viernes, 30 de abril de 2010

Werner Bischof

Werner Bischof fue un fotógrafo suizo (nacido en Zúrich, en 1916 y fallecido en Trujillo, Perú, en 1954) cuya obra alcanzó los más altos niveles de calidad, tanto por la perfección formal como por el compromiso social de sus imágenes; su trabajo es, además, uno de los máximos exponentes de la problemática y la evolución de la fotografía moderna.

 

(c) Werner Bischof

 

“... mucho ha cambiado para mí, pensaba ayer, mientras visitaba una antigua y bellísima capilla. Es encantadora, pero ya no soy capaz de estar aquí luchando horas y horas con lámparas y trípodes por estas cosas “muertas”. Estoy mucho más a gusto junto a la estación, observando el movimiento, el ir y venir ...”

Biografía:

  • Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Zúrich (1932-1936), siendo alumno de Hans Finsler, fotógrafo de la Nueva Objetividad, lo que le llevó a un estilo meticuloso y perfeccionista.
  • En 1939 se traslada a París y decide abandonar la fotografía y dedicarse a la pintura, pero …la guerra le devuelve a la neutral Suiza y a la fotografía.
  • En 1942 entró como fotógrafo de moda en la revista Du, pero tras la guerra comenzó un viaje por Europa retratando los desastres creados por la contienda mundial.
  • En 1949 ingresó en la Agencia Magnum, convirtiéndose en reportero internacional, aunque siguió con su estilo perfeccionista, caracterizado por la composición de la luz y la estructura formal de sus instantáneas.
  • En 1951 realizó un reportaje para la revista Vogue en la provincia india de Bihar, que publicó con el título Hambre en la India, obteniendo un gran éxito.
  • En los siguientes años viajó por Japón (un año entero), Indochina y Corea, reflejando principalmente los ambientes de pobreza de esos países y, en especial, los niños.
  • Murió con 39 años en accidente de coche en los Andes peruanos, haciendo un viaje de inspección a la región amazónica en compañía del geólogo Ali de Szepessy.
  •  

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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jueves, 29 de abril de 2010

Herbert List

Herbert List fue un fotógrafo alemán (nacido en Hamburgo en 1903 y fallecido en 1975 en Munich) conocido por sus colaboraciones en las revistas Vogue, Harper's Bazaar y Life y por sus trabajos sobre desnudos masculinos.

Su obra se suele denominar como fotografía metafísica, como si naciese misteriosamente del interior, pero de un modo especial está considerado como uno de los más importantes fotógrafos del homoerotismo y gran cantidad de sus fotos tratan el desnudo masculino en blanco y negro.

 

(c) Herbert List

 

Biografía:

  • Nacido en una próspera familia de comerciantes, realizó estudios de historia de la literatura en la Universidad de Heidelberg y tras finalizarlos regresó a Hamburgo en 1924, incorporándose como aprendiz en el negocio de importación de café que su padre dirigía.
  • Hasta 1929 estuvo realizando viajes comerciales a Brasil, Guatemala, Costa Rica y El Salvador, al regresar a Alemania se convirtió en asociado de List & Heineken que era el nombre del negocio paterno.
  • Empezó a interesarse por la fotografía animado por Andreas Feininger en 1930 tras conocer el trabajo visual de René Magritte, Man Ray y Giorgio de Chirico. Por ello su trabajo se inició bajo el prisma del surrealismo.
  • En 1935, por motivos políticos y personales, dejó el trabajo en su empresa y se trasladó a París y al año siguiente a Londres, donde montó un estudio fotográfico en 1938 y comenzó a vender sus fotos para revistas como Vogue, Harper's Bazaar y Life.
  • En 1945 regresó a Munich y en 1948 se convirtió en editor de arte de la revista Heute que publicaban los aliados.
  • En los años siguientes, hasta 1962, estuvo viajando y visitando países como Grecia, España, Italia, Francia, México y el Caribe, y publicando en diversas revistas: Heute, Época, Look, Harper's Bazaar, Flair, Picture Post y Life.
  • Fue seleccionado para participar en la exposición The family of man en el MOMA en 1955.
  • En 1951 se encuentra con Robert Capa, que le anima a entrar en la Agencia Magnum, aunque realizó pocos encargos para ella.
  • En 1964 recibió la medalla David Octavius Hill de la Sociedad alemana de fotografía.
  • En sus últimos años de vida realizó numerosas exposiciones en ciudades como Londres, Múnich, Düsseldorf, Zúrich, Milán y Nueva York.
  • Se han realizado numerosas exposiciones retrospectivas, un ejemplo fue la llamada Herbert List, el ojo mágico que estuvo en la Fundación la Caixa y el IVAM entre enero y marzo de 2000.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

Y para terminar, un video recopilativo de su obra en Italia:

 

 

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miércoles, 28 de abril de 2010

August Sander

August Sander fue un fotógrafo alemán (nacido en Herdorf, en el distrito de Altenkirchen en Renania-Palatinado, Alemania, en 1876 y fallecido en Colonia, en 1964) cuyo trabajo incluye fotografía de paisajes, naturaleza, arquitectura y fotografías de la calle, pero es especialmente famoso por sus retratos, como lo demuestra la serie Hombres del siglo XX. En esta serie trata de ofrecer un catálogo de la sociedad alemana durante la República de Weimar. La serie se divide en siete secciones: Campesinos, comerciantes, mujeres, clases y profesiones, artistas, la ciudad y el pasado: los sin hogar, veteranos de guerra, …

 

(c) August Sander

 

Biografía:

  • Fue hijo de un carpintero que trabajaba en una mina y su destino inicial fue trabajar también él en la mina. Mientras trabajaba allí, Sander aprendió los primeros rudimentos de la fotografía, ayudando a un fotógrafo que trabajaba para la empresa minera.
  • Con el apoyo económico de su tío, compró un equipo fotográfico y construyó un cuarto oscuro
  • Entre 1897 y 1899 realizó el servicio militar como asistente de fotógrafo, y los años siguientes viajó a través de Alemania retratando a la gente con la que se tropieza por Berlín, Magdeburgo, Halle, Leipzig o Dresde, además de fotografiar los paisajes que atraviesa.
  • En 1901 comenzó a trabajar para un estudio fotográfico en Linz, convirtiéndose en el primer socio en 1902 y, a continuación, único propietario.
  • En 1909 se marcho y abrió un nuevo estudio en Colonia, documentando imágenes de granjeros.
  • En los primeros años 20, se sumó al Grupo de artistas progresistas de Colonia, y comenzó un catalogo de la sociedad contemporánea alemana, a través de una serie de retratos.
  • En 1927, junto con el escritor Ludwing Matha, viajo a Cerdeña durante tres meses, haciendo alrededor de 500 fotografías, Sin embargo, su detallado diario de estos viajes nunca se completó.
  • En 1929 publica su primer libro Face of our Time que contiene una selección de 60 retratos de la serie Retratos del siglo XX. Esta obra tiene gran resonancia entre el público y renombrados intelectuales alemanes como Walter Benjamin, Thomas Mann y Kurt Tucholsky.
  • Con la llegada de los nazis al poder, su trabajo y su vida personal se vieron gravemente limitados. Su hijo, Erich, miembro del partido izquierdista Sozialistische Arbeiterpartei Deutschlands, fue detenido en 1934, y condenado a 10 años de cárcel, falleciendo en 1944, poco antes de la finalización de su condena y del final de la guerra.
  • Su libro Face of our Time fue incautado en 1936 por los nazis, y las placas fueron destruidas.
  • Durante la década siguiente sus trabajos fueron dirigidos principalmente a fotografiar la naturaleza y el paisaje.
  • Cuando estallo la Segunda Guerra Mundial se fue de Colonia, trasladándose a una zona rural. Su estudio fue destruido en 1944 durante un bombardeo.
  • Después de la guerra se dedicó a recorrer y guardar testimonio fotográfico de la Colonia destruida a la par que su trabajo se inclinaba progresivamente hacia la fotografía de paisajes y la arquitectura.
  • En el año 1961 recibió el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.
  • El archivo más completo de su obra, cerca de 4,500 fotografías originales y más de 10.000 negativos, está en posesión de la Fundación Cultural de la Caja de Ahorros de Colonia, que, periódicamente, organiza exposiciones.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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martes, 27 de abril de 2010

Adriana Lestido

Adriana Lestido es una fotógrafa argentina (nacida en Buenos Aires en 1955, vive y trabaja en esta ciudad) cuyas imágenes en blanco y negro tienen un virtuosismo en tratar situaciones límites  que transmiten un respeto y una ética de trabajo. La mujer, el amor, el desamor, la soledad, los hijos son sus temas favoritos.

 

 (c) Adriana Lestido

 

Biografía:

  • Comenzó sus estudios de fotografía en 1979.
  • Entre 1982 y 1995 trabajó como reportera gráfica para el diario La Voz, la agencia DyN y el diario Página 12.
  • Ha realizado diversos trabajos fotográficos como:
    • Villa Gesell (2005)
    • El amor (1992-2005),
    • Madres e hijas (1995/98),
    • Mujeres presas (1991/93),
    • Madres adolescentes (1988-90),
    • Hospital Infanto-Juvenil (1986-88).
  • Desde 1995 complementa su producción artística con la docencia, coordinando talleres y seminarios fotográficos.
  • En 2002 fue invitada a participar del proyecto Violencia / Silencio por Trama (Argentina) y Pulse (Sudáfrica), que se realizó en Durban y Nieubethesda (Sudáfrica).
  • Ha expuesto su trabajo en forma individual y colectiva en el país y en el extranjero, realizando recientemente la retrospectiva Lo que se ve, fotografías 1979/97, en la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta.
  • Ha publicado dos libros:
    • Mujeres Presas (colección fotógrafos argentinos, 2001, reedición 2008) y
    • Madres e hijas (La Azotea Editorial, 2003, con subsidio de la Fundación Guggenheim).
  • Premios:
    • 1998 Premio Leonardo (Museo Nacional de Bellas Artes. Buenos Aires, Argentina)
    • 1997 Primer Premio Fundación Mother Jones (San Francisco, USA)
    • 1995 Beca Fundación Guggenheim (New York, USA)
    • 1991 Beca Fundación Hasselblad (Göteborg, Suecia)
    • 1988 Primer Premio Diario La Nación (Buenos Aires, Argentina)
    • 1984 Primer Premio Derechos Humanos (Buenos Aires, Argentina).
  • Sus obras forman parte de las siguientes colecciones:
    • Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina;
    • Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina;
    • Museo de Arte Contemporáneo Castagnino Macro, Rosario, Argentina;
    • Museum of Fine Arts, Houston, USA;
    • Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela;
    • Bibliothèque Nationale, París, Francia;
    • Chateau d’eau, Toulouse, Francia;
    • Hasselblad Center, Göteborg, Suecia;
    • Centre Régional de la Photographie Nord Pas-de-Calais, Francia;
    • Colecciones privadas de Argentina, Estados Unidos y Francia.
  • Expondrá en 2010 en Casa de América de Madrid, en PHotoEspaña 2010.

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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lunes, 26 de abril de 2010

Horst P. Horst

Horst Paul Albert Bohrmann, conocido como Horst P. Horst o sólo Horst fue un fotógrafo alemán (nacido en Weissenfels, cerca de Weimar, en 1906 y fallecido en 1999 en Palm Beach Gardens), conocido principalmente por su fotografía de moda, aunque también por sus fotografías de arquitectura, interiores y naturalezas muertas con plantas. Es el creador de algunas de las imágenes más famosas y reconocibles del estilo Art Decó, como su fotografía titulada The Mainbocher Corset, que es considerada un icono fotográfico.

En su obra se nota con frecuencia la influencia del surrealismo y de los ideales de belleza en el clasicismo griego. También se observa una gran planificación de las escenas y una utilización particular de la iluminación, así en la mayoría de los casos empleaba cuatro focos estando uno de ellos apuntando hacia abajo desde el techo. Realizó la mayoría de su trabajo en blanco y negro, sin embargo se limitaba a realizar la toma de la fotografía encargándose otras personas de su revelado, positivado, retoque y edición. Realizó también algunas fotografías en color, sobre todo de interiores.

 

The Mainbocher Corset (c) Horst P. Horts

 

Biografía:

  • Desde que en su adolescencia conoció a Eva Weidemann en casa de su tía mostró gran interés por la vanguardia, por lo que se marchó a estudiar a la Escuela de Artes de Hamburgo y en 1930 a París con Le Corbusier.
  • Allí conoció a George Hoyningen-Huene que trabajaba en Vogue y con él viajó a Gran Bretaña donde entraron en contacto con Cecil Beaton que preparaba sus fotos para la edición británica de la revista. En noviembre de 1931 Horst publicó por primera vez en la edición francesa de Vogue.
  • En 1932 realizó su primera exposición en el local La Plume d'Or de París y tuvo mucho éxito.
  • A partir de ese momento realizó numerosos retratos entre los que se pueden destacar Bette Davis, Noel Coward, Yvonne Printemps, Lisa Fonssagrives, Natasha Paley, Cole Porter y Elsa Schiaparelli en el plazo de un par de años.
  • En 1937 se trasladó a Nueva York donde conoció a Coco Chanel y se convirtió en el fotógrafo de la firma de moda durante treinta años.
  • En 1942 realizó un retrato a Marlene Dietrich. Aunque ella protestó por la iluminación que tenía al tomar la fotografía, le gustó el resultado final y empleo esa foto para su propia publicidad.
  • En 1943 adoptó la nacionalidad estadounidense y tomó el nombre legal de Horst P. Horst.
  • Al finalizar la guerra hizo un retrato de Harry S. Truman y se convirtió en fotógrafo de las diferentes primeras damas durante la postguerra.
  • A partir de 1960 realizó una serie fotográfica para Vogue sobre el estilo de vida de los miembros de la clase alta internacional, con textos escritos por su compañero y diplomático inglés Valentine Lawford.

 

 

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domingo, 25 de abril de 2010

Jack Delano

Jack Delano fue un compositor, cineasta y fotógrafo americano (nacido en Voroshilovka, Ucrania, como Jacob (Jasha) Ovcharov, en 1914 y fallecido en Puerto Rico en 1997) conocido, además de por su trabajo para la FSA, por su fotografía en color y por sus fotografías de trazos de luz en las estaciones de ferrocarril.

(c) Jack Delano

 

He llegado finalmente a creer que lo que él [Casals] dijo sobre la música y las películas es verdad en todas las formas de arte. Lo que son las reglas básicas de composición: orden, balance, contraste, tensión, clímax y resolución, se pueden aplicar igualmente a cada forma de arte, ya sea un poema, una película, una pintura, una fotografía, un juego, una escultura, una sinfonía o de una catedral. ¿Qué  es el Taj Mahal sino una sinfonía en mármol?

 

Biografía:

  • Nacido a unos 200 Km. al sur de Kiev, a los 9 años emigró a los Estados Unidos con sus padres y un hermano menor.
  • De 1924 a 1932 estudió arte y música (solfeo, viola y composición) en Pennsylvania.
  • Después de su graduación realizó un proyecto fotográfico en el que hacía un estudio de las condiciones de trabajo de los mineros en las minas de antracita de Pennsylvania.
  • Hasta su cierre en 1943 trabajó en la Farm Security Administration (FSA), donde también trabajaron Walter Evans, Dorothea Lange y Gordon Parks.
  • Por su trabajo en la FSA en 1941 viajó a Puerto Rico. Le causó tal impresión que se estableció permanentemente allí desde 1946 hasta su muerte.
  • Con su esposa Irene Esser trabajó en la Community Division of the Department of Public Education, produciendo películas y dirigiendo el clásico Los Peloteros, que trata de los pobres niños rurales de Puerto Rico y su pasión por el beisbol.
  • Realizó también varias composiciones musicales, utilizando en la mayoría el folclore puertorriqueño de forma clásica.
  • Con su amigo el poeta Tomás Blanco y su mujer Irene realizaron varios libros, entre ellos el clásico de la literatura portorriqueña The Chid's Gift; A Twelfth Night Tale, donde a la prosa de Tomás y las ilustraciones de Irene se añadían en los márgenes música de Jack.
  • Su trabajo en Puerto Rico incluyó fotografía y videos educativos hechos para el Departamento de Educación de la isla y una estación de televisión pública.
  • En el 1979, Jack Delano obtuvo una beca de la Fundación Nacional de las Humanidades para documentar fotográficamente el Puerto Rico de la década de 1980 a fin de hacer un estudio comparativo con las fotografías que tomó en Puerto Rico en los años cuarenta. De esta labor resultaron varias exposiciones fotográficas presentadas en Puerto Rico, los Estados Unidos, Venezuela y Argentina y en la publicación del libro Puerto Rico mío.

 

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sábado, 24 de abril de 2010

Gertrude Käsebier

Gertrude Käsebier fue una fotógrafa americana (nacida como Gertrude Stanton en 1852 en Moines, Iowa, y fallecida en 1934 en Nueva York) que fue uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX. Es conocida por sus emotivas imágenes sobre la maternidad, sus magníficos retratos y su promoción de la fotografía como una carrera para la mujer.

 

Evelyn Nesbit, 1900 (c) Gertrude Käsebier

 

He hecho incesantemente retratos de gente … para hacer algo semejante a una biografía, para obtener en cada fotografía la personalidad esencial.

Aconsejo seriamente a las mujeres con gusto artístico introducirse en el poco trabajado campo de la fotografía moderna. Ésta parece estar adaptada especialmente para ellas y las pocas que lo han hecho están consiguiendo un éxito gratificante y provechoso.

Biografía:

  • Gertrude Käsebier, casada y con tres hijos, se inició tardíamente en la fotografía profesional.
  • Casada con Eduard Käsebier, su vida era infeliz. Impensable el divorcio en aquella época, hacían vidas separadas desde 1880, pero su marido contribuyó a sus estudios, con 37 años, de química de fotografía en Alemania y de pintura en París con el pintor Frank DuMond.
  • Comenzó en la década de 1890 a realizar ocasionalmente fotografías a sus hijos.
  • En 1897 abrió un estudio de fotografía de retrato en Nueva York, una vez que su marido enfermó y la situación económica se tornó delicada.
  • Rápidamente obtuvo éxito con sus retratos y en 1898 se le dedicó una exposición en el New Yorker Camera Club.
  • Realizó retratos de los componentes indígenas del circo "El salvaje oeste de Buffalo Bill", que son sus obras más representativas.
  • Su fotografía titulada "El nacimiento" se vendió en 1899 por 100 dólares, siendo éste el mayor precio que hasta el momento se hubiera pagado por una fotografía artística.
  • En 1902 Stieglitz incluyó a Käsebier como miembro fundador en el grupo Photo-Secession.
  • En 1903 el Camera Work de Stieglitz publicó seis de sus fotografías.
  • Acuciada por las necesidades económicas (tiene que mantener a su familia y a su marido enfermo) se interesa más por el lado comercial de la fotografía y choca con la naturaleza idealista y anti materialista de Stieglitz.
  • En 1906 se asocia a Fotógrafos Profesionales de Nueva York y se distancia más de Stieglitz.
  • En 1910 muere su marido, lo que le da más libertad económica y continúa realizando retratos a las celebridades de ese tiempo.
  • En 1916 contribuyó en la fundación de Pictorial Photographers of America con Clarence White y Alvin Langdon Coburn.

 

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

Y, para terminar, un video:

 

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viernes, 23 de abril de 2010

Willard van Dyke

Willard van Dyke fue un fotógrafo y cineasta americano (nacido en 1906 en Denver y fallecido en 1986) que creía que la fotografía debería tener una mayor influencia en el mundo y que el cine podría cambiarlo.

 

(c) Willard VanDyke

Dejo la fotografía por que no me proporciona las cosas que sé que el cine puede darme. Estoy excitado e interesado en el cine como un medio puro de expresión, pero estoy más interesado todavía en utilizarlo con un fin social.

 

Biografía:

  • Creció en una granja en Denver y se fue a California con 28 años.
  • Trabajó como un empleado de banco, vendedor de seguros y técnico de rayos X.
  • En 1928 fue aprendiz de Edward Weston.
  • En 1932 fue uno de los cofundadores del Grupo F/64, junto con Imogen Cunningham, Ansel Adams, and Weston. El grupo propugnaba la fotografía directa (Straight Photography).
  • En 1935 se trasladó a Nueva York y comenzó a realizar películas documentales con las que creía que “podría cambiar el mundo”.
  • Su nombre llegó a ser sinónimo de los documentales sociales de Estados Unidos. Sus imágenes de campos de algodón y polígonos industriales y sus retratos de los parados y sus familias proporcionan una crónica impagable de aquellos años y se han convertido en ejemplos intemporales del arte cinematográfico.
  • En 1938 fue cámara en la película The River de Pare Lorentz.
  • También en 1938, en colaboración con Ralph Steiner realizó The City.
  • Durante la Segunda Guerra Mundial produjo diferentes películas de propaganda para el gobierno.
  • Otros importantes documentales suyos son Valley Town (1940), The Children Must Learn, y Skyscraper (1958), una película para conmemorar la fundación de las Naciones Unidas.
  • En 1948, Van Dyke creó el documental The Photographer sobre Edward Weston.
  • Durante los 50 consiguió no entrar en las listas negras.
  • De 1965 a 1974 fue director del Departamento de Cine del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
  • En 1967 fue jurado en el 17th Berlin International Film Festival.

 

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jueves, 22 de abril de 2010

Henry Swift

Henry Swift  fue un fotógrafo americano (nacido en 1891 en Berkeley, California, y fallecido en 1962 también en Berkeley) conocido por haber formado parte del Grupo f/64.

Imogen Cunningham (c) Henry Swift

 

Biografía:

  • En los primeros años 20 conoció por casualidad a Edward Weston en Carmel, California, y comenzó a hacer fotografías como hobby, ya que tenía un buen trabajo de corredor de bolsa.
  • En 1932 fue miembro fundador del Grupo F764 con Weston, Ansel Adams, Imogen Cunningham y otros.
  • A finales de ese año, en la exposición del grupo en el M.H. de Young Memorial Museum de San Francisco, mostro 9 copias, el mismo número que Weston.
  • Mientras participaba en el grupo, también iba coleccionando fotografías del resto de miembros del grupo, lo que podía hacer por sus elevados ingresos.
  • Cuando se disolvió el grupo, su interés por la fotografía fue decayendo.
  • A su muerte, su viuda Florence reunió su colección de fotografías del grupo y algunas donaciones  más de los miembros del grupo y donó la colección completa al Museo de Arte Moderno de San Francisco.

 

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miércoles, 21 de abril de 2010

Montserrat Vilimelis

Montserrat Vilimelis i Guitart alias MOONtseta es una joven diseñadora gráfica y fotógrafa catalana (nacida en Vilanova de la Barca, Lleida, en 1973, vive actualmente en Barcelona) que despliega talento, expresividad, sensualidad, creatividad, humor y desenfado en sus fotografías que comparte en flickr y en sus blogs.

 

(c) Montserrat Vilimelis

 

Realiza principalmente retrato y autorretrato, ya sea en blanco y negro o en color, de una manera intuitiva, haciendo de maquilladora, diseñadora, estilista, iluminación, atrezzo y fotógrafa, y a veces también de modelo.

 

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martes, 20 de abril de 2010

Horacio Coppola

Horacio Coppola es un fotógrafo argentino (nacido en 1906 en Buenos Aires, dentro de una familia de origen italiano) que es considerado como el mejor exponente de la fotografía argentina del siglo XX.

 

(c) Horacio Coppola

 

Soy fotógrafo. Mi obra, imagen óptica de lo real, transcrita por la cámara y contenida en la imagen final, es testimonio de mi identidad de autor: fragmento de la realidad, criatura de mi visión, ahora liberada según su orden para vivir su vida propia.

Biografía:

  • Comenzó a conocer la fotografía de la mano de su hermano mayor que poseía una cámara de gran formato.
  • En 1927 comenzó a fotografiar por su cuenta, siendo sus referencias en esa época los fotógrafos Nadar, Hill y Weston. Todo su aprendizaje lo realiza de forma autodidacta.
  • Recorre Buenos Aires fotografiando la evolución de la ciudad, el contraste entre el antiguo y el nuevo Buenos Aires. Lo hace de día y de noche, solo o acompañado por sus amigos.
  • Sus fotografías ilustran la primera edición de "Evaristo Carriego" de Jorge Luis Borges.
  • Al final de los años 20, viaja a Europa y conoce Alemania, Francia, España e Italia donde conoce a su abuela en Génova.
  • A su paso por Alemania adquiere una Leica, objeto de gran prestigio ya en aquélla época entre los fotógrafos callejeros. Usará a partir de ese momento la Leica, aunque no abandona definitivamente las cámaras de gran formato.
  • En 1932 realiza un segundo viaje a Europa, éste con la intención de aprender fotografía de la mano de grandes maestros europeos. Estudia en la Bauhaus, hasta el cierre de la misma por la presión de los nazis.
  • A su vuelta a Buenos Aires publica el libro "Buenos Aires, 1936" con textos de Alberto Prebisch y de Ignacio Anzoátegui.
  • También trabajó en el mundo del cine, con varios documentales y cortometrajes propios, como El Obelisco (1936).
  • En 1937, junto a su esposa alemana Grete Stern, abre un estudio fotográfico, con el fin de difundir la fotografía y los nuevos usos que se están haciendo de la misma, por ejemplo en la publicidad.
  • Vuelve de nuevo a Europa en 1946.
  • En 1960 comienza a utilizar el color.
  • En 1967 vuelve de nuevo a Europa.
  • En 1971 viaja por Estados Unidos, México y Guatemala.
  • Entre 1975 y 1982 ejerce como profesor de fotografía en Buenos Aires.
  • No sé si vive actualmente, pero pasó con lucidez sus 100 años.
  • Se expone la producción inicial del fotógrafo, fruto sobre todo de sus años de formación en Europa, a comienzos de los años treinta del pasado siglo XX, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid hasta el 16 de enero de 2011.

 

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lunes, 19 de abril de 2010

Sonya Noskowiak

Sonya Noskowiak fue una fotógrafa alemana nacionalizada americana  (nacida en 1900 en Leipzig, Alemania, y fallecida en 1975 en Greenbrae, EE. UU.).

 

(c) Sonya Noskowiak

Biografía:

  • Comienza su carrera fotográfica en 1929 en el estudio de Johan Hagemeyers en Los Ángeles.
  • Poco después trabajará para Edward Weston, con quien vivirá entre 1929 y 1934, siendo su musa, amante, asistente de laboratorio, etc. y  manteniendo al mismo tiempo su propia clientela de retratos.
  • En 1932 funda, junto a Imogen Cunningham, John Paul Edwards, Ansel Adams, Henry Swift, Willard van Dyke y Edward Weston el Grupo f/64.
  • Sus fotografías se publican por primera vez en 1934 en una exposición del Grupo f/64.
  • En los siguientes años también realizará sus propias exposiciones en las galerías de Ansel Adams, Denny-Watrous y Williard Van Dykes.
  • En 1935 funda su propio estudio en San Francisco, en el que trabajará hasta el año 1965.
  • Muchas de sus fotografías se encuentran hoy día en el Center for Creative Photography en Tucson.

 

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domingo, 18 de abril de 2010

Pedro Otero

Pedro Otero fue un dibujante, pintor, fotógrafo y hasta escultor argentino (nacido el 5 de Julio de 1913 en Avellaneda, de padre gallego, y fallecido el 20 de febrero de 1981, también en Avellaneda) cuyos múltiples y genuinos recursos lo llevaron a ser considerado un maestro de la fotografía.

Deshumanización del hombre (c) Pedro Otero

 

Biografía:

  • En 1925 comienza a trabajar como ayudante en un estudio fotográfico y a estudiar dibujo y pintura en escuelas nocturnas de Avellaneda. Luego ingresa en la Academia de Artes Decorativas de la Nación. Profundiza su formación en plástica con el maestro español Gregorio Lloret Linares.
  • Trabaja en fotoperiodismo para los diarios "La libertad", "La Ciudad", ambos de Avellaneda y "Noticias Gráficas", de tiraje nacional.
  • En 1943 abre su estudio fotográfico en la esquina de 25 de Mayo y Avenida Mitre en Avellaneda.
  • En 1952 realiza su primera exposición individual "Mis fotos".
  • En 1954 obtiene la Medalla de la Villa de Burdeos,
  • En 1955 expone por primera vez la serie "La fotografía y la música".
  • En 1957 se publica su obra en Photo Digest Die Galerie.
  • La empresa Voigtländer, de Brunswick, Alemania, adquiere varias de sus obras.
  • La empresa AGFA lo incorpora como asesor técnico en su sede de Buenos Aires y en su casa central de Leverkusen, Alemania.
  • En 1961 obtiene el Premio Cóndor de la Federación Argentina de Fotografía,
  • En el 63 obtiene otro premio Cóndor de la Federación por su serie “El Brasil que yo vi”,
  • En 1977 es invitado de honor en el Cuarto Salón Nacional de Arte Fotográfico y pasa a integrar la Academia Argentina de Ciencias y Arte de la Fotografía.
  • El Teatro Colón de la ciudad de Buenos Aires adquiere los vintages de la colección "La fotografía y la música"; donde son expuestos, luego pasan al Centro Cultural Recoleta de la misma ciudad, para también ser exhibidos. Debido a que los mismos son mal conservados se han destruido.
  • Se incorpora su obra a la colección de Fotografía Argentina Contemporánea del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
  • Se edita el libro "Cuatro por cuatro y de frente", con un texto autobiográfico e imágenes de sus obras.
  • El 20 de febrero de 1981, a los 68 años, fallece en Avellaneda.

 

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sábado, 17 de abril de 2010

Lee Miller

Elizabeth 'Lee' Miller fue una modelo y fotógrafa americana (nacida en Poughkeepsie, estado de Nueva York, en 1907 y fallecida en 1977 en Chiddingly, East Sussex, Inglaterra) conocida principalmente por sus fotografías surrealistas, aunque también trabajó el retrato y la fotografía de moda, además de la documental sobre la Segunda Guerra Mundial y su postguerra.

 

(c) Lee Miller

Biografía:

  • Su padre fue un ingeniero, inventor y fotógrafo aficionado que no llegó a trascender como tal y para el cual posó en sus primeros 25 años. Seguramente fue de su padre de quien aprendió mucho acerca de la dinámica de una sesión fotográfica así como los aspectos técnicos.
  • Con 19 años, paseando por la calle, es descubierta por Condé Nast (Vogue) y comienza su fulgurante carrera como modelo, siendo fotografiada por Edward Steichen, Arnold Genthe y Nickolas Murray.
  • En 1926, sus padres la enviaron a Paris para estudiar, pero después de un año volvió a casa por la delicada situación europea y comenzó con sus estudios de iluminación de Teatro.
  • En 1929 volvió a Paris donde se convirtió en la modelo favorita de Patou, Schiaparelli y Lucien Lelong.
  • En Paris conoce a Man Ray. Al poco tiempo de conocerlo se convierte en su ayudante y amante con quien vivió durante tres años, a partir de esta relación con Man Ray hace amistades con Picasso, con el poeta surrealista Paul Eluard y con otras celebridades de la élite cultural y artística.
  • En 1930 conoce a Jean Cocteau que buscaba una mujer para el papel de estatua femenina de su película "La Sangre de un Poeta". Esa misma noche fue elegida Lee Miller, que se encontraba con su amigo Man Ray.
  • Abrió su propio estudio en Paris y se estableció dentro de la escuela surrealista fotográfica de Paris.
  • En 1932 tuvo su primera exposición en Nueva York.
  • En 1933 vuelve a Nueva York donde instaló, junto a su hermano, un estudio para dedicarse al retrato, haciendo ella las tomas y su hermano el trabajo en el cuarto oscuro.
  • A fines de este año tiene lugar su segunda muestra individual en Nueva York sobre retratos y moda.
  • En 1934 se casa y se va a vivir a Egipto, viajando y viviendo como millonaria.
  • En 1937 viaja a Paris y se enamora del pintor surrealista inglés Roland Penrose. Pero dejar a su marido no le fue fácil y volvió por dos años a Egipto.
  • Finalmente en 1939 vuelve a Inglaterra y cuando estalla la segunda guerra mundial consigue trabajar para la oficina de Vogue en Londres y comenzó a documentar los horrores de la guerra.
  • En 1941 conoce al fotógrafo de la revista Life David Sherman, con el que viajaría y fotografiaría la segunda guerra mundial: el sitio de St. Malo, la liberación de París, la batalla de Alsacia, los campos de concentración de Buchenwald y Dachau, los hospitales de huérfanos de Viena y el fusilamiento del ex-primer ministro húngaro László Bárdossy.
  • En 1947 se funda la agencia Magnun  y Lee Miller se convirtió en uno de sus primeros miembros.
  • También en 1947 se casa con Roland Penrose y vivirá en su granja de Farley Farm House, que se convirtió en una meca donde acudían artistas como Picasso, Man Ray, Henry Moore, Eileen Agar, Jean Dubuffet, Dorothea Tanning y Max Ernst.
  • Aunque participa con sus fotografías en las biografías de Picasso, Tapies y otros, abandona el cuarto oscuro para dedicarse a la cocina.
  • Tras su muerte, deja más de 40.000 fotografías en su archivo, que gestiona su hijo Anthony Penrose, que divulga su obra.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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viernes, 16 de abril de 2010

Ivo Saglietti

Ivo Saglietti es un fotógrafo francés (nacido en Toulon en 1948) conocido por su trabajo en documentalismo y ensayo fotográfico.

 

La sombra y la vida (c) Ivo Saglietti

“Siempre he sentido una inmensa rabia hacia la injusticia y el poder. Mi primer acto de rebeldía fue tirarle una silla a la cabeza a un cura”.

"Una buena foto debe conseguir mostrar parte de la personalidad de quien la toma”.

 

Biografía:

  • Tras estudiar y trabajar en cine, cuando cumple los 30 años decide dejarlo por la fotografía, momento en el que empieza a trabajar para varias agencias francesas y americanas como corresponsal en África y Medio Oriente.
  • A partir de 1988 se centra en desarrollar algunos de sus proyectos personales en colaboración con Zeitenspiegel. Entre ellos se encuentran:
    • Krusha e Made, donde retrata la vida de una villa kosovar después de la guerra,
    • Granjeros y pescadores en Nigeria y
    • Las aguas entre Sicilia y Tunisia, donde trabaja la idea del Mediterráneo como frontera.
  • Entre los premios recibidos cabe destacar:
    • World Press Photo de 1992,
    • World Press Photo en 1999,
    • Enzo Baldón en 2007.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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jueves, 15 de abril de 2010

Jill Greenberg

Jill Greenberg es una fotógrafa canadiense (nacida en 1967 en Montreal, Quebec, creció en un suburbio de Detroit y vive en Los Ángeles, Estados Unidos) mundialmente reconocida por sus característicos estilos de iluminación y de post-proceso digital.

 

(c) Jill Greenberg

© Jill Greenberg

 

 

Biografía

Desde los 10 años ha fotografiado y creado personajes usando todos los medios a su alcance, dibujando, pintando, filmando, haciendo esculturas y fotografiando.

En 1989 se graduó con honores en la Rhode Island School of Design con un BFA en fotografía.

Después se trasladó a Nueva York para proseguir con su carrera fotográfica.

En 2000 se fue a Los Ángeles donde encontró a su marido Robert.

Ha realizado trabajos para Philip Morris, Microsoft, Compaq, Polaroid, Dreamworks, Sony Pictures, Paramount Pictures, MGM, Disney, Fox, Coca Cola, Pepsi, Smirnoff, MTV, Warner Bros., Sony Music, y Atlantic Records.

Sus fotos han aparecido en las portadas de Time Magazine, TV Guide, Newsweek, US News and World Report, Wired, Entertainment Weekly y muchas otras.

También ha expuesto sus trabajos en galerías de Nueva York, Los Ángeles y Adelaida, Australia, así como en San Francisco, Chicago y otras ciudades.

Sus series y fotografías más conocidas son:

  • sus fotos de animales de estudio,
  • niños llorando en la serie end times, haciendo referencia a la reelección de George Bush,
  • el candidato a la presidencia John McCain.

Los estilizados e hiperreales primeros planos de niños llorando que componen End Times fueron motivo de gran controversia en 2006. La técnica para hacerles llorar consistía en ofrecerles caramelos, para arrebatárselos posteriormente. Fueron muchos los alegatos de  conducta poco ética e incluso de abuso infantil que llegaron a su galería. Ella, que es madre, asegura lo contrario e indica que los niños fotografiados no fueron dañados de ninguna manera. Para Jill estos retratos reflejan la frustración que sentía con la administración Bush y con el fundamentalismo cristiano en los Estados Unidos.

 

 

Referencias

 

 

Libros

miércoles, 14 de abril de 2010

Charles C. Ebbets

Charles Clyde Ebbets fue un fotógrafo americano (nacido en Gadsdem, Alabama, en 1905 y fallecido en 1978) que trabajó para los principales periódicos americanos y que es conocido por sus fotografías de los obreros de los rascacielos.

Lunch atop a Skyscraper (c) Corbis

 

Esta fotografía  "Lunch atop a Skyscraper" (Almuerzo en la cima de un rascacielos) es su foto más famosa. La fotografía fue tomada en Nueva York, el 29 de septiembre de 1932, y la publicó el New York Herald Tribune en el suplemento dominical del 2 de octubre de ese mismo año. Está tomada en la planta 69 de las 70 que tiene el edificio GE del Rockefeller Center.

Cosa curiosa, el archivo Bettman, propietario de los derechos de esta foto, no lo reconoció como su autor. Con la compra del archivo por Corbis en octubre de 2003, y por las pruebas aportadas por su hija, finalmente se le ha reconocido su autoría.


Biografía:

  • A los 8 años se compró su primera cámara fotográfica, cargándola a la cuenta de sus padres.
  • Fue actor, piloto de carreras, piloto de aviación, luchador, cazador... y fotógrafo.
  • Publicó para los principales periódicos de Estados Unidos y en 1932 fue nombrado director de fotografía del Rockefeller Center de Nueva York, donde realizó las que seguramente son sus fotos más famosas, "Lunch atop a Skyscraper" y "Resting on a girder", con obreros almorzando o echando la siesta sobre una viga a cientos de metros sobre el suelo, construyendo un rascacielos.
  • Al año siguiente se trasladó a Florida, donde vivió hasta el resto de sus días y, donde realizó entre otras cosas varios reportajes sobre los indios seminolas. Fue el primer blanco al que se le permitió ver y fotografiar la danza sagrada del Maíz Verde. Realizó numerosas fotografías de los Everglades (región pantanosa subtropical localizada en el sur de Florida, que tiene una gran relevancia ecológica).
  • Fotografió el huracán que arrasó los cayos de Florida en 1935 y también fue testigo del auge del turismo en la Florida.
  • Durante su vida publicó mas de 300 fotografías en medios de tirada nacional.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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martes, 13 de abril de 2010

Madame Yevonde

Yevonde Cumbers Middleton (alias Madame Yevonde) fue una fotógrafa inglesa (nacida en 1893 en Londres y fallecida en 1975) que fue pionera en el uso del color en la fotografía de retrato.

 

(c) Madame Yevonde

Biografía:

  • Nacida en una próspera familia del barrio londinense de Streatham, es enviada a estudiar a Bélgica y a Francia (La Sorbona), donde entra en contacto con el movimiento sufragista.
  • Su talante independiente  le lleva a iniciarse en la fotografía con 17 años y para ello colabora en el estudio de la fotógrafo social Lallie Charles.
  • En 1914 monta su primer estudio en Londres por el que desfilan importantes personalidades del teatro y la literatura y miembros de la aristocracia.
  • El florecimiento de la fotografía publicitaria en la década de los años veinte, gracias a la aparición de revistas como Vogue o Harper´s Bazar, abre nuevas perspectivas para la experimentación y anima a Yevonde a iniciarse en la fotografía en color.
  • Fue amiga íntima de Charlie Chaplin, al que conoció en Florida en la Bahía de Daytom en 1931, donde rompió el récord de velocidad en la legendaria carrera de coches conocida como “Pájaro Azul”.
  • En 1932 comienza a ensayar con el nuevo proceso Vivex de color sustractivo y entra en un intenso periodo de actividad creadora. Sus imágenes se caracterizan por su toque de barroquismo y de frivolidad irónica, en la línea de fotógrafos contemporáneos como Cecil Beaton. También retocaba las fotografías con lápiz.
  • Entre sus trabajos más conocidos se encuentran sus retratos de mujeres de la alta sociedad transformadas en diosas de la antigüedad griega y el encargo de fotografías del trasatlántico de lujo Queen´s Mary que realizó para la revista Fortune en 1936.
  • Influenciada por la obra de Salvador Dalí, se aventura en el subconsciente y la fantasía, en una especie de manifiesto surrealista, y expone entre 1933 y 1938 diversas fotografías entre las que destacan “Naturaleza muerta con cabeza de Nefertiti y plancha”, y un busto de “Venus con escorpión”.
  • En 1939 Colour Photographs Ltd., la casa que fabricaba en proceso Vivex quebró y Yevonde se pasó al ByN para sus retratos, experimentando con la solarización.
  • Al morir dejó más de 10.000 negativos.

 

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lunes, 12 de abril de 2010

Jeff Schewe

Jeff Schewe es un fotógrafo americano (nacido en 1954 en Chicago, Illinois) considerado uno de los pioneros y expertos mundiales en la fotografía digital.

 (c) Jeff Schewe

“Me gusta crear puzzles visuales e imágenes surrealistas. Comencé trabajando con múltiples exposiciones en el cuarto oscuro cuando estaba en el Rochester Institute of Technology. En 1992 realicé mi primer trabajo utilizando un programa llamado Photoshop en un ordenador alquilado. Después de eso todo cambió.

Mi estilo fotográfico es una aproximación a la creación de imágenes. Es una manera de pensar y trabajar. Soy un solucionador de problemas. Creo nuevas técnicas y nuevos métodos. Hago cualquier cosa para conseguir la imagen que yo quiero.”

 

Biografía:

  • En 1973 y 1974 estudió arte en la  Universidad Estatal de Illinois.
  • De 1975 a 1977 estudió en el Instituto Rochester de Tecnología.
  • Llegó a la fotografía frustrado por la pintura.
  • Trabajó la fotografía analógica en el cuarto oscuro.
  • Consiguió gran éxito en la fotografía publicitaria.
  • Fue presidente de la Advertising Photographers of America (APA)
  • En 1992 utiliza por primera vez el Photoshop y se convierte en un pionero de la fotografía digital.
  • A pesar de ser un maestro en el retoque digital, consigue un aspecto real en sus creaciones.
  • Se convierte en un experto mundial de la fotografía digital, siendo:
    • Canon Explorer of Light,
    • Apple Master of the Medium,
    • miembro del Adobe Photoshop Hall of Fame,
    • forma parte de la Epson Print Academy
    • beta tester y consultor de los últimas versiones de Photoshop,
  • Es fundador de la empresa Pixel Genius LLC que crea filtros para Photoshop.
  • Es coautor de varios libros sobre Photoshop.
  • Da numerosas conferencias y talleres.

 

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domingo, 11 de abril de 2010

Jay Maisel

Jay Maisel es un fotógrafo americano (nacido en 1931 en Brooklyn, Nueva York) que utiliza la luz, el color y el gesto para crear imágenes para publicidad, revistas y comunicación empresarial.

 

(c) Jay Maisel

Como gente que somos, amamos los patrones. Pero un patrón interrumpido es más interesante.

Si no te excitan tus fotógrafías, por qué demonios me iban a excitar a mí.

Se graduó en la Cooper Union y Yale University y continúa su formación enseñando.

Su trabajo aparece en libros y en colecciones públicas y privadas.

Ha recibido estos premios:

  • 2 ASMP,
  • Lifetime Achievement de la  American Society of Media Photographers,
  • Photographer of the Year,
  • International Center for Photography's Infinity Award
  • Art Directors Club Hall of Fame

 

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sábado, 10 de abril de 2010

Douglas Dubler

Douglas Dubler es un fotógrafo americano de moda y belleza que combina arte y creatividad para producir algunas de las mejores imágenes en el mundo de las revistas, publicidad y de la fotografía artística.

(c) Douglas Dubler

Dubler ha podido alcanzar esta unión sintetizando el pensamiento tanto de la parte derecha como de la izquierda del cerebro. Su formación en Fine and Liberal Arts en la Boston University lo enriqueció con un sentido articulado de la forma, del color y de la composición.

Su experiencia anterior como escultor plástico le inculcó un gran respecto por el trabajo manual necesario para producir arte y  el esmero para el detalle que aparece en su trabajo como fotógrafo.

Ha trabajado en el Caribe (Islas Vírgenes) donde realizaba fotografía submarina, América del Sur, Los Ángeles, donde se especializó en fotografía de moda y publicidad, y, desde hace 20 años, en Nueva York.

Fueron mentores de Dubler:

  • el escultor japonés Isamu Noguchi.- De su trabajo con él, recibió el premio Silver Seagull Award de Oriental Photo de Japón,
  • el fotógrafo americano Ansel Adams.

Ha trabajado para clientes como Revlon, Max Factor, Redken, Lancome, Avon y Clairol, para revistas como Vogue, Bazaar, Cosmopolitan y Town & Country. Algunos personajes célebres que ha fotografiado son Sharon Stone, Andie MacDowell, Dolly Parton, Brooke Shields, Jacqueline Bisset, y Elizabeth Taylor.

 

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