lunes, 30 de abril de 2012

Dagmar Hochová

Dagmar Hochová-Reinhardtová fue una fotógrafa checa (nacida el 10 de marzo de 1926 en Praga y fallecida el 17 de abril 2012 también en Praga) que realizó fotografía documental, reportaje y retrato, siempre en blanco y negro. Fue una de las primeras mujeres que alcanzó la fama con la fotografía. Su aproximación a la fotografía era humanista, siendo el tema central de su trabajo las relaciones individuales e interpersonales. Sus fotografías muestran, sobretodo, a una persona específica, capturando momentos verdaderos, gestos, caras. Su trabajo está marcado por una modestia artística y no interfiere en los acontecimientos, no manipula, no provoca deliberadamente las situaciones fotográficas.


© Dagmar Hochová

© Dagmar Hochová

 

La vida es en color pero el blanco y negro es más real.

 

 

Biografía

Con una breve interrupción por la guerra estudió en los iniciales años 40 en la Escuela Gráfica Estatal de Praga, donde fue alumna de Jaromír Funke y Josef Ehm. Estuvo un año de internado en el estudio de Illek y Paul y luego trabajó en unos laboratorios de fotografía con Ján Smok que le persuadió de que estudiara en la recién fundada Academia de Cine y Artes Escénicas, donde se graduó en 1953.

Ya durante sus estudios colaboró ​​con revistas y editoriales de libros para niños, especialmente la editorial Albatros. Esta cooperación influyó en su enfoque de toda la vida sobre el fotoperiodismo y la fotografía documental, escogiendo temas que demostraban un interés profundo en la comprensión de la gente: niños, ancianos, monjas, viajes (Vietnam, Francia, Italia, Suecia y Rusia), la energía de la edad, días de fiesta y celebraciones, gemelos (como otros fotógrafos: Teresa Vlčková, Loretta Lux, Rineke Dijkstra, Diane Arbus, August Sander, Mary Ellen Mark, …).

Desde los años 60 también retrató a escritores como Vaculík, Váchal, Reynek, Kliment, Hiršal, Grögerová, Prošková, Václav Havel, Jaroslav Seifert, etc. y documentó la historia de la posguerra checoslovaca incluyendo agosto de 1968, los acontecimientos que rodearon el entierro de Jan Palach (el estudiante que se auto inmoló para protestar por la invasión soviética) y la revolución de terciopelo.

En su última década de vida se centró más en ordenar su extensa obra, publicando un resumen de su obra fotográfica y diversos libros con obras de series de sus propios fondos.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Globus smrti (Globo de la muerte)
  • Osobnosti (Celebridades)
  • 1968
  • Dvojice (Dos)
  • Matějská pouť (Día de locos)
  • Vietnam
  • Vltava (Asesoramiento)
  • Porta Portese
  • Síla věku (La edad de energía)
  • Deset, dvacet, třicet, už jdu! (¡Diez, veinte, treinta, ya voy!)
  • 1520

domingo, 29 de abril de 2012

Chris Johns

Chris Johns es un premiado fotógrafo estadounidense (nacido en Oregón en abril de 1951, vive en las montañas Blue Ridge de Virginia con su familia) que pasó muchos años en África trabajando para la revista National Geographic. Sus imágenes más típicas son las de la fauna salvaje de África.

 

 

Fire of dawn, río Zambeze © Chris Johns

Fire of dawn, río Zambeze © Chris Johns

 

 

Biografía

Johns estudió agricultura en la Universidad del Estado de Oregón y fotoperiodismo en la Universidad de Minnesota. Johns comenzó su carrera de fotógrafo en el The Topeka Capital-Journal (donde él y Susan, la hija de Gerald Ford, estaban de becarios en 1975) y ya poco después, en 1979, fue nombrado Newspaper Photographer of the Year por la National Press Photographers Association.

En 1980 fue fotógrafo de plantilla del Seattle Times. Tres años más adelante Johns comenzó a trabajar como freelance para Life, Time y National Geographic. Ésta le contrató en 1985, realizando encargos desde Anchorage, Alaska, al río Zambeze en África, y entrando en plantilla en 1995.

Realizó para National Geographic numerosas contribuciones (+20) y portadas (8 ), siendo en 2005 el primer fotógrafo que haya sido nombrado editor jefe de esta publicación. Bajo su dirección, National Geographic consiguió el premio General Excellence en los National Magazine Awards de 2007 y 2008.

Johns intenta con pasión crear una revista enérgica, renovada cada mes al encontrar nuevas formas frescas y emocionantes de utilizar palabras e imágenes. Sus esfuerzos editoriales se han reconocido con 13 premios National Magazine Awards de la American Society of Magazine Editors, incluido el premio Revista del Año 2011.

Johns ha fotografiado extensivamente en África, donde es muy reconocido. El prólogo a su libro Valley of Life: Africa's Great Rift fue escrito por Nelson Mandela.

En 2009 le concedieron un doctorado honorífico en la Universidad de Indiana.

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 28 de abril de 2012

Robert W. Fichter

Robert Witten Fichter es un fotógrafo estadounidense (nacido en Fort Myers, Florida, el 30 de diciembre de 1939, vive en Tallahassee, Florida) que ha realizado una fotografía experimental, experimentando con diversos métodos de creación de imagen alternativos incluyendo el collage, el cianotipo, las cámara de plástico como las Diana, la goma bicromatada, el pintado a mano, la exposición múltiple, el efecto Sabattier (solarización) y una muy vieja máquina copiadora Verifax. Esta ecléctica forma de trabajo ha tenido una amplia influencia en los Estados Unidos gracias a sus charlas divulgativas y enseñanzas de los procesos alternativos que ha utilizado.

 

 

© Robert W. Fichter

© Robert W. Fichter

 

 

 

Biografía

Estudió Bellas Artes en la Universidad de la Florida, Gainesville, donde tuvo como profesores a Jerry Uelsmann, Ken Kerslake y Jack Nicholsen, graduándose en 1963. Continuó sus estudios con Henry Holmes Smith en la Universidad de Indiana, Bloomington, obteniendo un master en Bellas Artes en 1966.

En 1966, se trasladó a Rochester, Nueva York, y trabajó como comisario auxiliar de exposiciones en el Museo Internacional de Fotografía de la George Eastman House, trabajando a las órdenes de Nathan Lyon. En 1969, Nathan Lyon fundó el Visual Studies Workshop, un centro educativo no lucrativo y de arte, con el cual Fichter mantendría una asociación duradera.

Tras dejar Eastman House en 1968, Fichter se convirtió en profesor adjunto en la UCLA, dando clases con Robert Heinecken y Todd Walker. También dio clases en Cranbrook Academy of Art de Michigan, Art Institute de Chicago y Penland School of Crafts.

En 1971 entró como profesor adjunto en la Universidad del Estado de Florida, donde continuó enseñando (como interino y después como profesor) hasta su jubilación en 2006, en que le nombraron profesor emérito del departamento de Arte.

Hasta esta fecha, Fichter ha realizado más de cuarenta exposiciones en solitario, incluyendo su importante retrospectiva Robert Fichter: Photography and Other Questions en 1982. Originada en el Museo Internacional de Fotografía de George Eastman House, Rochester, Nueva York, esta exposición viajó por el país de 1982 a 1985. También ha participado en centenares de exposiciones en grupo, ha publicado numerosos artículos, ha comisariado muchas exposiciones de fotografía y ha dado conferencias por todo el país.

A partir de los años 60, Fichter ha estado en la vanguardia de la fotografía experimental, combinando dibujo, procesos de fotograbado a mano e imágenes fotográficas. De este proceso, que denomina Print-Photo-Fusion, escribe:

La impresión, en lo más profundo de su ser, es la trasferencia de una marca de una superficie a otra. Ofrece al artista un sistema de producción masiva de distribución de imágenes y de palabras. Esto permite con frecuencia costes unitarios más bajos en la producción que, digamos, la pintura. Cuando realiza fotos con procesos no tradicionales, usted crea nuevas tradiciones.

Entre otros premios obtuvo 2 National Endowment for the Arts Fellowships, en 1979 y 1984.

El y su mujer Nancy Smith Fichter trabajan como codirectores del The Lillian E. Smith Center for Creative Arts en Clayton, Georgia, un grupo sin ánimo de lucro cuya misión es ofrecer un lugar donde los artistas y creativos de varias disciplinas puedan encontrar condiciones de soledad y de aislamiento en las cuales proseguir su trabajo.

Fichter es un ejemplo del movimiento artístico de un grupo de Rochester, Nueva York, que, a finales de los años 60 desafiaron los métodos y filosofías convencionales de la presentación fotográfica. Este grupo incluía a Tom Barrow, Betty Hahn, Bea Nettles y Judy Harold-Steinhauser, que ampliaron los límites establecidos de la fotografía siendo muy criticados.

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 27 de abril de 2012

Luciano Gaudenzio

Luciano Gaudenzio es un fotógrafo italiano (nacido en Pordenone en 1969) que realiza fotografía de naturaleza.

 

 

© Luciano Gaudenzio

© Luciano Gaudenzio

 

 

Biografía

Licenciado en Economía Empresarial, trabaja como fotógrafo profesional.

Sus imágenes suelen aparecer en portadas y en artículos de diversas revistas italianas e internacionales como Bell'Europa, Bell'Italia, La Stampa, Specchio, Dove, Meridiani Montagne, Meridiani, Panorama Travel, Terra, FotoCult, Onde in Movimento, Cover, Le Tre Venezie, Oasis, Tutti Fotografi, Asferico, Gardenia, Viaggi del Gusto, Naturbilder, Country Life, Itinerari e Luoghi, Conde Nast Traveller, Gruner+Jahr, Focus y otras muchas.

Colabora en calendarios y volúmenes fotográficos con algunas empresas de publicación como Whitestar-National Geographic Editions, Touring Club Editions, Athesia Editions, ….

Entre 2006 y 2008 con el National Italian of Naturalistic Photography (15 autores elegidos entre los mejores fotógrafos italianos) alcanzó el prestigioso premio del Campeonato mundial de fotografía de naturaleza. Sus imágenes han alcanzado premios y reconocimientos importantes en las competiciones fotográficas internacionales más importantes: Glanzlichter 2006, 2009 (primer premio en paisajes naturales), G.D.T. 2009 y algún Wildlife Photographer of the Year.

Entre sus actividades están también la realización de talleres de fotografía de naturaleza realizados en los lugares naturales más evocadores de Italia.

Está representado por la agencia fotográfica SIME (http://www.simephoto.com).

Participa en el blog www.naturephotoblog.com.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Magredi, un territorio da conoscere (2000),
  • Dove l'aria sale (2002),
  • Il Tagliamento (2006),
  • Le Montagne più belle (2006),
  • Luci e silenzi nel Parco delle Prealpi Giulie (2007),
  • Friuli, Emozioni Natural (2008),
  • L'Altopiano dei Sette Comuni (2009),
  • Carnia, confine tra Cielo e Terra (2010),
  • Marmolada (2011)

jueves, 26 de abril de 2012

John Phillips

John Phillips fue un fotógrafo estadounidense (nacido el 13 de noviembre de 1914 en Bouïra, Argelia y fallecido en Manhattan el 22 de agosto de 1996) que trabajó para la revista Life en las décadas de los 30 y los 40 y que es conocido principalmente por sus fotografías de la II Guerra Mundial. Es considerado el abuelo del fotoperiodismo, un maestro en el uso de los lentes, hablaba numerosos idiomas, era elegante y registró en su peripatético camino personal algunas de las más frescas imágenes de la historia.

 

Visconti brothers, 1960s (c) John Phillips

Visconti brothers, 1960s (c) John Phillips

 

 

Biografía

Francés de nacimiento, nacido en Argelia de padre emigrante galés y madre americana, pasó su infancia en el mundo árabe, antes de que su familia se trasladara a Francia en 1925, primero a París y después a Niza.

Aprendiz de Man Ray, fue contratado por Life en 1936 y su primer encargo fue cubrir la abdicación de Eduardo VII en el parlamento británico.

Fotografió a Cecil Beaton, Elsa Schiaparelli, Coco Chanel, a la familia real italiana antes del escándalo que causó su salida de Italia, numerosos acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial,  a Tito in Yugoslavia, al líder de la guerrilla yugoeslava chetnik Draza Mihailovich (en 1946 en su juicio en Belgrado), al rey Farouk de Egipto y el sitio de Jerusalén en 1948.

Realizó las últimas fotografías que se realizaron de Antoine de Saint Exupery en 1944, días antes de su desaparición. Éste le dio el manuscrito Letter to an American (Carta a un americano) que Phillips donaría a Francia.

Al comienzo de los 60, John Phillips pasó un tiempo en Roma fotografiando a los actores de cine, directores y guionistas que revolucionarían y darían vigor al cine italiano de la posguerra.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 25 de abril de 2012

Meelis Kivirand

Meelis Kivirand es un fotógrafo estonio (nacido en 1976) que realiza fotografía de naturaleza.

 

MeelisKivirand

© Meelis Kivirand

 

 

 

Biografía

Comenzó en 2005 a tomar fotos de la naturaleza principalmente para uso propio, para volver a disfrutar de los hermosos momentos en plena naturaleza cuando volvía a casa.

La fotografía de la naturaleza (la de Estonia y la de todo el mundo) se ha convertido en su gran pasión.  Disfruta especialmente de estar en una naturaleza salvaje donde la actividad humana no pueda ser vista y se alegra de poder compartir estos momentos y visiones maravillosas con el que contemple su obra.

Sus fotografías han obtenido reconocimiento en todo el mundo. Recientemente, en 2009, su fotografía Suur-Emajõe Meadow fue “altamente recomendada” en el concurso European Wildlife Photographer of the Year 2009 de GDT.

Es uno de los componentes del blog de fotógrafos de naturaleza naturephotoblog.

 

 

Referencias

martes, 24 de abril de 2012

Wayne Miller

Wayne Miller fue un fotógrafo estadounidense (nacido en Chicago en 1918, fallecido el 22 de mayo de 2013) profundo humanista que en su fotografía siempre ha tratado de describir las verdades universales de la humanidad.

 

 

© Wayne Miller / Magnum Photos

© Wayne Miller / Magnum Photos

 

 

Si bien el color de la piel, el idioma y clase social tienden a distinguir un individuo de otro, hay rasgos comunes que, no obstante, unen a toda la humanidad: la búsqueda de la felicidad, sueños, risas, lágrimas, amor, orgullo. Las mismas esperanzas, las mismas preocupaciones.

Piense que el buen sueño es lo que lleva a las buenas fotografías.

 

 

 

Biografía

Estudió banca en la Universidad de Illinois, Urbana, mientras trabajaba a media jornada como fotógrafo. Estudió fotografía en la Art Center School de Los Ángeles de 1941 a 1942.

En 1942 se incorporó al ejército de los Estados Unidos y durante la Segunda Guerra Mundial trabajó como fotógrafo de combate para la Marina en la unidad de Edward Steichen. En agosto de 1945 documentó la devastación de la explosión atómica en Hiroshima siendo uno de los primeros fotógrafos occidentales en documentar la destrucción de Hiroshima y los supervivientes de los bombardeos.

Al finalizar la guerra se instaló de nuevo en Chicago y trabajó como freelance para Life, Fortune y otras revistas.

Entre 1946 y 1948 obtuvo becas de la Fundación Guggenheim que le permitieron realizar un reportaje sobre la comunidad negra de los estados del norte de los Estados Unidos: The Way of Life of the Northern Negro.

Miller enseñó fotografía en el Institute of Design en Chicago, después en 1949 se trasladó a Orinda, California, y trabajó para Life hasta 1953. Los dos años siguientes fue el ayudante de Edward Steichen en la mítica exposición The Family of Man en el Museum of Modern Art.

Fue miembro (llegando a ser presidente) durante muchos años de la Sociedad Americana de Fotógrafos de Revista. Pasó a formar parte de Magnum Photos en 1958, siendo algunos años presidente y un contribuidor de la agencia.

Es un activista de las causas medioambientales desde los años 60, y trabajó en el National Park Service. Después se retiró de la fotografía profesional en 1975 y  se dedicó a la protección de los bosques de California.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 23 de abril de 2012

Alexander Gardner

Alexander Gardner fue un fotógrafo escocés y estadounidense (nacido en Paisley, Escocia, el 17 de octubre de 1821 y fallecido el 10 de diciembre de 1882 en Washington) conocido por sus fotos de la Guerra de Secesión, del presidente Abraham Lincoln y de la ejecución de los condenados por la conspiración que terminó en el asesinato de éste.

 

 

Lewis Powell © Alexander Gardner

Lewis Powell, 1865 © Alexander Gardner

 

 

Biografía

Con 14 años se convirtió en aprendiz de joyero especializado en oro y plata en Glasgow. Educado en el calvinismo e influido por la obra de Robert Owen, socialista galés y padre del movimiento cooperativista, se interesó durante su madurez en la creación de una cooperativa en los Estados Unidos que incorporara valores socialistas. En 1850, Gardner y otros compraron tierras cerca de Monona, en Iowa, para llevar a cabo su proyecto, pero él regresó a Escocia para conseguir más dinero.

En 1851 se convirtió en el propietario y editor del periódico Glasgow Sentinel pero, al visitar la Gran Exposición en Hyde Park, vio la obra fotográfica del estadounidense Mathew Brady y comenzó así a interesarse por el tema.

Gardner y su familia se trasladaron a Estados Unidos en 1856. Como la mayor parte de sus amigos y familiares que habían participado en la cooperativa que había ayudado a formar ya habían muerto, se asentaron en Nueva York. Conoció a Brady y empezó a trabajar para él, en principio como gerente de su galería en Washington, D.C.

En 1860 Abraham Lincoln ganó las elecciones presidenciales de Estados Unidos y el país se vio abocado a la guerra. Gardner, que estaba en Washington vio como creció su popularidad como retratista de los soldados que se dirigían hacia el frente.

Brady había tenido la idea de fotografiar la Guerra Civil. La relación de Gardner con Allan Pinkerton fue la clave para comunicar las ideas de Brady a Lincoln. Pinkerton recomendó a Gardner que tuvo puestos de privilegio dentro del ejército del norte, recibiendo el rango honorífico de capitán. Fotografió la Batalla de Antietam en septiembre de 1862, revelando las fotos en su cámara oscura portátil.

Experto en la técnica del colodión húmedo, trabajó para Brady (desde 1856 a 1862) pero vio con frecuencia cómo su trabajo se le atribuía a su jefe, y a pesar de su considerable obra, los historiadores han tendido a darle un reconocimiento escaso por su documentación de la Guerra Civil.

En mayo de 1863, Gardner y su hermano James abrieron su propio estudio en Washington, D.C, contratando a buena parte del antiguo equipo de Brady. Gardner fotografío la Batalla de Gettysburg y el Asedio de Petersburg durante esa época.

En 1866, Gardner publicó una obra en dos volúmenes, Gardner's Photographic Sketch Book of the Civil War (Cuaderno Fotográfico de Gardner de la Guerra Civil). Cada volumen contenía 50 impresiones originales montadas a mano. No todas las fotos eran de Gardner, pero sí era el productor de los negativos y el positivador.

Entre sus fotografías de Abraham Lincoln está la última que se le tomó al presidente, cuatro días antes de su asesinato, por lo que fue investigado. Documentó también su funeral, y fotografió a los conspiradores que participaron en el crimen (con John Wilkes Booth). Fue el único fotógrafo al que se le permitió hacer fotografías el día de la ejecución por medio de horca, que más tarde serían pasadas a estampas para su publicación en el periódico Harper's Weekly.

Tras la guerra, fue encargado para fotografiar a los representantes de los Pueblos Nativos de los Estados Unidos que habían ido a Washington a discutir unos tratados. En 1867 se convirtió en el fotógrafo oficial de la Union Pacific Railroad, Eastern Division, documentando la construcción de redes ferroviarias en Kansas, West Mississippi y Missouri.

Muchas de sus fotos fueron estereografías. En 1871, abandonó la fotografía y ayudó a fundar una compañía de seguros, estableciéndose en Washington hasta su muerte.

Prácticamente en el comienzo del fotoperiodismo (la fotografía comenzó su presencia en los campos de batalla en la Guerra de EEUU con México, en la Guerra de Crimea y en esta Guerra de Secesión) existe la sospecha de que Gardner movió en alguna fotografía los cadáveres de soldados para obtener una escena más plástica.

 

 

 

Referencias

  • Alexander Gardner en wikipedia [11f],
  • Alexander Gardner en getty (EN [9f]),
  • Alexander Gardner en geh (EN [91f]).

     

     

     

    Libros

    • Rays of Sunlight from South America 1865 (negativos de H. Moulton)
    • Gardner's Photographic Sketch Book of the Civil War (Vol 1 , Vol 2 )1866
  • domingo, 22 de abril de 2012

    Mathew Brady

    Mathew B. Brady fue un fotógrafo estadounidense (nacido hacia 1822 en Warren County, Nueva York, cerca de Lake George y muerto el 15 de enero de 1896 en Nueva York) innovador y precursor del fotoperiodismo en EEUU.

     

     

    Mathiew Brady

    Mathiew Brady

     

     

    Desde un principio, he considerado mi deber hacia el país conservar los rostros de los hombres y mujeres que hacen la historia.

    Mi mayor logro ha sido avanzar el arte de la fotografía y hacerlo que sea un medio grande y veraz para la historia.

     

     

    Biografía

    Era hijo de una familia humilde de emigrantes irlandeses, que llegaron a Estados Unidos a principios del siglo XIX. A los 16 años entró a trabajar en una tienda como oficinista.

    A finales de la década de 1830 se trasladó a Saratoga Springs, donde conoció al artista William Page, que le enseño el oficio de artesano joyero y también le dio lecciones de pintura. Hacia 1839 se trasladó a Nueva York donde Page le presentó a Samuel F.B. Morse (inventor también del código Morse) que le enseñó la técnica fotográfica, el daguerrotipo en concreto, que había aprendido en Europa. Brady quedó fascinado por esta técnica, pero no pudo hasta 1844 obtener el capital y dominio técnico suficiente para dedicarse a la fotografía profesionalmente, abriendo su estudio en Broadway al que llamó Galería de Miniaturas Daguerrianas,

    Joven, enérgico y entusiasta, con su dominio técnico consiguió realizar retratos a personalidades distinguidas de la sociedad neoyorquina. Su fama como retratista lo encumbró como fotógrafo y le permitió abrir otros estudios en la misma ciudad y en Washington.

    En 1850  publicó una serie de retratos, The Gallery of Illustrious Americans, de escritores como Edgar Allan Poe, Walt Whitman, Mark Twain, … y políticos como Abraham Lincoln, que llegó a decir que fue presidente gracias a las fotografías de Brady, y otros. Llegó a retratar a 18 de los 19 presidentes americanos desde John Quincy Adams a William McKinley, y el billete de 5$ lleva una foto suya de Lincoln, como alguna de las monedas.

    Empezó a delegar sus retratos en sus ayudantes, entre los que se encontraba Alexander Gardner, a quien había contratado para que le enseñara la técnica del colodión y con el que trabajó durante el periodo de 1856 a 1863.

    Se le considera el primer fotorreportero en EEUU, por sus retratos de todas las celebridades de su época y por cubrir la Guerra de Secesión norteamericana a gran escala, corriendo grave riesgo, con su carro laboratorio como había hecho previamente Roger Fenton en la Guerra de Crimea. Posteriormente envió a sus 24 ayudantes, con sus carros laboratorios, a diversos escenarios, quedándose él en Washington, D.C., por sus problemas de vista.

    En 1863, Brady realizó una exhibición de fotografías de la Batalla de Antietam, en su galería de Nueva York, titulada La muerte de Antietam. Muchas de las imágenes de esa galería eran fotografías de cadáveres, siendo la primera vez que se mostraba la realidad de la guerra de primera mano.

    Al final de la guerra, Brady tenía 10.000 placas (con un coste de 10$ por placa) que esperaba vender al gobierno, pero éste rehusó, y le dejó en la ruina, teniendo que vender sus estudios (en parte a Gadner). La muerte de su mujer, Juliette, le sumió en una depresión, que frenó con el alcohol y murió solo, ciego y pobre en un hospital de beneficencia.

     

     

    Referencias

     

     

     

    Libros

    sábado, 21 de abril de 2012

    Alex Majoli

    Alex Majoli es un fotógrafo italiano (nacido en 1971 en Rávena, que vive y trabaja en Nueva York y Milán) miembro de Magnum Photos.

     

     

    © Alex Majoli / Magnum Photos

    © Alex Majoli / Magnum Photos

     

     

    No sé muchas cosas sobre mí y la fotografía. Sé que soy instinto. Participo en el baile incluso si no soy un buen bailarín; es difícil entrar, pero cuando se está dentro es más difícil salir.

    Debemos pensar en un fotógrafo como en un samurái que hace rituales, movimientos y gestos para desarrollar sus técnicas y su instinto.

     

     

     

    Biografía

    Con 15 años, se unió al Estudio F45 en Rávena. Mientras estudiaba en el Instituto de Arte de Rávena, se unió a la Agencia Grazia Neri y viajó a Yugoslavia para documentar el conflicto. Volvió muchas veces en los años siguientes, cubriendo todos los eventos importantes de Kosovo y Albania.

    Majoli se graduó en 1991. Tres años más tarde, hizo un retrato íntimo de la clausura de un asilo para enfermos mentales en la isla de Leros, Grecia. Un proyecto que se convirtió en el tema de su primer libro, Leros.

    En 1995 fue a América del Sur durante varios meses, fotografiando diversos temas para su proyecto personal Réquiem en Samba.

    En 1998 trabajó en el proyecto Hotel Marinum, sobre la vida en las ciudades portuarias de todo el mundo, con el que ha realizado un espectáculo teatral multimedia. Ese mismo año comenzó a hacer cortometrajes y documentales.

    Después de convertirse en miembro de pleno derecho (el más joven) de Magnum Photos en 2001, Majoli cubrió la caída del régimen talibán en Afganistán, y dos años después, la invasión de Irak. Sigue documentando diversos conflictos en todo el mundo para las revistas Newsweek, The New York Times Magazine, Granta y National Geographic.

    Ha cubierto guerras desde Yugoslavia hasta Irak, donde estuvo durante todo el conflicto, pasó un mes en China fotografiando la vida diaria. También estuvo dos semanas en el Congo.

    En colaboración con Thomas Dworzak, Paolo Pellegrin y Ilkka Uimonen, realizó la exposición e instalación Off Broadway en Nueva York en 2004, que luego viajó a Francia y Alemania.

    Se ha implicado en el proyecto Bio-Position System (BPS) del Ministerio de Cultura francés, sobre la trasformación social de Marsella.

    Recientemente ha concluido el proyecto Libera me, una reflexión sobre la condición humana.

    Utiliza normalmente para su trabajo compactas Olympus, lo que le permite una fotografía más desapercibida, una vez que solventa los problemas técnicos de su uso.

    Entre otros, ha obtenido estos premios:

    • 2012 World Press Photo: General News, 1º premio en fotografía individual,
    • 2004 Magazine Photographer of the Year de la National Press Photographers Association.
    • 2004 Feature Photography Award del Overseas Press Club.
    • 2004 Honourable Mention en el Leica Oskar Barnack Award.
    • 2003 Infinity Award for Photojournalism del International Center of Photography.

     

     

    Referencias

     

     

    Libros

    viernes, 20 de abril de 2012

    David Santiago

    David Santiago García es un biólogo y fotógrafo español (nacido en 1972 en Saint Marti d’Heres, Francia, reside en Guadalajara, Castilla-La Mancha) especialista actualmente en fotografía de viajes, turismo y aventura.

     

    © David Santiago

    © David Santiago

     

     

     

    Biografía

    A la edad de 16 años comenzó su relación con  la fotografía y desde entonces ha recorrido cerca de 60 países con la única obsesión de capturar imágenes fascinantes del mundo natural. Durante 12 años estuvo dedicado a la fotografía de naturaleza, oculto en escondites camuflados, esperando durante horas e incluso días su momento oportuno. Después, cambio su fotografía por la de viajes, turismo rural y aventura.

    Es amante asimismo de las distintas expresiones de la vida humana, lo que le ha llevado a publicar más de 400 reportajes fotográficos en revistas como Traveler, GEO, Viajes Nacional Geographic, Viajar, Viajeros o Lonely Planet, entre otras muchas. Sus fotos ilustran más de 15 libros de gran formato.

    Ha expuesto en el Museo de Ciencias Naturales de Madrid y ha llevado a cabo trabajos fotográficos y de video para la Unión Europea. Ha participado como profesor en Fotonature y en el ciclo: Un año de fotografía.

    En la actualidad, continúa con sus colaboraciones en el mundo editorial y trabaja para el Ministerio de Medio Ambiente a través de TRAGSA, donde sus fotografías ilustran libros, carteles, exposiciones, audiovisuales y muchos centros de interpretación (Parque Nacional de los Picos de Europa, Parque Nacional de Ordesa, Parque Nacional de Daimiel, …)

    Trabaja con varias agencias fotográficas: Fototeca 9X12, Biosphoto, Sea Pics, Aurora Photo, Westend61, Manbos y colabora con ONGs como WWF/ADENA, CBD Hábitat y la Fundación Rodríguez de la Fuente.

    Pertenece a PorfolioNatural.com y Whytake.net.

     

    Referencias

     

     

    Libros

    jueves, 19 de abril de 2012

    Tim Laman

    Tim Laman es un biólogo de campo y fotógrafo de fauna salvaje estadounidense.

     

     

    © Tim Laman

    © Tim Laman

     

     

    Biografía

    Su infancia transcurrió en Japón, donde pasó mucho tiempo en las montañas y el océano, donde descubrió su interés en explorar la naturaleza, tanto por encima como por debajo del agua.

    Es un investigador asociado al departamento de ornitología de la Universidad de Harvard y miembro de la International League of Conservation Photographers. Su investigación pionera en la selva tropical de Borneo le llevó en 1997 a un doctorado en la Universidad de Harvard y a su primer artículo en National Geographic.

    Desde entonces, ha mantenido su pasión por explorar lugares salvajes y documentar fauna poco conocida y en peligro de extinción siendo un contribuidor regular a National Geographic con dieciséis artículos hasta la fecha, que han tenido siempre un mensaje de conservación de la naturaleza.

    Algunos se han centrado en especies en peligro como orangutanes, monos proboscídeos o los Hornbills (Cálaos, una familia de aves), mientras que otros han tratado regiones bajo presión intensa. También ha publicado más de una docena de artículos científicos relacionados con la ecología y la fauna avícola de la selva tropical.

    Ha obtenido 8 premios en el BBC Wildlife Photographer of the Year con sus imágenes y otros en Nature’s Best, Communication Arts, el North American Nature Photography Association’s Outstanding Nature Photographer y en Pictures of the Year, y tiene algunas de sus imágenes entre la publicación Las 100 mejores fotografías de National Geographic.

    Tim tiene la reputación de conseguir tomas de animales imposibles de obtener, como las de los animales deslizadores de Borneo, aves del paraíso y algunos de los pájaros en mayor peligro de extinción como la paloma de Nuku Hiva y el Visayan Wrinkled Hornbill de las Filipinas. Continúa disfrutando con tales desafíos, y cree firmemente que la promoción de este conocimiento gracias a la fotografía puede hacer una diferencia para la conservación de estas especies.

     

     

     

    Referencias

     

     

    Libros

    miércoles, 18 de abril de 2012

    Stian Holmen

    Stian Holmen es un fotógrafo noruego que realiza principalmente fotografía de naturaleza: fauna y paisaje.

     

     

    © Stian Holmen

    © Stian Holmen

     

     

    Biografía

    Encuentra el siento de la vida allí donde vive: en la naturaleza intacta, paseando con sus perros y su cámara fotográfica, sintiéndose una parte del gran sistema, una fracción poco importante.

    Aunque trabaja fotográficamente con la naturaleza, no se considera un fotógrafo de la naturaleza … por lo menos no en el sentido de un fotógrafo que haga documentales …

    Es evidente que crea fotografías clásicas de naturaleza, y encuentra un gran placer en trabajar con bonitos pájaros, animales, paisajes y entornos maravillosos.

    Considera que su trabajo puede ser una contribución importante a la protección de la naturaleza y la fauna y quiere crear sus propias imágenes con una impronta propia.

    Participa en el blog www.naturephotoblog.com.

     

     

    Referencias

    martes, 17 de abril de 2012

    Nick Knight

    Nick Knight es un fotógrafo inglés (nacido en 1958, vive en Londres) considerado uno de los más influyentes fotógrafos de moda en la actualidad. Su trabajo siempre ha sido considerado como visionario ya que en todas sus propuestas trata de romper esquemas mostrando imágenes bellas, pero de una belleza no convencional que sorprende.

     

     

    © Nick Night

    © Nick Night

    Creo que la fotografía ha muerto.

     

     

    Biografía

    Estudió en el Greenhead College, Huddersfield, antes de inscribirse en el Bounemouth and Poole College of Art.

    Ha ganado numerosos premios por sus trabajos editoriales para Vogue, Dazed & Confused, W magazine, i-D y Visionaire, así como por sus proyectos de moda y publicidad para clientes como Christian Dior, Alexander McQueen, Calvin Klein, Levi Strauss, Yohji Yamamoto e Yves Saint Laurent. Realizó el calendario Pirelli de 2004.

    Obtuvo en 2006 el prestigioso premio Moet Chandon Fashion Tribute. Su trabajo también ha sido considerado por importantes museos como por ejemplo el Victoria & Albert Museum, la Saatchi Gallery,The Photographers Gallery, la Hayward Gallery y, recientemente, The Tate Modern. También a producido una instalación permanente, Plant Power, para el Natural History Museum de Londres.

    Su primer libro, Skinheads, se publicó en 1982, cuando todavía era un estudiante. Por aquel entonces, el editor de i-D le asignó crear una serie de 100 fotografías para el 5º aniversario de la revista, que llamó la atención de Marc Ascoli que le encargó el catálogo de vanguardia de Yohji Yamamoto en 1986 y ,luego de esto, ya todas las más prestigiosas revistas y diseñadores han querido trabajar con él.

    También ha diseñado portadas de discos de David Bowie, Paul Weller, Massive Attack, George Michael, Boy George, Björk, Kylie Minogue, Suede o el vídeo Pagan Poetry (2001) de la islandesa Björk.

    En 2000 lanzó su estudio Showstudio.com dedicado por completo a los videos de moda, donde se pueden encontrar desde campañas de grandes diseñadores a videos experimentales y entrevistas a importantes personajes.

     

     

     

    Referencias

     

     

     

    Libros