jueves, 31 de diciembre de 2009

Héctor Santos-Díez

Héctor Fernández Santos-Díez es un fotógrafo gallego (nacido en 1973 en Madrid y que vive en A Coruña) especializado en la fotografía profesional de arquitectura.

(c) Santos-Díez


“Mi acercamiento a la arquitectura y a la fotografía tiene un origen común, que es mi padre. Él es arquitecto y en casa tenía montado un pequeño laboratorio de fotografía en blanco y negro, en el que me enseñó lo básico, tanto del revelado como del manejo de la cámara. A partir de ahí empecé a leerme todo cuanto libro o revista de fotografía caía en mis manos y a intentar probar todas las técnicas que allí aparecían.

El siguiente paso fue apuntarme a algún curso de fotografía, y así entré en el colectivo Ollo de Vidro en 1994. Aprendí mucho, hablando con otros fotógrafos y con el tiempo terminé impartiendo cursos de iniciación y de composición, lo que me obligó a analizar mis fotos para poder explicar a los alumnos por qué hacía las cosas como las hacía. Creo que este proceso analítico y de documentación ha marcado mi fotografía. Cuido mucho la composición y le doy mucha importancia a la línea.

Yo trabajo de manera lenta, con un equipo lento, tomando cierto tiempo para cada foto e intentando hacer las fotos necesarias, pensándolas en el lugar, y no llegando al ordenador con un montón de fotos de las que seleccionar la mitad.

Intento cuidar la luz, acertar en el punto de vista, en su altura, mimar la composición y mantener la concentración. No se trata de pasear por un edificio haciendo fotos como un reportero que busca encontrarse con el momento decisivo. Creo que las fotos hay que construirlas, anticiparlas, preverlas. He de pensar qué debo contar de ese edificio y encontrar la mejor manera visual para hacerlo. Y ello, como digo, requiere concentración.

Un reportaje  de arquitectura habitualmente dura un día o día y medio (depende del tipo y tamaño de la obra). Durante ese tiempo pasas por momento en que las imágenes son más trabajadas, incluso sufridas, si notas que podrías hacerlo mejor, o si no estás consiguiendo lo que buscas. Pero en otros momentos todo sale de manera fluida, las fotos buenas se suceden, la luz es la adecuada, las composiciones salen de manera casi intuitiva… y son períodos en los que el trabajo deja de ser "trabajo".

La fotografía profesional de arquitectura se basa en la necesidad de documentar un proyecto, pero ese aspecto documental no significa que sea objetiva (no existe la fotografía objetiva). Cada fotógrafo da su visión (fotográfica, no su punto de vista), consciente o inconsciente de lo que es la idea de ese proyecto (el punto de vista del arquitecto). Se busca plasmar más la idea de proyecto que el resultado en si, pues éste es cambiante.

El cuerpo de trabajo de este tipo de fotografía es el reportaje, pero de vez en cuando algunas de estas imágenes trascienden ese ámbito y tienen un valor añadido. Por su plasticidad, por su iconicidad, por el momento,... por lo que sea en cada caso.”

 

Su obra se puede ver en revistas como Diseño Interior, AV, Proyecto Contract, Pasajes Diseño, Metalocus, Detail, Arquitectura COAM, El País Semanal, Bauwelt, Interior Design, Deutche BauZeitschrift y en editoriales como Loft Publications o Pencil.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

Y un video sobre él de la televisión gallega:

 

Etiquetas de Technorati:

miércoles, 30 de diciembre de 2009

Wynn Bullock

Wynn Bullock fue un fotógrafo americano (nacido en 1902 en Chicago y fallecido en 1975 en Monterrey, California) notable por sus fotografías de desnudos y de paisajes de la costa oeste de EEUU. Wynn Bullock continúa siendo conocido como uno de los fotógrafos americanos más innovadores y más experimentales. Sentía que sus fotografías eran más que simples reflexiones superficiales, sino que retrataban una interacción espacio-tiempo definida por la luz.

(c) Wynn Bullock

Comenzó en los años 20 su carrera de tenor. Mientras estudiaba en París, fue inspirado por los artistas gráficos del momento, especialmente por Cézanne, Moholy-Nagy y Man Ray, y volvió a los Estados Unidos dedicándose a la fotografía.

En 1948,  comenzó una amistad de por vida con Edward Weston, una relación que influyó en su vida como fotógrafo.

Bullock también exploró el lado comercial de la fotografía fundando Arrow Camera en Santa María, California,  en 1943 (que vendió en 1952).

Las fotografías de  Bullock forman parte de las colecciones de más de 90 museos incluyendo  The Hallmark Collection of Photography, The Museum of Modern Art, The Center for Creative Photography y The San Francisco Museum of Modern Art.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

Etiquetas de Technorati:

martes, 29 de diciembre de 2009

Weegee (Arthur Fellig)

Weegee es el seudónimo de Arthur Fellig ( nacido en 1899 en Zolochiv, hoy perteneciente a Ucrania, y fallecido en 1968), un fotógrafo de noticias especializado en documentar el ambiente callejero de Nueva York mediante sus desgarradoras fotografías en blanco y negro. Las fotografías de Weegee mostraban escenas de crímenes, víctimas de accidentes de tráfico ensangrentadas o playas urbanas abarrotadas. Weegee también fotografió a las damas de la alta sociedad neoyorquina vestidas con sus armiños y diademas.

(c) Weegee

Sus padres le pusieron el nombre de Usher. Sin embargo, se le cambió el nombre a Arthur cuando emigró a Nueva York con su familia en 1909.

Fellig debe su alias Weegee a una interpretación fonética de la palabra qüija en inglés, debido a sus frecuentes llegadas a escena sólo minutos después de que se le hubiese avisado a las autoridades acerca de un crimen, un incendio u otra emergencia.

En el año 1938, Fellig era el único reportero gráfico de Nueva York que poseía un permiso para llevar consigo una radio portátil de onda corta con la frecuencia de la policía. Tenía instalado un cuarto oscuro en el maletero de su coche para acelerar el proceso de entrega de sus fotografías a los periódicos. Weegee casi siempre trabajaba durante la noche como fotógrafo freelance; escuchaba la radio atentamente llegando a las escenas, en ocasiones, antes que los propios policías.

La mayoría de sus fotografías más famosas fueron tomadas con un equipo fotográfico muy básico y con las técnicas de la época. Weegee no recibió formación fotográfica alguna sino que fue siempre un fotógrafo autodidacta, así como un gran promotor de sí mismo.

Su primer libro de fotografías, Naked City (1945), sirvió como inspiración a la película de 1948 The Naked City (La Ciudad Desnuda), dirigida por Jules Dassin.

Weegee también realizó cortometrajes en 16 mm en el año 1941 y trabajó en Hollywood como actor y asesor desde 1946 hasta los primeros años de la década de los sesenta.

Durante la década de los cincuenta y sesenta, Weegee también experimentó con la fotografía panorámica y con las distorsiones fotográficas (por ejemplo, tomando fotografías a través de prismas). Fellig fotografió a Marilyn Monroe en una famosa fotografía en la que la cara de la actriz aparece grotescamente distorsionada aun siendo reconocible. Para la película The Yellow Cab Man (1950), Weegee filmó una secuencia en la que aparece el tráfico distorsionado.

También viajó a lo largo de Europa en la década de los años sesenta, donde se dedicó a la fotografía de desnudos.

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

Etiquetas de Technorati:

lunes, 28 de diciembre de 2009

Brassaï

Brassaï es el pseudónimo de Gyula Halász (nacido en 1899 en Brassó, Hungría en aquel entonces y hoy Rumanía, y fallecido en 1984 en Eze, Alpes-Maritimes, Francia), fotógrafo húngaro (escritor, escultor y también cineasta) conocido por su trabajo desarrollado en París, ciudad donde desarrolló su carrera y donde está enterrado.

El trabajo de Gyula Halász y su amor por París, cuyas calles recorría asiduamente de noche, le llevó a la fotografía. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla.

(c) Brassaï

 "La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día, son dominadas por la razón..."

Cronología:

  • De joven, Gyula Halász estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Budapest antes de alistarse en un regimiento de caballería del ejército austrohúngaro hasta el final de la Primera Guerra Mundial.
  • En 1920 Halász se estableció en Berlín donde trabajó como periodista y estudió en la Academia de Bellas Artes de Berlín-Charlottenburg. Frecuentó los círculos formados en torno a Lázló Moholy-Nagy, Vasili Kandinski y Oscar Kokoschka.
  • En 1924 se trasladó a París donde vivió el resto de su vida. Empezó a aprender francés leyendo la obra de Marcel Proust y, viviendo entre los numerosos artistas del barrio de Montparnasse, empezó a trabajar como periodista. Pronto estableció amistad con Henry Miller, Léon-Paul Fargue y el poeta Jacques Prévert.
  • Trabajando como periodista, solicitaba fotografías para acompañar sus artículos a fotógrafos como André Kertész. Hasta 1930 no se decide a realizar sus propias fotografías.
  • Usando el nombre de su lugar de nacimiento, Gyula Halász se hizo conocer con el pseudónimo de "Brassaï", que significa "de Brassó". Brassaï capturó la esencia de la ciudad en sus fotografías, publicando su primer libro fotográfico en 1933. Sus esfuerzos tuvieron gran éxito, siendo llamado "El ojo de París" en un ensayo por su amigo Henry Miller.
  • Además de fotos del lado sórdido de París, también produjo escenas de la vida social de la ciudad, sus intelectuales, su ballet y grandes óperas. Fotografió a muchos de sus amigos artistas, incluidos Salvador Dalí, Pablo Picasso, Henri Matisse, Alberto Giacometti y a muchos de los prominentes escritores de la época como Jean Genet y Henri Michaux.
  • Brassaï también escribió diecisiete libros y numerosos artículos, incluyendo la novela Histoire de Marie en 1948, que fue publicada con un prólogo de Henry Miller.
  • En 1956, su película Tant qu'il aura des bêtes ganó el premio a la película más original en el Festival de Cannes
  • A partir de 1961 dejó la fotografía y se dedicó a la escultura.
  • Sin duda una de sus obras de mayor interés es Conversaciones con Picasso (1964), artista al que fotografió en innumerables ocasiones y con el que le unía una especial amistad y una sincera admiración mutua.
  • En el 1978 ganó el Gran Premio Nacional de la Fotografía de París.
  • En 2000, una exposición de 450 de sus obras fue organizada con la ayuda de su viuda, Gilberte, en el centro Georges Pompidou de París.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

 

Etiquetas de Technorati:

domingo, 27 de diciembre de 2009

Bob Carlos Clarke

Bob Carlos Clarke fue un fotógrafo irlandés (nacido en  County Cork en 1950, se suicidó en Barnes, Londres, en 2006) que tiene la merecida reputación de haber sido un fotógrafo extremadamente versátil así como uno de los mejores positivadores fotográficos. Su obra sigue una línea llena de misterio, imaginación y fotografías monocromas llenas de erotismo.

 

 52204Supergirls

 

Biografía

  • Viajó a Inglaterra en 1964 para estudiar en el The West Sussex College of Art.
  • Trabajó como fotorreportero y fotógrafo publicitario, y en 1975 completó un master en fotografía en el Royal College of Art.
  • Bob Carlos Clarke se ha posicionado como uno de los mas solicitados fotógrafos de moda, de retrato y comerciales, realizando campañas para Smirnoff y Volkswagen, entre otras compañías, y ha realizado también retratos de famosos: Keith Richards, Dita Von Teese, Caprice, Marco Pierre White y Rachel Weisz.
  • Las naturalezas muertas monocromáticas de Clarke son sus obras más subversivas. Al revelar multitud de detalles, sus primeros planos de cuberterías aparecen como extraños objetos del fetichismo, particularmente al ser considerados en el contexto de sexualidad velada de la obra del autor y sus alargados mangos se identifican con las piernas de la mujer.
  • Carlos Clarke es conocido también por los 6  libros que ha producido, la mayoría de ellos llevando la brillante técnica de la fotografía publicitaria a un mundo de voyerismo, drama y sensualidad:
    • The Illustrated Delta of Venus (1979),
    • Obsession (1981),
    • The Dark Summer (1985),
    • White Heat (1990),
    • Shooting Sex (2002), y
    • Love Dolls Never Die (2004).

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

Etiquetas de Technorati:


sábado, 26 de diciembre de 2009

Eikoh Hosoe

Eikoh Hosoe es un fotógrafo y cineasta japonés (nacido el 18 de marzo de 1933 en Yonezawa, Yamagata) que es conocido por sus imágenes de fuerte carga psicológica, que exploran temas como muerte, la obsesión erótica y lo irracional. Fue amigo del escritor Yukio Mishima y de artistas vanguardistas de los 60 como el bailarín Tatsumi Hijikata.

 

 

 © Eikoh Hosoe

© Eikoh Hosoe

 

Para mí la fotografía puede ser simultáneamente un trabajo y “un espejo” o “ventana” de autoexpresión. Se asume generalmente que la cámara no puede captar lo que no sea visible al ojo. Pero el fotógrafo que la maneja puede captar aquellas mentiras no vistas en su memoria.

 

 

 

Biografía

Después de estudiar en The Tokyo College of Photography en los años 50, Hosoe se unió al vanguardista grupo Demokrato que estaba liderado  por el artista Ei Q.

En 1960 Hosoe creó el Jazzu Eiga Jikken-shitsu (Laboratorio de películas de Jazz) con Hijikata, Shuji Terayama y Shōmei Tōmatsu, que era un proyecto artístico multidisciplinario dirigido a producir trabajos altamente expresivos e intensos tales como la película en blanco y negro Navel y la bomba atómica (Heso to genbaku).

También en 1960 Hosoe creó Otoko al onna (Hombre y mujer) donde trata al cuerpo humano como un objeto desnudo, representando de una manera viva el drama de la rivalidad entre los dos sexos sobre una base de igualdad.

Con Hijikata, Hosoe creó Kamaitachi, una serie de imágenes que se refieren a historias de un ser sobrenatural del campo japonés que estuvo muy presente en la niñez de Hosoe. En las fotografías, Hijikata se ve como un fantasma vagabundo que refleja el duro paisaje y que enfrenta a granjeros y a niños.

Con Mishima como modelo, Hosoe creó una serie de imágenes oscuras y eróticas centradas en el cuerpo masculino en su libro Ordeal by Roses (Bara-kei, 1963). La serie (realizada en la casa de Mishima en Tokio) coloca al escritor en actitudes melodramáticas, dando rienda suelta a sus  fantasías, anticipando incluso su suicidio de 1970.

En 1971 publica su libro Hoyo (Abrazo), que es una versión más abstracta de Otoko al onna, de nuevo centrado en el diálogo entre los hombres y las mujeres y mostrando la esencia de la vida simplemente abstrayendo la carne.

A finales de los 70 se interesó en las consecuencias que tuvo la bomba atómica  sobre la ciudad y sus gentes, realizando el libro Retorno a Hiroshima.

De 1976 a 1984 creó unas series de fotografías de la arquitectura de Gaudí, con las que publicó su libro Gaudí no uchu (El universo de Gaudí).

Hosoe ha sido el director del Kiyosato Museum of Photographic Arts (Kiyosato, Yamanashi)  desde su apertura en 1995.

Eikoh Hosoe es una parte integral de la historia de la fotografía japonesa moderna pero, además, sigue siendo una fuerza impulsora en la fotografía, no sólo por su propio trabajo, sino también como profesor y embajador, fomentando el intercambio artístico entre Japón y el mundo exterior. Su influencia se ha hecho sentir en su país natal y en toda la comunidad fotográfica internacional.

Su obra se ha exhibido en instituciones significativas como el International Center of Photography y el Museum of Modern Art, en Nueva York; el Nikon Salon, en Tokio; el Victoria and Albert Museum, en Londres y el Smithsonian, en Washington D. C.

Ha sido profesor de fotografía en el Instituto de Tokio de Escuelas Politécnicas desde 1975 realizando varios talleres de enseñanza de fotografía por todo el mundo.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 25 de diciembre de 2009

Francesca Woodman

Francesca Woodman fue una fotógrafa americana (nacida en 1958 en Denver (Colorado) y muerta en 1981 en Nueva York) que vivió una buena parte de su vida artística en Italia, cuya obra se caracterizó por sus fotografías en blanco y negro, en formato cuadrado, dando prioridad a la iluminación para, a través de ella, conseguir centrar la atención sobre un sujeto principal (normalmente ella desnuda) en la escena.

 

(c) The Estate of Francesca Woodman

 

Los pasteles son mi forma de arte favorita; yo preparo magníficos panecillos de jengibre, trufas de chocolate, pasteles de melocotón y flanes de zarzamora. No hay nada más relajante que quedarse a solas con un buen libro de cocina y las palabras.

Biografía

  • La infancia de Francesca transcurrió entre Boulder, un pueblo de Colorado, y Antella, una aldea de la campiña toscana frecuentada por artistas y exponentes de la alta sociedad de Florencia.
  • Su interés por la fotografía surgió a una edad muy temprana. Con solo 13 años empezó con sus primeros trabajos, adoptando ya su estilo característico.
  • Sus padres eran artistas plásticos (fotógrafo y ceramista) y ejercieron sobre ella sus primeras influencias hacia el arte, de tal forma que, desde pequeña, lo conceptualizó no sólo como un modo de vivir, sino más bien como un modo de pensar.
  • Se trasladó a Nueva York en 1979, donde quiso hacer carrera fotográfica. Envió portafolios a algunos fotógrafos de moda, pero sus esfuerzos no se vieron recompensados.
  • Debido a su fracaso y a una rotura sentimental, Woodman entró en una depresión y se suicidó saltando por una ventana del Lower East Side de Manhattan.
  • Sus padres George y Betty Woodman gestionan ahora el archivo de más de 800 imágenes que Francesca dejó (120 de las cuales han sido expuestas o publicadas).

 

Podemos encontrar más información de su obra y vida en la red en:

 

Etiquetas de Technorati:


jueves, 24 de diciembre de 2009

Germán Peraire

Germán Peraire es un joven fotógrafo español (nacido en 1988 en Barcelona, donde vive actualmente) que tiene, pese a su juventud, ya un nombre en el mundo de la fotografía.

 

(c) German Peraire

 

Mi trabajo aborda al ser humano desnudo, sus luces y sombras, sus volúmenes. Trata su identidad y la mía propia, a través del autorretrato. Trato de crear imágenes que contengan emociones intensas, francas y genuinas. Mi trabajo es puramente visual, intuitivo, emocional. En él no hay lugar para lo razonable.

 

Biografía

  • A los 16 años su padre le regaló una cámara digital de las primeras, de 3 mega píxeles. Siempre le han gustado las actividades creativas, y se volcó en ésta como un juego inocente y divertido.
  • Medio año después, al ver su entusiasmo, su padre le propuso montar un laboratorio analógico en casa, ya que él había sido fotógrafo aficionado en su juventud.
  • “Mi grado de dedicación creció hasta el punto de considerar el hecho fotográfico una causa para la cual he nacido y a la que entrego mi existencia, no por virtuosismo, sino por necesidad”.
  • Con esta dedicación ha realizado diversas exposiciones en Barcelona en las galerías Hermann Orduna, José de Ibarra y Tagomago, en el SonimagFoto 09, en la Galería Nicole Blanco y en Espacio Niram en Madrid.
  • En el pasado 2010 realizó, entre otras, exposiciones en MadridPhoto 2010 y en noviembre en el off de Paris Photo.
  • Ha obtenido una mención en la categoría Junior de los Premios Lux 2009.

 

 

Referencias

 

LIbros

Ya ha publicado varios libros de fotografía:

 

Etiquetas de Technorati:

miércoles, 23 de diciembre de 2009

Ilya Rashap

Ilya Rashap es un fotógrafo ruso (nacido en 1979 y que vive actualmente en Moscú) dedicado a la fotografía desde el 2006, que combina tanto el  blanco y negro como el color, los desnudos como el retrato y la fotografía de moda y con glamur.

(c) Illya Rashap

El erotismo y la sensualidad de su trabajo queda claramente reflejado en sus imágenes tratadas con gran sensibilidad y estilo.

También da seminarios sobre fotografía de moda y glamur.

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

Etiquetas de Technorati:

martes, 22 de diciembre de 2009

Roy DeCarava

Roy DeCarava fue un fotógrafo afroamericano (nació en Harlem en 1919, hijo de madre soltera Jamaicana y falleció en Brooklyn en 2009). En su Harlem natal empezó a volcar la realidad de su entorno social hasta llegar a  convertirse en uno de los más importantes fotógrafos de su generación como cronista de la vida de la gente corriente y de los músicos de  jazz.

 

 © Roy DeCarava

© Roy DeCarava

 

 

 

Biografía

Roy DeCarava se inició en el mundo artístico con la pintura pero, pese a sus esfuerzos, vio que obtenía mejores resultados con la fotografía que con sus trazos de pintura y también porque “Para que un pintor negro sea artista tiene que unirse al mundo blanco o no funcionará, tendrá que aceptar los valores de la cultura blanca”.

Roy en alguna ocasión comentó que a la gente negra nunca se había representado de una manera artística. Él fue el primero que lo intentó y lo logró. Tanto en la calle como en los locales de Nueva York donde bullía y se mamaba el jazz.

Ron Carter, legendario bajista de jazz, decía que tenía un sexto sentido : “Mi impresión de sus fotografías es que ve la música”.

 

 

 

Referencias

lunes, 21 de diciembre de 2009

Bruce Percy

Bruce Percy es un fotógrafo escocés, nacido en 1967 en Sutherland y que vive actualmente en Edimburgo. Es un fotógrafo freelance de viajes y paisaje. Sus imágenes se han publicado en National Geographic así como en otras publicaciones. Entre sus clientes se encuentran American Express, The Sir Edmund Hillary Foundation y la Icelandic Post Office (Stamp).

Siempre ha tenido un estrecho contacto con las artes: dibujando y pintando de niño, componiendo música de adolescente y fotografiando como adulto.

Su interés por la fotografía le llegó en los 80 por un amigo de la escuela secundaria que se compró una Pentax ME Super y que le introdujo en el trabajo de Ansel Adams.

Con la edad se ha encontrado con que le atraen mucho los parajes desolados y yermos y la gente que vive en ellos. Para él, la fotografía es el medio perfecto para estar más próximo a la tierra y a las culturas que la habitan.

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

Etiquetas de Technorati:

domingo, 20 de diciembre de 2009

Alvaro Mora

Alvaro Mora es un fotógrafo español, nacido en 1971 y que vive actualmente en Barcelona. Su formación y experiencia en el cine y video la traslada a la fotografía que realiza. También hizo sus pinitos en la música.

En 1992 terminó sus estudios académicos en video y cine, trabajando posteriormente como freelance y después 7 años como video reportero, principalmente de informativos.

En 1999 se trasladó a Barcelona y se adentró en el mundo de la publicidad como localizador de escenarios para spots publicitarios y producciones cinematográficas. Tras un año de formación en el manejo de la cámara de cine volvió a trabajar como localizador y asistente en sesiones de fotos, para, en la actualizar dedicarse de lleno a la fotografía.

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

Etiquetas de Technorati:

sábado, 19 de diciembre de 2009

Iain Crawford

Iain Crawford es un fotógrafo inglés que vive en Londres y trabaja principalmente para revistas de impresión y publicidad.  La característica principal de su trabajo es el uso del color intenso conseguido la mayor parte de las veces salpicando a sus modelos con pintura y realizando tomas a muy alta velocidad.

(c) Iain Crawford

Especializado en moda y belleza entre sus clientes se encuentran L’Oreal, Givenchy, Harpers Bazaar o Vogue entre otros.

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

Etiquetas de Technorati:

viernes, 18 de diciembre de 2009

Marc Hoppe

Marc Hoppe es un fotógrafo alemán, nacido en 1976  y que vive actualmente en Braunschweig, que dio sus primeros pasos en fotografía en el 2006 y hoy en día, ya tiene un nombre propio en el mundo de la fotografía. Al principio su trabajo se centró en paisajes y arquitectura, pero poco a poco su foco de interés fue cambiando, iniciando en 2008 un nuevo capítulo: desnudos artísticos y retratos.

Buscar lo natural y lo contrario a la vez, lo espiritual pero sin emociones y parar esto en un momento único del tiempo. Y para conseguir esto Marc Hoppe utiliza una óptima iluminación mínima para reducir casi totalmente la forma a eventos básicos: sombras y detalles puntuales.

“Menos es más”.

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

 

Etiquetas de Technorati:

jueves, 17 de diciembre de 2009

Juan Ramón Llavori

Juan Ramón Llavori Romatet es un fotógrafo zumaiarra (1953) que une a su calidad fotográfica la de su persona. Enamorado de las gentes (sobre todo las de Oriente) y del Camino de Santiago, es un placer oírle en cualquiera de sus charlas. Colabora con las ONG Medicus Mundi, Rokpa y Atisha. Siempre con un único fin: ensalzar la dignidad del ser humano con su trabajo.

 

“Sunita”,  Feria del Camello, Pushkar, Rajastán, India © Juan Ramón Llavori

“Sunita”,  Feria del Camello, Pushkar, Rajastán, India © Juan Ramón Llavori

 

 

Biografía

Comenzó en el mundo de la fotografía en el año 1994, guiado por la pasión de sus hermanos, Luis y José Mari, y la complicidad de Fernando Maiztegui.

Sus primeros pasos fueron participando en rallyes fotográficos.

En el año 1999, realizó su primer viaje a la India, que le sirvió para "ver" al ser humano, su pasión.

Más tarde y a través del Camino de Santiago, su Luz, le sirvió para entender mejor la vida. Con su mochila y su equipo, siempre caminando. Ha estado muchas veces en el Camino, y siempre ha llegado (supone que alguien le ha cuidado mucho) aunque esto no es lo importante, lo importante es cómo llegas, dice ...

Nos recomienda hacer el Camino, que nuestro espíritu nos lo agradecerá.

Sus viajes y exposiciones
  • 1997, su primer viaje, a Perú.
  • 1998, en colaboración con Médicos Mundi, su primera exposición en Gasteiz. Ese mismo año también en Azpeitia y Zumaia. Su titulo: Miradas con Futuro.
  • 1999, su primer viaje a la India, a Dharamsala.
  • 2000, viaja a Ladakh (India). Como consecuencia de este viaje, en junio de 2001, publica el libro JULE LADAKH. Se presentó en la S.F.G. con la exposición titulada Los Niños de Ladakh. Este trabajo también se ha expuesto en Zumaia, Bilbao, Gasteiz y Soraluce.
  • En 2001 estuvo en Nepal. Fruto de este viaje es la exposición Las Miradas de la Tierra. Esta misma exposición se mostró en el 2002, en Donostia, y en  2003 fue vista en Zumaia, Bilbao y Amurrio, en colaboración con la ONG Rokpa.
  • 2004, otro viaje a la India, a Rajastán y a Spiti Valley, para realizar un trabajo sobre el viaje del Dalai Lama visitando los monasterios budistas. Espera publicar este trabajo...
  • Tras recorrer varias veces el Camino de Santiago, presentó en Zumaia la exposición: Por los Caminos de la Luz.
  • En 2010 expone en Kutxa Boulebard Peregrinatio: El Camino de la luz, con fotografías del libro y pinturas y esculturas de diversos autores.
  • En 2010 expone Año Santo en la Catedral Santa María de Vitoria dentro del III MENDI ZINEMALDIA DE VITORIA GASTEIZ
Premios
  • 1998, XXXII Quincena Fotográfica Vizcaina – 3ª Premio Color.
  • 1998, XXVI Trofeo Gipuzkoa Internacional – Mención de Honor FIAP.
  • 2000, VI Bienal Internacional Aqüeducte – Aqüeducte de Plata.
  • 2000, V Book Super Foto – 2º Premio Nacional.
  • 2001, Austrian Super Circuit – Medalla Dorada y Medalla Bronceada.
  • 2001, XXIX Trofeo Gipuzkoa Internacional – Medalla Dorada S.F.G.
  • 2002, VII Bienal Internacional Aqüeducte – Medalla Bronceada FIAP.
  • 2002, XXX Trofeo Gipuzkoa Internacional – Medalla Bronceada S.F.G.
  • 2003, XXXI Trofeo Gipuzkoa Internacional - Medalla Dorada S.F.G.
  • 2004, VIII Bienal Internacional Aqüeducte – Aqüeducte de Plata.
  • 2008, Primer premio en el 69 Premio Internacional de Japón.
  • 2008, Primer Premio del Certamen “En el Camino de Santiago 2008
  • 2009, Primer Precio del Certamen “Ciudad de Irún 2009
  • 2010, Accésit del Certamen “Argizaiola 2010” de la Federación de Agrupaciones Fotográficas del País Vasco.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • En 2001 JULE LADAKH .
  • En 2009 Peregrinatio: El Camino de la Luz, fotografías y texto sobre el Camino de Santiago. Los beneficios de la venta de este libro se destinarán a la construcción de una cocina en el Monasterio de Ponda, en Spity Valley en los Himalayas, que es un monasterio de monjas tibetanas (todas son refugiadas huyendo de la barbarie china) y también, a sufragar los gastos de la exposición que tiene el mismo título que el libro: PEREGRINATIO POR EL CAMINO DE LA LUZ.

Puedes comprarlos al autor en jrllavori@euskaltel.net.

miércoles, 16 de diciembre de 2009

Gervasio Sánchez

Gervasio Sánchez es un periodista y fotógrafo español (nacido en Córdoba en 1959 y que reside en Zaragoza desde la década de los ochenta). Desde que se licenció en 1984 en la rama de Periodismo de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Autónoma de Barcelona, ha trabajado como periodista independiente para diferentes diarios y revistas, especializándose en conflictos armados.

 

(c) Gervasio Sánchez

 

 

Biografía

  • Desde 1984 hasta 1992 cubrió la mayor parte de los conflictos armados habidos en América Latina.
  • Desde 1988 mantiene una estrecha relación con el periódico El Heraldo de Aragón. Ha trabajado como enviado especial de este diario aragonés tanto en la guerra del Golfo como en los distintos conflictos armados en la antigua Yugoslavia, África, Asia y América Latina.
  • También colabora con la Cadena SER y con el servicio español de la BBC desde 1994, con el Magazine de LA VANGUARDIA y con la revista TIEMPO desde el año 2000.
  • En 2011, expone su proyecto Desaparecidos, realizado en diez países en los últimos doce años que se presenta a partir de enero en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) y La Casa Encendida de Madrid en tres exposiciones simultáneas y diferentes y en un libro. En noviembre será presentado en el Centro de Historia de Zaragoza.

 

Premios y nombramientos.

  • Premio al Mejor Periodista del Año en 1993, concedido por El Heraldo de Aragón por su cobertura de la guerra de Bosnia.
  • Premio al Mejor Trabajo Gráfico del Año 1994, concedido por el Club Internacional de Prensa de Madrid, por la cobertura de la guerra de Bosnia.
  • Premio de Andalucía de Cultura en 1995 en su modalidad de Fotografía.
  • Premio Cirilo Rodríguez en junio de 1996.
  • Premio de Derechos Humanos de Periodismo por su libro Vidas minadas y su trayectoria profesional en diciembre de 1997, por la Asociación Pro Derechos Humanos de España.
  • Hijo adoptivo de la ciudad de Zaragoza.
  • La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) le nombró durante la celebración del 50 aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, en diciembre de 1998, «Enviado Especial de la UNESCO por la Paz».
  • En julio de 2001, la Diputación Provincial de Zaragoza le concedió la Medalla de Oro de Santa Isabel de Portugal.
  • En abril de 2004, el Gobierno de Aragón le entregó la Medalla al Mérito Profesional.
  • Premio LiberPress en noviembre del 2005 .
  • Premio Javier Bueno en enero de 2006, otorgado por la Asociación de la Prensa de Madrid.
  • Premio Ortega y Gasset de Periodismo en categoría gráfica en mayo del 2008.
  • Premio Internacional de Periodismo Rey de España en enero del 2009 por la serie Vidas minadas, 10 años después.
  • I Premio Solidaridad Proyecto Hombre en marzo de 2009.
  • Premio Nacional de Fotografía, en noviembre de 2009.

 

 

Referencias:

 

 

Libros:

  • En 1994 apareció su libro fotográfico El Cerco de Sarajevo, resumen de su trabajo en la sitiada capital bosnia entre junio de 1992 y marzo de 1994.
  • En 1995 inició un nuevo proyecto fotográfico llamado Vidas minadas sobre el impacto de las minas antipersonas sobre las poblaciones civiles en los países más minados del mundo, entre ellos Afganistán, Angola y Camboya, que concluyó en noviembre de 1997 con un libro y una exposición. Este proyecto fue organizado por las organizaciones humanitarias no gubernamentales Manos Unidas, Médicos Sin Fronteras e Intermón.
  • En 1999, publicó su libro fotográfico Kosovo - Cronica de La Deportacion .
  • En 2000, Niños de La Guerra, que resume su trabajo en la última década del siglo XX en más de una quincena de conflictos armados.
  • En 2001 publicó el libro La caravana de la muerte: Las victimas de Pinochet .
  • En 2002 publicó Vidas minadas + Cinco años después .
  • Durante los años 2000 y 2001 coordinó junto a Manuel Leguineche el libro Los Ojos De La Guerra (Homenaje de Miguel Gil).
  • En 2004 publicó junto al escultor y artista plástico Ricardo Calero Latidos Del Tiempo , un libro catálogo de la exposición del mismo nombre organizada por los Ayuntamientos de Zaragoza y Sevilla.
  • En 2004 publicó el libro literario Salvar a los niños soldados, la historia del misionero Chema Caballero en Sierra Leona, director de un programa de rehabilitación de ex combatientes infantiles.
  • En 2005 publicó el libro fotográfico Sierra Leona. Guerra y paz .
  • SARAJEVO 1992-2008 
  • Vidas Minadas 10 años 
  • En 2011 publica Desaparecidos.

 

 

Etiquetas de Technorati:

martes, 15 de diciembre de 2009

Huntington Witherill

Huntington Witherill es un fotógrafo americano, nacido en Siracusa, Nueva York, en 1949. De muy niño su familia se trasladó a Santa Mónica, California, y empezó a estudiar música para ser un concertista de piano, pero se interesó por el diseño en 2 dimensiones  y al final, en 1970, estudió fotografía con gente como Ansel Adams, Wynn Bullock, Steve Crouch y Al Weber.

 

(c) Huntington Witherill

 

Ha realizado más de 85 exposiciones en solitario y otras en grupo. Además, sus fotografías se mantienen en numerosas colecciones públicas de arte por todo el mundo, incluyendo el United States Department of State- Art in the Embassies, el National Museum of Modern Art en Kyoto, Fundacióe Van Gogh d'Arles en Arles (Francia), el Akron Art Museum en Akron (Ohaio), el Everson Museum of Art  en Siracusa (Nueva York) y el Monterey Museum of Art en Monterrey(California), entre otros.

Sus fotografías representan un acercamiento inusualmente diverso al medio, incluyendo paisajes clásicos, estudios de arte pop, temas botánicos, arquitectura urbana, fotografía abstracta e imagen digital.

En 2000 publicó el libro una monografía de paisajes en blanco y negro: Orchestrating Icons y al año siguiente otra monografía sobre botánica:  Botanical Dances. Ambos libros han recibido premios nacionales e internacionales.

Desde 1975, Witherill ha enseñado fotografía en los Estados Unidos, incluyendo la Universidad de California, The Friends of Photography y la Ansel Adams Gallery.

Fue elegido “Artista del año” en 1999 por el Center for Photographic Art.

En los últimos 35 años Huntington Witherill vive en la hermosa costa central de California.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

Etiquetas de Technorati:

 




lunes, 14 de diciembre de 2009

Pete Turner

Pete Turner es un fotógrafo americano (nacido en Albany, Estados Unidos, en 1934 y que ahora vive y trabaja en Hamptons, Long Island, Nueva York) considerado un mago del color. Su fotografía, en general, destaca por el impresionante colorido y luminosidad.  Tiene la capacidad de trasladar su imaginación a la cámara, y transformar objetos y escenas habituales en una obra de arte llena de color con una visión muy personal.

 

 PeteTurner

 

Por su uso del color, Turner ha influenciado a múltiples generaciones de fotógrafos. El trabajo de Turner ha sido publicado en algunas de las más importantes revistas del mundo, incluyendo Life, Look, Esquire o Sports Illustrated.

 

Biografía:

  • Obtiene su graduación en 1956, en el Instituto de Tecnología de Rochester, un momento en que no está todavía interesado por la fotografía y sí por el desarrollo de la tecnología industrial.
  • En 1957 trabaja para el ejército en la División del Servicio Gráfico, donde puede experimentar con los materiales fotográficos y gran cantidad de productos químicos, sobre todo en lo referente a la fase de revelado y positivado.
  • En 1958 se establece en Nueva York y al año siguiente publica en Esquire su primer reportaje, por el que inmediatamente es ampliamente reconocido.
  • En 1976, junto a Ernst Haas y Jay Maisel, abre la galería Space, que se dedica a la exposición de fotografías en color, actividad que era poco reconocida por la pérdida que con el tiempo sufrían este tipo de imágenes.
  • En 1978 lleva a cabo la fotografía publicitaria para Encuentros en la tercera fase de Steven Spielberg.
  • Ha trabajado en el mundo de la publicidad para marcas como Bacardi, General Motors, BMW Motorcycles, Canadian Club, AT&T o Volkswagen entre otros, portadas para revistas desde Good Housekeeping a Playboy), y portadas de libros (en particular “The Complete Book Of Water Healing” de Dian Dincin Buchman , “Blue Moon”  de Luanne Rice y “Massacre Island” de Martin Hegwood), además de publicar varios libros sobre su propio trabajo.
  • También ha fotografiado lugares exóticos y eventos de todo el mundo, así como a actores, músicos, modelos, políticos, la realeza y a los presidentes de los Estados Unidos con su propio estilo de fotografía.

 


Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

 

Etiquetas de Technorati:

domingo, 13 de diciembre de 2009

Arthur Tress

Arthur Tress es un fotógrafo americano (nacido el 24 de noviembre de 1940 en Brooklyn, Nueva York) cuyo estilo se originó en la década de los 1960 dentro del movimiento surrealista, pero evolucionó posteriormente hacia un estilo propio a medio camino entre la ensoñación y el formalismo. La fuerza de sus desnudos masculinos combina la ternura con la crueldad y nos retrotrae con sus imágenes hacia la iconografía gay de San Sebastián.

 

 

 Flood Dream © Arthur Tress

Flood Dream © Arthur Tress

 

 

Soy un gay que fotografía a hombres gay.

 

 

Biografía:

En 1952 realizó sus primeras fotografías, sobre el mundo del circo y de edificios abandonados.

De 1958 a 1962 estudió pintura, historia del arte, culturas del mundo y filosofía con Heinrich Bluecher y continuó realizando fotografías y algunos cortos.

En 1962 viajó a París para estudiar cine.

De 1962 a 1966 viajó por Europa y Egipto, Méjico, Japón e India, documentando cultura y costumbres de pueblos y tribus, siendo fascinado por el mundo de los chamanes.

En 1967 y 68 vivió en Suecia trabajando como fotógrafo para el Stockholm Ethnographic Museum.

En 1968 volvió a Nueva York, como fotógrafo profesional, realizando su primera exposición en solitario.

En los 70 y 80 recibió numerosos premios, escribió algunos libros y realizó numerosas exposiciones.

En 1992 se trasladó a Cambria, California, donde sigue con sus trabajos, premios y exposiciones.

En sus fotografías muestra muchas veces un mundo en ruinas no exento de sus dosis de violencia en el que tanto niños como hombres nos invitan a un juego tan lúdico como amenazante.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros