domingo, 28 de febrero de 2010

Jerry Uelsmann

Jerry N. Uelsmann es un fotógrafo estadounidense (nacido en Detroit, Míchigan, en 1934) conocido por sus fotomontajes que son composiciones que combinan múltiples negativos.

(c) Jerry Uelsmann

"...Trato de comenzar a trabajar sin ninguna idea preconcebida. Cada ‘clic’ del obturador captura algo que me permite involucrar emociones e imágenes que conllevan la posibilidad de establecer una mayor compenetración con algún aspecto esencial del sujeto y de mis sentimientos hacia él, tanto conscientes como inconscientes.

Mis hojas de contacto se vuelven entonces una especie de diario visual de todas las cosas que he visto y experimentado con mi cámara. Contienen las semillas a partir de las cuales crecen mis imágenes.

Antes de entrar al cuarto oscuro, examino estas hojas y medito sobre ellas, en busca de yuxtaposiciones frescas e innovadoras que expandan las posibilidades del tema inicial. En el fondo, lo que espero es maravillarme yo ..."

Biografía:

  • Comenzó a relacionarse con la fotografía en sus estudios secundarios.
  • En sus comienzos fotográficos realizó fotografías de bodas hasta que obtuvo el título de Bachelor of Fine Arts en el Rochester Institute of Technology donde tuvo entre sus profesores a Minor White.
  • Realizó estudios de Master of Fine Arts en fotografía en la Universidad de Indiana teniendo como profesor a Henry Holmes Smith.
  • En 1960 comenzó a impartir clases de fotografía en la Universidad de Florida y
  • En 1967 realizó su primera exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York lo que le hizo conocido en el ambiente artístico.

Fotografía:

  • Jerry Uelsmann está alejado del uso de computadores y tecnologías digitales. Su trabajo corresponde 100% a la utilización de herramientas análogas y tradicionales de un laboratorio fotográfico.
  • Su trabajo en el laboratorio le ha hecho utilizar en algún caso hasta doce ampliadoras para trabajar en ellas una tras otra, aunque antes de entrar al mismo analiza con atención las hojas de contacto de los negativos para encontrar «yuxtaposiciones frescas e innovadoras».
  • El carácter surrealista de sus fotografías presenta un enfoque constructivista al combinar árboles, rocas, figuras humanas y fragmentos de paisajes.
  • Sus imágenes se encuentran en la iniciación de los capítulos de la serie de televisión Más allá del límite de 1995 y en la portada de los discos
    • Train of Thought de Dream Theater,
    • Islands de Mike Olfield.
  • La fotografía de Jerry es onírica, lejos del viejo patrón del fotógrafo como mero espectador: él crea su propio mundo mezclando secuencias diferentes de una misma realidad. Los símiles y la ironía tampoco faltan en muchos de sus artesanales trabajos.
  • Ha logrado numerosos premios, como el Guggenheim Fellowship (1967) y el National Endowment for the Arts Fellowship (1972).
  • Sus obras se pueden contemplar en exposiciones permanentes de ciudades y países de todo el mundo, como Nueva York, Londres, Canadá, Escocia, París, Washington, Estocolmo, Boston, Tokio ...

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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sábado, 27 de febrero de 2010

William H. Fox Talbot

William Henry Fox Talbot fue un fotógrafo, inventor, arqueólogo, botánico, filósofo, filólogo, matemático y político británico, nacido en Melbury, Dorset, en 1800 y fallecido en 1877, considerado como uno de los pioneros de la fotografía.

 

William Talbot

La fotografía es … solamente una sucesión o variedad de luces más fuertes lanzadas sobre una porción del papel, y de sombras más profundas en otra. Ahora la luz, donde existe, puede ejercer una acción.

 

Historia:

  • De forma paralela a los trabajos de Niepce y Daguerre, obtuvo los primeros resultados de sus investigaciones fotográficas en el año 1834, al obtener una serie de imágenes de flores, hojas, telas, etc.., por contacto de los objetos con la superficie sensibilizada, sin usar por tanto una cámara oscura. Talbot consiguió de esta manera imágenes en negativo que era capaz de fijar para impedir que la luz las hiciese desaparecer. A estas imágenes les otorgó el nombre de dibujos fotogénicos.
  • El primer negativo fotográfico estricto, no por contacto, lo consiguió en 1835, de una celosía en su casa de Lacock, en Wiltshire.
  • Tras estos logros comenzó a trabajar con la cámara oscura. En el año 1835 obtiene su primer negativo en un tamaño muy pequeño y para el que necesitó una exposición de media hora. No avanzó mucho en los siguientes años ya que sólo fue capaz de obtener imágenes pequeñas e imperfectas sobre papel y en negativo.
  • Al oír hablar del invento de Niepce y Daguerre se sintió estimulado para continuar sus investigaciones, buscando el reconocimiento público para su línea de investigación, pero sus imágenes imperfectas no podían ser comparadas a las realizadas por Daguerre.
  • Durante los años 1840 y 1841 obtuvo mejoras importantes en sus investigaciones, por lo cual dio a conocer públicamente su Calotipo con el que se podían realizar copias innumerables de un único negativo.
  • Las imágenes positivas obtenidas mediante el Calotipo son poco nítidas y carecen de una escala de grises a diferencia del Daguerrotipo, Sin embargo, resulta ser un procedimiento más económico y más fácil de utilizar, requiriendo además de un tiempo de exposición de ‘sólo’ unos treinta segundos.
  • A Talbot se debe también la publicación en 1844 del primer libro ilustrado con fotos de la historia, titulado El lápiz de la naturaleza, que resulta ser una biografía escrita para presentarnos su invento. Las fotos que en él se recogen son pegadas.
  • En 1851 inventó un procedimiento de fotografía instantánea.
  • En el campo de la óptica, descubrió que el ojo humano percibe una serie de destellos luminosos muy rápidos como una iluminación continua.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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viernes, 26 de febrero de 2010

Alfred Stieglitz

Alfred Stieglitz fue un fotógrafo estadounidense (nacido en Hoboken, Nueva Jersey, en 1864 y fallecido en Lake George, Nueva York, en 1946) que durante sus cincuenta años de carrera luchó por hacer de la fotografía una forma de arte al nivel de la pintura y la escultura. Para conseguir este objetivo empezó explorando dentro del campo de la fotografía capacidades propias de la pintura (composición, texturas...) para después recurrir a elementos propiamente fotográficos (profundidad de campo, efecto de corte fotográfico...). Pasó así del pictorialismo a la llamada fotografía directa.

 

(c) Alfred Stieglitz

“La fotografía no es un arte. Ni lo es la pintura, ni la escultura, la literatura ni la música. Son sólo diferentes medios que permiten que el individuo exprese sus sensaciones estéticas… No tienes que ser pintor o escultor para ser artista. Puedes ser zapatero. Puedes ser creativo como zapatero. Y, si es así, eres mayor artista que la mayoría de los pintores cuyo trabajo se muestra en las galerías de arte de hoy en día.”

 

Biografía:

  • Stieglitz fue el mayor de seis hermanos de una familia de origen alemán y creció en la zona este de Manhattan. Su familia se mudó a Alemania en 1881.
  • Al año siguiente, Stieglitz empezó a estudiar ingeniería mecánica en la Technische Hochschule de Berlín y muy pronto cambió estos estudios por los de fotografía.
  • Realizó una serie de viajes por Europa, durante los cuales tomó numerosas fotografías de tema campestre: campesinos trabajando en las costas de los Países Bajos o la naturaleza virgen en el entorno de la Selva Negra alemana.
  • Durante la década de 1880 iría progresivamente ganándose la admiración y el respeto de sus colegas europeos, y obtuvo también numerosos premios.
  • En 1893, tras su regreso a Nueva York, se casó con Emmeline Obermeyer. El dinero de ambas familias les aseguraba una posición desahogada, sin que tuvieran la necesidad de trabajar para vivir.
  • De 1893 a 1896, fue editor de la revista American Amateur Photographer; sin embargo, su modo de trabajar resultaría ser brusco, autocrático, y alienante para muchos suscriptores.
  • Después de verse forzado a renunciar, se interesó por el New York Camera Club y posteriormente reconvertiría su boletín en una publicación seria y metódica conocida como Camera Notes.
  • En1902 organizó un grupo al cual sólo se podía entrar por estricta invitación, y lo llamó Photo-Secession con el objetivo de forzar al mundo del arte a reconocer la fotografía "como un medio distintivo de expresión individual." Entre sus miembros se encontraban Edward Steichen, Gertrude Kasebier, Clarence White, y Alvin Langdon Coburn.
  • Photo-Secession llevó a cabo sus propias exposiciones y publicó Camera Work, una prestigiosa revista fotográfica, entre 1902 y 1917.
  • De 1905 a 1917, dirigió las Little Galleries of the Photo-Secession en el nº 291 de la Quinta Avenida (que terminaron por conocerse como 291 por el número de la calle en el que se encontraban).
  • En 1910, le invitaron a realizar una exposición en Buffalo, Nueva York; en la Albright Art Gallery que alcanzó récords de visitantes. Insistía en el hecho de que las fotografías pareciesen fotografías, de modo que su realismo permitiera a la pintura una mayor abstracción. Este cambio hacia el arte abstracto mistificaría a los suscriptores de Camera Work y al público que acudía a las galerías.
  • En 1924 se casó con la pintora Georgia O'Keeffe y a ambos les sonrió el éxito, a él como fotógrafo (tomaría cientos de instantáneas de ella a lo largo de su vida), y a ella como pintora, que había alcanzado gran notoriedad gracias a sus exposiciones en 291 años antes.
  • Sin embargo, su matrimonio se desgastaría debido a la precaria salud de Stieglitz (sufría del corazón) y a su hipocondría, que obligaba a la pintora a cuidarle de modo constante. Alrededor de la década de 1930, Georgia O'Keeffe solía pasar unos seis meses en Nuevo México para alejarse de su marido.
  • En esa misma década de 1930, Stieglitz tomó una serie de fotografías, incluidos algunos desnudos, de la heredera Dorothy Norman, que de este modo pasaría a ser una seria rival para O'Keeffe en el afecto de Stieglitz. Tanto estas fotos como aquellas en las que aparece O'Keeffe se reconocen con frecuencia como uno de los primeros ejemplos en los que se explora el potencial de fragmentos aislados del cuerpo humano mediante la fotografía.
  • En estos años, Stieglitz también presidió dos galerías no comerciales de Nueva York, The Intimate Gallery y An American Place.
  • Su trabajo fotográfico terminaría en 1937 debido a su enfermedad cardiaca. Durante los diez últimos años de su vida, veraneaba en el Lago George en Nueva York trabajando en un cobertizo que había convertido en un cuarto oscuro, y pasaba los inviernos con O'Keeffe en el Shelton de Manhattan, el primer hotel rascacielos de la ciudad.
  • Murió a la edad de 82 años, siendo todavía un firme apoyo para O'Keeffe, como lo fue siempre ella para él.

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jueves, 25 de febrero de 2010

Edward Steichen

Edward Steichen fue un fotógrafo luxemburgués, nacionalizado americano, (nacido en 1879 en Bivange, Luxemburgo, y fallecido en 1973 en West Redding, Connecticut) que es considerado el Iniciador de la fotografía de vanguardia y de la fotografía publicitaria, sentando las bases de la fotografía moderna. Buscó la interpretación emotiva e impresionista en sus temas y luchó para que la fotografía fuese reconocida como una manifestación formal de arte. También realizó heliogramas con papel japonés, difuminaba los contornos y manipulaba las fotografías para conseguir efectos artísticos. También fue precursor de la fotografía en color.

 

Edward Steichen

 

Biografía:

  • En 1881 emigró con su familia a los Estados Unidos de América, donde su padre encontró trabajo en una mina de cobre.
  • Tomó su primera foto en 1895 y posteriormente fue miembro del Photo-Secession (club de fotografía artística) y uno de los mayores representantes del Pictorialismo.
  • En 1900 se trasladó a París para estudiar pintura.
  • Durante la primera guerra mundial fue fotógrafo en el ejército americano.
  • En 1923 trabajó para las revistas de moda Vanity Fair y Vogue. Entre los famosos que retrató para la primera, se encuentran Greta Garbo y Charles Chaplin. Se le considera el creador de la fotografía del glamour.
  • Durante la segunda guerra mundial dirigió la sección de fotografía de los marines.
  • En 1947 fue nombrado director de la sección de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).
  • En 1955, expone su obra maestra, la exposición de fotografía The Family of Man que realizó para el MoMA.
  • El 14 de febrero de 2006 se subastó en Sotheby's, Nueva York, una de sus ampliaciones, titulada "The Pond-Moonlight" de 1904, cuyo valor ascendió a 2,928 millones de dólares (2,46 millones de euros). Siendo hasta entonces el valor más alto ofrecido en subasta por una fotografía.

 

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miércoles, 24 de febrero de 2010

Eugene W. Smith

William Eugene Smith fue fotógrafo americano (nació en Wichita, Kansas, en 1918 y falleció en Tucson, Arizona, en 1978) considerado como uno de los padres del reportaje fotográfico.

(c) Eugene W. Smith

Mi aspiración es captar la acción de la vida, la vida del mundo, su humor, sus tragedias; en otras palabras, la vida tal y como es. Una imagen verdadera, real, sin poses. Ya hay bastantes farsas y engaños en el mundo como para ir por la vida fingiendo. Si fotografío a un mendigo, quiero que se vea la angustia que refleja su mirada; en una acería busco el símbolo de la fuerza y el poder que hay en ella. Si pretendo retratar a una persona feliz, quiero una sonrisa de pura felicidad, no una sonrisa para la cámara. Me cuesta expresar con palabras mis sentimientos, mi actitud hacia la fotografía. Ya no hago fotos por el simple placer de hacerlo, sino que, como muchos de los antiguos maestros de la pintura, quiero que simbolicen algo.

 

Biografía:

  • Se graduó en la Alta Escuela del Norte de Wichita, en 1936.
  • Empezó su carrera realizando fotografías para dos periódicos locales: "The Eagle" y "The Beacon".
  • Se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar para el Newsweek y comenzó a ser conocido por su incesante perfeccionismo y su personalidad.Se salió de Newsweek por negarse a usar cámaras de formato medio, uniéndose a la revista Life en 1939.
  • Trabajó como corresponsal para la publicación Ziff-Davis, y de nuevo para la revista Life; Smith fotografió la Segunda Guerra Mundial, realizando las fotografías de la ofensiva americana contra Japón y tomando fotos de los marines norteamericanos y de los prisioneros de guerra japoneses en Saipán, Guam, Iwo Jima y Okinawa, siendo herido por un mortero.
  • Una vez recuperado, y profundamente desilusionado de la fotografía de guerra continuó su labor en Life y perfeccionó el ensayo fotográfico, desde 1947 hasta 1954.
  • En la década de los 50 se une a la Agencia Magnum.
  • Empezó un proyecto documental sobre Pittsburgh, y una serie de libros de sus ensayos fotográficos. En estos libros, Smith tenía un auténtico control sobre el proceso de edición de las fotografías del libro, llegando a tener una gran fama de inconformista.
  • Murió en 1978 debido al abuso de drogas y alcohol.
  • Actualmente, la fundación W. Eugene Smith promueve la "fotografía humanista", que desde 1980 premia a los fotógrafos comprometidos en este campo.

Sus principales ensayos fueron:

  • Spanish Village,
  • Comadrona,
  • Médico rural,
  • Un hombre piadoso,
  • Pittsburg, y
  • Minamata,

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

martes, 23 de febrero de 2010

Cindy Sherman

Cindy Sherman es una cineasta y fotógrafa americana (nacida en Glen Ridge, New Jersey, en 1954 y que vive y trabaja actualmente en Nueva York) conocida por sus series de retratos conceptuales.

(c) Cindy Sherman 

“Me siento anónima en mi trabajo. Cuando miro las fotografías nunca me veo; no son autorretratos. Hay veces que desaparezco”.

 

Sherman se interesó en el arte en la Universidad del Estado de Búfalo, donde comenzó a pintar. Frustrada por las limitaciones del medio, se pasó a la fotografía.

Estaba copiando meticulosamente el arte de otros y entonces me di cuenta de que, para hacer eso, podía utilizar una cámara fotográfica y emplear mi tiempo en las ideas.

Así pasó el resto de su carrera de la universidad centrada en la fotografía. Aunque había suspendido una asignatura obligatoria de fotografía como estudiante de primer año, repitió el curso con Barbara Jo Revelle, que la introdujo al arte conceptual y a otras formas del arte contemporáneo.

Sherman trabaja en series, típicamente fotografiándose en una diversa gama de vestidos. Por ejemplo, en su serie de fotografías Complete Untitled Film Stills, (1977–1980) aparece como actriz de serie B, de películas extranjeras y de películas en blanco y negro. En otra serie, fechada en 2003, aparece como payaso.

Aunque no considera feminista a su trabajo, algunas de sus series, como Centerfolds (1981) llaman la atención por evidenciar el estereotipo de mujer en películas, televisión y revistas.

En respuesta a la controversia del financiamiento de la NEA y los fotógrafos Robert Mapplethorpe y Andres Serrano, produjo la serie Sex en 1989. Estas fotografías mostraban maniquíes médicos despiezados en posiciones eróticas. Como mucho del trabajo de Sherman, muchos críticos encuentran la serie al mismo tiempo molesta y divertida.

En 2006, el museo Jeu de Paume de París realizó la exposición “Cindy Sherman: Una retrospectiva”, incluyendo trabajos suyos realizados de 1975 a 2005.

También ha trabajado como directora de cine. Su primera película fue Office Killer en 1997. También ha realizado un cameo en Pecker de John Waters.

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

Y para finalizar un video de presentación de su obra (se podrán ver más en la página de Youtube) :

 

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lunes, 22 de febrero de 2010

Jacob Riis

Jacob August Riis fue un fotoperiodista y reformador social danés-estadounidense (nacido en Ribe, Dinamarca, en 1849 y fallecido en Barre, Massachusetts, en 1914) célebre porque utilizó su talento como fotógrafo y periodista para ayudar a los menos afortunados en la ciudad de Nueva York quienes fueron los principales sujetos de sus obras. Contribuyó con un modelo de vivienda subsidiada en la ciudad con la ayuda del filántropo Lawrence Veiller. Fue además uno de los primeros fotógrafos en utilizar el flash y por ello considerado uno de los pioneros de la fotografía.

Jacob Riis

Hace mucho tiempo,… alguien dijo que “una mitad del mundo no sabe cómo vive la otra mitad.” … No lo sabe porque no se preocupa … hasta que algún ultraje flagrante de la decencia y la salud de la comunidad le despierta una indignación ruidosa pero efímera.

Biografía:

  • Riis emigró a los Estados Unidos en 1870 a los 21 años de edad para buscar empleo como carpintero, llegando en una era de gran turbulencia social porque miles de personas (24 millones) huían hacia las ciudades escapando de la Guerra Civil Americana y en búsqueda de prosperidad. Riis se encontró entonces como un pobre emigrante más que llegaba, pasando años de gran pobreza y muchas penalidades.
  • Riis trabajó en varios oficios antes de aceptar un trabajo como reportero policial en 1874 para el periódico New York Evening Sun.
  • En 1874 se unió a la oficina de noticias de Brooklyn News.
  • En 1877 trabajó como reportero policial para el New York Tribune. Durante todo ese tiempo como reportero policial, Riis recorrió los bajos fondos de Nueva York y conoció muy bien la realidad de la gente más pobre, especialmente de los inmigrantes.
  • Fue el primer periodista estadounidense en utilizar el flash, lo que le permitió hacer tomas fotográficas nocturnas y elaborar sus célebres documentales sociales como aquel de la Calle Mulberry, tenida entonces como centro del crimen en la ciudad.
  • En 1888 el New York Sun publicaba su ensayo "Flashes from the Slums: Pictures Taken in Dark Places by the Lightning Process".
  • En 1889 el Scribner's Magazine publicó los ensayos fotográficos de Riis acerca de la vida de la ciudad
  • En 1890 creó su obra más meritoria, "Cómo vive la otra mitad". Dicho documental convenció al comisionado de la policía, Theodore Roosevelt, de cerrar las residencias para pobres controladas por la policía en las cuales Riis sufrió sus primeros años en Estados Unidos. Después de leer el documental, Roosevelt se dejó impresionar por el alto sentido de la justicia de Riis y se hizo su amigo por el resto de su vida para referirse a él como el mejor estadounidense que he conocido.

 

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domingo, 21 de febrero de 2010

Eliot Porter

Eliot Porter fue un fotógrafo americano (nacido en Winnetka, Illinois, en 1901 y fallecido en Santa Fe, Nuevo Méjico, en 1990) conocido por sus fotografías de naturaleza en color.

(c) Eliot Porter

“Creo que la intrincación del detalle y la complejidad del sujeto no necesitan contradecir ni la armonía ni la simplicidad inherente del conjunto”.

 

Biografía:

  • Fotógrafo aficionado desde su niñez, fotografió la Great Spruce Head Island que era de su  familia.
  • Se graduó en ingeniería química y medicina y trabajó como investigador en química en la Universidad de Harvard.
  • Hacia 1930 conoció a Ansel Adams y a Alfred Stieglitz.
  • En 1938, Stieglitz mostró el trabajo de Porter en su galería de Nueva York, con tanto éxito que Porter dejó el trabajo de experimentación y se dedicó a la fotografía a tiempo completo.
  • En los años 40, comenzó a trabajar en color con nuevo proceso Eastman Kodak, una técnica que ya no abandonaría.
  • En 1962, su reputación creció después de la publicación del libro In Wildness Is the Preservation of the World, publicado por el Sierra Club, con fotografía de Porter y textos de  Henry David Thoreau.
  • Viajó en numerosas ocasiones a lugares ecológicamente importantes y a lugares culturalmente significativos. Publicó libros de fotografías de Glen Canyon (Utah), de Maine, de Baja California, de las islas de Galápagos, de la Antártida, de África Oriental y de Islandia. Sus estudios culturales incluyeron Méjico, Egipto, China, Checoslovaquia y la Grecia antigua.
  • En 1987, el libro Chaos: Making a New Science de James Gleick hizo a Porter reexaminar su trabajo en el contexto de la teoría del caos.
  • En 1990 volvió a colaborar con Gleik en el proyecto Nature's Chaos, combinando sus fotografías con el nuevo ensayo de Gleick.
  • A su muerte legó su archivo personal al Amon Carter Museum.

 

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sábado, 20 de febrero de 2010

Paul Outerbridge

Paul Outerbridge Jr. fue un fotógrafo americano (nacido en Nueva York en 1896 y fallecido en 1958). De educación multidisciplinar, sus primeras fotografías se centraron en abstracciones de estilos de vida, con objetos comunes como tazas, bombillas, botellas de leche, piezas de maquinaria y huevos. Trabajó como fotógrafo comercial, principalmente de moda, siendo conocido por la alta calidad de sus ilustraciones en color, realizadas por medio del proceso tricolor carbro, que era extremadamente complejo. Además, tiene una serie de desnudos eróticos en color que apenas pudo exhibir y publicar durante su vida.

Paul Outerbridge

“Una diferencia muy importante entre la fotografía de color y la monocromática es que, en blanco y negro sugieres, en color expones, muestras. Mucho puede ser implicado por la sugerencia, pero la exposición pide certeza … absoluta certeza.”

Biografía:

  • En su adolescencia trabajó como ilustrador y diseñador de teatro.
  • Después de que un accidente causara su salida del Royal Canadian Naval Air Service, en 1917 se alistó en el ejército americano donde empezó con la  fotografía.
  • En 1921 asistió a  la escuela de fotografía Clarence H. White en la Universidad de Colombia.
  • En 1922 su trabajo empezó a aparecer en revistas como Vanity Fair y Vogue.
  • En 1925, la Royal Photographic Society de Londres invitó a Outerbridge a que expusiera.
  • Después viajó a París donde entabló amistad con fotógrafos y artistas como Man Ray, Marcel Duchamp y Berenice Abbott.
  • En París produjo la versión francesa de Vogue, trabajó con Edward Steichen y construyó el estudio fotográfico para publicidad más grande y mejor equipado de todos los tiempos.
  • En 1929, 12 de sus fotografías fueron incluidas en la prestigiosa exposición Film und Foto en Alemania.
  • Volvió a Nueva York en 1929, donde abrió un estudio donde realizaba trabajo comercial y artístico y comenzó a escribir una columna mensual sobre fotografía en color para U.S. Camera Magazine.
  • En 1937, las fotografías de Outerbridge fueron incluidas en una exposición del Museum of Modern Art.
  • En 1940, publicó su libro Photographing in Color, usando ilustraciones de la alta calidad para explicar sus técnicas.
  • En 1943 se trasladó a Hollywood tras retirarse como fotógrafo comercial tras los escándalos por sus fotografías eróticas.
  • En1945, se casó con la diseñadora de moda Lois Weir y trabajaron juntos en su compañía de moda Lois-Paul Originals.
  • Un año después de su muerte, la institución Smithsonian efectuó una exhibición de las fotografías de Outerbridge.

 

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viernes, 19 de febrero de 2010

Timothy O'Sullivan

Timothy H. O'Sullivan fue un fotógrafo norteamericano (nacido en Nueva York en 1840 y fallecido en Staten Island de tuberculosis en 1882)  conocido por su trabajo sobre temas de la guerra civil y el Oeste de Estados Unidos.

Timothy O'Sullivan

Biografía:

  • O'Sullivan trabajó de adolescente para Mathew Brady. Al comienzo de la guerra civil, a principios de 1861, fue comisionado como teniente primero en el Ejército de la Unión, y en los años siguientes peleó en las batallas de Beaufort, Port Royal, Fort Walker y Fort Pulaski.
  • Luego de su baja con honores se reincorporó al equipo de Brady.
  • En julio de 1862 acompañó al general John Pope en la campaña del Norte de Virginia.
  • Asociándose con el estudio fotográfico de Alexander Gardner obtuvo la publicación de 44 fotografías de su colección de la guerra civil.
  • En julio de 1863 tomó su fotografía mas famosa «The Harvest of Death» (La cosecha de la muerte) mostrando soldados muertos luego de la batalla de Gettysburg en lo que se considera la única evidencia fotográfica de la misma.
  • En 1864 acompañó al general Ulysses S. Grant y registró el asedio de Petersburg antes de viajar brevemente a Carolina del Norte para documentar la segunda batalla de Fort Fisher.
  • También estuvo en Appomattox Court House, donde tuvo lugar la rendición de Robert E. Lee en abril de 1865.
  • De 1867 a 1869 fue oficial fotógrafo en la exploracion geológica del paralelo 40° dirigida por Clarence King. La expedición comenzó en Virginia City (Nevada), donde fotografió las minas, y continuó hacia el oeste. Su trabajo consistía en fotografiar los nuevos territorios para atraer colonos. Sus fotografías estuvieron entre las primeras en registrar las ruinas prehistóricas de los indios Navajo y las aldeas de los Pueblo en el sudeste.
  • En 1870 se unió a una expedición a Panamá para buscar el sitio para un canal que atravesara el istmo.
  • Entre 1871 y 1874 retornó al sudoeste acompañando la expedición de George M. Wheeler al meridiano 100°.

Pocos de los 300 negativos que tomó se han conservado. Pasó los últimos años de su corta vida en Washington DC, como fotógrafo oficial del Servicio Geológico de los Estados Unidos y del Departamento del Tesoro.

 

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jueves, 18 de febrero de 2010

Felix Nadar

Gaspard-Félix Tournachon, más conocido como Nadar fue un fotógrafo, periodista, ilustrador y caricaturista francés (nacido en 1820 en Lyon y fallecido en París en 1910) que está considerado como el gran fotógrafo del siglo XIX.

Felix Nadar

"Ahora bien en mi humilde opinión, comenzar a vivir de una forma y por las circunstancias cualesquiera, no define el futuro de nuestras vidas, quizá quedarse sin trabajo, es la clave para encontrar nuestro destino; la derrotas y los fracasos al final sólo son trampolines, a nuevos y mejores espacios en el planeta todo es cuestión de saber con qué y cómo nos sentimos bien, para poder así encontrar nuestra verdadera labor."

Estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.

Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas de su obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Baudelaire.

Nunca se planteó el retrato fotográfico como una actividad con la que ganar dinero, pues mantenía unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos que le alejaban de los criterios más comerciales, pero que por el contrario lo elevaban al rango artístico. En todo momento se negó a colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz (modo de iluminar al modelo) y del gesto (mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados), como elementos principales de la fotografía.

Conoció a los grandes hombres de su época, que posaron gustosamente en su estudio: Julio Verne, Víctor Hugo, Delacroix, Edouard Manet, Sarah Bernhardt, entre otros.
Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.

A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1856 realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aerostáticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna.

También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.

A su muerte dejó más de 450.000 placas de cristal que obran en poder de su hija.

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miércoles, 17 de febrero de 2010

Eadweard Muybridge

Eadweard Muybridge (Seudónimo de Edward James Muggeridge) fue un fotógrafo e investigador inglés ( nacido en Kingston upon Thames, Gran Bretaña, en 1830 y fallecido también en Kingston upon Thames, en 1904) cuyos experimentos sobre la cronofotografía sirvieron de base para el posterior descubrimiento del cinematógrafo.

Eadweard Muybridge

Cambió su nombre, cuando emigró a los Estados Unidos en 1851. Radicado en San Francisco, fue el primero en registrar el movimiento de seres vivos, reproducirlo e incluso proyectarlo.

En sus primeros veinte años se fue a vivir en los Estados Unidos, ganando gran reputación por sus fotografías de paisajes del Oeste Americano, en especial la serie sobre el parque Nacional de Yosemite. Como utilizaba el colodion húmedo, al igual que otros fotógrafos de viaje necesitaba llevar consigo, todos los sensibilizadores y equipo de procesamiento.

La aportación al cine que Muybridge realizó fue posible gracias a una apuesta. El millonario americano Leland Stanford (fundador de la universidad del mismo nombre) era aficionado criador de caballos, él tenía la teoría de que un caballo a galope en cierto momento tenía las cuatro patas al aire,  y para demostrarlo contrató a Muybridge y le ofreció utilizar su caballo "Occidente" para la prueba.

El principal problema para realizar la serie de fotos fue la velocidad de obturación de la cámara. Para solucionarlo Muybridge diseñó un sistema de cortinas de madera con elásticos que lograban elevar la velocidad de obturación a 1/2000 de segundo (en ese tiempo el obturador más rápido no superaba el ½ de segundo). Con esto fotografió a "Occident" en un recorrido sobre una pista, desafortunadamente la imagen fue demasiado borrosa y no sirvió.

Entonces lo intentó alineando 12 cámaras sin tener nuevamente éxito. Por último diseñó disparadores electromagnéticos que se activaban al paso del caballo, y ésto hizo posible el registro de 12 imágenes durante el recorrido, para luego convertirse en 24 en una segunda toma. Estas fotos fueron proyectadas para la prensa de la época, causando gran revuelo. El mecanismo de proyección fue mediante un aparato basado en el fenakistoscopio y la linterna mágica.

En 1882 Muybridge apareció ante una sesión especial de la Royal Institution de Londres proyectando con ayuda del zoopraxiscopio una serie de fotografías que daban la sensación de movimiento continuo. Después de ello vio con asombro como sus imágenes aparecían en varias publicaciones en las que no sólo se reproducían las tomas sino que se analizaban. En 1885 terminó su trabajo y, en 1887, lo publicó bajo el título “Animal Locomotion, an Electro-Photographic Investigation of Censecutive Phases of animal Movements”, obra muy bien acogida por artistas y hombres de ciencia. En 1901 se publicó en Londres una edición reducida titulada “The Human figure in Motion”. Las fotografías tenían por objeto principal servir de bocetos a los artistas. Eran como un inmenso atlas de la locomoción humana y animal: 781 placas con más de 20.000 figuras, en casi todas las fases del movimiento.

En 1889 Muybridge regresó a Londres donde, más popular que nunca, ofreció conferencias con ilustraciones en la Royal Academy, la Escuela de Arte de Kensington Sur y otras instituciones y grupos. 

Su trabajo es de gran importancia para el cine ya es la primera serie de fotografías que descompone el movimiento rápido.

Podemos encontrar más información de su obra en la red en;

Y un video en Youtube:

 

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martes, 16 de febrero de 2010

Tina Modotti

Assunta Adelaide Luigia Modotti fue una fotógrafa italiana (nacida en Udine, Italia, en 1896 y fallecida en Ciudad de México, en 1942) que vivió una vida intensa, profunda y comprometida con la época que le tocó vivir, además de dejarnos un importante número de magníficas fotografías.

(c) Tina Modotti

"Soy una fotógrafa y nada más".

Biografía:

  • Con 17 años emigró a Estados Unidos con su familia para encontrarse con su padre en San Francisco.
  • En San Francisco, Tina trabajó como modista y su agraciado físico la convirtió en una cotizada actriz de teatro italoamericano y de cine mudo en Hollywood.
  • En 1921 conoció a Edward Weston, que le enseñó a manejar una cámara y en 1922 llegaron a México, donde conoció e hizo íntima amistad con Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Blanca Luz Brum, Nahui Ollin y Frida Kahlo.
  • Se hizo miembro del Partido Comunista Mexicano en 1927. Participó activamente en la campaña "Manos fuera de Nicaragua" en apoyo a la lucha de Augusto César Sandino y ayudó a fundar el primer comité antifascista italiano.
  • En 1928 conoció a Julio Antonio Mella, dirigente estudiantil cubano, en una manifestación en protesta por la ejecución de Sacco y Vanzetti. Vivió tres meses con Antonio, quien murió asesinado cuando iban paseando agarrados de la mano, el 10 de enero de 1929.
  • En 1930, es falsamente acusada de conspirar para asesinar a Pascual Ortiz Rubio, presidente de México en ese entonces, por lo que fue expulsada del país.
  • Llega a Alemania a mediados de 1930, viaja a la Unión Soviética donde se reencuentra con Vittorio Vidali, a quien había conocido en México. Participó en el Socorro Rojo Internacional.
  • En 1934 parte hacia España. Durante la Guerra Civil de 1936, se alista en el Quinto Regimiento y trabaja en las Brigadas Internacionales, con el nombre de María hasta el fin de la guerra.
  • En 1939, regresa como asilada a México, donde continúa su actividad política, a través de la Alianza Antifascista Giuseppe Garibaldi.
  • En 1940, el presidente Lázaro Cárdenas anula su expulsión.
  • Muere de un ataque cardiaco el 5 de enero de 1942.

Junto con Weston, fue mentora del fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo.

En su tumba, en el Distrito Federal de México, un poema de Pablo Neruda, la recuerda:
"Tina Modotti, hermana, no duermes, no, no duermes;
tal vez tu corazón oye crecer la rosa
de ayer, la última rosa de ayer, la nueva rosa..."

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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lunes, 15 de febrero de 2010

Mark Holthusen

Mark Holthusen es un fotógrafo checo que vive y trabaja en San Francisco desde 1998, cuya obra es una inusual combinación de fotografía y retoque de imagen. Sus imágenes se mueven en un elegante y casi pictórico entorno de desbordante imaginación.

(c) Mark Holthusen

Su estilo rápidamente le consiguió un reconocimiento que le llevó a trabajar para marcas como Honda, Napster, Microsoft, Kohler Quest, Target y HBO entre otros muchos clientes.

Uno de sus trabajos más conocidos es el que tiene que ver con la ópera de Roger Waters (ex Pink Floyd) Ça Ira. Roger Waters y Sony BMG Music querían las imágenes del fotógrafo para sustituir el conjunto tradicional del teatro en el estreno de la ópera en Roma. 120 fotos suyas, proyectadas sobre una pantalla de 30 metros de ancho, fueron la parte visual escénica que acompañaba a los músicos, coro y cantantes a la ópera. 

Mark también ha sido reconocido en Lurzer’s 200 Best Ad Photographers of 2008/2009 y fue premiado en el Lucie Award como fotógrafo internacional del año en publicidad.

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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domingo, 14 de febrero de 2010

Clarence J. Laughlin

Clarence John Laughlin fue un fotógrafo americano (nacido en Lake Charles, Luisiana en 1905 y fallecido en París en 1985) considerado el primer fotógrafo surrealista de los Estados Unidos.

ClarenceJohnLaughlin

“No empecé como fotógrafo, sino como escritor … este hecho ha inspirado y dado color a algunos de mis conceptos”

Laughlin nació en una familia de clase media. Su niñez dentro de un entorno cultural del sur y su interés por la literatura influenciaron fuertemente su trabajo. Después de arruinarse en una empresa de cultivo de arroz que quebró en 1910, su familia se trasladó a New Orleans donde el padre de Laughlin encontró el trabajo en una fábrica. Laughlin era un niño introvertido con pocos amigos y una relación muy cercana con su padre, que le alentó su amor por la literatura y cuya muerte en 1918 destrozó a su hijo.

Aunque no terminó sus estudios era un hombre educado y muy culto. Su vocabulario y amor a la literatura son evidentes en los subtítulos con los que acompañaba sus fotografías. Quería ser escritor y escribió inicialmente muchos poemas e historias en el estilo del simbolismo francés, la mayor parte de las cuales han quedado inéditas.

Laughlin descubrió la fotografía cuando tenía 25 años y aprendió de forma autodidacta con su cámara de 2 ½  x 21/4. Comenzó a trabajar como fotógrafo de arquitectura de forma independiente y fue empleado posteriormente por agencias tan variadas como Vogue Magazine y el gobierno de los E.E.U.U. , teniendo problemas con ambos, por lo que, después de eso, trabajó casi exclusivamente en proyectos personales utilizando una amplia gama de estilos y de técnicas fotográficos, desde abstracciones geométricas simples de características arquitectónicas a elaboradas alegorías  utilizando modelos, trajes y escenografía.

Muchos historiadores acreditan a Laughlin como el primer fotógrafo surrealista verdadero de los Estados Unidos. Sus imágenes son a menudo nostálgicas, influenciado por Eugene Atget y otros fotógrafos que intentaron capturar paisajes urbanos en fase de desaparición. El libro más conocido de Laughlin, “Ghosts Along the Mississippi”, fue publicado en 1948.

Murió en1985 (está enterrado en el cementerio de Père Lachaise de París), dejando una colección masiva de libros y de imágenes. Gracias a los 17.000 negativos que preservó, su trabajo continúa siendo mostrado en Estados Unidos y Europa. La biblioteca de Laughlin, con unos 30.000 volúmenes, fue comprada por la Louisiana State University en 1986.

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sábado, 13 de febrero de 2010

Jacques H. Lartigue

Jacques Henri Lartigue fue un pintor y fotógrafo francés (nacido en Courbevoie en 1894 y fallecido en Niza en 1986) referencia obligada en la historia de la fotografía caracterizado porque su obra refleja un mundo apacible, mostrando personas que disfrutan de sus vidas, que se divierten o que juegan constantemente.

Jacques H Lartigue (c)  Ministère de la Culture - France

Biografía:

  • Tomó sus primeras fotografías en la edad de seis años, usando la cámara fotográfica de su padre, y comenzó a guardar lo que se convirtió en un diario de por vida.
  • En 1902 su padre le regala su primera cámara, de 13x18 y de madera.
  • En 1904 comenzó a hacer fotografías y dibujos de los juegos de la familia y de sus experiencias de niñez, capturando también los comienzos de la aviación y de los automóviles y las mujeres elegantes del Bois de Boulogne así como eventos de sociedad.
  • Era un aficionado curioso y probó todas las técnicas disponibles. Gracias a una cámara estereoscópica, puede producir imágenes 3D, de las que hará unas 5000 hasta 1928.
  • En 1912, añade una Nettel 6 x 13 a su colección, con lo que empieza a realizar panorámicas.
  • registrando incansable momentos efímeros y meticulosamente ordenando sus miles de imágenes en grandes álbumes.
  • En 1915, quizás la fotografía no fuera su vocación verdadera, estudió pintura en la Académie Jullian. La pintura se fue convirtiendo en su actividad profesional y desde 1922 realizó exposiciones en salones de París y de Francia meridional. Se codeó en el mundo del arte con Sacha Guitry, Yvonne Printemps, Kees van Dongen, Pablo Picasso y Jean Cocteau, mientras que su pasión para las películas le hizo trabajar como fotógrafo fijo con Jacques Feyder, Abel Gance, Roberto Bresson, François Truffaut y Federico Fellini.
  • En 1922 fotografía en Cannes a la que pronto se haría famosa Suzanne Lenglen durante sus entrenamientos de tenis.
  • En 1932 trabaja como asistente de director en la película ‘Le Roi Pausole’ y realiza también las fotografía oficiales.
  • En 1955 sus fotos de Pablo Picasso y Jean Cocteau logran reconocimiento mundial.
  • Aunque Lartigue vendió de vez en cuando fotografías a la prensa y expuso en la Galería de Orsay junto a Brassaï, Man Ray y Doisneau, su reputación como fotógrafo no fue establecida de verdad hasta que cumplió 69 años, con una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en Nueva York y la publicación de un portafolio suyo en Life.
  • A partir de 1964 Lartigue utiliza cámaras 24 x 36 (Pentax, Canon, Olympus).
  • En 1966 obtiene fama mundial con su primer libro, Album de familia.
  • 1970 publica el libro Diary of a Century (Stills from ray Life), concebido por Richard Avedon, con fotografías de Jacques-Henri Lartigue tomadas después de 1930.
  • En 1974 realizó la fotografía oficial del entonces presidente francés, Valéry Giscard d'Estaing.
  • En 1975 tuvo su primera retrospectiva en el Musée des Arts Décoratifs en París.
  • 1979 dona su colección completa al Estado Francés, comprendidos sus 130 álbumes, unos 100.000 negativos y copias impresas en blanco y negro y color.

 
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viernes, 12 de febrero de 2010

Dorothea Lange

Dorothea Lange fue una fotógrafa estadounidense (nacida en 1895 en Hoboken, EE. UU. y fallecida en 1965 en San Francisco) cuyas fotografías humanistas sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial.

(c) Dorothea Lange

“Te cuelgas la cámara en el cuello así como te calzas los zapatos y ahí está, un accesorio del cuerpo que comparte la vida contigo. La cámara es un instrumento que enseña a la gente cómo ver sin la cámara.”

Biografía:

  • Con tan solo siete años contrae la poliomielitis, enfermedad que le daña el desarrollo de la pierna derecha, mancándola de por vida.
  • En 1917 estudia en la Clarence White School (Nueva York),  de marcada tendencia pictoralista.
  • En el año 1918, se dedica a dar la vuelta al mundo y se establece posteriormente en San Francisco.
  • Sus verdaderas señas de identidad como fotógrafa se las proporciona su faceta como reportera, que comienza a ejercer en 1919 cuando abre un estudio en San Francisco.
  • En Taos, México conoce a Paul Strand, quien tendrá una cierta influencia en su trabajo. También establece relación con Imogen Cunninghan, quien junto con Margrette Mather y Laura Gilpin son exponentes de un pictorismo moderno e híbrido en el que confluyen las atrevidas formas de la modernidad y del esteticismo hermético y la suavidad atmosférica del pictorismo.
  • Posiblemente influenciada por sus frecuentes contactos, a partir de 1933, con el grupo f/64  empieza a reflejar su entorno mediante documentos fotográficos de las condiciones laborales de la época, dedicando especial interés en captar a los más afectados por la grande presión norteamericana de los años 30.
  • En 1934 ofrece su primera exposición, en la galería de Willard Van Dike.
  • En 1935 traslada su residencia a Carlifornia, Berkey, tras casarse con Paul Taylor.
  • Desde el año 1935 al 40 estuvo trabajando para la administración, en su la Farm Security Admnistration (FSA), cuya sección fotográfica constituyó un impresionante archivo gráfico que abarcaba todos los aspectos de la vida en el campo.
  • En esta época es cuando Lange prepara junto a su marido “A American Exodus, A Record of Human Erosión”, libro donde se mezclan textos junto a fotografías, analizando el fenómeno de la migración motivada por la depresión.
  • Fotografía los campos de internamiento de los americanos de origen japonés y la vida de las minorías de San Francisco. La mayoría de estos trabajos se han perdido y el trabajo para documentar a los japoneses-americanos es censurado por parte de Autoridad de Reubicación de la Guerra.
  • A partir de esta fecha empieza a tener problemas relacionados con su salud, hecho que determina que su objetivo fotográfico se vuelque hacía temas cercanos como su familia.
  • En la década de los 50, mientras su estado de salud se lo permitió, realizó diversos trabajos para revistas en América Latina, Así y África, así como un estudio sobre el sistema judicial californiano.
  • 1958-63. Viaja a Asia, Venezuela, Ecuador, Egipto, Siria, Irak, Europa, …
  • A partir de 1964, tras tener conocimiento de que padece un cáncer, se dedica a lo que serían sus dos últimos proyectos: organizar una retrospectiva de su obra en el MOMA y ha documentar su vida.
  • El verdadero éxito de la obra de Dorothea Lange no se da hasta el año 1972, cuando el Museo de Whitney incorpora 27 obras en la exposición “Executive Order 9066” destinada a mostrar el internamiento japonés.
  • Lange dejó aproximadamente 25,000 negativos que ahora son parte trascendente de la historia de Estados Unidos.

 

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jueves, 11 de febrero de 2010

James M. Graham

James M. Graham es un cineasta y fotógrafo americano (nacido en Raleigh, Carolina del Norte, y que vive actualmente en Brooklyn, New York) especializado en retratos e imágenes narrativas, desde moda a fotografía artística.

(c) James M. Graham

"Me gusta la oscuridad. Me gusta el contraste y me gusta la yuxtaposición.

  • Por oscuridad, entiendo la definición completa de la palabra: luz escasa, sombras, pero también algo de siniestro, algo de inseguridad, algo inesperado.
  • Por contraste, en sentido fotográfico: duros blancos y negros.
  • Entiendo la yuxtaposición como un medio de crear contraste en lo emocional.

Mi estilo de trabajo preferido es conseguir trasmitir la sensación de que no todo está "correcto" .

James M. Graham ha pasado 20 años de su vida como cineasta y fotógrafo, produciendo en varias ocasiones, dirigiendo y fotografiando en otras. Ha trabajado en varios proyectos que van desde vídeos del grupo Guns and Roses hasta la campaña de lencería  que realizó en el 2004 para Natori. Su trabajo ha sido publicado a nivel internacional, siendo incluido en el libro de la editorial Taschen “The New Erotic Photography”.

En 2003 se embarco en su proyecto personal “Rooms”, que le ha llevado 2 años, y que ahora tiene previsto lanzar en formato libro y exponer en distintas galerías.

James Graham combina la fotografía en blanco y negro con la de color, aunque son sus imágenes en ByN las que producen una sensación más desolada. Su trabajo posee una gran carga erótica y sensual envuelta en una cálida decadencia que, sobre todo en sus retratos, nos impacta con una misteriosa y agradable sensación de belleza y misterio.

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