miércoles, 31 de marzo de 2010

Dora Maar

Henriette Theodora Markovitch (alias Dora Maar) fue una poeta, pintora y fotógrafa francesa (hija de un arquitecto croata y de su esposa francesa, nacida en París en 1907 y fallecida, también en París en 1997) conocida por haber sido amante y musa de Picasso.

 

(c) Dora Maar

Después de Picasso, sólo Dios.

Biografía:

  • Desde los tres años, pasó su infancia en Argentina donde a su padre le habían hecho algunos encargos y donde aprendió a hablar el español.
  • De regreso a París, a los veinte años iniciaría su formación artística en la Academia Julian.
  • Quiso trabajar con Man Ray, pero éste la rechazó.
  • Tuvo la suerte de topar con dos grandes fotógrafos que la iniciarían en el mundo de la fotografía: uno Henry Cartier Bresson, que la convenció de que cambiara su nombre por otro más corto y más sonoro, de donde nació Dora Maar, y el otro Brasaï, que la convirtió en su protegida y le enseñó muchos recursos y trucos fotográficos.
  • A partir de entonces Dora Maar se convierte en una fotógrafa incansable que son su Rollei en la mano realiza todo tipo de fotos, desde desnudos sensuales a retratos, o colaboraciones junto con Brasaï en revistas de moda y en publicidad.
  • En aquellos años tenía un entusiasmo juvenil y una gran vitalidad. Todo ello acabó por rendir a sus pies al poeta Georges Bataille con el que iniciaría una breve relación sentimental y que la introdujo en el entorno político de la época, convirtiéndose en una activista de izquierdas, que a su vez la relacionó con otros grupos de intelectuales. Fue así como conoció a Buñuel y más adelante a A. Breton que la introduciría en el grupo surrealista.
  • Realiza una serie de fotografías de Assia, una de las modelos preferida por los surrealistas, que resultan de un gran erotismo y sensualidad.
  • En 1934 marcha a Barcelona e inicia allí una serie de fotografías donde capta con indudable talento la realidad costumbrista y el día a día de un país en vísperas de la guerra.
  • En 1936 conoce a Picasso presentada por P. Eluard y comienza una relación apasionada,  que a la larga resultaría especialmente autodestructiva para ella. Durante los primeros tiempos Picasso la convirtió en su musa y de su pincel salieron cuadros tan magníficos como su Mujer llorando y preciosos retratos.
  • Ahora la creatividad de Maar alcanza su mejor momento y su relación con los surrealistas le permitiría innovar y experimentar en el campo de la fotografía. Realiza así obras tan conocidas como el Retrato de Ubú, que terminaría convirtiéndose en un icono fotográfico del movimiento surrealista.
  • En 1937 Picasso realiza el Guernica y Dora Maar sirve de modelo para las cuatro mujeres del cuadro. Al mismo tiempo realiza fotografías de cada fase de la obra.
  • Pero todo cambiaría a los pocos años. Primero la II Guerra Mundial y el miedo a los nazis, y luego sus desavenencias con Picasso y la aparición de la nueva amante, François Gilot, cuarenta años más joven que el pintor, llevan a Dora a una profunda depresión que la arrastrará al abismo de la locura, siendo ingresada en el sanatorio psiquiátrico de Sainte Anne.
  • Con el tiempo Dora Maar irá recuperándose poco a poco, vuelve a la pintura y llega a una religiosidad y un misticismo profundo, viviendo prácticamente enclaustrada en su apartamento de París o en su casa de Provenza, hasta su muerte.

 

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martes, 30 de marzo de 2010

Patti Levey

Patti Levey es una fotógrafa americana (nacida en Nueva York en 1959, residente en Santa Fe, Nuevo Méjico) que ha estado utilizando el autorretrato fotográfico como una forma de arte y como un medio de auto-examen y curación durante más de veinte años. Además de ser fotógrafa, tiene un Máster en Psicología Clínica y Terapia Feminista y ha utilizado el autorretrato como una forma de terapia con las mujeres. El autorretrato es para ella un proceso espontáneo, intuitivo y un tanto misterioso.

 

(c) Patty Levey

"Para mi, hacer autorretratos es una declaración política y una práctica espiritual. Creo que es tan radical para una mujer fotografiarse a si misma como el amor a si misma en cualquier sociedad que valora a las mujeres principalmente como objetos.  También creo que el arte es un puente entre los mundos, interior y exterior, físico y espiritual. En este sentido, espero que mi trabajo contenga elementos que prueben este estado de gracia fugaz, este puente que nos conecta a nosotros mismos, a cada uno y a todas las cosas".

 

Biografía:

  • En 1980 realizó su primer curso de fotografía en el Center For Photography de Nueva York.
  • Durante su segundo curso de fotografía en el Lawrence College tuvo que realizar una tarea sobre autorretratos y desde entonces se ha estado fotografiando a ella misma.
  • En 1983 se trasladó a San Francisco, donde residió doce años.
  • En 1994 la exposición a los productos químicos le llevan a contraer una enfermedad que la obliga a dejar el cuarto oscuro y la fotografía durante siete años.
  • En 1995 se trasladó a Santa Fe, Nuevo México, donde vive actualmente.
  • En 1999 empieza de nuevo a fotografiarse a si misma en edificios abandonados en Santa Fe y alrededores.
  • Tras el 11 de septiembre de 2001 en el que el World Trade Center fue destruido y los EE.UU. empezaron una “guerra contra el terrorismo” en Afganistán y luego en Irak, en el 2002 comenzó a crear una serie de imágenes que reflejan sus creencias y sentimientos acerca de la política de Estados Unidos.
  • En el 2004 comenzó “Memento Mori”, una serie de desnudos femeninos (esta vez no son autorretratos), en los que se confunde la forma humana con extraños objetos de la naturaleza. Estas fotografías reflejarán su propio dolor sobre la guerra, el Calentamiento Global y la extinción total.

 

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lunes, 29 de marzo de 2010

Jaeda DeWalt

Jana DeWalt (alias Jaeda DeWalt) es una fotógrafa americana (nacida en 1972 en Fort Gordon en Augusta, Georgia y que vive actualmente en Seattle) conocida por sus autorretratos eróticos.

 (c) Jaeda DeWalt

La inocencia de un niño, es un regalo … que una vez robado, nunca podrá ser reemplazado.

Cuando se trata de erotismo, pongo el énfasis en la sensualidad. Me gusta tomar la sensualidad al borde de lo que se considera erótico, pero no ir más allá del borde, tal vez sólo borrar la línea un poco. Me gusta empujar los límites sin llegar a cruzarlos. Creo que el sentimiento más erótico que se puede experimentar es el de la anticipación. Para mí la imagen de dos personas a punto de besarse – con los labios cerca pero sin tocarse, la frente inclinada, los ojos cerrados – es más tentador que una imagen de dos personas que ya se estén besando. La sugerencia de. . . . . es más excitante para mi que fotografiar o retratar algún acto sexualmente más explícito.

Biografía:

  • De formación autodidacta, descubrió su pasión por la fotografía en 1995 mientras escribía su primer libro Haunting Hands, inicialmente destinado a ser una colección de poemas que ella había escrito acerca de la supervivencia al incesto y al abuso cuando era niña. Decidió que sería más personal si creaba ella misma la portada del libro, así que se compró una cámara y convirtió la sala de estar en un estudio improvisado. Hizo una serie de autorretratos, luego otra y luego otra. El proceso creativo que sentía delante de una cámara le producía una catarsis de liberación y sanación.
  • El medio fotográfico abre un nuevo mundo para Jaeda y enciende una especie de pasión que se ve obligada a perseguir.
  • Su libro, Haunting Hands, publicado en 1997, se transforma en un ensayo fotográfico y la lleva a iniciar el camino que la transformaría en una artista fotográfica.
  • A partir de ahí realiza trabajos artísticos para cubiertas de libros, carteles, portadas de CD´s para álbumes de música electrónica, techno o progresiva, como la realizada para John Hall donde incluso colaboró haciendo coros en alguna canción, libros colectivos de Arte…
  • Ha participado también en varias exposiciones en Nueva York, incluyendo el Museo de Hofstra.

 

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domingo, 28 de marzo de 2010

Hiroshi Hamaya

Hiroshi Hamaya fue un fotógrafo japonés (nacido en Tokio en 1915 y fallecido en Tokio en 1999) especializado en captar la vida rural de Japón y cuyas fotografías documentales están llenas de lirismo y poesía.

 

(c) Hiroshi Hamaya

El rol de un fotógrafo es el de mostrar aquello que las palabras y otras formas de expresión no pueden transportar.

Biografía:

  • Hamaya se formó en fotografía, en la especialidad de fotografía aérea, a partir de 1933, año en el que se unió a la Oriental Photography Manufacturing Co.
  • Se convirtió en fotoperiodista independiente en 1937.
  • En 1939, se encontró con el etnólogo Keizo Shibusawa que influyó sobre su obra y le condujo en particular a fotografiar la vida y los hábitos de Año Nuevo de las gentes del pueblo de Tanihama (Niigata).
  • En 1960, Hamaya fue el primer fotógrafo japonés que se integró en la agencia Magnum.
  • Volvió a la fotografía documental y a los tópicos de paisajes, después de su reportaje sobre los motines relacionados con el Tratado de Seguridad japonés-americano.
  • Escribió una docena de libros.

Premios:

  • En 1986, Master of Photography Award, del International Center of Photography, Nueva York.
  • En 1987 el The Hasselblad Foundation Award,
  • En 1997, The Honorary Fellowship de la Royal Photographic Society.

 

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sábado, 27 de marzo de 2010

Sergio Caro

Sergio Caro es un fotoperiodista español (nacido en Madrid en 1977) con prestigio en España y a nivel internacional. También practica el “storytelling”, una variante de la fotografía consistente en contar historias mezclando fotos y sonidos, lo que da una mayor intensidad y fuerza a las imágenes. Con este método, trata de hacer florecer en el público unos sentimientos que puedan asemejarse a los que el propio fotógrafo siente durante la captación de sus instantáneas.

 

(c) Sergio Caro

 

A los 20 años comenzó su carrera periodística, especializada en la fotografía, en la agencia de noticias EFE. A partir de ahí, trabaja en revistas musicales como 40 Magazine y Rolling Stone, además de otros periódicos locales. En la actualidad, la mayor parte de sus trabajos que realiza son para El Periódico de Catalunya y para los periódicos y revistas del Grupo Zeta.

Premios:

  • En 2003 recibió el European Neswpaper Award por un trabajo inspirado en la plaza de toros de Sevilla
  • También en 2003, el premio Andalucía de Periodismo por un trabajo de inmigración.
  • En 2003 y en 2006, participa con sendas exposiciones en representación del Periódico de Catalunya en las Jornadas de Fotoperiodismo Visa Pour L´image, celebrada en Perpignan (Francia). En esta exposición, es galardonado con el Visa d´Or de la prensa internacional.
  • En 2006 también, recoge el premio José Ortega y Gasset de periodismo en la categoría de Información Gráfica a través de una imagen con la que consiguió captar la intensidad del drama de unos emigrantes que, ante las vallas de Ceuta y Melilla, ven frustradas sus esperanzar para salir de la miseria tras sucesivos asaltos.

 

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viernes, 26 de marzo de 2010

Zoriah

Zoriah Miller o simplemente Zoriah es un fotoperiodista y fotógrafo de guerra (nacido en1976).

(c) Zoriah Miller

Habiendo estudiado Gestión de desastres y ayuda humanitaria a países en desarrollo, trabajó para la Cruz Roja antes de volver a la fotografía, en la que había comenzado con 15 años.

Después de trabajar para agencias como The Image Works, and EyePress Photo Agency en China, actualmente trabaja de manera independiente y produce sus reportajes de manera freelance.

MIller ha trabajado en los conflictos de Iraq, Afganistán, la franja de Gaza y Líbano y sus fotografías se han publicado y expuesto por todo el mundo en museos y galerías artísticas. Algunas de sus fotografías han sido objeto de censura por el ejército de Estados Unidos.

Referencias:

  • En 2005 Newsweek publica su reportaje 2004 Indian Ocean Tsunami
  • En 2006 gana un premio de la VII Photo Agency.
  • En 2010 gana el PhotoPhilanthropy Activist Award por su trabajo sobre el hambre en África.

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jueves, 25 de marzo de 2010

Philip Blenkinsop

Philip Blenkinsop es un fotógrafo australiano (con residencia en Tailandia) considerado “un hombre de guerrillas y resistencias”.


(c) Philip Blenkinsop

 
 
Lo que yo hice fue simplemente fotografiar lo que allí había; es la vida, que puede ser dolorosa e injusta. Yo simplemente he tratado de hacer fotografía que se centra en lo que es real. Quiero que el espectador sepa como debe de ser estar allí haciendo fotos. Quiero que sientan que – ya sea miedo, nerviosismo o cualquier otra cosa – deberían estar conmovidos por ello. Si lo aman, bien. Si lo odian, bien. Pero si les resulta indiferente, no siento que haya tenido éxito. Las imágenes deberían conmover a la gente.




Biografía

Blenkinsop comenzó su carrera con 21 años trabajando para un periódico de Sydney. Sin embargo, pronto descubrió que ese trabajo era demasiado repetitivo para él y decidió dejarlo. Vendió su coche, compró una Leica con unos pocos objetivos, un billete para Tailandia, y comenzó a recorrer el Sudeste asiático como fotógrafo freelance.
En 1989 conoció la tragedia de los campos de refugiados en la frontera entre Tailandia y Camboya. Desde entonces ha visitado países como Timor Oriental, Birmania, Indonesia o Nepal, ha trabajado para diferentes agencias y ONGs, y ha ganado numerosos premios de prestigio:
  • Visa de Oro - Noticias 2008 'China Earthquake' en Visa Pour l'Image
  • Visa de Oro - Noticias 2005 ‘Asian Tsunami’ en Visa Pour l’Image
  • Finalista en el Eugene Smith Award 2005
  • World Press 2004. Primer premio en People in the News con su historia ‘Secret War In Laos’



Referencias



 

miércoles, 24 de marzo de 2010

Marco Vernaschi

Marco Vernaschi es un fotógrafo italiano (nacido en Turín en 1973 y que, actualmente, vive en Buenos Aires, Argentina) especializado en reportajes en diversos países en los que retrata la dura realidad de muchos de sus habitantes. Además de la dureza temática de su obra, también destaca la enorme expresividad formal de sus imágenes que logra con un potente procesado en blanco y negro y con la utilización de grandes angulares.

 

(c) Marco Vernaschi

 

Sus trabajos más importantes:

  • WEST AFRICA’S NEW ACHILLE’S HEEL, donde relata el terrible mundo de la droga, el SIDA, la prostitución y la corrupción en Guinea Bissau, un país sacudido por la violencia. Partiendo de este reportaje, está a punto de publicar su primer libro
  • BROKEN PROMISES, reportaje sobre el mundo cocalero en la actualidad en Bolivia
  • THE LAST GAUCHOS, su acercamiento a los gauchos argentinos,
  • THE BITTER TASTE OF SALT, una impactante visión de la vida en las salinas quechua del altiplano argentino.

 

Sus premios:

  • Young Photojournalist of the Year en 2004 por la Italian Photography Foundation.
  • En 2004 y 2005 premios de la Nando Peretti Foundation.
  • FUJIFILM Prize for Photojournalism en 2006.
  • Un premio del Pulitzer Center en 2008-09.
  • Estuvo entre los 10 premiados del ODP Award for Human Values.
  • Primer premio en el Lens Culture International Exposure Award 2009
  • Primer premio en General News: Stories en el World Press Photo 2010
  • PGB Photo Award 2010: "Best Picture of the Year"
  • PGB Photo Award 2010: 1st Prize "Picture Story of the Year"

 

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martes, 23 de marzo de 2010

Ouka Leele

Bárbara Allende Gil de Biedma, alias Ouka Leele, es una fotógrafa española (nacida en Madrid en 1957) protagonista principal de la Movida madrileña de comienzos de los 80. De formación autodidacta, destacan sus características fotografías en blanco y negro coloreadas y sus grabados.

(c) Ouka Leele

“La fotografía me convierte en disfrutante observadora del mundo, espía amorosa de luces, sombras misteriosas y miradas maravillosas. Me hace cómplice de la belleza, hermana de las musas ¿O es mucho decir? Pero al menos sé que son amigas. Si el cielo está negro negrísimo y llueve, compruebo pasmada un claro azul entre las nubes justo encima de la casa donde voy a retratar a una familia para celebrar el 2.000. Así, a las puertas del nuevo milenio sigo sintiéndome la niña mimada, que ayudada por nubes, vientos, aguas y todas las fuerzas de la naturaleza siempre comprueba que las musas allá arriba apoyan su trabajo.”

 

Su nombre artístico tiene su origen en una obra del pintor El Hortelano, un mapa de estrellas inventado completamente por él, en el cual aparecía la constelación llamada Ouka Lele. Bárbara quedó maravillada por este cuadro y decidió que quería firmar sus obras así. Reforzada en esta decisión por su primer galerista, Albert Guspi, expuso desde entonces su obra bajo este pseudónimo, ligeramente variado en 1999 a Ouka Leele.

 

Biografía:

  • Su vocación aparece a muy temprana edad y ya en 1976 recogió algunas de sus imágenes en un libro titulado Principio.
  • De su Madrid natal se desplazó a Barcelona en 1978, momento en que empieza a pintar con acuarela sus fotografías en blanco y negro para dotarlas de los colores vibrantes que ya caracterizarán su obra para siempre.
  • En 1979 protagonizó su primera exposición individual, para la que creó la serie Peluquerías, aclamada por la crítica y el público.
  • Su consolidación artística se produjo en la década de los 80, con la Movida Madrileña. Junto a Mariscal, Ceesepe, Almodóvar y García-Alix, Ouka Lele se convierte entonces en representante indiscutible del Arte de la Postmodernidad.
  • Con el nombre de una estrella inventada por el pintor Hortelano, comienza a firmar unas obras en las que la influencia de grandes surrealistas como Dalí o Man Ray queda patente. Los protagonistas de sus retratos ven cómo su atuendo y tocados se llenan de frutas, animales y objetos de la más variada índole.
  • Su actividad se diversifica llegando a ilustrar libros y a aparecer en numerosas revistas como Dezine, Reviste Actuel, Telos, Photo Magazin y Diorama.
  • Su obra se ha expuesto en ciudades como París, Londres, Tokio, São Paulo y Nueva York.
  • También pinta, llegando a realizar un inmenso mural de casi trescientos metros cuadrados que se conserva en Ceutí, Murcia.
  • Ha protagonizado una película de culto titulada La mirada de Ouka Leele del director Rafael Gordon.

 

Premios:

  • Premio Nacional de Fotografía, 2005.
  • Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid, 2003 (categoría fotografía).
  • Ayuda para Artistas Jóvenes del Ministerio de Cultura, 1982.
  • Premio Ícaro de Artes Plásticas concedido por el desaparecido periódico madrileño Diario 16, 1983.

     

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  • lunes, 22 de marzo de 2010

    Guy Bourdin

    Guy Bourdin, Guy Louis Banarès fue un dibujante y fotógrafo de moda y de publicidad francés (nacido en París, en 1928 y fallecido en 1991), uno de los más destacados de la segunda mitad del Siglo XX. Fue un personaje obsesionado y apasionado por su trabajo que construyó un mundo de imágenes surrealistas, extrañas, llenas de violencia y sexualidad.

     

    GuyBourdin

     

    Biografía:

    • Al año de nacer, fue adoptado por Maurice Desire Bourdin y su madre, Marguerite Legay, quienes lo criaron.
    • Durante los años 1948 y 1949 asumió labores militares en la fuerza aérea de Francia. Aquel año, recibió su primer entrenamiento en fotografía y fue destinado a vivir en Dakar, Senegal.
    • En 1950, exhibe por primera vez su trabajo, un conjunto de dibujos y pinturas en la galería Rue de la Bourgogne en París.
    • Dos años después, ofrece una muestra fotográfica en la Galerie 29. Este catálogo incluye una presentación del artista estadounidense Man Ray.
    • En 1955 se publicaron sus primeras fotografías de moda, en la portada de la revista Vogue francesa.
    • En 1961 se casó con Solange Louise Gèze, que le daría un hijo, Samuel, y moriría 10 años más tarde.
    • En 1967 fue el responsable de la campaña publicitaria de la marca de calzados Charles Jourdan (para el que trabajaría hasta 1981), además de realizar su primera editorial de fotografías de moda en las revistas Harper’s Bazaar y Photo.
    • En 1985, realizó la campaña para el diseñador francés Emanuel Ungaro.
    • En ese mismo año el Ministerio de Cultura de Francia le otorgó el Gran Premio Nacional de Fotografía, pero Bourdin se negó a aceptarlo.
    • En 1988, el Centro Internacional de Fotografía, de Nueva York, le otorga el premio Infinity Award.
    • Muere en 1991.
    • En 2001, aunque él había dicho que destruyeran su archivo, su hijo Samuel Bourdin co-edita con Fernando Delgado un libro "Exhibit A" con las obras más artísticas de su padre.
    • En 2003 se realiza una exhibición retrospectiva en el Victoria & Albert Museum de Londres, que después viaja a la National Gallery of Victoria en Melbourne y al Jeu de Paume en Paris.
    • En 2010 se realiza por primera vez una exposición en España: La Comunidad de Madrid presenta en su Sala Canal de Isabel II la exposición A message for you que ofrece al visitante 75 imágenes y un vídeo sobre la labor del creador francés.

     

    Calificado de exigente en sus sesiones, una de sus modelos confesó que para trabajar con él había que ser masoquista.

    Es uno de los primeros fotógrafos en crear una narrativa compleja para sus sesiones, extraer un momento (provocador, sensual, siniestro), un fotograma de esa historia y plasmarlo en una fotografía de moda.

    Junto a Helmut Newton es uno de los artífices de que las publicaciones de moda se acercasen a la fotografía artística. Las fotografías en blanco y negro exquisito con tintes eróticos y sadomasoquistas de Newton contrastaban con la viveza y el color de Bourdin. Las imágenes de ambos inundaron el Vogue de elementos fetichistas, zapatos de tacón imposible, corsés, cuero ceñido.

     

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    domingo, 21 de marzo de 2010

    Larry Burrows

    Larry Burrows fue un fotoperiodista inglés (nacido en 1926 en Londres y muerto en 1971 en Laos) conocido por sus fotografías de la guerra del Vietnam.

    (c) Larry Burrows

    Biografía:

    • Abandonó la escuela con 16 años y encontró trabajo en la oficina en Londres de la revista Life, donde revelaba fotografías. Se especuló con que fuera Burrows quien estropeara los negativos de Robert Capa del día-D, pero parece ser que fue otro técnico quien lo hizo.
    • Burrows llegó a ser fotógrafo y cubrió la guerra de Vietnam desde 1962 hasta su muerte en 1971, cuando su helicóptero, que acompañaba a las fuerzas de Vietnam del Sur invadiendo Laos, cayó, muriendo junto a él los periodistas Henri Huet, Ken Potter y Keisaburo Shimamoto.
    • Su libro póstumo Vietnam ganó el premio Nadar.

     

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    Y para finalizar un video:

     

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    sábado, 20 de marzo de 2010

    Robert Capa

    Robert Capa es el seudónimo de Ernö Andrei Friedmann (nacido en Budapest, Hungría, en 1913 y fallecido en Thai Binh, Vietnam, en 1954) y es considerado el más famoso corresponsal gráfico de guerra del siglo XX.

     

    (c) Robert Capa

    Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no estabas lo suficientemente cerca.

     

    Biografía:

    • Ernö Andrei Friedmann nació en el seno de una pudiente familia judía. Su madre una diseñadora de modas y su padre un intelectual con toques aristocráticos.
    • Condenado en su adolescencia a vivir vagando por la ciudad por la instauración del taller de sus padres en su casa, después de que éstos perdieran el local a raíz de la depresión económica de 1929, conoce a  Eva Besnyo, lo que causa el primer contacto de Friedmann con la fotografía.
    • Con diecisiete años y esperando terminar su vida escolar, Friedmann conoce a Lajos Kassak, quien, con tendencias socialistas, se dedicaba a ayudar a cualquier artista con corrientes constructivistas y dio a conocer la fotografía como un objeto social mostrando las injusticias del sistema capitalista y presentando trabajos de Jacob Riis y Lewis Hine en sus seminarios.
    • Exiliado de la Hungría fascista en 1931 por su relación con grupos de tendencia izquierdista, estudió periodismo en Alemania y trabajó para la agencia Dephot. Viajó a París, donde conoce al fotógrafo David Seymour quien le consigue un trabajo como reportero gráfico en la revista Regards para cubrir las movilizaciones del Frente Popular.
    • En 1936, junto con su compañera Gerda Taro, inventó la figura de Robert Capa, fascinante periodista estadounidense, y bajo este seudónimo presentó la primera exposición de sus trabajos, que alcanzaron precios exorbitantes. Aunque la ficción no tardó en ser descubierta, decidió conservar ese nombre.
    • Al estallar la Guerra Civil Española en julio de 1936, Capa se traslada a España con su novia para cubrir los principales acontecimientos de la contienda española. Implicado en la lucha antifascista y con la causa de la República, estuvo presente, desde ese lado, en los principales frentes de combate, desde los inicios en el frente de Madrid hasta la retirada final en Cataluña.
    • Siempre en primera línea, es mundialmente famosa su fotografía Muerte de un Miliciano tomada en Cerro Muriano, en el frente de Córdoba, el 5 de septiembre de 1936. Reproducida en la mayoría de los libros sobre la Guerra Civil, su autenticidad ha sido puesta en cuestión actualmente por diversos expertos.
    • Durante la retirada del ejército republicano en la batalla de Brunete, en julio de 1937 Gerda Taro muere al frenar el coche en cuyo estribo viajaba, caer y ser arrollada por el tanque que el conductor intentó evitar.
    • El prestigio internacional le llegó sobre todo a partir de sus reportajes sobre la guerra civil española y sobre la Segunda Guerra Mundial para la revista Life, al captar con su cámara episodios bélicos como los bombardeos japoneses sobre China, las campañas del norte de África y el desembarco de Normandía.
    • En 1946 se nacionaliza estadounidense.
    • En 1947, con Henri Cartier-Bresson, Rodger y David (Chim) Seymour, fundó Magnum Photos, la primera agencia cooperativa de fotógrafos independientes.
    • En 1948 se desplazó a Oriente Medio para fotografiar los combates en Palestina.
    • En 1954 decidió cubrir la guerra de Indochina para Life, que luchaba por independizarse de Francia, y en ella murió destrozado por la explosión de una mina que pisó inadvertidamente.

     

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    viernes, 19 de marzo de 2010

    Carsten Witte

    Carsten Witte es un fotógrafo alemán (nacido en 1962 en Hamburgo, Alemania) que trabaja para diversas editoriales de moda, así como para distintas campañas publicitarias en todo el mundo.

     

    (c) Carsten Witte

     

    Está especializado en moda, belleza y fotografía de lencería, pero también tiene una obra más personal, que le ha llevado a realizar diferentes exposiciones en París, Hamburgo, Colonia o Berlín.

    Witte combina con maestría la presencia de bellas mujeres con naturalezas muertas representadas en su totalidad por flores exóticas que a veces solo percibimos fundidas en claroscuros e imágenes solarizadas. Es un efecto constante en toda su obra, una obra que rebosa erotismo y sensualidad, que insinúa y provoca con una cuidada estética y buen gusto.

    Tiene su propio estudio en su ciudad natal desde 1995.

     

    Premios:

    • 2004 – Golden Award de Montreux
    • 2003 – Albert Einstein Award.

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    jueves, 18 de marzo de 2010

    Denis Stock

    Denis Stock fue un fotógrafo americano (nacido en el Bronx de Nueva York en 1928 y fallecido en Sarasota, Florida, en 2010) conocido principalmente por haber retratado a gran número de celebridades de Hollywood entre los 50 y 70: James Dean, Marlon Brando, Audrey Hepburn.

     

    DenisStock

    “El arte es una manifestación muy bien articulada de un aspecto de la vida. He sido un privilegiado porque he visto mucha vida a través de mi cámara, haciendo de mi viaje una experiencia luminosa. Mi énfasis ha estado principalmente en las reacciones afirmativas de la conducta humana y en la fuerte atracción de la belleza de la naturaleza.“

     

    Biografía:

    • Nacido en el Bronx, de madre inglesa y padre suizo, la Gran Depresión sumió a la familia de Stock en la pobreza. La muerte de su padre le hizo enrolarse en la Marina con 17 años.
    • Al terminar la Segunda Guerra Mundial empezó a trabajar de aprendiz con el fotógrafo Gjon Milli.
    • En los 50 fotografió a músicos de jazz Lester Young, Billie Holiday, Miles Davis, Duke Ellington y Earl "Fatha" Hines.
    • En 1959 ganó el primer premio del concurso fotográfico de Life, con una imagen sobre los emigrantes europeos que llegaban a EEUU.
    • Fue invitado por Magnum, convirtiéndose en uno de los primeros fotógrafos americanos asociados a la agencia.
    • Entre los años 50 y 70 realizó numerosos retratos de las celebridades del mundo del cine y la música. Sus imágenes recorrieron el mundo a bordo de la revista Life, entre otras, anunciando la nueva cultura acrisolada en Estados Unidos y que tuvo en el cine y la música sus principales vehículos de expresión.
    • En los 70 Stock marchó a California, tal vez intuyendo el nacimiento de una nueva expresión cultural, que en este caso fue bautizada como movimientos contraculturales y que tuvo en ángeles del infierno y hipis a sus principales tribus.
    • Después fijo su objetivo en la naturaleza mostrando igual sutileza y poesía en sus series y producciones.
    • Igual que en su último giro, los paisajes urbanos que, de nuevo, le llevaron a donde se inició, la figura del hombre.
    • Publicó 27 libros y exhibió en las más prestigiosas galerías del mundo, incluido el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, la National Gallery de Washington, el Museo de Arte Moderno de París...
    • También escribió, realizó y produjo para la televisión y el cine.

     

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    miércoles, 17 de marzo de 2010

    Mehmet Ozgur

    Mehmet Ozgur es un ingeniero y fotógrafo turco conocido principalmente por sus fotografías de humo, aunque también trabaja los paisajes panorámicos y las composiciones digitales.

     

    (c) Mehmet Ozgur

    “Soy un ingeniero fascinado por la naturaleza tanto técnica como estéticamente. La observación de los elementos y las fuerzas de la naturaleza es una pasión de por vida. La comprensión, incluso de un pequeño pedazo, de sus complejas interacciones es una bendición.

    Me siento humilde cada vez que aparece una luz especial o, la inspiración llega a mi imaginación. Me siento agradecido de tener medios de ver, de sentir y de apreciar la belleza.

    Habiendo nacido en Europa, formado en Asia, trabajado en Norteamérica, pensando en mudarme de nuevo a Europa, después a Asia, siento que soy por siempre nómada. Sigo siendo un ciudadano de Estambul, un turco en un viaje maravilloso para seguir aprendiendo.”

     

    Su afición en serio a la fotografía comenzó a principio de los 90.

    Tiene una larga experiencia en fotografía análoga y digital.

    Su técnica se ha desarrollado en últimos 20 años del cuarto oscuro analógico al cuarto oscuro digital.

    Ha ganado varios premios internacionales de la fotografía.

    Sus fotografías en línea han recibido más de 10 millones de visitas desde 2004.

    Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

     

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    martes, 16 de marzo de 2010

    Ellen Rogers

    Ellen Rogers es una fotógrafa (también crea videos a base de fotografías) inglesa (con sede en Londres) cuya carta de presentación es su trabajo en el laboratorio, normalmente con proceso cruzado.

    (c) Ellen Rogers

     

    Su trabajo es completamente analógico (1), no hay nada digital en él (exceptuando el escaneado final de las imágenes para poder mostrarlo en la red). Su técnica proviene en su mayoría de su propia experimentación en el cuarto oscuro donde ella vive realmente su proceso creativo, y donde surgen las alegrías y las tristezas de quien se enfrenta a un trabajo que a veces no da el fruto deseado.

    La mujer es la protagonista de sus imágenes. La composición de sus imágenes nos traslada a mundos imaginarios donde reina la fantasía gracias a la ambientación que consigue crear con su cámara y su posterior proceso en el cuarto oscuro.

    Viendo sus fotografías podría pensarse que el trabajo de Ellen es completamente personal; sin embargo, con su estilo también trabaja para revistas de moda y eso le permite sinergias entre ambos mundos en la composición de escenarios y ambientación adecuadas.

     

    Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

    Notas:

    1.- No sé porqué tanta gente hace hincapié en que su trabajo es puramente analógico. Es como si el resultado no valiera por sí mismo, sino sólo por la manera en la que ha sido obtenido. Es como si esas mismas fotos no tuvieran valor alguno si fueran digitales.

     

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    lunes, 15 de marzo de 2010

    Daniel Beltrá

    Daniel Beltrá es un apasionado y experimentado fotógrafo de medio ambiente español (nacido en Madrid y residente en Seattle, Washington) que muestra la destrucción medioambiental, la devastación de fauna y flora que se está produciendo en el planeta y con ello la aniquilación de los recursos naturales.

     

    06/08/05. Flight around Sinop andaround the "Parque das Castanheiras" . The Brasilian Nut Tree "Castanheira" is protected in Brasil, but plenty had been logged (some where left alone standing on the soy fields).

 (c) Daniel Beltra/Greenpeace

     

     

    Biografía

    Lleva casi 20 años moviéndose por diferentes zonas del mundo, documentando la preocupante destrucción que el hombre está infligiendo a nuestro planeta. Desde los hielos de Alaska, pasando por las selvas amazónicas y acabando en las riquísimos bosques de Sumatra.

    Ha trabajado  en las principales agencias de prensa:

    • EFE, lo tuvo para sí desde 1989 a 1992,
    • la agencia Gamma, y
    • una vez con el nuevo milenio e instalado en Estados Unidos, Getty Images.

    Ha documentado varias expediciones de Greenpeace (con la que colabora desde 1990) a la Amazonia Brasileña, al ártico, a los océanos del sur y a los campos helados de la Patagonia, entre otros.

    Daniel Beltrá nos ha enseñado la parte dura y destructora de un desarrollismo desenfrenado que está dejando a nuestro planeta en una situación que, si no lo remediamos inmediatamente, será irreversible.

    Es miembro de la prestigiosa International League of Conservation Photographers.

     

    Premios:

    • En 2006, el World Press Photo (WPP) y el China International Press Photo por sus trabajos sobre el Amazonas.
    • En 2007, de nuevo el WPP por fotos del Amazonas.
    • En 2008, Daniel ganó el "Global Vision Award" en el concurso Pictures of the Year International por su trabajo en el Ross Sea y en el Amazonas. También ganó el Trofeo NPPA BOP y el LUCIE awards.
    • En 2009 ha sido el ganador del premio Prince’s Rainforest Project (PRP) en la gala del festival de foto de Sony (SWPA, en inglés) celebrada en el Palacio de Festivales de Cannes. Este galardón, que es la primera vez que lo concede la Fundación del Príncipe Carlos de Inglaterra, financiará el proyecto que Beltrá propuso en la convocatoria, que consiste en tomar fotografías del estado de las zonas tropicales del Amazonas, del Congo y de Borneo, que están en situación de peligro debido a la desforestación y la acción del hombre.
    • (Actualizado) En 2011 acaba de alzarse con el premio en la categoría Wildlife Photojournalist of the Year y con el premio absoluto del prestigioso concurso Wildlife Photographer of the Year 2011. Y lo ha hecho con una espectacular fotografía de un grupo de pelícanos en un centro de recuperación de fauna tras ser bañados en crudo por el vertido provocado por el accidente de la plataforma Deepwater Horizon en el golfo de Méjico que provocó un desastre ecológico en las costas de Estados Unidos.

     

     

    Referencias

     

     

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    domingo, 14 de marzo de 2010

    Misha Burlatsky

    Misha Burlatsky es un diseñador artístico, director de arte, fotógrafo y poeta ruso (nació en Moscú en 1958 en una familia de cantantes de ópera) del que se puede sacar un gran rendimiento visual a través de su fotografía digital y de la fotografía química con sus ambrotipos.

     

    (c) Misha Burlatsky

    Biografía:

    • Ha sido diseñador artístico en un grupo de rock, haciendo los decorados, las luces, el vestuario, la publicidad …
    • Ha sido director de arte en revistas de Moscú así como de un pequeño estudio de vídeo en Nizhni Novgorod, en la región del Volga.
    • Ha trabajado a menudo con otros fotógrafos como director de arte y guionista, pero a partir del 2005 comienza una vida fotográfica personal.
    • Ahora trabaja en un pequeño estudio casero en Izmailovo, Moscow y utiliza una cámara Nikon D200 y una Hensel 500.
    • Misha Burlatsky adopta este nombre artístico en clara referencia al estilo Burlesque (forma de poesía cómica del Renacimiento) y es un claro referente en toda su obra fotográfica.
    • Su estilo tiene un claro referente en Jan Saudek. Sus imágenes están cargadas de humor negro y algo sarcástico en muchos casos, y con una gran carga teatral en la mayoría de ellas.
    • En 2009 empieza a trabajar con el Proceso Ambrotype, que es uno de los primeros procesos fotográficos y apareció en una época en la que todavía se estaba experimentando con diferentes formas de obtener y fijar la imagen. El ambrotipo se basa en el mismo principio del colodión húmedo, en el que una placa de vidrio se emulsionaba con colodión y sales de plata y mientras aún estaba húmeda se fotografiaba y se revelaba inmediatamente. La idea era crear un negativo subexpuesto o una imagen muy débil a la que luego se le oscurecía el fondo, ya fuera pintando el vidrio de negro o colocándoles tela o cartón, lo que permitía ver la imagen en positivo de una forma similar a los daguerrotipos. Tenía la ventaja sobre el proceso regular del colodión de que las exposiciones eran más cortas, lo cual era una gran ventaja a la hora de hacer retratos, pero su gran desventaja frente a este proceso, era que las imágenes eran únicas y no se podían reproducir. Los ambrotipos se han conservado en perfectas condiciones y han soportado muy bien el paso del tiempo. Ellos al igual que los daguerrotipos, se presentaban en lujosos estuches de cuero, madera o metal.

     

    Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

     

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    sábado, 13 de marzo de 2010

    Jock Sturges

    Jock Sturges es un fotógrafo americano (nacido en la ciudad de Nueva York en 1947, trabajó en San Francisco varios años) más conocido por los ataques a su obra que por su obra misma. Muchos de sus trabajos muestran chicas jóvenes desnudas y para algunos su trabajo es pornografía infantil.

    (c) Jock Sturges

    Biografía:

    • Se graduó en Psicología Perceptual y Fotografía del Marlboro College en 1974 y recibió un grado de maestro en Bellas Artes en Fotografía del Instituto de Arte de San Francisco en 1985.
    • El principal tema de su obra son fotografías de desnudos de niños y adolescentes en las playas de Montalivet en Francia y en las colonias naturistas del norte de California.
    • En 1990 agentes del FBI asaltaron su estudio, confiscando equipo y obras y se le presentaron cargos por pornografía infantil. El mundo del arte y las comunidades de naturistas lo defendieron públicamente. Después de un año de investigación, el caso fue desechado por un gran jurado. Finalmente Sturges recuperó la mayor parte de su trabajo y su equipo.
    • El mismo año recibió otros ataques de organizaciones civiles. Sturges recibió el apoyo de asociaciones artísticas y se ha defendido a sí mismo a través de una serie de comunicados y entrevistas.
    • Sus colecciones publicadas incluyen: 
      • The Last Day of Summer (1991),
      • Radiant Identities (1994),
      • Jock Sturges (1996),
      • Jock Sturges: New Work 1997-2000 (2000), y
      • Jock Sturges: Notes (2004)

     

    Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

     

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    viernes, 12 de marzo de 2010

    Sally Man

    Sally Mann es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1951 en Lexington, Virginia, donde aún vive con su esposo Larry, abogado de profesión, con quién tuvo tres hijos: Jessie, Emmett y Virginia, protagonistas de algunos de sus mejores retratos), cuyo trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sino también por algunas controversias desatadas por grupos radicales, al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, David Hamilton y Jock Sturges acusándoles de crear pornografía.

    “Nuestra historia (la del sur de EEUU) de derrota y de pérdida nos mantuvo aparte de los otros americanos y debido a ella, abrazamos el concepto de Proust de que el único paraíso verdadero es un paraíso perdido. Pero sabemos que el amor emerge de esta pérdida, que se convierte en memoria y que la memoria se convierte en arte.”

    Biografía:

    • Estudió fotografía en la Praestegaard Film School (1971) y en la Aegeon School of Fine Arts (1972), entre otros, graduándose en 1974 en el Bennington College.
    • Después de su graduación trabajó como fotógrafo en Washington y en la Lee University.
    • En los setenta fotografió la construcción de Lewis Law Library, consiguiendo su primera exposición en solitario en 1977 en la Corcoran Gallery of Art de Washington, con imágenes surrealistas que fueron incluidas posteriormente como parte de su primer libro Second Sight publicado en 1984.
    • Su segunda colección At Twelve: Portraits of Young Women, publicada en 1988, crearon controversia.
    • Su trabajo más conocido es Immediate Family, publicado en 1992, que contiene 65 fotografías en blanco y negro de sus tres hijos.
    • Su obra forma parte de colecciones del Museo Metropolitano de Nueva York, The Museum of Modern Art, New York, The Whitney Museum of American Art y The Corcoran Museum of Art, entre otros.
    • En los mediados 90 Mann comenzó a fotografiar paisajes en negativos de placas de collodion húmedo de 8x10”, con la misma vieja cámara fotográfica de 8x10 que había utilizado para sus anteriores retratos.
    • En 2001 recibió de la revista Time el premio a la Mejor fotógrafa norteamericana.
    • Su quinto libro What Remains, publicado en 2003, se basa en la exposición del mismo nombre en el Corcoran Museum en Washington, y tiene cinco partes diferenciadas que estudian la mortalidad, el declive y la muerte pero que termina con esperanza y amor.
    • En 2005 el premio Lucie.
    • Sus proyectos actuales incluyen una serie de autorretratos, un estudio de los efectos de la distrofia muscular en su marido, retratos de la vida familiar en los últimos 30 años, y un estudio del legado de la esclavitud en Virginia.
    • En 2009, la galería Gagosian exhibió la serie Proud Flesh donde Sally muestra desnudos de su marido en los últimos seis años.

     

    Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

     

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    jueves, 11 de marzo de 2010

    David Hamilton

    David Hamilton es un fotógrafo (y cineasta) inglés (nacido en Londres en 1933) que ha vivido y trabajado en Francia, reconocido mundialmente por ser el máximo representante del erotismo tierno. La sensibilidad y la ternura, la delicadeza y la dulzura son las notas claves que definen una sinfonía de luz y color donde los sentimientos y las emociones encuentran su lugar de representación. Ha creado un estilo muy definido al que se denomina “efecto Hamilton”.

     

    (c) David Hamilton

     

    Biografía:

    • Estudió arquitectura sin obtener grandes resultados pero fue en esta etapa de su vida, cuando tuvo su primera toma de contacto con las artes plásticas. Siempre se sintió atraído por la decoración, pero nunca llegó a pensar que su interés por los espacios llegaría tan lejos.
    • En 1957 se trasladó a París, donde trabajó como decorador en algunas boutiques. Ello le ofreció la posibilidad de conocer la moda parisina e introducirse en el mundo de la publicidad, llegando a ocupar el cargo de director artístico de la revista de moda Elle. Tras esta estancia en París, volvió a Londres, donde fue nombrado director artístico de la prestigiosa revista Queen.
    • En 1962, con 33 años, Hamilton se animó a adquirir una cámara de fotos sin tener aún nociones de fotografía. Un año después, a su regreso a Francia, trabajó como asistente artístico en los almacenes Printemps, pero su primera incursión laboral en el mundo de la fotografía lo llevó a cabo para la revista Elle, donde ya había trabajado.
    • Ramatuelle fue el lugar escogido por Hamilton para, en 1967, comenzar su carrera artística; precisamente ahí realizó las primeras fotografías de muchachas, algo que ha marcado de manera definitiva toda su carrera artística. Estas primeras obras fueron publicadas en las revistas alemanas Jasmin y Twen.
    • 1969 fue definitivo para Hamilton pues, a partir de las imágenes que realizó para Leonard Cohen y su canción Suzanne, su fama fue incrementándose hasta nuestros días, en los que el fotógrafo y artista se dedica a recorrer algunos de los paisajes que siempre le habían llamado la atención, de Francia a Estados Unidos, pasando por los lugares más recónditos de su Inglaterra natal.
    • La obra de Hamilton es considerada en EEUU e Inglaterra pornográfica mientras en Europa y el resto del mundo se la tiene como tiernamente erótica.
    • Hamilton ha publicado 17 libros, y ha realizado 5 películas además de innumerables exposiciones y trabajos publicitarios.

     

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    miércoles, 10 de marzo de 2010

    Ara Guler

    Ara Güler es un fotoperiodista turco de origen armenio (nacido en 1928 en Estambul, Turquía) llamado “El ojo de Estambul”  o “El fotógrafo de Estambul” porque la parte más conocida de su obra está centrada en esta ciudad, una Estambul, con un pie en Europa y el otro en Asia, intersección de una multitud de culturas, religiones y lenguas.

    (c) Ara Guler

    "Nuestro mundo fue creado por artistas: busqué por todas partes y tomé sus fotografías".

    Biografía:

    • Nacido en el seno de una adinerada familia armenia, su padre tenía una farmacia en la calle İstiklal.
    • En sus años de juventud quiso ser director o guionista de cine, por eso se inscribió en cursos de drama del maestro Muhsin Ertuğrul, el fundador del Cine Moderno Turco. Pero luego abandonó su afición por su amor al periodismo.
    • En el año 1950 se dedicó al periodismo trabajando en el periódico Nuevo Estambul, posteriormente realizó estudios en la Universidad de Estambul en la Facultad de Economía, abandonándolos poco después.
    • Ara Güler ha estado documentando su ciudad natal, cultural y la vida doméstica desde 1940.
    • Inicialmente fue reportero de TimeLife, Paris Match y Stern, así como de diarios y revistas de Turquía,
    • Fue miembro de Magnum Photos desde su reunión de Marc Riboud y Henri Cartier-Bresson en 1961.
    • Retratos maravillosos de Chagall, Calder, Bill Brandt, Orson Welles, Elia Kazan, Fellini, Bertrand Russel, Yasar Kemal, Orhan Pamuk, Ansel Adams, Imogen Cunningham, Salvador Dali, Picasso se encuentran en sus archivos, revelando un aspecto más de su trabajo y talento.
    • También él viajó por todo el mundo, desde Kazajstán a Papua Nueva Guinea a través de Irán, India, Kenya.
    • En 1962 consiguió el Premio Maestro de Leica, ya que siempre utilizaba esta marca de cámara. 
    • En 1979, la Sociedad de Periodistas Turcos le dio el premio de mejor fotógrafo reportero de Turquía.
    • En 2005 recibió el Grand Prize of Culture and Arts, de Turquía.
    • En 2009 le dieron el Lucie Award.
    • Hoy en día, Ara Güler prefiere quedarse cerca de casa. Afable y encantador, viaja hoy a través de los visitantes que van a verlo de todas partes del mundo. Desde el Ara Café, una cafetería en la planta baja de la casa de su infancia, observa, divertido, como el mundo se arremolina a su alrededor, con una corriente interminable de visitantes, y su fama sigue creciendo.

     

    En los primeros años de la década de 1950 Turquía sufrió profundas transformaciones políticas y la transformación junto con gran parte del Mediterráneo. Ara Güler es la figura principal de una generación de fotógrafos de Turquía, cuyas imágenes hicieron tomar conciencia en el extranjero de su extraordinario país. Dio testimonio de estos cambios, con sus fotografías de Estambul, Anatolia, las aldeas del país y sus magníficos sitios arqueológicos, conformando un rico y diverso de trabajo en el que el hilo que une todo es el "factor humano": la atención, el respeto, una cierta compasión, que acompaña siempre al deseo de dar testimonio de las condiciones de vida y de trabajo de la gente común.
    Sus imágenes de Estambul demuestran su profundo amor por la ciudad y sus habitantes. Son un retrato de una ciudad en movimiento constante, día y noche, marcados por la actividad en tierra y agua, en el laberinto de las pequeñas calles de los antiguos barrios, así como en las principales arterias del centro de la ciudad y del Cuerno de Oro .
    La melancolía y brumas del Estambul de Ara Güler, no son iluminadas por la ostentación de los restos del Imperio Otomano, sino por las farolas al caer la noche, los reflejos de los pavimentos bajo la lluvia, los faros de los coches subiendo la colina hacia Beyoglu y las luces de los transbordadores a lo largo del Bósforo.

     

    Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

     

    Y, para terminar, un video:

     

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