martes, 31 de julio de 2012

Subhankar Banerjee

Subhankar Banerjee es un fotógrafo, artista, educador y activista del medio ambiente (nacido en 1967 en Berhampore, cerca de Calcuta, India, vive en Santa Fe, Nuevo Méjico, EEUU) cuyas imágenes del Arctic National Wildlife Refuge y otras tierras de Alaska, así como los abiertos espacios del desierto de Nuevo Méjico, han capturado la atención internacional.

 

 

Caribou Migration  © Subhankar Banerjee

Caribou Migration  © Subhankar Banerjee

 

 

Biografía

De niño le sumergieron en la literatura y cine  y con 13 años su tío le enseño pintura. Pero  creciendo en una familia con ingresos medios, el arte no era algo que podía perseguir como carrera, así que eligió la ciencia y la ingeniería como opción práctica, obteniendo su licenciatura en ingeniería.

Se trasladó a los Estados Unidos, donde consiguió masters en física e informática. Trabajó en el campo de la ciencia durante seis años en el Los Alamos National Laboratory de Nuevo México y en la Boeing de Seattle.

En el año 2000, su pasión de la niñez hacia el arte, junto con un amor y preocupación profundos por las tierras vírgenes y las culturas indígenas en peligro de desaparición, lo hizo dejar su carrera científica y perseguir el arte. Ha centrado desde entonces todos sus esfuerzos en los derechos humanos de los indígenas y en la conservación de las tierras del Ártico.

En 2001 Banerjee comenzó el primero de dos años de fotografía intensiva en el Arctic National Wildlife Refuge. Las fotos que tomó fueron publicadas en el libro Seasons of Life and Land, y también fueron exhibidas en el National Museum of Natural History de la Smithsonian Institution, pero hubo una gran controversia cuando los subtítulos de las fotos fueron alterados y la exhibición  fue movida a una esquina del museo, por las presiones de ciertos políticos favorables a la explotación de gas y petróleo en esta zona del Ártico. Finalmente estas fotografías fueron mostradas y coleccionadas por museos de todo el mundo. Sus fotografías se han mostrado en más de 30 museos y galerías en los Estados Unidos y Europa, incluyendo Milwaukee Art Museum, Hood Museum of Art en el Dartmouth College, Grand Rapids Art Museum, Boulder Museum of Contemporary Art y Palais Des Beaux-Arts en Bruselas.

Banerjee ha recibido muchos premios por su trabajo en el Ártico incluyendo una inaugural Greenleaf Artist Award del Programa de Medio Ambiente de las Naciones Unidas y una beca Cultural Freedom Fellowship de la Lannan Foundation.

En su libro más reciente Arctic Voices: Resistance at the Tipping Point, aborda temas sobre el cambio climático, la guerra de los recursos y los derechos humanos usando narrativas en primera persona de activistas, escritores e investigadores.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 30 de julio de 2012

John G. Bullock

John G. Bullock fue un fotógrafo estadounidense (nacido en 1854 y fallecido en 1939) considerado  uno de los líderes y de los fotógrafos más influyentes en promover la fotografía como forma de arte. Sus paisajes y retratos naturalistas y pictorialistas expresan una interpretación subjetiva de la realidad externa.

 

Marjorie in the Garden, 1903 © John G. Bullock

Marjorie in the Garden, 1903 © John G. Bullock

 

 

Biografía

Como muchos pintores americanos se convirtieron al impresionismo, los fotógrafos pictorialistas  como Bullock estaban abiertos a usar su medio de una nueva manera. Su trabajo, impreso generalmente en los tonos delicados del platino, representa la expresión refinada de la estética naturalista americana. Bullock fue uno de los miembros fundadores de la Photo-Secession

La Photo-Secession fue un movimiento de principios de siglo XX que promovió la fotografía como  arte en general y el pictorialismo fotográfico en particular. Un grupo de fotógrafos, dirigido por Alfred Stieglitz y F. Holland Day en 1902, defendió el entonces punto de vista polémico de que lo  significativo de una fotografía no era lo estaba delante de la cámara sino la manipulación de la imagen por el artista fotógrafo para alcanzar su visión subjetiva. Este movimiento contribuyó en una significativa mejora del arte fotográfico.

 

 

Referencias

domingo, 29 de julio de 2012

Marilyn Silverstone

Marilyn Silverstone fue una monja budista y fotógrafa estadounidense (nacida el 9 de marzo de 1929 en Londres y fallecida el 28 de septiembre de 1999 en Katmanú, Nepal) que realizó trabajos de fotoperiodista principalmente en la India intentando captar los últimos vestigios de una cultura que desaparecía.

 

© Marilyn Silverstone / Magnum Photos

© Marilyn Silverstone / Magnum Photos

 

Puedo decir que lo he hecho todo.

Me fui a la India en 1959 para lo que pensaba que iban a ser cuatro meses y permanecí allí catorce años. Me sentí inmediatamente como en casa. Trabajando como periodista fotográfico, pensé que era importante registrar la historia, la gente, toda la que vi, y preservar costumbres y formas de vida que estaban desapareciendo.

Una fotografía es una impresión subjetiva. Es lo que ve el fotógrafo. No importa cuanto intentamos conseguir estar en la piel, en el sentimiento del asunto o de la situación, y aunque algunos tengamos empatía, siempre es lo que vemos lo que sale en las imágenes, es nuestra reacción al tema y en el extremo, la recopilación entera de nuestro trabajo se convierte en un retrato de nosotros mismos.

 

 

Biografía

Marilyn Rita Silverstone fue la hija mayor de Murray y Dorothy Silverstone. Su padre, hijo de inmigrantes polacos, llegó a ser director gerente y presidente internacional, respectivamente, de United Artists y 20th-Century Fox, trabajando con Charlie Chaplin y otras estrellas del cine en Londres. La familia volvió a EEUU momentos antes de que comenzara la II Guerra Mundial en Europa.

De adolescente enfermó de paperas, y estando convaleciente leyó el libro Secret Tibet de Fosco Maraini que le impresionó y ya siempre llevaría la semilla del budismo en su subconsciente.

Marilyn creció en Scarsdale, Nueva York. Después de graduarse en el Wellesley College de Massachusetts, se convirtió en redactor asociado de Art News, Industrial Design e Interiors a comienzos de los años 50. Después se trasladó a Italia para hacer películas documentales de arte.

Silverstone se convirtió en periodista fotográfico en 1955, viajando y capturando la gama de imágenes que su visión la llevó a encontrar en Europa, África y Oriente Medio.

En 1956, viajó a la India con el encargo de fotografiar a Ravi Shankar. Volvió al subcontinente indio en 1959 y lo que pensaba que iba a ser un viaje corto se convirtió en el principio de una fascinación con la India que duró el resto de su vida. Sus fotografías de la llegada a la India del Dalai Lama, huido de la invasión china de Tíbet, fueron publicadas en Life y comenzó a ser considerada seriamente como fotógrafo.

En ese período, se enamoró con Frank Moraes, uno de los grandes periodistas de su generación.  Moraes era entonces redactor del The Indian Express. La pareja vivió junta en Nueva Deli hasta 1973, codeándose con la élite de políticos, periodistas, intelectuales y diplomáticos. Varias editoriales de Moraes se ganaron la ira de la primer ministro Indira Gandhi y la situación se deterioró al punto que tuvieron que trasladarse a Londres.

Durante estos años, la reputación de Silverstone como fotógrafo creció. En 1964 se unió a Magnum Photos y se convirtió en miembro de pleno derecho en 1967 (siendo la 5ª mujer en aquel entonces). Sus trabajos para Magnum iban desde Albert Schweitzer a la coronación del Sah de Irán.

Obtuvo en 1971 el premio London Film Festival Award por la película Kashmir in Winter realizada con sus fotos.

A finales de los 60, Silverstone trabajó en un encargo fotográfico sobre un lama budista tibetano en Sikkim llamado Khanpo Rinpoche, que viajaría a Londres por tratamiento médico en los años 70, y que vivió con la pareja. Marilyn decidió aprender tibetano para estudiar budismo con él.

Después de la muerte de Moraes en 1974, Silverstone decidió a unirse a la comitiva de otro conocido lama, Khentse Rinpoche, que dejó Londres para irse a un alejado monasterio en Nepal.

En 1977 tomó los votos como monja budista, con el nombre de Bhikshuni Ngawang Chödrön, o Ani Marilyn para sus íntimos.

En su nueva vida en Katmandú (Nepal), investigó las costumbres en peligro de desaparición de Rajastán y de los reinos del Himalaya.

Sus fotografías han aparecido en las principales revistas de fotografía: Newsweek, Life, Look, Vogue y National Geographic.

En 1999, Ngawang Chödrön volvió a los Estados Unidos para tratarse el cáncer que tenía, pero era terminal ya. Queriendo morir en Nepal, su hogar de los últimos 25 años, tuvo problemas para conseguir vuelo por su frágil estado físico, aunque finalmente lo consiguió volando con un doctor en vacaciones de vuelta a Katmandú en un viaje lleno de dificultades, aunque finalmente murió en la comunidad budista que ella montó y ayudó a mantener.

En el momento de la muerte de Silverstone, se estaba preparando una exposición en la Scottish National Portrait Gallery con su trabajo y el de otros fotógrafos de Magnum. La Universidad de St. Andrews montaba un seminario conjuntamente con esta exposición, y como Silverstone acababa de morir, el seminario se convirtió en una oportunidad para celebrar su vida y carrera.

Su archivo es gestionado por Magnum.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 28 de julio de 2012

Michael Melford

Michael Melford es un fotógrafo estadounidense (nacido en Nueva York en 1950) que se ha distinguido tanto en la diversidad de los temas que ha tratado como en la variedad de publicaciones que han ofrecido su trabajo. Su maestría consiste en fotografiar las maravillas de viajes y naturaleza y a la gente que ocupa este paisaje. Su vibrante trabajo es una celebración de la vida, y su respecto por todas las cosas vivas es evidente en sus poderosas imágenes.

 

 

© Michael Melford

© Michael Melford

Mi meta es compartir las maravillas del mundo natural con los demás, para ayudarles a ver la belleza que nos rodea. Mi esperanza es que podamos preservarla para las futuras generaciones.

 

 

Biografía

Se licenció en fotografía por la Universidad de Syracuse y regresó a Nueva York en 1977.

Los trabajos de Michael Melford para National Geographic Magazine siempre celebran las maravillas de nuestro increíble planeta. Apasionado conservacionista, las virtudes de Michael en su trabajo le ha llevado a algunos de los lugares más maravillosos y vírgenes del mundo.

Después de completar más de 30 artículos para National Geographic Travel Magazine, ha terminado recientemente su 14ª historia para National Geographic Magazine. En 2001, Michael realizó su primer encargo en digital para National Geographic Society: un documental en San Diego para Traveler Magazine.

Su trabajo se ha publicado en las principales revistas y se ha sido portada en National Geographic, Newsweek, Time, Life, Fortune, Smithsonian, Geo, Travel and Leisure, Travel Holiday y Costal Living.

Su artículo de portada de National Geographic en 2006 Places We Must Save: Our National Parks in Peril ha sido votado como la más popular historia del año. Michael también ha completado artículos en los que celebraba las maravillas de los parques del nacional y de estatales de los EEUU: Acadia, los Adirondacks, Glenn Canyon, Great Smoky Mountains, Death Valley y el Glacier National Park.

Michael disfruta dando seminarios y talleres sobre fotografía y compartiendo su amor a la naturaleza y su extenso conocimiento del medio digital.



Referencias

 

 

Video

Entrevista a Michael Melford

 

 

Libros

viernes, 27 de julio de 2012

Paul Himmel

Paul Himmel fue un fotógrafo estadounidense (nacido en 1914 en New Haven y fallecido el 8 de febrero de 2009 en Nueva York) que prestó su visión única a temas tan variados como la danza, el circo, la ciudad de Nueva York, ciudades europeas y la figura humana, así como a las playas donde él veraneaba con su familia durante la mayor parte de su vida.


 

© Paul Himmel

© Paul Himmel

 

 

Biografía

Nacido en una familia de emigrantes ucranianos, influenciado por un amigo, se interesó de adolescente en la fotografía. Al mismo tiempo estudió psicología, obtuvo un master y también enseñó biología. Autodidacta, como aficionado hasta mitad de los años 40, seguía el trabajo de la FSA, especialmente el de Dorothea Lange. Luego se convirtió en fotógrafo profesional y realizó el curso de diseño gráfico en la New School for Social Research que lideraba Brodovich.

En 1935 se casó con la, también fotógrafo, Lillian Bassman, con la que compartió 78 años juntos, en la vida y en la fotografía. En 1939 ambos viajaron a México, realizando con estas fotografías su exhibición Pan American Highway.

Su inmenso talento fue evidente desde el principio. Experimentaba siempre, y fotografiaba de forma que mostraba su alegría de ver lo que parecerían sus imágenes capturadas en dos dimensiones. Con su espíritu pionero, creó una obra que sigue siendo hoy en día tan fresca como lo era originalmente hace más de medio siglo. Entre sus temas más importantes estaban las calles y las señales de su ciudad natal, Nueva York. Capturó icónicas vistas de Manhattan y de Brooklyn, trasformando las escenas clásicas de una manera elegante y intemporal.

Su aprendizaje con el legendario director de arte Alexey Brodovitch lo llevó a un interés de por vida en la captura del movimiento humano en imágenes inmóviles. En 1947, tomó una serie de fotografías experimentales en el concurso principal de la Grand Central Terminal. Fotografías de esta serie se han utilizado en la portada del su libro Photograph y en la colección permanente de la National Gallery of Art de Washington, D.C.

Gracias a Brodovitch, Himmel consiguió sus primeros contactos con Harper’s Bazaar y se convirtió en fotógrafo de moda. Su dominio del movimiento en la imagen fija le trajo un gran éxito, trabajando también para Vogue, pero a principios de los 50 perdió el interés de los editores de las revistas de moda y se dedicó a una fotografía más experimental, incluyendo series sobre boxeadores, circo y ballet. Prácticamente todos los negativos de su época de fotógrafo de moda fueron destruidos por Paul cuando abandonó la fotografía.

En 1955, 2 obras suyas fueron expuestas en la mítica exposición de Edward Steichen, The Family of Man, en el MoMA.

Paul se retiró de la escena fotográfica a finales de los sesenta para trabajar como psicoterapeuta. Cuando el éxito como fotógrafa de moda de Lillian se desvaneció también montaron un restaurante vegetariano.

Su reputación como fotógrafo, y la de su mujer Lillian Bassman, fue restablecida en los años 90 por el foto-historiador Martin Harrison, dando como resultado un libro y una exposición que reintrodujeron con éxito su obra más significativa a una nueva generación entera.

 

 

Referencias

 

 

Libros

jueves, 26 de julio de 2012

Victor Enrich

Victor Enrich es un artista digital y fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1976) cuya obra representativa son los edificios imposibles que se doblan como acordeones o con construcciones que ondean sus vigas al viento, basados en paisajes reales que fotografía en sus largos paseos por ciudades de todo el mundo.

 

© Victor Enrich

© Victor Enrich

 

 

Habré recorrido ya kilómetros y kilómetros así. A lo largo de esos "paseos", observo la ciudad en la que me encuentro, su forma, sus rincones, sus lugares a priori olvidados por la gente.

 

 

 

Biografía

De niño ya expresaba un fuerte interés por los mapas y la forma urbana a través de juegos como Lego.  A medida que entró en los años de la adolescencia, fue descubriendo poco a poco los programas de dibujo asistidos por ordenador, como Drafix Cad y Autocad, en sus primeras versiones. Se pasaba horas y horas creando redes urbanas, que luego eran impresas en papel Din A4 para ser ensambladas con otras áreas.

En los años anteriores a la universidad, descubrió el 3D como herramienta aún más poderosa para representar los espacios virtuales. Ingresó en la Escuela de Arquitectura de Barcelona con una de las más altas calificaciones en su promoción y el conocimiento generalizado en técnicas de dibujo en 2 y 3 dimensiones. Realizó estudios de Arquitectura 6 años, pero decidió retirarse por falta de vocación como arquitecto, por que descubrió que era diferente a lo que el siempre había pensado. Sin embargo, en paralelo, acumuló conocimiento y reputación en el campo de la visualización arquitectónica, convirtiéndose en su principal actividad, trabajó 15 años para arquitectos y empresas, promotoras sobre todo, que veían en lo digital un enorme potencial a la hora de vender y comunicar sus proyectos.

Actualmente en su estudio se dedica cada vez menos a realizar visualizaciones para otros estudios de arquitectura y se dedica en la actualidad exclusivamente al desarrollo de su arte, que está inseparablemente asociada a su otra gran pasión: viajar, lo que ha hecho en los últimos 10 años de forma intermitente y, en los últimos 5 años, de forma constante.  Víctor está inmerso en un viaje en cámara lenta por todo el mundo, centrándose en la búsqueda incesante de la forma urbana que inspire su arte.

Ha vivido durante largos periodos de tiempo en ciudades como Roma, Riga y Tel Aviv (donde estuvo 2 años y medio y tras cobrar cierta fama en el mundillo del arte, lo deportaron por haber entrado como turista). Sus metas a corto plazo incluyen el aumento de sus obras de arte con la ciudad de Múnich y sus alrededores, como objeto de análisis y poco a poco entrar en la cultura germánica y la lengua.

Aunque casi desconocido en España, su trabajo es altamente valorado en el extranjero, triunfando en países como Israel, donde ha hecho varias exposiciones.

 

 

Referencias

miércoles, 25 de julio de 2012

Masao Yamamoto

Masao Yamamoto es un fotógrafo japonés (nacido en 1957 en Gamagori, prefectura de Aichi) conocido por sus pequeñas imágenes que, inspiradas en la naturaleza y el cuerpo, producen bellas metáforas que nos invitan a meditar en silencio, a observar el mundo desde un equilibrio poético donde sólo existe luz y vida.

 

 

© Masao Yamamoto

© Masao Yamamoto

 

Para mí, una buena foto es la que alivia, la que nos hace sentir amables y gentiles. Una foto que nos dé ánimos, que nos recuerde los buenos momentos, que haga feliz a la gente.

Cuando fotografío, comienzo abriendo la mente. Si comenzara con una idea exacta de lo que quiero fotografiar, podría ser que faltara un acontecimiento o un objeto interesante. Así pues, comienzo con la mente abierta e intento fotografiar todas clases de objetos.

 

 

Biografía

Comenzó sus estudios de arte como pintor, estudiando pintura al oleo bajo la supervisión de Goro Saito en su ciudad natal.

En el pasado, cuando era un niño, recogía insectos. Tiene una tendencia a coleccionar cosas. Ya como adulto, en vez de matar insectos, comenzó a tomar fotos de ellos para coleccionar sus imágenes.

Actualmente, usa la fotografía para capturar imágenes que puedan evocar recuerdos. Desdibuja el límite entre la pintura y la fotografía experimentando con las superficies impresas.

Tiñe y vira (con té), pinta y rasga sus fotografías. Sus temas incluyen bodegones, desnudos, y paisajes. También hace instalaciones de arte con sus pequeñas fotografías para mostrar como cada imagen es parte de una realidad mayor.

Se ha dicho de Yamamoto que no sólo es un fotógrafo, sino que además es un filósofo y un poeta. Sus obras, de pequeño formato, constituyen tesoros individuales, a modo de pequeños objetos, que atesoran la esencia creativa del autor, pretendiendo reflejar la conexión existente entre el ser humano y la naturaleza.

Las calidades tonales, las superficies con textura y la cuidada impresión persiguen que cada fotografía sea algo especial y único: una extraordinaria obra.

Sus fotos son pequeñas y parecen viejas. De hecho, trabaja de manera que sean así. Podría esperar 30 años antes de contemplar sus fotos, pero eso es imposible, así que debe envejecerlas. Las lleva consigo en caminatas, las frota con sus manos, hasta que consigue el resultado deseado. Llama a esto el proceso del olvido o la producción de recuerdos. Porque en las fotos viejas los recuerdos se manipulan totalmente y es eso lo que le interesa y la razón por la que hace este trabajo.

Si hace fotos pequeñas, es porque quiere convertirlas en recuerdos. Y es por esta razón que piensa que el mejor formato es uno que entra en el hueco de la mano. Si podemos sostener la foto en nuestra mano, podremos almacenar el recuerdo en nuestra mano. Es como cuando guardamos una foto de familia con nosotros.

Construye una historia colgando varias pequeñas fotos, pero no lo hace cronológicamente. Comienza a veces por un extremo, a veces por el centro. Nunca sabe por donde empieza. Añade una foto, después otra, y más tarde una tercera. Incluso no tiene ninguna idea de la historia que va a contar antes de que comience a colgar las fotos. Sólo en la acción de colgar el sentido de la obra aparece.

Su obra forma parte de colecciones como Harvard University Art Museums, Cambridge, Massachusetts, Museum Contemporary of Photography, Chicago, Philadelphia Museum of Art, Museum of Fine Arts, Houston, The International Center of Photography, Nueva York, Center for Creative Photography, Princeton University Art Museum, New Jersey, Santa Barbara Museum of Art, California, Portland Art Museum, Oregón, …

Ha realizado numerosa exposiciones. Por citar alguna, acaba de terminar una exposición retrospectiva de su obra (con más de 200 fotografías) en la galería Valid Foto en Barcelona.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

martes, 24 de julio de 2012

Ian Munro

Ian Munro es un fotógrafo británico (nacido un 13 de febrero, vive en Ebbw Vale, Gales del Sur) que realiza tanto fotografía de paisaje como fotografía surrealista con retoque digital.

 

 

© Ian Munro

© Ian Munro

 

 

 

Biografía

Con 35 años se acercó por primera vez a la fotografía gracias a un amigo. Ha estado creando imágenes desde 2007 y está en progreso continuo siendo autodidacta. Le gusta el paisaje pero disfruta con la fotografía experimental a través de la manipulación digital.

Los paisajes que más trabaja son los de Escocia y las tierras altas (Highlands).

Es miembro del grupo INN FOCUS de Gales del Sur y entre otros trofeos ha ganado recientemente el trofeo Presidents a la mejor copia monocroma y a la mejor fotografía creativa.

Tiene fotografías publicadas en diversas revistas y ha creado un estilo propio. Hoy en día, tras perseguir durante mucho tiempo ser el mejor en algo: culturismo, fotografía, …, ha llegado a la satisfacción de poder crear sus imágenes para él mismo.

 

 

 

Referencias

lunes, 23 de julio de 2012

Robert Glenn Ketchum

Robert Glenn Ketchum es un fotógrafo estadounidense (nacido el 1 de diciembre de 1947) especialista de la fotografía de paisaje y naturaleza y abogado de la causa medioambiental, cuyas fotografías y libros han ayudado a la definición actual de la fotografía en color.

 

 

Clearing Weather, Kvichak Mouth, 1998 © Robert Glenn Ketchum

Clearing Weather, Kvichak Mouth, 1998 © Robert Glenn Ketchum

 

 

Mi trabajo ha sido siempre mi respuesta personal como artista a las circunstancias del mundo real que me concernían. He comprendido desde el principio de mi carrera que todo existe porque nuestro hábitat nos apoya, así que elegí utilizar mi trabajo en apoyo de ese hábitat.

 

 

Biografía

Estudió diseño en la UCLA, y comenzó sus estudios de fotografía bajo la dirección de Edmund Teske, Robert Fichter y Robert Heinecken, obteniendo más adelante un master del California Institute of the Arts. Después de graduarse entabló amistad con Eliot Porter, que le ayudó a dar forma a sus ideas sobre fotografía y sobre cómo la fotografía se puede utilizar para ayudar a cambiar el mundo.

En su carrera de 30 años, Ketchum ha llegado a ser muy conocido como fotógrafo ecologista. En su edición centenaria, la revista Audubon le incluyó en su lista de las 100 personas “que han creado el movimiento medioambiental en el siglo XX”, También la revista American Photo lo incluyó como uno de los 100 fotógrafos más influyentes, y ha sido nombrado en 2001 Outstanding Photographer of the Year por la North American Nature Photography Association y Outstanding Person of the Year 2000 por la revista Photo Media.

Ketchum y su amigo Michael Wilder, fueron pioneros en el uso de las copias de Cibachrome a principios de los años 70. Fueron también de los primeros fotógrafos contemporáneos en explorar la  la impresión a gran escala. Sus obras forman parte de numerosas colecciones incluyendo el National Museum of American Art, (Washington, D.C.), el Museum of Contemporary Art, Los Ángeles, y el  Metropolitan Museum of Art (Nueva York),  por nombrar algunos.

Archivos significativos de más de 100 imágenes han sido adquiridos por el Amon Carter Museum de Tejas y la Huntington Library en Los Ángeles, e importantes cuerpos de su trabajo se pueden encontrar en el High Museum de Atlanta, Los Angeles County Museum of Art, Akron Art Museum, Stanford University Art Museum y el Herbert F. Johnson Museum de la Cornell University.

En 2010 American Photo distinguió a Ketchum con su Master Series (que por el momento sólo tienen Henri Cartier-Bresson, Richard Avedon, Helmut Newton y Annie Leibovitz), siendo el primer fotógrafo de naturaleza en conseguirlo.

Ketchum ha realizado unas 400 exhibiciones entre en solitario y en grupo. Es miembro fundador de de la International League of Conservation Photographers.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 22 de julio de 2012

Pal-Nils Nilsson

Pål-Nils Nilsson fue un fotógrafo, profesor de fotografía y cineasta sueco (nacido en 1929, fallecido en 2002) que obtuvo reconocimiento por sus fotografías de paisajes suecos, de sitios culturales y por sus películas para televisión.

 

 

© Pål-Nils Nilsson

© Pål-Nils Nilsson

 

(¿Que por qué disparo?) La respuesta es, probablemente, que en el fondo creo que es divertido.  Nunca dejo de sentir la emoción en la búsqueda de momentos de contenido simbólico y asociativo. Espero siempre en la oscuridad para descubrir las imágenes.

 

 

Biografía

Hijo del escultor Robert Nilsson y de la artista textil Barbro Nilsson.

Empezó como fotógrafo comercial. En 1958 junto con otros 9 fotógrafos suecos fundó la agencia de fotografía TIOFOTO, actualmente englobada en NordicPhotos, y se convirtió en profesor de fotografía en la Escuela de Fotografía de Gotemburgo 

El Patrimonio Nacional Sueco ha adquirido 300.000 fotografías de paisaje de Pal-Nils Nilsson y las imágenes culturales de su archivo “anticuario-topográfico”. También la Biblioteca Nacional Sueca (Kungliga Biblioteket) alberga colecciones suyas de retratos y de imágenes de Estocolmo.

Dos de sus fotografías formaron parte de la mítica exposición The Family of Man de Edward Steichen en el MoMA de Nueva York en 1955.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Landskap 1956
  • Halland 1976
  • En bok om Barbro Nilsson 1977
  • Från barn till barn, fjärran syskon - om barn i Peru till barn i Sverige 1988
  • Svart på vitt om Tio fotografer 2008

sábado, 21 de julio de 2012

Ferdinando Scianna

Ferdinando Scianna es un periodista y fotógrafo italiano (nacido en 1943 en Bagheria, Sicilia) que ha realizado también fotografía de moda y publicidad y retrato. Es miembro de Magnum Photos.

 

 

© Ferdinando Scianna

© Ferdinando Scianna

 

 

Sicilia es violenta, como su sol. Allí aprendes de pequeño a esquivar la luz del sol, porque te asa los pies y daña los ojos, y a buscar la sombra. Mis fotos son un exorcismo de la luz despiadada de Sicilia.

Empecé porque no quería ser médico, ni abogado, como querían mis padres. Hacía fotos en el pueblo, de las chicas que me gustaban, de los vecinos, de las fiestas. Siempre tenía la sensación de que lo que capturaba estaba a punto de perderse. Como fotografiar Pompeya el día anterior a la explosión del volcán.

Una fotografía no es creada por un fotógrafo. Lo que hace es, apenas, abrir una pequeña ventana y capturarla. El mundo entonces se graba él mismo en la película. El acto del fotógrafo está más cercano a la lectura que a la escritura. Ellos son los lectores del mundo.

 

 

Biografía

Después de sus estudios de filosofía e historia del arte a la Universidad de Palermo, publicó en 1965 una primera recopilación de fotografías, Feste Religiose in Sicilia, en colaboración con su amigo el escritor siciliano Leonardo Sciascia, autor de los textos de la obra. Esta obra recibirá una mención al Precio Nadar en 1966.

El año siguiente se instaló en Milán y comenzó a trabajar para la revista L'Europeo como fotógrafo y periodista.

En los años setenta, se trasladó a París y colaboró en distintos diarios franceses escribiendo artículos en Le Monde diplomatique y La Quinzaine littéraire sobre distintos temas: fotografía y también política y cultura.

En 1977 tuvo lugar la doble publicación de Siciliens en Francia y La Villa dei Mostri en Italia, obra consagrada a la legendaria Villa Palagonia, situada en su ciudad natal de Bagheria. Después de haber conocido a Henri Cartier-Bresson entró en 1982 en la agencia Magnum Photos, de la que se convirtió en miembro de pleno derecho en 1989.

A partir de 1987 se convirtió en fotógrafo de moda, realizando también una recopilación de retratos de Jorge Luis Borges y de Sciascia, así como álbumes sobre los niños del mundo, sobre los durmientes (con un título inspirado en el monólogo de Hamlet) y sobre su ciudad de Bagheria.

Por otro lado, Scianna ha desarrollado una importante faceta como crítico periodístico y fotográfico, así como organizador de foros de debate: el último, coordinado junto a Antonio Ansón para PhotoEspaña, llevaba por título precisamente Las palabras y las fotos.

Exposiciones:

  • 2004 Pensar America III - Casa de América, Madrid, España
  • 2003 Ferdinando Scianna - Centre Cultural Tecla Sala, Barcelona, España
  • 2000 Altre Forme del Caos - Cantieri Culturali alla Zisa, Palermo, Italia.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros