y París) que persigue la deconstrucción de la fotografía cuestionando la “vulgaridad” que practica con un rotundo sentido de lo que no debe hacerse, lo que provoca grandes carcajadas o una estupefacción inmensa. Utiliza el humor y la poesía para convertir momentos de la vida ordinaria en monumentos espectaculares e improbables.

 

© Thomas Mailaender

© Thomas Mailaender

 

 

 

Biografía

Thomas Mailaender terminó en 2003 sus estudios en la École nationale supérieure des Arts Décoratifs de París y continuó estudiando durante un año más en Villa Arson en Niza. Desde entonces su trabajo se ha centrado en jugar con el concepto ya clásico de la tipología.

Un crítico francés recientemente fallecido comparó su obra con la de Bern y Hilla Becher bajo la influencia del pastis, un licor anisado popular en el sur de Francia. Yo llego a pensar que el pastis se lo tomó el crítico antes de hacer este comentario.

Ha expuesto en varias ciudades de todo el mundo, y en septiembre 2013 estará en GetxoPhoto.

Thomas Mailaender se presenta a menudo como un fotógrafo, pero es más un aficionado de la imagen y un arqueólogo del presente, mediante la práctica de "apropiacionismo" digital y analógico. En los últimos años alimenta un banco con las peores imágenes de todos los tiempos, que después reproduce en distintos medios, jarras y tazas, por ejemplo.

Chicken Museum se expuso en el Théâtre de la Criée en Marsella en 2010 y posteriormente en
Rencontres d'Arles. y es una serie de fotografías penosas extraídas de Internet, pegadas en paredes que hacen de un gallinero un museo de gallinas (reales).

Les touristes (2011) es una serie de copias en papel de fotografías de los hermanos Alinari de Florencia, de mitad del siglo XIX, en las que Mailaender ha dibujado con tinta negra uno de los atributos más característicos del turismo contemporáneo: las gafas de sol.

En Voitures cathédrales (término acuñado por los estibadores del Puerto Autónomo de Marsella) fotografía los coches cargados hasta los topes que cruzan el Mediterráneo desde Marsella a los países del Magreb. En constante tránsito entre dos territorios, el norte y el sur, estos contenedores sobre ruedas son una realización evidente del concepto de las fricciones fronterizas y culturales que existen realmente.

$pon$oring son retratos en grupo donde Thomas recibe grandes cheques de grandes compañías y fundaciones. El mundo no es tan malo si pones un poco de imaginación a tu vida.

Extreme Tourism está basada en el trabajo de Steve Young que vive en Hawái y fotografía volcanes y que fundó un "negocio de fotos graciosas" en el que por 25$ puedes salir en una de sus imágenes de volcanes. Thomas le envió 20 autorretratos para diferentes escenarios y con estas fotografías diseñó un libro. 

Su editor es RVB BOOKS, donde se pueden encontrar algunos de sus libros en edición especial.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 14 de agosto de 2013

Bernard Faucon

Bernard Faucon es un fotógrafo y artista plástico francés (nacido el 12 de septiembre de 1950 en Apt, Provence) que fue uno de los primeros artistas en explorar la gran puesta en escena fotográfica. Recibió el Grand Prix national de la photographie en 1989.

 

 

© Bernard Faucon

© Bernard Faucon

 

 

Biografía

De una familia de grandes ceramistas de Apt, los Bernard-Faucon, se negó a trabajar e la empresa familiar y estudió filosofía en la Sorbonne de París y, al mismo tiempo, teología. En este período se apasionó por la pintura que coloca por encima de la fotografía que practicaba desde los 14 años.

En los 70, tuvo la oportunidad de interesarse en el comercio de maniquíes de niño de los años 30. Y los empezó a fotografiar hacia 1974. En esta serie, llamada Les Grandes Vacances, muestra grupos de maniquíes vestidos de niños y con puestas en escena muy estudiadas, a veces con algún niño de verdad. Con este trabajo consiguió gran popularidad.

A partir de entonces, su obra evolucionó hacia formas más refinadas, expresando la ausencia, la melancolía y la falta de deseo: en la década de 1980, Chambres d'amour y Chambres d'orde muestran salas amuebladas de viejas casas en ruinas, sin presencia humana salvo algunas evocaciones fugaces o fundidos en el fondo.

A finales de 1980, la serie Idoles et sacrifices opone paisajes, casi monocromáticos, con adolescentes que miran fijamente, hipnotizados por el fuego que está fuera de la toma. La sombra del cuerpo está muy presente detrás de cada uno de ellos.

A principios de 1990, fotografió una serie de paisajes en los que se dibujan en letras blancas frases que expresan decepción y pesar. Finalmente, terminó su trabajo fotográfico entre 1993 y 1995 a través de una serie de paisajes humanos titulados Fin de l'image: fotografías del cuerpo de niños en muy primer plano, Después de esta última serie, Bernard Faucon decidió suspender su trabajo. Sin embargo, continuó desde 1997 hasta 2000 un proyecto llamado Le Plus Beau Jour de ma jeunesse con niñas y niños de más de veinte países, invitados a poner en escena su día más feliz.

A Bernard Faucon es difícil presentarle como un fotógrafo o un artista, prefiriendo él de hablar de enfoque poético. El tiempo pasa, la ansiedad de los viajes y el vértigo del deseo son sus formulaciones. Con poca pasión por exposiciones y por la cultura en general, sus fuentes son su propia vida, sus encuentros, su fascinación y sus deseos.

Una retrospectiva de la obra de Bernard Faucon fue organizada por la Maison européenne de la photographie (MEP) en París en 2005/6. El tamaño de las obras fue de 60 × 60 cm. y fueron positivadas con la técnica carbón-Fresson, creando un efecto óptico muy próximo al puntillismo.

La Galerie Vu’  ha organizado también cinco retrospectivas de su obra en exposiciones colectivas. En 2009, expuso en Rencontres d'Arles, y en septiembre 2013 estará en GetxoPhoto. Su consagración llegó en 2011 con el proyecto Les routes, una road movie de quince horas de duración.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

martes, 13 de agosto de 2013

Maia Flore

Maia Flore es una fotógrafa francesa (nacida en 1988) que realiza una fotografía que se inspira en lo que ella percibe como los límites entre la realidad y la irrealidad.

 

© Maia Flore

© Maia Flore

Una forma de desafiar al mundo cotidiano es revelar sorpresas en su interior.

 

 

Biografía

Maia Flore se graduó en 2010 en Gobelins, la prestigiosa escuela de la imagen de París.

Sus series han sido exhibidas en Les Rencontres d’Arles, Fotografia Festival in Reggio Emilia, Festival of Young European Photography o Circulations en París y seleccionadas en premios nacionales e internacionales como el World Sony Photography en 2013.

Es miembro de la Agencia VU´ y en la actualidad realiza una residencia en el Thelma Saddof Center for the Arts de Wisconsin, donde trabaja en un nuevo proyecto.

Sus temas son mujeres jóvenes que se levitan por los objetos. Flore desea hacer hincapié en la atracción que las chicas sienten hacia su nuevo y ilimitado circundante, y la ligereza de la realidad en la que están entrando. Sus movimientos contorsionados tiene la intención de articular un contraste entre la limitación física y lo ilimitado de la imaginación.

Sus fotografías han aparecido en The New Yorker, Libération, Standard, Photos Nouvelles, Réponses Photos, La Repubblica, L'oeil y Kinki Magazine.

Sólo en 2013 sus fotografías se han mostrado en París, Guatemala, Philadelphia, Londres, Alemania y en septiembre se verán en GetxoPhoto 2013.

 

 

 

Referencias