domingo, 30 de septiembre de 2012

Anna y Bernhard Blume

Anna & Bernhard Blume son una pareja de fotógrafos artísticos alemanes (Anna nació en Bork, Westfalia, en 1937 y  Johannes Bernhard  nació en Dortmund el 8 de septiembre 1937 y falleció en Colonia el 1 de septiembre 2011) que han creado grandes secuencias fotografías en blanco y negro de puestas en escena en las que ellos mismos aparecían, con objetos que parecen que tienen vida propia.


© Anna & Bernhard Blume
© Anna & Bernhard Blume



Biografía

Anna Helming estudió arte en la Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf  de 1960 a 1965, al igual que su futuro esposo. Cuando se casaron en 1966, Anna llegó a tener el mismo nombre que Anna Blume, la figura imaginaria de Kurt Schwitters.  Hasta 1985 trabajó como profesor de arte en un gymnasium (escuela secundaria alemana orientada al aprendizaje académico).
Johannes Bernhard Blume estudió también arte en la Staatliche Kunstakademie en Düsseldorf de 1960 a 1965. También estudió filosofía en la Universidad de Colonia de 1967 a 1970. Trabajó como profesor de arte y filosofía. En 1984 participó en la exposición Von hier aus - Zwei Monate neue deutsche Kunst en Düsseldorf.
La pareja vivió y trabajó en conjunto en Colonia, donde crearon instalaciones, secuencias de escenas de fotos de gran tamaño y, sobre todo en la década de 1990, Polaroids. Montaban y fotografiaban escenas en las que aparecían ellos mismos y objetos que tomaban una "vida" propia. Realizaban la creación de sus secuencias de imágenes juntos y completaban todas las tareas relacionadas sin ayuda externa. Esto incluía el diseño de los decorados y el vestuario, revelar los negativos y producir las ampliaciones, en cada paso la obra es refinada, pulida y pintada. Anna decía “Pintamos con nuestra cámara, y este trabajo pictórico continúa en el laboratorio, también”. Las imágenes eran producidas sin la ayuda de manipulación digital o montajes post-producción. Para la toma de las fotografías de un "mundo volando, estrellándose y arremolinado", los artistas utilizaban elementos de seguridad, como cables, redes y colchones.
Su serie Vasenekstasen fue expuesta en el Museum für Moderne Kunst de Frankfurt. En 1989, el MoMA de Nueva York presentó sus obras en una exposición individual, incluyendo Küchenkoller (Frenzy Kitchen, 1986), Opposites D (1989) y Demonstrative Identification with the universe (1971). Sus obras se han mostrado internacionalmente en numerosas exposiciones y museos, sobre todo ya en el siglo XXI.
En 2004 sus Polaroids de 1988 a 2000 se publicaron en forma de libro, Das Glück ist ohne Pardon / Joy knows no mercy. Se trata de autorretratos de los artistas en transformación, distorsionando su rostro con objetos triviales como perchas y utensilios para el hogar.



Referencias




Libros

sábado, 29 de septiembre de 2012

Brian Duffy

Brian Duffy fue un productor cinematográfico y fotógrafo inglés (nacido el 15 de junio de 1933 y fallecido el 31 de mayo de 2010) recordado por su fotografía de moda de los años 60 y 70, y considerado como uno de los máximos innovadores de la fotografía documental de moda y una de las máximas referencias en este campo, en la iconografía pop, que produjo un extenso y extraordinario conjunto de obras que englobaba todos los géneros fotográficos, desde retratos a reportajes o anuncios publicitarios.


Aladdin Sane © Brian Duffy
Aladdin Sane © Brian Duffy


Antes de 1960, un fotógrafo de moda era alto, delgado y elegante. Pero los tres somos diferentes; bajos, gordos y heterosexuales! Somos grandes compañeros y al mismo tiempo grandes competidores.
Una cosa extraña de las fotografías es que son, al mismo tiempo, reales e irreales.


Biografía

Nació en el norte de Londres, pero creció, siendo el mayor de cuatro hijos, en East Ham. Sus padres eran católicos irlandeses. Su padre era carpintero y había sido encarcelado por su implicación con el IRA. Durante los años de la guerra, después de un breve período de evacuación volvieron a Londres y jugaba en las ruinas de los edificios bombardeados. 
Con 12 años fue enviado a una escuela progresista en el sur de Kensington, que tenía como objetivo desarrollar la creatividad latente de niños problemáticos mediante su exposición a las artes. Los frecuentes viajes a la Galería Nacional le inculcaron el amor por la pintura, y en 1950 consiguió entrar en la Central Saint Martin y aprendió a diseñar y preparar ropa.
En 1955 tuvo la oportunidad de ir a París de aprendiz de Balenciaga, pero la inminente llegada de su primer hijo le hizo buscar un empleo más estable, comenzando a trabajar como ilustrador de moda para Harper's Bazaar, pero, después de ver una hoja de contactos de fotografías en un escritorio, pensó que era una manera más fácil de hacer dinero y "hacer que las mujeres se vean guapas".
En 1957 consiguió trabajo en la Vogue británica. Su primer empleo fue retratar al director de orquesta Otto Klemperer, que al final de la sesión le preguntó si solía dejar la tapa del objetivo mientras disparaba. Consiguió una segunda oportunidad echando la culpa al laboratorio.
Con el apoyo de Audrey Withers, el editor de la revista, y de Clara Rendlesham, la editora de moda, aristocrática pero con visión de futuro, Duffy prosperó rápidamente. Su estilo sencillo y su estética juvenil se convirtieron en los de la revista, mientras que paradójicamente infundía en la fotografía algo del glamour hasta entonces reservado para el cine.
Sin embargo, este éxito no era suficiente para Duffy y en 1963 dejó Vogue para poder trabajar desde su propio estudio, y dos años más tarde comenzó una larga asociación con la revista francesa Elle, cuyas inclinaciones artísticas eran más cercanas a las suyas.
También se dedicó a la publicidad, con campañas memorables como la  de los cigarrillos Benson & Hedges y Smirnoff.
Otros trabajos importantes fueros los calendarios Pirelli, en 1965 y 1973. Duffy también realizó las portadas de tres de los álbumes de David Bowie, sobre todo Aladdin Sane (1973), que refleja ampliamente la teatralidad del cantante.
Su trabajo contribuyó en gran medida a cambiar el concepto que hasta entonces se tenía del fotógrafo de modas llegando a convertirse éste en una celebridad algo a lo que también contribuyeron sus contemporáneos David Bailey y Terence Donovan. A los tres juntos, se le conocía en este mundo como la “trinidad negra”.
Su creciente desilusión con la fotografía estuvo presente ya en los años sesenta, cuando fundó una productora de cine con el novelista Len Deighton, un amigo de la escuela de arte. Hizo Only When I Larf (1968) y el musical Oh! What a Lovely War (1969), pero Duffy tampoco soportaba a los actores.
La cámara de Duffy captó desde estrellas de Hollywood como Michael Caine, Brigitte Bardot, Julie Andress y Sidney Poitier hasta grandes del rock como John Lennon, David Bowie y Debbie Harry (Blondie), pasando por modelos de los sesenta como Jean Shrimpton y Joanna Lumley o legendarias leyendas como William Burroughs o Amanda Lear.
En 1979 Duffy decidió terminar con la fotografía, y quemó sus negativos en una hoguera, aunque algunos se salvaron del fuego cuando la policía llegó alertada por el humo.
Aunque una gran cantidad de sus imágenes se han perdido, las que han sobrevivido permiten contemplar una historia completa visual de veinticinco años de la cultura británica y la moda. En 2009, a instancias de su hijo, Chris, Duffy comenzó a trabajar de nuevo y tomó una serie de fotografías de personas que había fotografiado en los años 60 y '70 s.




Referencias

viernes, 28 de septiembre de 2012

Simon Norfolk

Simon Norfolk es un fotógrafo inglés (nacido en 1963 en Lagos, Nigeria, vive en Brighton, en la costa sur de Inglaterra) cuya obra va del fotoperiodismo a la fotografía de paisaje. Estudia principalmente la guerra y sus efectos sobre muchas cosas: la forma física de nuestras ciudades y entornos naturales, la memoria social, la psicología de las sociedades, …
Examina el genocidio, el imperialismo, la interconexión de la guerra, la tierra y el espacio militar, y cómo las guerras se libran al mismo tiempo con supercomputadoras, satélites, armas y equipos obsoletos, la gente en la tierra, comunicaciones interceptadas y los medios de comunicación manipulados que manipulan.


Former teahouse in a park next to the Afghan Exhibition of Economic Achievements, Kabul © Simon Norfolk
© Simon Norfolk

Tengo 50 años, pero acabo de casarme y hoy necesito más razones para arriesgarme. Nací en un Manchester decadente, aunque tuve una infancia colonial privilegiada en Nigeria. Vivo en Brighton: estar frente al mar es mi oración. Soy militante de izquierdas, por eso hago fotos.
Cuando fotografías aquel horror firmas un contrato moral con las víctimas que te compromete a convertir su sufrimiento en un testimonio. Para que no vuelva a pasar. Si no lo cumples, sólo eres un explotador más de su desgracia.



Biografía

Simon nació en Lagos, Nigeria, en 1963 y se educó en Inglaterra con una licenciatura en Filosofía y Sociología en las universidades de Oxford y Bristol.
Después de un curso de Fotografía Documental en Newport, Gales del Sur, trabajó para publicaciones de la extrema izquierda especializadas en el trabajo en actividades antirracistas y grupos fascistas, en particular el Partido Nacional Británico. En 1994 abandonó el fotoperiodismo a favor de fotografía de paisaje.
Su libro For Most of it I Have No Words: Genocide, Landscape, Memory sobre los lugares que tienen testigos de genocidios se publicó en 1998 con gran éxito. La obra fue expuesta en muchos lugares como el Imperial War Museum en Londres, el Nederlands Foto Institut  y el Museo del Holocausto de Houston.
Su trabajo producido durante la guerra de Afganistán en 2001, publicado como Afghanistan: Chronotopia y fue muy bien recibido. Ganó el European Publisher's Award, un premio del Club de Prensa Extranjera de Estados Unidos y fue nominado para el Premio Citibank. Ha sido publicado en cinco idiomas y se encuentra ahora en su segunda edición. Y se han realizado más de 20 exposiciones individuales de esta obra.
Norfolk es un fotógrafo de paisajes cuyo trabajo durante los últimos diez años ha sido inspirado en una investigación sobre el significado de la palabra "campo de batalla"  en todas sus acepciones. Como tal, ha fotografiado algunas de las zonas del mundo con las guerras más duras y las peores crisis de refugiados, pero de la misma manera fotografía supercomputadoras que se utilizan para diseñar sistemas militares o lanzamientos de prueba de misiles nucleares.
Habla de estos temas desde su experiencia directa: Ruanda, Afganistán, Irak, Bosnia, abandonados campos de batalla sembrados de tanques rotos, bombas de racimo sin estallar, balas de uranio empobrecido, fosas comunes, casas destruidas, ciudades, pueblos, vidas.
En 2004 ganó el premio Infinity Award del ICP en Nueva York y en 2005 el Le Prix Dialogue en Arles. Su libro más reciente Bleed sobre las secuelas de la guerra en Bosnia, fue publicado en 2005. Su trabajo aparece regularmente en la New York Times Magazine y en el Guardian Weekend.
Su obra es coleccionada por muchos museos, como el LACMA, Getty y SFMoMA.



Referencias




Libros

jueves, 27 de septiembre de 2012

Walter Sanders

Walter Sanders fue un fotógrafo alemán (fallecido en Múnich) que jugó un gran papel en la revista Life, siendo uno de los más importantes fotógrafos de plantilla de esta revista.

 

© Walter Sanders

© Walter Sanders

 

 

 

Biografía

Sanders se convirtió en un fotógrafo casi por accidente. Estudió economía en Alemania. Su primera cámara fue comprada para tomar fotos de su hija recién nacida. Estas fotos tuvieron gran éxito y Agfa utilizó una para un anuncio.

Fue a partir de esto que se dedicó a la fotografía. Walter trabajó para las mejores revistas alemanas, pero las fuerzas de asalto nazi comenzaron a acosarle por actividades "no arias" y se trasladó en 1933 a EEUU.

El primer trabajo de Walter para Life data de 1938. Poco después comenzó a hacer trabajos para esta revista de forma regular y en 1944 se incorporó a la plantilla, trabajando hasta 1961 y pudo poner en práctica sus grandes habilidades fotográficas que había desarrollado en su juventud en Alemania.

Walter trabajó como fotógrafo de guerra para Life durante la Segunda Guerra Mundial.

Mientras estaba en Bamberg, Alemania, fotografiando con la policía militar de EEUU que ocupaba y vigilaba la Alemania de postguerra, pudo comprobar en un escaparate de una tienda de fotos que Agfa seguía utilizando la foto de su hija bebé como publicidad de sus cámaras.

 

 

 

Referencias

miércoles, 26 de septiembre de 2012

Axel Hütte

Axel Hütte es un fotógrafo alemán (nacido en Essen en 1951)  que intenta atrapar en sus fotografías lo intangible de la naturaleza. Sus imágenes, de un tamaño gigantesco y una perfección formal y detallismo extraordinarios, prescinden de la presencia humana y descomponen la realidad en una visión casi abstracta.

 

 

© Axel Hütte

© Axel Hütte

 

No me interesan los lugares en los que se han hecho cientos de miles de fotografías. Quiero atrapar la realidad que hay entre líneas, la que nunca ha sido capturada, ser yo el que atrape su primer momento como imagen.

La fotografía es como el lenguaje, hay muchísimas cosas que no se pueden decir pero está bien que sea así. Todos los intersticio son llenados por la imaginación.

 

 

 

Biografía

Estudió con Bernd Becher en la Academia de Bellas Artes de Dusseldorf, junto con los Tomas Struth, Thomas Ruff, Cándida Höffer o Andreas Gursky, llamando la atención en el mercado del arte con grandes fotografías en color de tamaño de ciudades europeas e inusuales "naturalezas".

Desde 1979 ha expuesto en galerías y museos de toda Europa.

Desde sus primeras series de paisajes (Landschaft) de Portugal, Grecia, Italia, Francia, España, Suiza y Alemania, Hütte traza las bases de una diferencia estética esencial. La elección de un género poco habitual en el arte actual, como es el paisaje, y una estética abiertamente pictórica definirá un trabajo que se convierte en una marca estética.

La obra de Hütte está hecha de trazos de naturaleza que rozan lo abstracto, que ponen en relación al espectador con esa especie de frío romanticismo nórdico. En su obra encontramos paisajes plomizos, inhumanos, desolados…, cuidadosamente vaciados.

En su exposición Tierras extrañas muestra fotografías tomadas en Australia, Brasil, Estados Unidos, Alemania y Maui (Hawái) frente a las obtenidas en Noruega, Alaska o Islandia, y, casi todas, de dos en dos, es decir, contraponiendo unas con otras.

Su prestigiosa carrera artística se refleja en que numerosas galerías y museos internacionales han exhibidoa su obra, desde el Museo Reina Sofía de Madrid, al Fotomuseum Winterthur de Zürich o la Kunsthalle de Hamburgo. En exposiciones colectivas, también ha estado presente en el Centro Pompidou de París y en el Guggenheim de Nueva York, entre otros.

 

 

Referencias

martes, 25 de septiembre de 2012

Maria Stenzel

Maria Stenzel es una fotógrafa estadounidense que realiza fotografía de naturaleza, principalmente de la Antártida, para National Geographic.

 

© Maria Stenzel / National Geographic

© Maria Stenzel / National Geographic

 

Creo que por ejemplo trabajar en la Antártida tiene ese toque de romanticismo. Te sientes tan lejos, tan sola y en el entorno más salvaje del planeta que tienes un montón de sensaciones. Estás en un sitio en el que nunca vivió nadie.

 

 

 

Biografía

María Stenzel creció en Ghana, Holanda y Nueva York. En 1980 llegó a Washington en busca de trabajo, con una licenciatura en Estudios Americanos de la Universidad de Virginia bajo el brazo,  interesada ​​en todo y calificada en nada. Un trabajo en prácticas en National Geographic la introdujo al mundo del fotoperiodismo, y desde entonces ha estado de viaje en los lugares más inhóspitos del mundo.

Sus trabajos sobre la Antártida comenzaron en 1995 con un viaje en rompehielos para estudiar el hielo marino del Océano Austral junto con un equipo de científicos de la National Science Foundation. Otros proyectos antárticos (con sus heladas aguas bajo la capa de hielo, icebergs, mares helados y la mayor concentración de vida salvaje) han sido el hielo de los Valles Secos, el viaje heroico de Sir Earnest Shackleton a través de Georgia del Sur, una investigación científica en la Antártida y en las Islas Sandwich del Sur.

Su cámara, trabajando por más de 16 años para National Geographic, ha sido testigo de infinidad de acontecimientos en los lugares más recónditos del planeta, desde las selvas tropicales a los hielos del Ártico, documentando una tribu en vías de extinción en la selva tropical de Borneo, las huellas de los dinosaurio en las costas de Madagascar, las momias incas en los Andes o la vida de los monjes en el Tíbet.


 

Referencias

 

lunes, 24 de septiembre de 2012

Ellen Auerbach

Ellen Auerbach fue una fotógrafa estadounidense (nacida en Karlsruhe, Alemania, el 20 de mayo de 1906 y fallecida en Nueva York, Estados Unidos, el 30 de julio de 2004) reconocida una importante fotógrafa alemana de la vanguardia entre guerras.

 

 

Renate Schottelius, Nueva York 1947 © Ellen Auerbach

Renate Schottelius, Nueva York 1947 © Ellen Auerbach

 

 

 

Biografía

Ellen Rosenberg, hija de un hombre de negocios de éxito, comenzó inicialmente su formación artística en su propio entorno geográfico, en Karlsruhe y en Stuttgart, antes de desplazarse a Berlín en 1929. Había estudiado escultura, pero un tío suyo le regaló una cámara de 9x12cm y descubrió la fotografía.

Con el firme propósito de ganarse la vida como fotógrafa, la joven de provincias decidió aventurarse en Berlín, una ciudad que no sólo le permitió saborear las nuevas libertades que la República de Weimar brindaba a las mujeres (acceso a la universidad y elección de una profesión), sino que le ayudó a romper con las convenciones burguesas a las que estaba ligada como mujer y como judía.

Se convirtió brevemente en alumna de Walter Peterhans, precursor de la nueva fotografía alemana y este aprendizaje fue decisivo en su carrera como fotógrafa. La también alumna Grete Stern adquirió el equipamiento fotográfico de Peterhans cuando este se trasladó como profesor de la Bauhaus a Dessau y, con un simple “¿quieres compartir el estudio conmigo?”, invitó a Ellen a convertirse en su socia y amiga.

Los apelativos infantiles de Grete (Ringl) y Ellen (Pit) dieron nombre a ringl+pit, estudio especializado en fotografía publicitaria. La foto Komol, realizada para anunciar un tinte capilar del mismo nombre, obtuvo en 1933 el primer premio de la Deuxième Exposition Internationale de la Photographie et du Cinéma de Bruselas. Grete era más experimental e interesada en los aspectos de diseño y Ellen estaba más interesada en los aspectos formales de la fotografía, de una manera sutil y divertida.

Pero la incipiente carrera de Rosenberg y Stern se vio truncada con la llegada a principios de 1933 Hitler al poder, y las dos mujeres, de procedencia judía y con vínculos con la izquierda, se vieron obligadas a abandonar Alemania para siempre.

Ellen llegó a Palestina en diciembre de 1933 sin tener la más mínima idea de lo que podía ser su futuro personal y profesional. Pronto consiguió trabajar para el Fondo Nacional judío (KKL), y para la Liga de Mujeres Judías (WIZO), pero los encargos dirigidos a promover una Palestina judía estaban muy alejados de los intereses de la fotógrafa.

Debido a las revueltas árabes de 1935, el éxito del estudio Ishon, fundado por Ellen y Walter Auerbach poco antes y especializado en fotografía infantil, empezó a decaer, por lo que decidieron abandonar el país.

Londres sólo supuso, al igual que para muchos exiliados alemanes, un lugar de tránsito desde el cual abandonar Europa rumbo a Estados Unidos. En la capital británica, Ellen conoció a personajes como Bertolt Brecht, también exiliado, al que tuvo la oportunidad de fotografiar e hizo, también, un cortometraje mudo donde se le ve recitando poemas.

La fotógrafa contrajo matrimonio en abril de 1937 con Walter Auerbach (con quien había convivido largos años) como requisito para poder emigrar a EE.UU. En Nueva York, continuó trabajando como fotógrafa de niños para asegurarse la subsistencia (una de sus fotos de niños fue portada en la revista Life) y, junto a su marido, se introdujo en los círculos de la llamada Escuela de Nueva York.

A mediados de la década de los cuarenta, Ellen Auerbach se separó de su marido y, hasta los años sesenta, su vida está marcada por la inquietud y el desarraigo. La fotógrafa realizó varios viajes a México (junto al también fotógrafo Eliot Porter, y son las únicas fotografías en color de Ellen), Argentina, Colombia, Grecia, Mallorca, … 

Hacia 1965, se vio obligada a abandonar definitivamente la fotografía y trabajar como terapeuta infantil, con el fin de asegurarse la subsistencia.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

domingo, 23 de septiembre de 2012

Donovan Wylie

Donovan Wylie es un fotógrafo irlandés del norte (nacido en 1971, vive y trabaja en Londres) cuyo trabajo, a menudo descrito como "arqueo-logias', se centra esencialmente en el paisaje político y social de Irlanda del Norte.

 

 

© Donovan Wylie / Magnum Photos

© Donovan Wylie / Magnum Photos

 

 

La fotografía ofrece todo lo que una persona joven desea: un sentido de propósito, un verdadero sentido de la aventura y algo al final que lo recompensará.

Al igual que las cámaras, los libros son objetos bellos y tienen buena imagen: son modestos y al mismo tiempo ricos. Me gusta el carácter de un libro. Prefiero ser un escritor que un fotógrafo, pero como no puedo escribir, la fotografía es una buena alternativa.

 

 

 

Biografía

Donovan Wylie descubrió la fotografía cuando era muy joven. A los dieciséis años, dejó la escuela y se fue tres meses de viaje por toda Irlanda con su cámara de fotos. Al finalizar el viaje publicó su primera obra, 32 Counties, cuando todavía era un adolescente.

En 1998 se incorporó a la agencia Magnum Photos como miembro de pleno derecho, tras su entrada en 1992.

Más tarde, en 2004, publicó The Maze. cuyo título es el nombre de una cárcel en las afueras de Belfast, en Irlanda del Norte, que jugó un papel muy importante durante casi tres décadas, en el conflicto de Irlanda del Norte. Esta prisión de máxima seguridad fue cuidadosamente diseñada con un tipo de arquitectura repetitiva y sistemática.

Durante un año, Donovan estuvo fotografiando los diferentes espacios de la prisión. De forma gradual, fue comprendiendo la psicología de la arquitectura y su función de desorientar y adormecer al prisionero a través de la repetición y la homogeneidad de los espacios. Esta característica es la que pretende destacar en sus series.

Recientemente ha acabado un trabajo, British Watchtowers, sobre las torres de vigilancia británicas situadas en la frontera irlandesa.

Ha trabajado para diversas revistas internacionales, como Stern, The New York Times y The Telegraph. Su trabajo se ha expuesto en todo el mundo, y algunas de sus obras forman parte de colecciones permanentes de ciertos museos, como el Irish Museum of Modern Art, en Dublín, el Centro Georges Pompidou de París y el Victoria & Albert Museum de Londres.

En 2001 ganó un premio por su película The Train, y ha realizado exposiciones individuales en la Photographers' Gallery de Londres, PhotoEspaña en Madrid y en el National Museum of Film, Photography and Television en Bradford, Inglaterra.

Actualmente está trabajando en un proyecto sobre la identidad religiosa de Irlanda del Norte.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

 

Películas

  • 2003 Jesus Comes To London
  • 2002 The Train
  • 2002 YoYo

sábado, 22 de septiembre de 2012

Patrick Demarchelier

Patrick Demarchelier es un fotógrafo francés (nacido en El Havre, el 21 de agosto de 1943) cuya obra principal es fotografía de moda.

 

 

Nadja Auermann © Patrick Demarchelier

Nadja Auermann © Patrick Demarchelier

 

 

Un fotógrafo es alguien frágil. Debemos renovarnos constantemente. Para mí, cada proyecto es un nuevo reto, y todo lo que hice antes queda olvidado.

Cuando eres un fotógrafo de moda, debes inspirar un sueño. Con Dior Haute Couture, el sueño está ya allí.

 

 

Biografía

Nacido en el seno de una familia modesta, se aficionó a la fotografía de forma autodidacta, gracias a una cámara Kodak que le obsequió su padrastro. A partir de ese momento aprendería a revelar sus propias fotografías y retrataría a amigos en bodas, trabajando en 1961 en un pequeño laboratorio, imprimiendo y retocando fotos de pasaporte.

En 1963 se trasladó a París, trabajando inicialmente en un laboratorio, después como asistente de fotógrafo para Cinémonde y finalmente en la agencia de modelos Paris Planning haciendo fotos de prueba de las modelos. Al año siguiente trabajó como asistente de Hans Feurer en la revista Nova. Aprendió muy rápidamente y se puso pronto a trabajar por su cuenta, siendo contratado por Elle, Marie-Claire y 20 ans Magazine.

Demarchelier ha vivido en la ciudad de Nueva York desde 1975, ciudad en la que trabajó para Glamour (la antesala de Vogue) y Mademoiselle. Y poco después sus fotografías adornadaban la portada de importantes revistas de moda, incluyendo Vogue en sus ediciones francesa, británica y estadounidense. También ha colaborado con las revistas Rolling Stone, Glamour, Life, Newsweek y Elle.

Además de las editoriales, Demarchelier ha participado en diversas campañas publicitarias, como la del champú Farrah Fawcett en 1978 y la de la muñeca Brooke Shields en 1982. Además fue el fotógrafo principal del libro On your own, una guía de belleza dirigida a mujeres jóvenes escrita también por Shields.

Espontáneo, optimista y sagaz, Demarchelier ha sabido retratar a celebridades como Robert de Niro, Tom Cruise, Paul Newman, Nicole Kidman, Julia Roberts, Elton John, Lenny Kravitz, Gianni Versace, Warren Beatty, Madonna, Quincy Jones, Oprah Winfrey, John Galliano, Jean Paul Gaultier, Marc Jacobs, Karl Lagerfeld y Ralph Lauren.

Fue el fotógrafo oficial de la princesa Diana, luego de retratarla por primera vez en 1989. Además, fue el primer fotógrafo extranjero en retratar a la Familia Real Británica.

Demarchelier ha realizado fotografías publicitarias para firmas como Dior, Louis Vuitton, Céline, Tag Heuer, Chanel, Yves Saint Laurent, Lacoste, Lancôme, Guerlain, Calvin Klein, Ralph Lauren, Versace, Giorgio Armani, Gianfranco Ferre, Anne Klein, Valentino, Prada, Gucci, Dolce & Gabbana, Salvatore Ferragamo, Donna Karan y Michael Kors.

Entre los años 1992 y 2004, fue el fotógrafo principal de la revista Harper's Bazaar.

Demarchelier fue el encargado de retratar a varias modelos para el calendario Pirelli en el 2005. Al año siguiente, fue mencionado en la película El diablo se viste de Prada.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 21 de septiembre de 2012

Tim Walker

Tim Walker es un fotógrafo inglés (nacido en 1970, vive en Londres) que se ha situado en la vanguardia de la fotografía de moda, con sus imágenes épicas y llenas de belleza. Sus fotografías cuentan auténticas historias, y sus extravagantes imágenes se prolongan en el tiempo, con escenografías muy cuidadas, llenas de detalles y romanticismo que definen su inconfundible estilo.

 

© Tim Walker

© Tim Walker

 

 

Biografía

Su interés por la fotografía comenzó gracias a su primer trabajo en una librería ordenando archivos de Cecil Beaton como parte de su trabajo. Tras graduarse en 1994, trabajó en 1994 como asistente de fotografía freelance en Londres para después desplazarse a Nueva York como asistente de Richard Avedon.

En 1995, con sólo 25 años de edad, tras hacer retrato y fotografía documental, realizó su primera sesión para la revista Vogue y a partir de allí sus trabajos han ilustrado las ediciones inglesas, italianas y estadounidenses de dicha publicación.

Walker colabora con prestigiosas revistas como la antedicha Vogue o Harpers´Bazar. Y con las marcas: Dior, Gap, Neiman Marcus, Burberry, Bluemarine, WR Replay, Comme des Garçons, Guerlain,, Carolina Herrera, etc.

También ha colaborado con el director de cine Tim Burton, quien, al igual que él, posee una visión estética muy particular, y ha retratado a los legendarios Monty Phyton, entre otras personalidades.

Su fotografía innovadora es una de las más imaginativas y exuberantes que se producen actualmente. Su estilo es como de fantasía y surrealismo. Su trabajo ha sido considerado exquisito por su capacidad de presentar increíbles mundos e imágenes llenas de magia en cada una de sus exposiciones.

Importantes museos albergan sus colecciones, como el Victoria & Albert Museum y The National Portrait Gallery en Londres. Realizó su primera gran exposición en el Design Museum de Londres en 2008, coincidiendo con la publicación de su libro Pictures.

En 2008 Walker recibió el Isabella Blow Award for Fashion Creator otorgado por The British Fashion Council y en 2009 recibió un premio infinity award del The International Center of Photography de Nueva York por su trabajo como fotógrafo de moda. En 2010 fue el ganador del Premio ASME por su portafolio East End para la revista W.

En 2010, su primer cortometraje The Lost Explorer se estrenó en el Festival de Cine de Locarno, en Suiza, y ganó el premio al mejor cortometraje en el Chicago United Film Festival de 2011.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 20 de septiembre de 2012

Sune Jonsson

Sune Jonsson fue un escritor y fotógrafo sueco (nacido en Nyåker, Nordmaling, el 20 de diciembre de 1930 y fallecido el 30 de enero de 2009) considerado uno de los mejores fotógrafos suecos de todos los tiempos, con un estilo que se caracterizaba por un enfoque humanista a la fotografía, por un profundo respeto a la privacidad de las personas y un sutil sentido de las huellas humanas en el paisaje.

Vera och Frits Eriksson, Öre-Långsele, Lycksele 1966 © Sune Jonsson
Vera och Frits Eriksson, Öre-Långsele, Lycksele 1966 © Sune Jonsson



Biografía

En su adolescencia, se mudó con sus padres y hermanos a Bromma. Realizó estudios de inglés, historia de la literatura y etnografía en las universidades de Estocolmo y de Upsala, y aprendió fotografía de forma autodidacta, siendo un ávido fotógrafo aficionado muy activo en la Agrupación Fotográfica de Estocolmo.
Allí formó a mediados de 1950, junto con otros varios conocidos compañeros, el grupo 7 en señal de protesta contra la estética convencional y superficial que prevalecía en ese momento. Dicho grupo pertenecía a una generación más joven de fotógrafos que quería, en cambio, en palabras e imágenes, reflejar las condiciones de vida del hombre común de manera realista y Sune fue el ideólogo principal.
Desde 1959 se dedicó a documentar el folklore de la provincia de Västerbotten donde nació y del norte de Suecia. Su primer libro fue Byn med det blå huset (El pueblo con la casa azul), al que siguió Fotografisk Årsbok, Timotejvägen y en 1962 el libro de historias cortas titulado Hundhålet.
Como etnólogo de campo en el Museo de Västerbotten en el norte de Suecia, Sune Jonsson estaba en una situación privilegiada para presenciar y documentar la transición de la sociedad agrícola a la industrial. Su obra captó a las personas que viven en el campo y trabajan la tierra con métodos tradicionales de cultivo. El tiempo es un tema central dentro de su obra.
Jonsson trabajó sobre todo en Västerbotten, pero también realizó un largo viaje a Nueva York en 1965, interesándose en el trabajo de los fotógrafos de la American Farm Security Administration (FSA) y en particular en Walker Evans, cuyo estilo llegó a emular.  La obra de Jonsson fue inspirada por fotógrafos de renombre internacional como August Sander, el propio Walker Evans, Dorothea Lange, Wayne Miller y Edward Steichen, en especial por la mítica exposición fotográfica The Family of Man en 1955. También el escritor sueco Ivar Lo-Johansson y su trabajo social Den sociala fotobildboken fue un importante modelo para él.
Sus imágenes de campesinos, de pequeños agricultores suecos y de los miembros del Movimiento de la Iglesia Libre son melancólicos retratos de personas dentro de la comunidad donde vivían y trabajaban, capturados en su propio medio y en el tiempo.
Además de su trabajo fotográfico, Jonsson fue un experto cineasta de documentales y produjo, en colaboración con el Museum of Västerbotteny y la televisión sueca, documentales sobre las pequeñas explotaciones granjeras, mineras y pesqueras en la escasamente poblada zona del norte de Suecia
A lo largo de su trayectoria ha recibido numerosos premios entre los que se pueden señalar:
  • el premio de novela Brobyggarna en 1969,
  • la placa de plata de la Asociación Sueca de Turismo en 1970,
  • el premio De Nios en 1972,
  • el premio de la Kungliga Vetenskapsacademien en 1973,
  • el premio Tridskriften Fotos Stora Fotograf en 1980,
  • el premio de la academia Gustaf Adolf en 1981,
  • el premio internacional de la Fundación Hasselblad en 1993 y
  • el premio sueco al Libro fotográfico en 2007.



Referencias




Libros

  • Byn med det blå huset (1959)
  • Timotejvägen (1961)
  • Hundhålet (1962)
  • Bilder av Nådens barn (1963)
  • Bilder från den stora flyttningen (1964)
  • Bilder av Kongo (1965)
  • Sammankomst i elden (1966)
  • Bilder från bondens år (1967)
  • Bilder från Bornholm (1967)
  • Prag augusti 1968 (1968)
  • Brobyggarna (1969)
  • Minnesbok över den svenske bonden (1971)
  • Stationskarl Albin E. Anderssons minnen (1974)
  • Jordabok (1967)
  • Örtabok (1979)
  • Dagar vid havet (1981)
  • Blombok (1983)
  • Hemmavid (1986)
  • Tiden viskar - en småbrukarfamilj 1960-1990 (1991)
  • Sune Jonsson - Photographs by the recipient of the Hasselblad Prize (1993)
  • Jordgubbar med mjölk (1994)
  • Husen vid Himlastigen (1998)
  • Album – fotografier från fem decennier (2000)
  • Tiden blir ett förunderligt ting. Fotografier av människor och landskap (2007)

miércoles, 19 de septiembre de 2012

Winfield Parks

Winfield Parks fue un fotógrafo estadounidense (nacido el 24 de abril de 1932 en Barrington, Rhode Island, y fallecido el 11 de agosto de 1977 en Washington, DC) cuyo trabajo fue principalmente publicado en la revista National Geographic.

 

 

WinfieldParks

© Winfield Parks

 

 

 

Biografía

Winfield Irving Parks, Jr. fue fotógrafo de plantilla en la National Geographic Society desde 1961 hasta su muerte en 1977. Viajó extensamente contribuyendo con innumerables historias a la revista y a libros de la sociedad, tanto con fotografías como con textos.

Su premiada fotografía mural de gran tamaño, en blanco y negro, del equipo estadounidense de la Copa América se sigue mostrando en el vestíbulo del Providence Journal, donde comenzó su carrera.

 

 

 

Referencias

martes, 18 de septiembre de 2012

Horst Faas

Horst Faas fue un corresponsal gráfico de guerra alemán (nacido en Berlín el 28 de abril de 1933 y fallecido el 10 de mayo de 2012 en Múnich) que obtuvo dos premios Pulitzer.

 

© Horst Faas

© Horst Faas

 

 

Biografía

Pasó su infancia en Berlín y con doce años tras finalizar la Segunda Guerra Mundial consiguió pasar a la zona occidental de Alemania.

En 1951 comenzó su carrera como fotógrafo en la Agencia Keystone, pero en 1960 fue contratado por la Associated Press con la que desarrolló su trabajo fotográfico hasta su jubilación en 2004.

Desde sus comienzos trabajó en escenarios bélicos como Argelia y el Congo, pero a partir de los años sesenta su actividad se centró en Vietnam y en 1962 fue nombrado editor en la zona por la Associated Press. Abordaba la fotografía de guerra de una forma cruda, un ejemplo de su postura la mostró mediante su apoyo a la publicación de la fotografía de una niña desnuda que corría huyendo del napalm, tomada por Huynh Cong Ut que está considerada una imagen icónica de esa guerra, también al apoyar la fotografía de Eddie Adams conocida como Vietcong Execution.

Sus imágenes de la guerra de Vietnam le proporcionaron el Premio Pulitzer en 1965. En 1967 fue herido por una granada, lo que le obligó a utilizar una silla de ruedas a partir de ese momento. Sin embargo, continúo realizando reportajes fotográficos y en 1972 obtuvo su segundo Pulitzer, junto a Michel Laurent, por un trabajo sobre la Guerra de Liberación de Bangladés.

En 1972 obtuvo una imagen de uno de los terroristas en la Masacre de Múnich. En 1976 se instaló como editor fotográfico para Europa de la Associated Press. En 1997 recibió el Premio Robert Capa Gold Medal y en 2005 el Premio Dr. Erich Salomon.

Su apoyo a los fotógrafos de guerra se mostró también al participar como coautor en dos publicaciones: Requiem que fue un libro publicado junto con Tim Page en 1997 sobre los fotógrafos que murieron en la guerra de Vietnam tanto en un bando como en el otro y Lost Over Laos que se publicó en 2003 y homenajea a los fotógrafos muertos en Laos en 1971.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 17 de septiembre de 2012

Anton Corbijn

Anton Corbijn es un director de cine y videoclips y fotógrafo holandés (nacido el 20 de mayo de 1955 en Strijen) que tiende a dejar a un lado la fotografía de glamour tradicional, dándole a su trabajo un toque más natural, frecuentemente en blanco y negro. Sus fotografías muestran emociones naturales. Su personal estilo de imágenes en blanco y negro ha sido imitado o copiado a tal punto en que se ha convertido en un cliché del rock y una parte vital del lenguaje visual en los años 1990.


AntonCorbijn
David Bowie © Anton Corbijn



Biografía

Timorato hijo de un pastor protestante rural que hacía fotos con la cámara de su padre, enamorado del mar, Corbijn comenzó su carrera como fotógrafo durante un concierto en 1972.
En 1979 se mudó a Londres, donde empezó a trabajar con bandas de rock como Joy Division y Public Image Ltd. Durante este período también comenzó su trabajo como fotógrafo para prestigiosas revistas como Vogue y Rolling Stone.
Después de convertirse en un importante fotógrafo, Corbijn también decidió hacer videos musicales. Podemos citar entre ellos Personal Jesus de Depeche Mode (1989), One de U2 y Heart-Shaped Box de Nirvana (1993). Y la lista seguiría hasta más de 80 videoclips, para gente que va desde  Naomi Campbell, Roxette o Bryan Adams hasta Depeche Mode (con quienes ha rodado más de una docena de clips), U2, Metallica, Coldplay, Joy Division, Henry Rollins, Red Hot Chilli Peppers, The Killers y Nirvana.
En su carrera de más de treinta años, ha sido también el fotógrafo oficial de U2 y Depeche Mode. Ha fotografiado a David Bowie, Elvis Costello, R. E. M, Nicolas Cage, David Byrne, José Mercé, los Rolling Stones
Corbijn dirigió la película Control sobre la vida del cantante de Joy Division Ian Curtis en 2006. La película está basada en el libro de Deborah Curtis Touching From A Distance sobre su difunto esposo. Con ella ganó el premio al Mejor Director en Cannes.
En 2010 dirigió la película El Americano, con George Clooney como protagonista.
En 2005, Palm Pictures lanzó una colección en DVD del trabajo de Corbjin como director de videos musicales. Además de un cuadernillo de 56 páginas, el DVD también incluye escenas cortadas, cortos y documentales comentados en los videos por los artistas.
 

Referencias




Libros