jueves, 28 de febrero de 2013

Sofía Moro

Sofía Moro es una fotógrafa madrileña (nacida en Madrid en 1966) cuya sensible y comprometida obra se divide entre el fotoperiodismo, la fotografía documental y la fotografía editorial para distintos medios de comunicación como Matador, el País Semanal o Vanity Fair.

 

© Sofía Moro

© Sofía Moro

 

 

Me interesa la fotografía que es capaz de conmover y de emocionar. Cuando trabajo, pocas veces encuentro una manera más potente de fotografiar las historias que haciéndolo a través de los rostros de los protagonistas de las mismas. Creo que casi nada tiene mayor capacidad de conmoción o de fascinación, nos es más directo y más cercano que el rostro de una persona.

 

 

 

 

Biografía

Su abuelo materno, al que no conoció, era fotógrafo y arquitecto. También su madre trabajó como fotógrafa antes de casarse y siempre le hablaba de fotografía. y le decía que le enseñaría a revelar y a usar las cámaras de su abuelo.

Así que mientras estudiaba Biología en Madrid hizo un cursillo de fotografía por las noches y le apasionó. Cuando acabó, se marchó a Estados Unidos a estudiar fotografía comercial en California. Estaba interesada en aprender mucha técnica e iluminación, aunque lo que quería realmente era hacer reportajes. Al volver a Madrid, en 1993, se incorporó a la agencia Cover, para la que trabajó hasta el 2000.

Es fotógrafa freelance especializada en retrato editorial. Fotografía fundamentalmente para revistas, empresas de comunicación y publicidad, y desarrolla paralelamente proyectos más personales.

En 2006 terminó el proyecto Ellos y Nosotros, un libro de fotografías e historias de veteranos de la guerra civil española de los dos bandos. Además de las fotos, le gustan las historias que éstas encierran. Este trabajo se expuso en 2006 en el CCEMX (Centro Cultural de España en México) después en otras salas del país.

En 2008 y en colaboración con Amnistía Internacional terminó Defensores. De este trabajo editó un libro y realizó una exposición que viajó por toda España.

Todavía mantiene el analógico en algunos temas (Ellos y nosotros fue realizado con una Hasselblad de segunda mano con respaldo 4,5”) pero los encargos de prensa y revistas los hace casi todos en digital. Cuando quiere algo más cuidado, entonces dispara en analógico y luego lo digitaliza, pero es bastante caro.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 27 de febrero de 2013

Krzystof Browko

Krzystof Browko es un fotógrafo polaco (vive en Opole) que realiza una colorida fotografía de paisaje.

 

 

Spring time © Krzystof Browko

Spring time © Krzystof Browko

Biografía

Especialista informático, su aventura con la fotografía comenzó en 2005, facilitada por la era digital que permite acelerar su desarrollo y con la creación de portales donde ser más y más popular entre los entusiastas de la fotografía. Su primera cámara fue una sencilla compacta.

Su  placer por hacer fotos pronto fue tan grande que las fotos familiares fueron al baúl de los recuerdos, y su familia todavía no se lo perdona. Lo que más le motivaba eran las fotos de gran calidad con composiciones perfectas de lugares que nunca había tenido la oportunidad de ver, y se dio cuenta de que hacer fotografía de paisaje era una fuente de gran satisfacción.

Hoy, viajando por el mundo (sus lugares preferidos son Moldavia y la Toscana) se siente como un cazador que quiere capturar alguna parte interesante de la realidad existente. Cuanto más dependa ésta de las condiciones del tiempo y de la luz, más interesante y motivador es para él.

La fotografía es su pasión y le ayuda para romper su rutina diaria así como para permitirle darse cuenta de las cosas que se pierde en su vida diaria.

Actualmente, principalmente con su fotografía de paisaje en color, participa en concursos internacionales bajo normas FIAP y PSA, obteniendo estos últimos años numerosos premios, que sería muy largo enumerar, entre ellos varias FIAP Blue Badges al mejor autor del salón y el Sony World Photography Awards 2012 en la categoría de Viajes.

 

 

 

Referencias

martes, 26 de febrero de 2013

Fritz Hoffmann

Fritz Hoffmann es un fotógrafo estadounidense (nacido en Seattle, Washington, vive en Boston, Massachusetts) que se ha ganado el reconocimiento internacional por sus narraciones de estilo documental sobre una serie de temas que retratan a la sociedad, la cultura, el medio ambiente y la economía mundiales.

 

 

© Fritz Hoffmann

© Fritz Hoffmann

 

 

 

Biografía

Fritz Hoffmann comenzó con la fotografía de muy joven haciendo autostop por todo el noroeste del Pacífico. Perfeccionó sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en un barco de pesca del cangrejo rey en los 70 en Dutch Harbor, Alaska y en viajes en bicicleta a través de los EEUU. Estableció su carrera fotográfica con proyectos personales en Oriente Medio y El Salvador y aprendió periodismo trabajando en periódicos de Seattle, Washington, Charleston, Virginia Occidental y Knoxville, Tennessee.

Fritz es un colaborador frecuente de la revista National Geographic para la que ha fotografiado en China, Camboya, Groenlandia y EEUU. Su reconocimiento internacional viene principalmente por su trabajo en y sobre China, que comenzó en 1994, para captar y describir el rápido crecimiento del país y el cambio de su sociedad.

Fue el primer fotógrafo extranjero, desde 1949, acreditado por China para residir fuera de Beijing, la capital política. Ha estado basado en Shanghái desde 1995 hasta 2008. Estudió mandarín en la Universidad de Ciencia y Tecnología de China Oriental y en la Academia de Bellas Artes de la Universidad de Shanghái. Ha fotografiado casi en cada una de las provincias y municipios de China en numerosas ocasiones. China y la diáspora china sigue siendo un interés primordial para Fritz.

Antes de sus trabajos en China, Fritz consiguió ser un respetado corresponsal internacional de fotografías mientras trabajaba con JB Pictures en Nueva York y luego en Nashville, Tennessee, justo antes del primer mandato del presidente Bill Clinton aumentara el interés por América del Sur. Vivió 2 años en México.

En 1997 abrió la oficina en Shanghái de NETWORK PHOTOGRAPHERS (Reino Unido). En 2002, Fritz cofundó la agencia de fotografía documentCHINA, con sede en Shanghái, para la distribución en línea de fotografía documental de China.

 

 

Referencias

lunes, 25 de febrero de 2013

George Steinmetz

George Steinmetz es un fotógrafo estadounidense (nacido en Beverly Hills, California, en 1957; vive en Glen Ridge, Nueva Jersey) muy conocido por su fotografía de exploración y científica, que se propone revelar los secretos que quedan en nuestro mundo actual: desiertos remotos, las culturas desconocidas y los nuevos desarrollos en la ciencia y la tecnología.

 

 

Mina de sal en Niger © George Steinmetz

Mina de sal en Niger © George Steinmetz

 

 

 

El parapente y el motor se pueden guardar en tres paquetes que pesan menos de 32kg, lo cual es el límite de peso estándar en la mayoría de las líneas aéreas comerciales. Así que entro en la mayoría de los países sin problemas significativos por parte de los agentes de aduana o de las autoridades de aviación.
No necesito una pista artificial para despegar o aterrizar, sino solo un área limpia un poco mas grande que una cancha de baloncesto.

 

 

 

Biografía

Se graduó en la Universidad de Stanford con una licenciatura en geofísica. Comenzó su carrera en la fotografía viajando en autostop a través de África durante 18 meses.

Desde su primer trabajo para National Geographic en 1987, Steinmetz ha realizado más de 31 ensayos importantes para la revista, entre ellos tres artículos de portada.

En esta revista, Steinmetz ha tratado temas que van desde la exploración de petróleo y los últimos avances en robótica a las partes más profundas del Sahara y al poco conocido pueblo de casas arborícoras de Irian Jaya, Indonesia.

Para las ediciones alemana y francesa de la revista GEO (25 historias), ha documentado el desierto de sal de Irán y cruzó el Rub al-Jali de Arabia Saudita. También recibió una beca de la National Science Foundation para fotografiar el desierto polar de la Antártida.

Sus expediciones a los desiertos del Sahara y del Gobi fueron presentados en National Geographic Explorer TV en 1998 y 2002. Además de su labor editorial, Steinmetz también hace fotografía corporativa y de publicidad. Sus clientes comerciales han sido Toshiba, Union Bank of Switzerland, General Motors y Sigma, entre otros.

Steinmetz ha ganado numerosos premios por su fotografía durante su carrera, incluyendo dos primeros premios en la categoría de ciencia y tecnología en el World Press Photo. También ha ganado premios y menciones en Pictures of the Year, Overseas Press Club, y los Alfred Eisenstaedt Awards.

Su primer libro, African Air, es una recopilación de diez años volando en África, gran parte hecha con un parapente motorizado, que le permite, por sus bajas velocidad y altura de vuelo una perspectiva única sobre paisajes salvajes. Su segundo libro, The Empty Quarter, documenta tres expediciones al corazón de Arabia, donde recorrió el mayor mar de arena.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 24 de febrero de 2013

Michel Denis-Huot

Michel Denis-Huot es un fotógrafo francés (nacido el 20 de mayo de 1953 en Le Mesnil-le-Roi) que realiza fotografía de fauna salvaje, sobre todo del este de África (Kenia y Tanzania). Por lo general trabaja con su esposa Christine que también realiza gran parte de la comercialización de sus fotografías.

 

 

© Michel y Christine Denis-Huot

© Michel y Christine Denis-Huot

 

 

Biografía

Michel y Christine Denis-Huot, como testigos privilegiados de la belleza y la fragilidad de la naturaleza, exploran la sabana a bordo de su 4x4. Para ellos, la fotografía no es sólo un trabajo, es sobre todo la expresión de un profundo apego a la naturaleza y la libertad ... Su trabajo fotográfico nos da una mirada apasionada y atenta especialmente de animales (leones, leopardos, guepardos, …).

Michel y Christine firman sus fotos conjuntamente y se niegan a identificar quién realizó una imagen determinada. Sin embargo, a veces se puede adivinar el origen de la obra, recordando que a menudo trabaja Michel con lentes muy largos (incluyendo 600 mm) y Christine parece más más cómoda con los 500 o 300 mm.

Después de un primer viaje a Kenia en 1973, con 20 años, Michel se enamoró de África Oriental. Su dedicación y constancia ha hecho que  muchos de sus trabajos fotográficos sean reconocidos por su precisión y variedad. Su presencia a largo plazo en Kenia (normalmente en los mismos lugares, centrándose en una especie animal, por lo menos 6 meses al año) y una gran organización les permite ser la referencia de la fotografía de fauna salvaje en este país.

Michel es un de los fotógrafos de fauna salvaje involucrados desde el comienzo con la agencia de viajes Objectif Nature, especializada en la fotografía de la vida al aire libre y el ecoturismo. Ha sido un pionero en la creación de campamentos completamente especializados en la fotografía de un animal o de un tipo de animales (por ejemplo, los felinos del Mara), a partir de un campamento base, para minimizar los continuos desplazamientos habituales en safaris más turísticos.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 23 de febrero de 2013

Bieke Depoorter

Bieke Depoorter es una fotógrafa belga (nacida en Kortrijk en 1986) que intenta reflejar los momentos íntimos de las vidas de personas normales en sus propias casas.

 

 

© Bieke Depoorter

© Bieke Depoorter

 

 

Necesito un lugar en el que pasar la noche. ¿Conoce usted a alguien que tenga una cama libre, o un sofá? No necesito nada en especial, y llevo conmigo un saco de dormir. Prefiero no quedarme en un hotel porque tengo poco dinero y porque quiero ver cómo vive la gente en Rusia. ¿Puedo quedarme en su casa? Muchas gracias por su ayuda.

 

Cuando saco fotos, no tengo ningún plan. Simplemente me dejo llevar por mis sentimientos.

 

 

 

Biografía

Bieke Depoorter estudió fotografía en la Academia Real de Bellas Artes de Gante en 2009. En la actualidad trabaja en proyectos independientes.

En la búsqueda de la intimidad de la familia, pasa las noches en casas de gente normal. Para su serie Ou Menya viajó a través de Rusia en 2009, durante tres períodos de un mes cada uno, dejando que el Transiberiano le llevara a pueblos olvidados, de un cuarto de estar a otro. Algunas palabras en ruso, garabateadas en un pedacito de papel, (, le abrieron la puerta al cálido caos de una familia. Encuentros accidentales que le llevan a encontrar un lugar para dormir. El cuarto de estar, es el epicentro de las vidas de la gente y le permitió un contacto íntimo con los habitantes de Rusia. En esas habitaciones duermen, comen y beben, y también lloran. Por un instante, ella formaba parte de eso. El sofá era su cama por una noche. En la actualidad se encuentra trabajando en I am about to call it a day, un proyecto similar en los Estados Unidos.

El año pasado, publicó su primer libro. Anteriormente era miembro de la agencia cooperativa de fotografía con sede en París Tendance Floue, y es actualmente nominada de Magnum Photos.

Ha obtenido los siguientes premios:

  • 2012.- Ou Menya es premiado como el libro mejor diseñado en Bélgica en 2012
    Ha participado en la Joop Swart Masterclass (World press photo)
  • 2010.- 3º premio en contemporary issues en el Sony world photography award
  • 2009.- Ganó el  Hp Magnum expression award, en Nueva York

Para el año 2013 tiene planificadas las siguientes exposiciones:

  • Caïropolis, en Sint Pietersabdij Gante, Bélgica, con Harry Gruyaert, Filip Claus y Zaza Bertrand,  del 22 de febrero al 19 de mayo.
  • Aller Retour, en Budafabriek Kortrijk, Bélgica, con Carl De Keyzer y Stefan Vanfleteren, del 9 marzo al 9 de junio.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 22 de febrero de 2013

Brian P. Hopper

Brian P. Hopper es un fotógrafo irlandés, que realiza fotografía artística y es uno de los máximos exponentes actuales de la concursística europea.

 

 

Fisherman at Lough Acurry © Brian P. Hopper

Fisherman at Lough Acurry © Brian P. Hopper

 

 

 

Biografía

Se interesó en la fotografía desde que podía "coger prestada" la cámara de su padre, bajar a Mondello (una pista de carreras en las afueras de Dublín) y fotografiar a los motoristas.

Ha tenido algunos de sus días más agradables con una pocas fotografías contemplando a los legendarios Joey Dunlop y McGinn Conor. Por desgracia, demasiadas veces los corredores de carreras irlandeses has resultado heridos o han perdido la vida en el deporte, dando tanto placer a los aficionados por premios muy escasos. Todavía intenta asistir a los eventos de carreras y seguir disfrutando del desafío implicado en fotografiar este deporte.

Ser miembro de uno de los mejores clubes de Irlanda (la Dundalk Photographic Society, la mejor sociedad de fotógrafos aficionados en la temporada 2010/2011) le ha ayudado a evolucionar. Gracias a las disputadas competiciones mensuales y a la exposición celebrada al final de año, su fotografía se ha ido afinando con los años. Dentro del club, ha ganado el título de Fotógrafo del Año tres veces y, este año ha obtenido también la Imagen del Año por tercera vez.

La fotografía irlandesa tiene un peso muy elevado en los salones internacionales de fotografía. Como componente de su club, uno de los mejores del mundo por la categoría de sus componentes, lleva participando los últimos años en concursos fotográficos patrocinados por la FIAP y la PSA.  Este año pasado (2012) ha sido un año particularmente bueno para Hopper con 64 premios y 540 aceptaciones.

Es el orgulloso poseedor de seis FIAP Blue Badges (Mejor fotógrafo del salón). Ha conseguido el título EFIAP/b este año (2012) tras conseguir el EFIAP (en febrero de 2011), lo que es un resultado espectacular. Es Fellowship (FIPF) desde 2008 en la The Irish Photographic Federation y Associateship (ARPS) desde 2009 en la The Royal Photographic Society of Great Britain.

 

 

 

Referencias

jueves, 21 de febrero de 2013

Jose Luis Lopez de Zubiria

José Luis López de Zubiría es un fotógrafo vasco (nacido en 1957, ha vivido en Legazpi, Gipuzkoa) cuya principal obra, que no única, es la realización de bodegones sobre todo de platos de grandes cocineros.

 

© José Luis López de Zubiría

© José Luis López de Zubiría

Durante mucho tiempo he estado defendiendo el concepto de "autor"  y pese a que cada vez estoy más de acuerdo con ello, me doy cuenta que mis fotos, cada vez son menos mías. La foto es la consecuencia de un "click", detrás del cual han pasado muchas cosas, ante las cuales, lo más importante que he hecho ha sido mirarlas y dejarme seducir ...

 

 

 

Biografía

José Luis López de Zubiría estudió ingeniería técnica electrónica. Tras terminar la carrera se fue a la mili y, al regresar, se lanzó profesionalmente a su gran afición, la fotografía. Necesitaba comenzar "algo desde cero".

Comenzó en la foto  publicitaria y también realizó portadas para Discos IZ. La fotografía gastronómica (lleva de fotógrafo gastronómico desde 1998, los mismos años que lleva Mugaritz de restaurante) llegaría más tarde, gracias al diseñador Javier Machínbarrena que decoraba Mugaritz y de Santos Bregaña que hacia los libros para el restaurante. Les hablaron de López de Zubiría, lo llamaron y comenzó con David de Jorge.

Además de Mugaritz y de Nerua, ha trabajado para Martín Berasategui, Heston Blumenthal (The fat duck), Mauro Colagreco, Fabio Barbaglini y Rocco Iannone.

Entre otros premios ha logrado un Lux de Oro en la categoría Bodegón y Producto en 2012, por una serie de cuatro fotos realizadas este verano con el chef Josean Alija para Nerua, el restaurante del Guggenheim de Bilbao. En los premios Lux 2011, consiguió el Lux de Oro  por una serie de cuatro fotografías que había realizado para Mugaritz.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Sus fotografías han aparecido en los libros:

miércoles, 20 de febrero de 2013

Ciaran Whyte

Ciaran Whyte es un fotógrafo artístico irlandés (nacido en Dublín, donde vive) que realiza principalmente fotografía de retrato, principalmente desnudos.

 

© Ciaran Whyte

© Ciaran Whyte

 

 

 

 

Biografía

Es un geek, y se gana la vida con su negocio, pero es un serio entusiasta de la fotografía. Durante años, hizo incursiones con cámaras y la fotografía, pero su historia de amor realmente floreció con la introducción de la fotografía digital. Cuando las cámaras digitales compactas llegaron a las tiendas, se apresuró a comprar uno y de inmediato se enamoró de la gratificación inmediata de ser capaz de ver sus fotos un segundo después de el obturador se haya disparado. Su adicción comenzó allí.

Desde ese día, su entusiasmo e interés por la fotografía no ha disminuido. Le encantan los aspectos técnicos de la fotografía, la fotografía digital en especial y la lucha encarnizada con los elementos artísticos.

Cada día se esfuerza en aprender una cosa nueva más de este arte, todo el tiempo tratando de conseguir ese plus en la imagen que haga que la gente se pare y la mire.

Desde 2010 es un asiduo en los concursos internacionales de fotografía artística, obteniendo numerosas medallas de oro, varios premios al mejor fotógrafo del salón y siendo jurado en algunos concursos.

Entre otros premios, en estos 3 últimos años, podemos citar:

  • FIAP: 4 Blue Badges al mejor autor del salón, 5 medallas de oro, 4 de plata, 6 de bronce, 4 bandas y 9 menciones. Tiene el título EFIAP.
  • PSA: 4 medallas de oro, 1 de plata, 3 de bronce y 1 banda.

 

 

 

Referencias

martes, 19 de febrero de 2013

Melissa Farlow

Melissa Farlow es una fotógrafa estadounidense (nativa de Paoli, Indiana, vive en Sewickley, Pensilvania) cuyos trabajos se han publicado en National Geographic. Su fotografía es documental, abordando a menudo con sus imágenes de paisaje cuestiones ambientales. Fotografiar personas y culturas es, sin embargo, su gran amor.

 

 

© Melissa Farlow

© Melissa Farlow

 

 

 

 

Biografía

Melissa Farlow se licenció en Periodismo en la Universidad de Indiana y un master en la Universidad de Missouri, donde también enseñó fotoperiodismo. Ha sido miembro de la facultad en el Taller de Fotografía Missouri, el Centro de Estudios fotográficos en Louisville, y el rancho de Anderson de Bellas Artes en Aspen, Colorado.

Melissa Farlow fue un fotógrafo en plantilla del Pittsburgh Press, en el Courier-Journal y en el Times Louisville en Kentucky. Mientras estaba en éste último, formó parte del equipo que ganó el Premio Pulitzer por su cobertura del fin de la segregación en las escuelas públicas.

Farlow está casada con Randy Olson, también un veterano fotógrafo de National Geographic, con el que trabaja a menudo conjuntamente.  Aunque publican en LIFE, GEO, Smithsonian y en otras revistas, han trabajado sobre todo en proyectos National Geographic

Farlow ha publicado en National Geographic durante más de 15 años. entre ellos los artículos Blackwater Country, Swamps of Jersey: The Meadowlands, High Stakes in the Bluegrass, When Mountains Move y The Truth About Tongass.

Farlow ha trabajado en tres países africanos para Women in the Material World, un libro comparando el papel de la mujer en diferentes culturas. Ella ha realizado fotografía en Chile, Perú y México para un libro sobre la Carretera Panamericana y también publicó un libro de National Geographic titulado Wild Lands of the West.

Sus imágenes han ganado varios premios en Pictures of the Year y otros concursos.

También ha sido instructor en Missouri Photo Workshop durante más de 25 años.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Sus fotografías han aparecido en más de 70 libros.

 

Artículos en la revista National Geographic:

lunes, 18 de febrero de 2013

Carlos Villalón

Carlos Villalón es un fotorreportero chileno (nacido en Santiago de Chile en 1965, vive a caballo entre Nueva York y Bogotá) cuyo trabajo se ha centrado principalmente en América Latina documentando aspectos culturales, sociales y políticos relacionados con una planta, la coca y su derivado industrial, la cocaína.

 

 

© Carlos Villalón

© Carlos Villalón

 

 

Biografía

Estudió diseño gráfico en la Universidad VIPRO en Santiago y luego fotografía en la Parson's New School en Nueva York. Llegó a la fotografía por casualidad cuando estudiaba diseño gráfico, emigró a Estados Unidos a comienzos de los 90, donde conoció la obra de Robert Capa y Sebastiao Salgado, sus dos máximos referentes.

En 2003 se convirtió en un colaborador de Redux Pictures después de trabajar varios años con Getty Images News.

Aunque ha centrado sus trabajos en  comunidades donde la única planta económicamente viable es la coca, posee experiencia en otras zonas de alta conflictividad, estando en la década de los noventa en Cachemira,  Afganistán, Haití y Pakistán. Llegó a Colombia a cubrir los diálogos de paz del Caguán (entre el gobierno y las FARC) como corresponsal de Getty Images, pero se interesó en el tema de la coca al ver que muchos pueblos caqueteños usaban la base como medio de pago.

Su trabajo ha sido publicado en muchas revistas como Men's Vogue, The Boston Globe, The New York Times, San Francisco Chronicle, The Guardian, The London Times, National Geographic, National Geographic Adventure, Outside, Colors, Newsweek y The Nature Conservancy.

Desde el año 2000 divide su tiempo entre Nueva York y Bogotá, Colombia.

En 2004 ganó una mención honorífica en los premios POYi por su artículo Cocaine Country que apareció en portada en la revista National Geographic.

En 2010 fue galardonado con el segundo lugar general en la categoría Noticias en el concurso World Press Photo por su trabajo Cocaine Gangs realizado en Medellín, Colombia.

 

 

 

 

Referencias

domingo, 17 de febrero de 2013

Vik Muniz

Vik Muniz (Vicente José de Oliveira Muniz) es un artista visual brasileño (nacido en São Paulo, Brasil, en 1961, vive en Nueva York) que comenzó su carrera como escultor en la década de 1980 y que utiliza la fotografía como medio de expresión y, al mismo tiempo, de conservación de sus efímeras obras de arte.

 

© Vik Muniz

© Vik Muniz

Yo hago arte para ver cómo reaccionan las personas. No creo en el papel del artista sin más vinculación con el exterior.

Soy fotógrafo cuando fotografío, y un dibujante cuando dibujo, pero … artista, lo soy siempre.

Me han llamado ilusionista pero me he considerado como un ilusionista...un poco retorcido.

 

 

 

Biografía

Vik Muniz llegó por primera vez a los Estados Unidos a raíz de un balazo que recibió en Brasil. El agresor, que juró confundirse de víctima al disparar, le chantajeó ofreciéndole dinero a cambio de que no denunciara. Y así es como Vik, a principios de los 70, se compró su primer billete para volar a los Estados Unidos.

Como todo joven artista, al principio no sabía muy bien hacia donde enfocar su talento. Y empezó a trabajar haciendo prácticas en empresas de publicidad, donde pronto empezó a ser conocido por su sarcástica creatividad. Sus obras desde un primer momento, han sido siempre extremadamente sarcásticas, riéndose e incluso burlándose de clásicos como el Starbucks o  las reconocidas enciclopedias británicas.

Vik realiza un nuevo tipo de arte, la pintura fotografiada, que consiste precisamente en crear una obra de arte con diferentes materiales, normalmente óleo mezclado con distintos elementos, como hilo, algodón o alambre, o recientemente incluso chocolate, azúcar y disparatados objetos, que después se captura en una fotografía perfecta de la obra finalizada, que da un carácter permanente a la obra original que no puede mantenerse estable en el tiempo..

En 2010, el documental Waste Land, dirigido por Lucy Walker, contó con el trabajo de Muniz en uno de los vertederos de basura más grandes del mundo, Jardim Gramacho, en las afueras de Río de Janeiro. La película fue nominada para el Oscar a la Mejor Película Documental en los Premios de la Academia 83.

Vik también se apropia a menudo de imágenes de obras de otros artistas de renombre. Por ejemplo, ha utilizado mermelada y mantequilla de cacahuete en la creación de su obra Doble Mona Lisa, después de Warhol, de 1999, sobre la base de una impresión de pantalla de 1963 por el artista pop Andy Warhol y que, a su vez, era una derivación de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.

Por dar una idea de sus exposiciones, las que siguen son las exhibiciones en solitario del pasado 2012:

  • Vik Muniz: Pictures of Magazine 2, Rena Bransten Gallery, San Francisco, California
  • Vik, Museu Colecção Berardo, Lisboa, Portugal
  • Vik Muniz: Pictures of Magazine 2, Galerie Xippas, Paris, Francia
  • Vik, Galeria Cortona do Palazzo Pamphilj, Roma, Italia
  • Vik, Centro de Arte Contemporânea de Málaga, España
  • Vik Muniz: Garbage Matters, Mint Museum Uptown, Levine Center for the Arts, Charlotte, EEUU.
  • Traveling to Frist Center for the Visual Arts, Nashville, EEUU.
  • Vik Muniz: The Imaginary Museum. Collection Lambert en Aviñón. Francia

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

 

 

 

Video

sábado, 16 de febrero de 2013

Bleda y Rosa

María Bleda (nacida en Castellón en 1969) y José María Rosa (nacido en Albacete en 1970) se han consolidado como una de las referencias más destacadas de la fotografía española contemporánea, con un trabajo conjunto que parece la obra de un sólo autor. El núcleo fundamental de su trabajo es la representación del territorio, con el que buscan resaltar el complejo cruce de culturas y tiempos que lo conforman.

 

 

(c) Bleda y Rosa

 

Siempre vemos el paisaje como un lugar cargado de memoria y olvido.

 

 

 

 

Biografía

Comenzaron a trabajar juntos durante sus años de formación en la Escuela de Artes Aplicadas y Diseño de Valencia. Desde sus inicios se han dedicado a realizar series fotográficas. Los temas de sus obras son espacios registrados de una forma objetiva pero relacionados con dimensiones temporales y fundamentados en escenarios de acontecimientos humanos.

Su primer trabajo conocido se titulaba Campos de fútbol y consistía en una serie que recogía esos campos abandonados y que en algunos casos habían cambiado en sus funciones utilitarias. Su segundo trabajo se llamó Campos de batalla y recogía los espacios en los que se desarrollaron importantes batallas históricas, reflejando a través de su estado actual los posibles rastros de su pasado sanguinario; todos los elementos de la serie se realizan en similares condiciones de encuadre y punto de toma.

En un sentido similar se encuentra su serie Ciudades en la que recogen los vestigios de antiguas ciudades. Otro trabajo se denomina Origen y se refiere a yacimientos paleontológicos relacionados con la especie humana.

Desde 1992 han realizado exposiciones de modo habitual, tanto de tipo individual como colectivo, por toda España, pero también en Escocia, Portugal, Estados Unidos, China, etc. Su obra se puede encontrar en colecciones de diferentes instituciones como ARTIUM, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, etc.

También han recibido diversos premios y reconocimientos. Entre otros:

  • 1995 Imágenes Jóvenes - Arte Joven, Madrid.
  • 1996 Premio Arte Joven, Valencia.
  • 1999 Grand Prix Ville de Collioure.
  • 2001 Premio Altadis Artes Plásticas, Madrid.
  • 2005 Premio PHotoEspaña Fotógrafo Revelación, Madrid.
  • 2008 Premio Nacional de Fotografía, del MInisterio de Cultura español.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • (1997). Campos de batalla
  • (2000). Ciudades
  • (2001). Bleda y Rosa 
  • (2001). Collioure
  • (2002). Bleda y Rosa. Actes Sud/Altadis.
  • (2003). Bleda y Rosa.
  • (2006). Origen
  • (2007). Bleda y Rosa hablan con Alberto Martín.
  • (2007). Bleda y Rosa. La Alhambra.
  • (2009). Bleda y Rosa.
  • (2010). Bleda y Rosa. Lugares de origen.
  • (2010). Bleda y Rosa. Memoriales.

viernes, 15 de febrero de 2013

Robert W. Madden

Robert W. Madden es un fotógrafo estadounidense cuya larga carrera como fotógrafo ha estado ligada principalmente a National Geographic.


Kilauea Lava Enters Ocean © Robert W. Madden
Kilauea Lava Enters Ocean © Robert W. Madden





Biografía

Bob se graduó de la Universidad de Wisconsin-Platteville con una Licenciatura en Ciencias (Inglés, historia). Estudió periodismo gráfico en la escuela de posgrado de la Universidad de Missouri. Después trabajaría como corresponsal para el Madison Capital Times (Wisconsin) y como fotógrafo para el  Dubuque Telegraph Herald (Iowa).
Como fotógrafo de la revista National Geographic durante más de 15 años, Bob West Madden ha producido las fotografías de más de una veintena de historias (en algunas también ha sido el autor de los textos) y de varios libros de National Geographic.
Ha viajado a través de los siete continentes lo que le ha permitido contemplar una extraordinaria diversidad de culturas y costumbres, desde los indios yanomami en la selva de Venezuela, a la vida de la calle en Brooklyn, Nueva York, pasando por la ecología de la Bahía de Chesapeake, el área que Bob llama su hogar.
Bob también ha estado inmerso en la fotografía desde otra perspectiva: ha sido Editor Asistente Senior y Director de Diseño de la revista National Geographic y editor de imágenes para la revista National Geographic Kids y National Geographic Books. Diseña también libros comerciales.
Su larga lista de premios y créditos incluyen: El Overseas Press Club designó a su cobertura del terremoto de Guatemala de 1976 como la mejor cobertura fotográfica de ese año en el extranjero. Magazine Photographer of the Year (dos veces); College Photographer of the Year y premios de diseño de la Society of Publication Designers, The New York Art Directors Club y Communication Arts.



Referencias

jueves, 14 de febrero de 2013

Walter Peterhans

Walter Peterhans fue un fotógrafo alemán (nacido el 12 de junio de 1897 en Frankfurt am Main y fallecido el 12 de abril de 1960 en Stetten, Stuttgart) principalmente conocido como líder del famoso curso de fotografía en la Bauhaus.

 

 

© Walter Peterhans

© Walter Peterhans

 

 

 

 

Biografía

Tras participar en la primera guerra mundial y ser prisionero de guerra, estudió ingeniería en Dresde y Múnich, que luego completó con su licenciatura en matemáticas y filosofía en Gotinga. Su aproximación a la fotografía se debió a su padre, director de la Zeiss-Ikon AG, que desde muy joven le introdujo en esta disciplina artística.

Tras ampliar sus conocimientos en fotografía abrió un estudio de fotografía en Berlín y comenzó su labor docente en la Bauhaus como maestro. En el estudio compaginaba su producción propia, especialmente de retratos, con la enseñanza de la técnica fotográfica.

Por invitación de Hannes Meyer, fue el profesor del primer curso oficial de fotografía en la Bauhaus. Su liderazgo y magisterio duró desde 1929 a 1933 en la que los nazis clausuraron esta mítica y vanguardista escuela. Tras varios trabajos, finalmente se trasladó a Chicago en 1938, enseñando "entrenamiento visual", un curso para los estudiantes de arquitectura en el Instituto Illinois de Tecnología, bajo la dirección de Mies van der Rohe. Este curso tenía diez unidades o tareas, que se seguían por más de cuatro semestres. El curso tuvo tanto éxito, que sobrevivió a Peterhans durante más de treinta años.

En la Bauhaus, la enseñanza de Peterhans se caracterizaba por utilizar las teorías de Kant, Platón y Pitágoras para mostrar cómo la belleza se construye en la mente, y la manera en que se pueden crear en las obras de arte. Animaba a los estudiantes a concentrarse en los matices de textura, transparencia y gradaciones tonales.

El trabajo propio de Peterhans en la década de 1930 fue de primeros planos, naturalezas muertas realizadas en copias de gelatina de plata a partir de objetos de la vida cotidiana.

A partir de 1953 volvió a Alemania y fue docente de la School of Design de Ulm, Alemania.

 

 

 

Referencias

miércoles, 13 de febrero de 2013

Ryan McGinley

Ryan McGinley es un fotógrafo estadounidense (nacido el 17 de octubre de 1977 en Ramsey, New Jersey, vive en Nueva York) que se ha ganado un nombre a base de un trabajo de enorme originalidad, de calidad y de cierto descaro. Esos ingredientes le han valido no pocos logros, como el de ser hace unos años el artista más joven de la historia en tener una exposición individual en el Whitney Museum of American Art de Nueva York.

 

 

Roller Coley, 2007 © Ryan McGinley

Roller Coley, 2007 © Ryan McGinley

 

 

Mis fotografías son mi vida de fantasía.

Yo soy el jefe. Organizo el viaje, pago la gasolina, la comida y los hoteles. Escribo los cheques y cuando nos detienen por estar desnudos, soy yo quien levanta la mano y dice: ‘Esto es todo culpa mía’.

 

 

 

Biografía

Estudió Diseño Gráfico en la Parsons School of Design en Nueva York.

En 1999 envió a 100 editores y artistas que admiraba, un libro de 50 páginas con sus fotos. El libro se titulaba The Kids Are Alright (Los chicos están bien), hecho a mano, y consistía de fotos exuberantes y bacanales que retrataban a sus amigos de Nueva York, algunos de ellos también artistas como Dash Snow, Dan Colen y Hannah Liden.

A los 26 años se convirtió en el artista más joven en tener una exposición individual en el Museo Whitney de Nueva York.

Los íntimos retratos de artistas de graffiti, skaters y músicos (la mayoría sus amigos) revelan las subculturas de los jóvenes contemporáneos con una mirada honesta. Se lo ha comparado con Nan Goldin, Wolfgang Tillmans y Larry Clark (en cuyas fotos documentales sobre skaters sale el propio McGinley).

Para su último trabajo I Know Where the Summer Goes (Yo sé dónde va el verano) viajó por Estados Unidos con 16 modelos/amigos y tres asistentes, usando 4.000 carretes. De esas 150.000 fotos, 50 fueron seleccionadas para este trabajo, que se inspira en la fotografía amateur de revistas nudistas de los años 60.

McGinley hablaba con sus modelos sobre el ambiente que esperaba captar cada día. El itinerario fue planeado para tener una impresionante variedad de fondos naturales y actividades, en ocasiones utilizando fuegos artificiales y máquinas de humo.

La construcción artificial del proyecto permite también que los modelos sean capturados desprevenidos. El resultado son fotografías de jóvenes desnudos, jugando y viviendo en la naturaleza, inocentes pero eróticas, casuales y a la vez calculadas.

Sus fotos las realiza con película de 35 mm y suele usar una Yashica T4 (cámara pocket y automática) y una Leica R8. Tira normalmente en analógico, salvo en estudio, realiza realmente una gran cantidad de fotografías, entre 1.500 y 2.000 para cada retrato.

Su ensayo, Moonmilk sitúa los cuerpos en las cuevas más salvajes que ha sido capaz de encontrar. Lo hace además, con iluminación irreal y un encuadre en el que la atmósfera suele difuminar el protagonismo de los cuerpos desnudos, sumergido en un mundo fantástico e inquietante, creando atmósferas entre surrealistas y asfixiantes.

Pero no sólo retrata a sus amigos desnudos, entre el 2004 y el 2007 viajó a decenas de conciertos de Morrisey por los Estados Unidos, Reino Unido y México, las fotos resultantes las exhibió en la Team Gallery de Soho en 2007 bajo el título Irregular Regulars. Las fotos, densamente saturadas por las luces de los conciertos y el forzado de las películas y los primeros planos de sus fans enamorados, son una celebración del culto al éxtasis de la fama.

Y en su serie Everybody knows this is nowhere fotografía a sus amigos, también desnudos, pero en estudio en exquisito retratos en blanco y negro.

Su trabajo se ha presentado en colecciones públicas en el Museo Guggenheim de Nueva York, el San Francisco Museum of Modern Art y el The Whitney Museum of American Art en Nueva York. Por citar sus últimas exposiciones:

2012
Tomio Koyama Gallery, Tokio, Japón
Team Gallery, Nueva York, Animals
Team Gallery, Nueva York, Grids

2011
Alison Jacques Gallery, Londres, Wandering Coma
Galerie Gabriel Rolt, Ámsterdam, Somewhere Place.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros