lunes, 30 de noviembre de 2009

Man Ray

Man Ray, Emmanuel Radnitzky, fue un artista estadounidense (nacido en Filadelfia, Estados Unidos, en 1890 y fallecido en París en 1976) impulsor de los movimientos dadaísta y surrealista en Estados Unidos.

 

Le violon de Ingres, 1924 © Man Ray

Le violon de Ingres, 1924 © Man Ray Trust

 

La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte.

 

 

Biografía

Empezó a cantar a la edad de cinco años y dos años después se trasladó a Brooklyn con su familia, donde fue a la escuela. Recibió una beca para estudiar Arquitectura y la rechazó al igual que la idea de una educación académica.

En Nueva York trabajó como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asistía a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se produjeron en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg.

En 1908 se casó con la poeta belga Adon Lacroix. Su primera exposición individual tuvo lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Fundó, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el Dadá neoyorquino.

En 1918 trabajó con aerógrafos sobre papel fotográfico. En 1920, con K. Dreier y Duchamp, fundó la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionaban todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).

Sus primeras obras experimentales son las Rayografías de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hizo también retratos, de hecho se convirtió en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.

Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace Le Violon d'Ingres (1924).

Cuando el surrealismo se separó del dadaísmo en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.

Hacia finales de los años veinte comenzó a realizar películas de vanguardia, como La Estrella de mar (1927).

En 1930 se instaló en París hasta 1940, y allí centralizó el Dadá parisino. Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray volvió a la fotografía. Realizó la serie de solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y siguió pintando en estilo surrealista; publicó varios volúmenes de fotografías y rayografías.

En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En 1940, escapando de la ocupación nazi de París, se instaló en Hollywood y en Nueva York. Durante su estancia en California se ganó la vida como profesor de fotografía.

La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su sensibilidad ágil y humorística. Entre pinturas y fotografías hay que incluir también películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda.

Como pionero del Dadáismo y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo.

Regresó a Francia en 1951, publicando en 1963 su Autobiografía.

En 1973 el Metropolitan Museum de Nueva York le dedicó una retrospectiva a su obra fotográfica.

 

 

Referencias

domingo, 29 de noviembre de 2009

André Kertész

André Kertész fue un fotógrafo húngaro (nacido en Budapest, Hungría, en 1894 y fallecido en Nueva York, Estados Unidos, en 1985) conocido por sus contribuciones a la composición fotográfica y por sus esfuerzos para establecer y desarrollar el ensayo fotográfico.

 

(c) André Kertész

 

 

Biografía

Durante los primeros años de su carrera, sus trabajos no fueron apreciados debido a sus ángulos poco ortodoxos y a su deseo de conservar un estilo fotográfico personal. Incluso al final de su vida Kertész consideró que no había obtenido el reconocimiento que merecía. Actualmente, es considerado una de las figuras más influyentes del periodismo fotográfico.

Su carrera se divide generalmente en cuatro periodos llamados:

  • Periodo húngaro.- A pesar de que su familia deseaba que trabajara como corredor de bolsa, Kertész se convirtió en un fotógrafo autodidacta y sus primeros trabajos fueron publicados principalmente en revistas, una tendencia que se mantuvo durante la mayoría de su carrera. Kertész sirvió brevemente en la Primera Guerra Mundial.
  • Periodo francés.- En 1925 se mudó a París en contra de los deseos de su familia, en donde formó parte del creciente grupo de artistas inmigrantes y del movimiento dadaísta. Además, allí su trabajo fue exitoso crítica y comercialmente.
  • Periodo estadounidense.- Sin embargo, la amenaza inminente de la Segunda Guerra Mundial lo obligó a emigrar a los Estados Unidos, donde tuvo una vida más difícil y tuvo que reconstruir su reputación a través de comisiones. También tuvo altercados con varios editores, ya que no creía que ellos reconocieran su trabajo.
  • Periodo internacional.- Durante los años 1940 y los años 1950, Kertész dejó de trabajar para revistas y ganó gran éxito internacional.

 

Referencias:

 

Libros

 

 

 

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sábado, 28 de noviembre de 2009

Lotte Jacobi

Johanna Alexandra (Lotte) Jacobi (nacida en Thorn (Prusia, actualmente Polonia) en1896 y fallecida en  1990) fue una fotógrafa alemana que inmigró a los Estados Unidos para escapar de la amenaza nazi.

 

Cronología:

  • Nacida en una familia de fotógrafos, estudió Historia del Arte y de Literatura en la  Academy of Posen (1912–16).
  • Estudió en la Bavarian State Academy of Photography en Munich y en la Universidad de  Munich (1925–27).
  • Dirigió el negocio familiar en Berlín (1927–35), fotografiando a eminentes personalidades como  Bertolt Brecht and Kurt Weill y produciendo 4 películas.
  • De octubre de 1932 a enero de 1933 viajó a la Unión Soviética, en particular a Tajikistan y Uzbekistan, tomando fotografías de todo lo que veía.
  • Con la llegada de los nazis al poder emigra a Estados Unidos en 1935.
  • Desde 1935 a 1955 mantiene un estudio en Manhattan, Nueva York.
  • Se va a vivir al campo a Deering, New Hampshire, donde vive y trabaja hasta el final de sus días.

Jacobi es conocida por sus retratos de gente célebre, como Albert Einstein, Thomas Mann, Peter Lorre, Marc Chagall, Alfred Stieglitz, Eleanor Roosevelt, J.D. Salinger, Marianne Moore, Robert Frost y muchos otros. En estos retratos se caracterizan por tener un aire natural, sin pretensiones . En sus años de Nueva York creó lo que ella llamaba “photogenics” , fotografías abstractas en blanco y negro creadas con flashes y velas en movimiento sobre papel sensible a la luz.

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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viernes, 27 de noviembre de 2009

Dennis Hopper

Dennis Lee Hopper  fue un actor y director de cine estadounidense (nacido en Dodge City, Kansas, en 1936 y fallecido el 29 de mayo de 2010) que destacó durante los años sesenta por su labor como fotógrafo, llevando su cámara fotográfica a todos los lugares por donde andaba: desde platós a fiestas, retrató desde íconos cinematográficos hasta perfectos desconocidos. Dueño de una particular sensibilidad, utilizó su aguzado talento para lograr imágenes que marcaron una época

 

(c) Dennis Hopper

Cuando la gente me pregunta estos días si me gusta más hacer fotografía, pintar, actuar, dirigir... bien, he de responder que todo es una misma cosa, solamente se diferencian en el tiempo que tengo para hacer cada una, todas ellas forman parte del arte de crear.

Biografía:

  • Saltó a la fama al dirigir y actuar al lado de Peter Fonda en la película Easy Rider: Buscando mi Destino (1969). Se ha especializado en papeles de personajes desequilibrados pero cerebrales. 
  • Hopper comenzó a pintar de niño y empezó a tomar fotos en 1961, después de que su esposa en aquellos tiempos, Brooke Hayward, le regalara una cámara Nikon de 35mm por su cumpleaños.
  • Sus pinturas y fotografías han sido exhibidas en todo el mundo, incluyendo la reciente retrospectiva "Dennis Hopper y el Nuevo Hollywood" en París.
  • Recientemente, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA) ha dedicado a Hopper una exposición, 'Dennis Hopper double standard', que redescubre su faceta artística: fotógrafo, pintor, escultor y hasta grafitero, con una selección del trabajo de toda su carrera (con la salvedad hecha de que casi toda la obra que hizo antes de los 25 años ardió en un incendio en Bel Air).

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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jueves, 26 de noviembre de 2009

John Heartfield

John Heartfield fue (nacido en Berlín, en 1891 y fallecido también en Berlín en 1968) un fotógrafo alemán del período dadaísta, conocido sobre todo por sus fotomontajes.

Su nombre real era Helmut Herzfeld. Abandonado por sus padres mostró desde muy pronto un raro talento artístico. Durante la Primera Guerra Mundial, se vio obligado a alistarse en el ejército (aunque luego lo abandonó, fingiendo una depresión nerviosa). Fue en este momento cuando, a modo de protesta, cambió su nombre por el de John Heartfield.

Al finalizar la guerra, Heartfield se unió al grupo Dadá, así como al Partido Comunista. A partir de este momento, el trabajo del artista alemán tendría una gran carga de denuncia política (fue muy crítico con la República de Weimar, al igual que su amigo Bertolt Brecht). Cada vez más implicado en el terreno del fotomontaje, trabajó en revistas ilustradas. Durante 1930 y 1931, viajó por la Unión Soviética.

Cuando el régimen de Hitler se estableció en Alemania, Heartfield huyó a Checoslovaquia. Fue durante el período de la Segunda Guerra Mundial cuando su trabajo resultó más productivo y más representativo de su personalidad como artista. La mayoría del arte de Heartfield es una crítica satírica al Tercer Reich, y en particular a la figura de Adolf Hitler. Asimismo, condenó el antisemitismo y la sociedad industrial capitalista.

No volvió a su país natal hasta 1948 (a Leipzig, en la República Democrática Alemana). Desempeñó trabajos de profesor universitario y fundó su propia editorial. Para entonces, ya estaba gravemente enfermo. Fue durante la década de los cincuenta, y en Alemania del Este, cuando su obra fue realmente reconocida por el público.

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miércoles, 25 de noviembre de 2009

Ernst Haas

Ernst Haas fue (Viena, 1921 - Nueva York, 1986) un fotógrafo y artista plástico austríaco, célebre por sus obras en color y sus reportajes periodísticos . Perteneció a la Agencia Magnum.

Cronología:

  • Comenzó a estudiar medicina y después pintura.
  • A principios de 1940 comenzó a trabajar con la fotografía y después de la guerra en el campo del fotoperiodismo.
  • En 1947 se hizo muy popular un reportaje que hizo sobre el retorno de los prisioneros de guerra.
  • En 1949 entró en la agencia Magnum presentado por Robert Capa.
  • Se fue a vivir a Estados Unidos y realizó su primera fotografía en color en el desierto de México. Éste fue el comienzo de su investigación personal sobre el uso de la fotografía en color.
  • Desde 1951 se convirtió en fotógrafo independiente para publicaciones como Life, Vogue, Esquire o Look. Tomó fotografías de Nueva York (Imágenes de una ciudad mágica) y otras grandes ciudades como París y Venecia.
  • En 1957 realizó un reportaje sobre las corridas de toros en España que supusieron una sorpresa para el público.
  • En 1962 realizó una exposición de fotos en color en el Museo de Arte Moderno de Nueva York
  • En 1963 publicó su primer libro: Elements, que trataba sobre Nueva York.
  • Desde 1964 trabajó en cine y televisión (El arte de ver).
  • En 1971 realizó su obra titulada La creación de la que vendió 350 000 copias,
  • En 1975 publicó su libro América.
  • En 1972 recibió el Premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.
  • En 1986 recibió el Premio internacional de la Fundación Hasselblad.

Definió la fotografía como un puente entre la ciencia y el arte.

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martes, 24 de noviembre de 2009

Adam Fuss

Adam Fuss es un fotógrafo inglés (nacido en 1961 en Inglaterra) que vive y trabaja en Nueva York.

Trabajando como fotógrafo comercial, él es consciente de lo que él llama “la cultura tecnológico-consumista”. En respuesta a esto, junto con otros artistas de su generación tales como Garry Fabian Miller y Susan Derges, ha vuelto a los medios fotográficos más simples: fotografía sin el uso de una cámara. Tales procedimientos recuerdan las fotografías más tempranas de los años 1830 y 1840. En el trabajo de Fuss, la luz se utiliza como metáfora para iluminar los procesos y las etapas de la vida humana.

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lunes, 23 de noviembre de 2009

Thomas Demand

Thomas Demand es un fotógrafo alemán, nacido en Múnich en 1964 y que actualmente vive y trabaja en Berlín.

Desde comienzos de los 90, Demand ha seguido el mismo procedimiento: primero elige una imagen fotográfica publicada en un diario o revista, luego construye un modelo de esa imagen a escala real en papel y cartón, lo ilumina  y lo fotografía. Acto seguido, destruye la maqueta.

“Una memoria de un tiempo o un lugar no es ese tiempo o ese lugar, y, aun cuando la mente luche por percibir el presente existe el filtro inevitable de la conciencia: nuestra mente construyendo un retrato de la realidad”.

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domingo, 22 de noviembre de 2009

Xavier Damon

Xavier Damon es un fotógrafo francés nacido en 1969 en París y que actualmente sigue viviendo y trabajando en París. Trabaja con una máquina Polaroid 600.

Comenzó fotografiando en  blanco y negro cuando tenía 18 años y, una vez vista su obra terminada, deseaba siempre volver atrás para cambiar algo: contraste, luminosidad, encuadre, etc.  Siempre pasaba un mal rato cuando terminaba una de sus obras.

Aparte de realmente es un placer el ver el resultado inmediatamente, el gusto de Damon por la polaroid es consecuencia de que cuando la fotografía está terminada  no se puede agregar, ni quitar ni cambiar nada. Esta técnica le fuerza a pensar de una manera distinta: o le no gusta el resultado y tira, o le gusta y aprende a  aceptarlo tal como es.

“Comencé “a jugar” con la película instantánea de Kodak cuando tenía 21 años, hice cosas muy diversas, y volví de nuevo a la película polaroid hace aproximadamente dos años.  Me gusta jugar con los colores y las texturas hasta que consigo algo que se parece a lo que me imaginaba. Parte del resultado es controlada, parte es suerte. A veces pienso que soy afortunado…”

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sábado, 21 de noviembre de 2009

Carl Chiarenza

Carl Chiarenza es un fotógrafo americano, nacido en Rochester (Estado de Nueva York) en 1935, que ha influenciado enormemente como artista, educador, historiador de arte y crítico,  en la escena americana de fotografía.

Un ejemplo vivo para generaciones de estudiantes, Chiarenza ha visto publicados numerosos artículos suyos desde 1957, mientras que su trabajo ha sido exhibido en más de  70 exposiciones en solitario y 200 en grupo; ha dado numerosas conferencias en su país y ha visto su trabajo (fotografías y escritos)  reproducidos en más  de 175 publicaciones. Su libro Evocations reúne 80 de las fotografías más importantes de Chiarenza desde  mediados años ochenta a 2000, documentando su importante labor artística durante ese período.

Las fotografías de Chiarenza se exponen en colecciones permanentes de instituciones como el Museum of Modern Art de Nueva York, el National Museum of American Art en Washington, el D.C.Museum of Fine Arts en Houston, el Museum of Fine Arts en Boston y el San Francisco Museum of Modern Art.

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viernes, 20 de noviembre de 2009

Roger Catherineau

Roger Catherineau fue un pintor y fotógrafo francés (nacido en 1925 en Tours y fallecido en 1962) que exploró el expresionismo abstracto en sus fotografía y fotogramas, y que con su prematura muerte, su innovador trabajo fue en gran parte inadvertido hasta su redescubrimiento del historiador Christian Bouqueret en los 90.

Catherineau recibió la inspiración y el estímulo del renombrado fotógrafo y profesor alemán Otto Steinert, que era el fundador del movimiento “Fotoform” de los fotógrafos alemanes de la posguerra. Steinert lo incluyó en la exposición 1954-55 y en el libro “Subjektive Fotografie 2”.  Catherineau y Steinert se interesaban menos en la representación objetiva y estaban más  interesados en la interpretación y abstracción subjetivas.

Catherineau en sus temas, típicamente paisajes, desnudos y retratos, aumentaba su contraste y creaba exposiciones dobles, dando mayor profundidad a la imagen. Empleaba técnicas inusuales, como pintura y tinta sobre el cristal, también solarización y otras manipulaciones químicas.

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jueves, 19 de noviembre de 2009

Ellen Carey

Ellen Carey es una fotógrafa americana, nacida en 1952 en Nueva York, y que ahora vive y trabaja en Nueva York y en Hartford, Connecticut, donde da clases. Las fotografías de Ellen Carey investigan la abstracción y el minimalismo con el uso de un color altamente saturado y de formas puras. Esta trama de patrones vibrantes y de formas, figurativas y abstractas a la vez, crean un collage conceptual.

Esta artista utiliza uno de los procesos iniciales de la fotografía, creando una imagen de la sombra de los objetos que se ponen directamente en el papel fotosensible y después se exponen a la luz. Los resultados  son de estética abstracta. En sus trabajos más recientes utiliza materiales polaroid con esta misma técnica.

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miércoles, 18 de noviembre de 2009

Bill Brandt

Bill Brandt fue un fotógrafo británico (nacido en Hamburgo en 1904 y fallecido en Londres en 1983) conocido por sus imágenes en blanco y negro sobre contrastes sociales en la sociedad británica y sus fotos distorsionadas de desnudos y paisajes. También trabajó como periodista gráfico.

Cronología:

  • Al comenzar su trabajo como fotógrafo se trasladó a París donde quedó muy impresionado por el movimiento surrealista.
  • Tras realizar un viaje con su esposa Eva se instaló en 1931 en Londres, allí comenzó a realizar un trabajo documental sobre las diferencias sociales en la sociedad británica y los contrastes que producían; así como los problemas del paro en la minería.
  • Estos trabajos se publicaron en varios libros: The English at Home en 1936 y A Night in London en 1938, ese mismo año publica el libro A Camera in London que recoge varios de sus planteamientos fotográficos.
  • Desde 1937 publica habitualmente en revistas como Harper's Bazaar, Lilliput, Picture Post y The Bystander. Sus reportajes más conocidos trataban sobre las desigualdades sociales en el Reino Unido.
  • Durante la segunda guerra mundial estuvo trabajando para el gobierno británico fotografiando a la vida nocturna de la población londinense durante los bombardeos, en ese momento consigue fotografías de la ciudad sin personas.
  • Al finalizar la contienda su estilo pasa poco a poco del reportaje gráfico a la fotografía de paisajes, desnudos y del cuerpo humano con el empleo de grandes angulares y puntos de vista poco usuales. También se dedicó a realizar retratos de artistas británicos para Lilliput, Picture Post y Harper’s Bazaar.
  • Durante los últimos años de su vida estuvo dando clases en el Royal College of Art y exponiendo su trabajo; de ese modo participó en la exposición de The family of man invitado por Steichen.
  • En 1979 fue premiado por la Royal Photographic Society y poco antes por la Royal Society of Arts.
  • Murió el 20 de diciembre de 1983 a causa de complicaciones con la diabetes que arrastraba desde hacía más de cuarenta años.

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martes, 17 de noviembre de 2009

Hans Bellmer

Hans Bellmer fue un autor surrealista de origen polaco, nacido en  Katowice, en 1902 y fallecido en París, en 1975, que desarrolló su trabajo en Berlín y más tarde en París debido al nazismo.

Cuando los nazis llegaron al poder en Alemania, en 1933, Bellmer decidió no hacer nada que pudiera serles útil. Entonces confeccionó su obra más conocida: la Muñeca. Se trata de una escultura que representa a tamaño casi real (1,40 m.) a una muchacha de cabellos morenos, desnuda y con calcetines, que parece una muñeca de niña ampliada, pero que tiene cuatro piernas y numerosas articulaciones para un único torso de mujer adulta. Es un objeto con pretensiones eróticas, una criatura artificial con múltiples posibilidades anatómicas, mediante la cual Bellmer intenta descubrir la mecánica del deseo y desenmascarar el inconsciente psíquico que nos gobierna. La escultura evoca también la emancipación femenina, y es también una denuncia del culto al cuerpo perfecto de moda en la Alemania nazi.

Bellmer es, evidentemente, rechazado por el III Reich, que calificaba a su arte de degenerado, y que veía en él lo que el autor, en efecto, quería: un intento de provocar a la población para impulsarla a despertar.

Trasladado a Francia en 1938, fue acogido por los surrealistas, que reconocían en su Muñeca y en sus fotografías una nueva manera de abrir el espíritu de la sociedad a sus fantasmas inconscientes y de obligar al espectador a interrogarse sobre los sentimientos producidos en él por la obra de arte y sobre las relaciones con su propio cuerpo y todo lo que ello conlleva de hipocresía o de complejo.

Aunque la Muñeca es su obra más innovadora y más conocida, continuó con sus trabajos sobre el erotismo, con abundantes dibujos y fotografías de esculturas-objetos.

 

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lunes, 16 de noviembre de 2009

Alfred Otto Wolfgang Schulze (Wols)

Alfred Otto Wolfgang Schulze (Wols) fue un escritor, pintor y fotógrafo alemán (nacido en Berlín en 1913 y fallecido en París en 1951), que, como pintor fue uno de los más influyentes del movimiento tachista (El tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea, goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo, y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía).

 

 © Alfred Otto Wolfgang Schulze (Wols)

© Alfred Otto Wolfgang Schulze (Wols)

 

La imagen puede estar en relación con la naturaleza como la fuga de Bach con Jesucristo; un caso así no es una copia, sino una creación análoga.

 

 

Biografía

En 1919 su familia se trasladó a Dresde y en 1927 descubrió su interés por la pintura, impresionado por la obra de Paul Klee, Otto Dix y George Grosz. Aprendió fotografía en 1930.

En 1932 volvió a Berlín, porque quería  formar parte de la Bauhaus, pero Moholy-Nagy le aconsejó que se fuera a París, cosa que hizo. Allí se ganó la vida como fotógrafo retratista. Además, escribió y pintó y dio clases de alemán.

En 1937 Schulze asumió el seudónimo de Wols, forma en la que, según contaba su mujer Gréty, pronunció su apellido una operadora telefónica que no lo entendió. De ese mismo año es su primer encargo como fotógrafo oficial de la Exposición Universal.

En 1939, inmediatamente después del estallido de la Segunda Guerra Mundial, Wols junto con otros alemanes, fue preso en el estadio de Colombes en tanto que «extranjero enemigo» y se le encerró en distintos campos de internación franceses.

En 1940 Wols fue liberado del campo de internamiento de Milles después de su matrimonio efectuado poco antes con Gréty. En esta época Wols se dio a la bebida, empeorando su salud poco a poco. En estos años desarrolló su obra de forma privada.

En 1945 regresó a París y expuso en la galería de René Drouin por primera vez sus acuarelas, sin demasiado éxito. Wols retomó la fotografía y empezó a pintar al óleo en pequeños formatos. La dependencia creciente del alcohol afectó a la salud del artista.

En 1947, expuso sus pinturas en la Galería Drouin. Esta exposición conectó con el público parisino y obtuvo un gran éxito. Con ilustraciones de textos de escritores como Jean Paulhan, Jean-Paul Sartre, Franz Kafka y Antonin Artaud nació una obra gráfica independiente.

 

 

 

Referencias

domingo, 15 de noviembre de 2009

Jimmy C (Luminous Impression)

Jimmy C (Luminous Impression) es un fotógrafo norteamericano (nacido en 1971 y que vive en Baltimore, Maryland) apasionado por la fotografía desde hace más de 25 años.

Criado por un padre que era un fanático de la cámara y una madre que era una artista y con un cuarto oscuro en su casa, Jimmy estuvo expuesto a los equipos de fotografía y modelos desnudos desde una edad muy joven. "La desnudez es algo que siempre me pareció natural, y yo siempre he apreciado su belleza”.

Con la llegada de la fotografía digital Jimmy ha tocado cielo.  "En serio, me permitió ser mucho más creativo, sin la frustración de la película.  El verdadero trabajo está en la iluminación, en la escenografía y en apuntalar la construcción ".

Su trabajo se adentra en el género fetichista alternativo, con especial fascinación por la ropa.

“Se necesita mucha imaginación para llegar más allá de lo que ya se ha hecho para crear algo único y hermoso”.

En 2004 funda LuminousImpression, un negocio de fotografía comercial que produce imágenes para sitios web, publicaciones, agencias y portafolios para modelos y actores.

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sábado, 14 de noviembre de 2009

PJ Reptilehouse

PJ Reptilehouse es el seudónimo de un artista de origen canadiense con sede en Oakland, California.  Utiliza la técnica de múltiple imágenes de la  cronofotografía para crear magníficas obras que están en el límite entre las fotografías figurativa y abstracta.

Con un equipo montado por él mismo con flases estroboscópicos, motores, controladores y cámara logra tomar con un clásico desnudo en una única toma imágenes múltiples, sin el uso de Photoshop.

Obtuvo su licenciatura en música en la Universidad de Guelph y más tarde, después de mudarse a California obtendría un Master en Música Electrónica en la Universidad de Mills. PJ ha tenido siempre un gran interés por la música, la fotografía y la electrónica, y siempre ha estado buscando la forma de combinarlos.

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viernes, 13 de noviembre de 2009

Willy Otto Zielke

Willy Otto Zielke fue un fotógrafo y realizador cinematográfico alemán de origen polaco. Nació en Łódź, en 1902 y murió en Bad Pyrmont, Hannover, en 1989).

Estudió técnica ferroviaria en Tashkent, estableciéndose posteriormente en Munich en 1921, donde estudió fotografía en la Bayerische Staatslehranstalt für Photographie, de la que fue profesor desde 1928. Se dedicó principalmente a la evolución social e industrial de Alemania, rodando un documental sobre el paro obrero (Arbeitlos, 1932), que fue prohibido por los nazis. Su estilo destacó por tener una técnica brillante y unas perspectivas insólitas. Desde 1933 se pasó a la fotografía en color. Desde los años 1950 enseñó en la Escuela BIKLA de Düsseldorf.

Rechazó el pictorialismo y experimentó realizando naturalezas muertas de cristal y exponiéndolas en la exhibición  “Film und Foto” en 1929 en Stuttgart.

Podemos encontrar esta información y poco más de su obra en la red en:

 

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jueves, 12 de noviembre de 2009

László Moholy-Nagy

László Moholy-Nagy fue un pintor y fotógrafo húngaro, nacido en Bácsborsard, en 1895, y muerto en Chicago, en 1946. Ha pasado a la historia como uno de los más importantes profesores y teóricos del arte y de la fotografía desde su trabajo en la Escuela Bauhaus alemana.

Durante su trabajo en ella estuvo acompañado de su mujer, Lucia Schulz, a la que había conocido anteriormente en Berlín y que era una discreta pero excelente fotógrafa. La pareja experimentó al máximo la fotografía y realizaron en 1922 interesantes fotogramas, alcanzando la fama.

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miércoles, 11 de noviembre de 2009

Paul Strand

Paul Strand fue un fotógrafo americano (nacido en 1890 en Nueva York y muerto en 1976), hijo de una familia inmigrante de Bohemia (República Checa), que fue uno de los precursores de la «fotografía directa» o «fotografía realista», junto a Alfred Stieglitz y otros fotógrafos de la "Photo-Secession" y la "Galería 291", además de un reputado cineasta.

Su padre le regaló una cámara a los 12 años, pero entonces la bicicleta ocupaba todo su interés. Fue el profesor Lewis Hine quien, años después, le ayudó a descubrir su vocación. Hine, cuyos retratos de niños en fábricas ayudaron a mejorar las leyes del trabajo infantil, montó unas clases de fotografía, Strand se apuntó y con 17 años decidió que quería dedicar su vida a la fotografía.

Comenzó con retratos que le daban de comer y que compaginaba con sus primeras imágenes abstractas y composiciones arquitectónicas. De esa época es La verja blanca, que contiene la semilla de su trabajo posterior. Su rechazo a las imágenes pictorialistas le empujó a las calles de Nueva York. Quería fotografiar la ciudad, la gente tal cual se veía en los parques, sin posar, sin saber que eran fotografiados. Por eso, ideó una cámara oculta con una lente falsa.
En los años 30, Strand desarrolló un activismo político que lo llevó a vivir en México, visitar la URSS y exiliarse de EEUU en protesta por el maccarthismo. Murió en Orgeval, Francia en 1976.
De los rostros humildes de la Norteamérica diezmada por la depresión a las flores de su jardín, para Strand toda realidad, por anónima y cotidiana que fuera, merecía una imagen.

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martes, 10 de noviembre de 2009

Edward Weston

Edward Weston fue un fotógrafo estadounidense (nació en 1886 en Highland Park, Illinois y murió en Widcat Hill el 1 de enero de 1958) considerado uno de los más importantes del siglo XX y cofundador del Grupo f/64. Su obra es una continua búsqueda y esconde un ser inquieto y apasionado con su trabajo.

 

 

© Edward Weston

© Edward Weston

 

 

Biografía

Edward Weston hizo sus primeras fotos con 16 años. Con 20 se trasladaría a California donde pasó la mayor parte de su vida, viajando a Nueva York en 1922 para conocer a Stieglitz y a Méjico en 1923 con Tina Modotti.

Aunque sus inicios se habían enmarcado en el pictorialismo, coincidiendo con su estancia en México (1923-1926) sus ideas se clarificaron y destruyó sus primeras fotografías y se inició en el movimiento purista.

Tras su vuelta a California el paisaje del desierto de Mojave le impresiona y le abre nuevos caminos creativos. Luego fotografiaría durante décadas el desierto de California y Point Lobos y posteriormente las dunas de los alrededores de Santa Mónica.

Ya desde temprana edad, destacó por su trabajo artístico en fotografía en blanco y negro. La mayoría de su obra la realizó en una cámara de fuelle de 8x10 pulgadas. En 1947 tuvo su primer contacto con la fotografía en color.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Entre otros: