sábado, 31 de enero de 2009

Arnold Newman

Arnold Abner Newman fue un fotógrafo americano (nació en Nueva York el 3 de marzo de 1918 y murió el 6 de junio de 2006, también en Nueva York) que, durante más de seis décadas, se caracterizó porque sus imágenes no sólo mostraban a un personaje central, sino también un ambiente que hablaba sobre su personalidad, sus actividades o sus logros.

 

ArnoldNewman

 

No quería que se tratara solamente de una fotografía. El segundo plano tenía que sumarse a la composición y ayudar a comprender al personaje. Hacer sólo el retrato de alguien famoso no significa nada.

La fotografía, como todos sabemos, no es real de ninguna manera. Es una ilusión de la realidad con la cual creamos nuestro mundo privado.

No hacemos fotografías con nuestras cámaras, sino con nuestros corazones y nuestras mentes.

Biografía:

  • Se crió en Nueva Jersey y Florida.
  • Estudió arte en la Universidad de Miami con la intención de convertirse en pintor. Pero su vida cambió cuando, tras dos años en la universidad, entró a trabajar en un estudio fotográfico de Filadelfia.
  • Volvió a Florida en 1942 para regentar un estudio de retratos en West Palm Beach.
  • Tres años más tarde abrió su propio negocio en Miami Beach.
  • En 1946, volvió a Nueva York, abrió el Arnold Newman Studios y trabajó como freelance para Fortune, Life y Newsweek.
  • Newman es uno de los maestros de la fotografía retratista de famosos del siglo XX, célebre porque hizo las fotografías más famosas de la actriz Marilyn Monroe, del beisbolista Joe Di Maggio, de los pintores españoles Pablo Picasso, Miró, Salvador Dalí y Antoni Tápies.
  • Se hizo famoso no sólo por sus retratos, sino por el estilo que imprimió a su trabajo, en el que además de artistas y deportistas incluyó a políticos como los presidentes estadounidenses Dwight Eisenhower, John F. Kennedy, o el primer ministro británico Winston Churchill.
  • Asimismo, retrató con su cámara fotográfica a buena parte de los hombres y mujeres más influyentes del siglo XX, desde el físico J. Robert Oppenheimer padre de la bomba atómica, hasta políticos como el General Francisco Franco, en un impactante e inusual retrato de 1964, con todo el aura autoritaria de un dictador.
  • Aun cuando su base de operaciones fue siempre Nueva York, viajó por todo el mundo para fotografiar a artistas, científicos y políticos para las revistas más populares de Estados Unidos.
  • Premios:
    • 1999 Infinity Award for Master of Photography
    • 2004 Lucie Award for Outstanding Achievement in Portrait Photography

 

Su presencia en la red:

 

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viernes, 30 de enero de 2009

Igor Amelkovich

Igor Amelkovich es un fotógrafo ruso (nació en la ciudad de Chelyabinsk, en los Urales) que mantiene dos intereses principales: fotografía del paisaje y desnudo. Para él una mujer es una forma de belleza concentrada de la naturaleza.

 

IgorAmelkovich

 

Biografía:

  • Estudió ingeniería de radio.
  • La fotografía ha sido su obsesión desde 1999, aunque antes no había tenido nunca una cámara en sus manos antes y es autodidacta.
  • Evita el tratamiento digital, utilizándolo exclusivamente para limpiar un poco la fotografía de polvo y arañazos.
  • Trabaja en analógico y utiliza una Hasselblad 503CW y dos lentes: Planar 80/2,8 y Sonnar 150/4.
  • Ha ganado, entre otros, los siguientes premios:
    • Trierenberg Super Circuit 2006,  Medalla de oro en categoría “desnudo”.
    • Trierenberg Super Circuit 2005, 1º premio en categoría “desnudo”.
    • Hasselblad Austrian Super Circuit 2004, Medalla de oro.
    • Hasselblad Austrian Super Circuit 2003, Medalla de oro. .

 

Podemos contemplar sus obras en:

 

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jueves, 29 de enero de 2009

Elliot Erwitt

Elliott Erwitt (Elio Romano Ervitz) es un fotógrafo americano (nacido en París, 1928, de padres judíos emigrantes de Rusia) que trabajó para los más importantes medios de prensa. Su calidad artística, su gran impacto comunicativo y su fina ironía lo han situado en un lugar de privilegio entre los fotógrafos del siglo XX.

 

ElliotErwitt

Soy Elliot Erwitt, y lo he sido durante unos cuantos años.

Esto va sobre reaccionar a lo que usted ve, esperemos que sin prejuicios. Puede encontrar fotografías en cualquier parte. Es simplemente una cuestión de advertir cosas y de organizarlas. Sólo tiene que denotar qué está alrededor de usted y tener conocimiento de la humanidad y de la comedia humana.

 

Biografía:

  • Descendiente de emigrantes rusos, pasó su niñez en Italia y Francia, pero la Segunda Guerra Mundial obligó a su familia a emigrar a los Estados Unidos.
  • Elliott Erwitt comenzó tomando fotografías desde fines de los 40s. Comenzó trabajando en un estudio fotográfico en Hollywood y más tarde como fotógrafo para diversas publicaciones. En uno de sus viajes conoció a Robert Capa, Edward Steichen y Roy Stryker, quienes se convertirían en sus destacados mentores.
  • En 1953 fue invitado a formar parte en la prestigiosa agencia Magnum Photos por Robert Capa, uno de sus fundadores, convirtiéndose, quince años más tarde, en el presidente de la misma, durante 3 años.
  • Elliott Erwitt, si bien se ha mantenido siempre fiel a la fotografía documental y al fotoperiodismo característicos de la Magnum, ofrece dos rasgos inconfundibles: la inclusión de elementos autobiográficos en sus imágenes y la sutil ironía, el fino humor de muchas de sus composiciones.
  • En la década de los años 60s, comenzó a realizar documentales, programas de televisión y libros.
  • Fue fotógrafo de la Casa Blanca y colaboró en Look, Life y Holiday
  • Hasta la fecha, Erwitt es autor de los siguientes libros y sigue trabajando en nuevos títulos:
      • Photographs and Anti-Photographs, 1972.
      • Observations on American Architecture, 1972.
      • Elliott Erwitt: The Private Experience,1974.
      • Son of Bitch, 1974.Fotografías de perros.
      • Recent Developments, 1978.
      • Personal Exposures. 1988.
      • On the Beach, 1991.
      • To The Dogs, 1992.
      • The Angel Tree, 1993.
      • Between the Sexes, 1994.
      • 100+1 Elliott Erwitt, 1997.
      • Dog Dogs, 1998.
      • Museum Watching, 1999.
      • Snaps,  2001.
      • EE 60/60, 2002.
      • Elliott Erwitt's Handbook, 2002.
      • Woof, 2005.
      • Elliott Erwitt's Rome, 2009
  • Su cámara ha fotografiado a muchos de los protagonistas de la historia contemporánea, tales como John Kennedy, Richard Nixon, Ernesto Che Guevara, Nikita Jrushchov, Marilyn Monroe y Jacqueline Kennedy, entre otros.
  • Su obra ha sido expuesta y coleccionada, entre otros, en el Museum of Modern Art de Nueva York; en la Smithsonian Institution, de Washington D.C.; en el Art Institute de Chicago y en  el Kunsthaus de Zurich.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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miércoles, 28 de enero de 2009

Al Magnus

Al Magnus es un fotógrafo, coleccionista y soñador de imágenes francés. Sus composiciones están protagonizadas, en su mayoría, por niños que “pierden el tiempo” por una causa imposible tirando de cuerdas, presionando, corriendo, o simplemente contemplando lo que ocurre en un mundo surrealista como salido de los sueños de los propios niños.

 

AlMagnus

 

Biografía:

  • Su primer encuentro con la fotografía tuvo lugar cuando tenía 10 años y quedó cautivado por la luz de las fotografías en blanco y negro.
  • Hico sus pinitos en blanco y negro y le quedó una visión luminosa de la fotografía que intenta modestamente plasmar en la mayor parte de sus composiciones, en las que el color, si aparece, no sirve mas que para reforzar el ambiente.
  • Pero la fotografía no le fue bien y siguió estudios científicos: ingeniero físico/químico y doctorado en ciencias, quedando atrapado en la aproximación experimental a cualquier ciencia.
  • Hacia el año 2000 en un arrebato se compró un scanner de negativos y una impresora.
  • En ese momento comprendió que su formación técnica le había dado maestría técnica en el manejo de  herramientas y quiso aprovecharlo exclusivamente en el logro de un estilo y obra fotográfico muy personal.
  • Al Magnus recrea paisajes imaginarios de gran belleza con un toque surrealista. Se trata de uno de esos fotógrafos en que el montaje fotográfico a través de software no anula la calidad poética de la obra, sino que se traduce en toda una fuente de posibilidades a través de la cual dotar a sus trabajos de un carácter pictórico e hipnótico.
  • Su trabajo se basa en conceptos como la gravedad, la lluvia, el viento… que recrea primero en bocetos a mano y que, tras un proceso de selección de imágenes acumuladas a lo largo de los años, fija a base de trabajar con el escáner y posteriormente dándoles color.

 

Podemos encontrar más información de su página en el red en:

 

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martes, 27 de enero de 2009

Harold Edgerton

Harold Eugene Edgerton fue un científico y fotógrafo estadounidense (nació el 6 de abril de 1903 en Fremont, Nebraska, y falleció el 4 de enero de 1990 en Cambridge, Massachusetts).

 

(c) Harold Edgerton

 

Biografía:

  • Es su infancia aprendió fotografía con su tío y le gustaba mucho la electricidad.
  • En 1921 entró en la Universidad de Nebraska. donde años después recibió el título en ingeniería eléctrica.
  • En 1926 entró en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, el famoso MIT. En su proyecto de graduación investigó sobre la luz estroboscópica e inventó un método para tomar fotografías de exposiciones cortísimas, hasta de una millonésima de segundo. Este invento sigue siendo utilizado en los dispositivos fotográficos de hoy en día y ya que puede también emitir ráfagas de luz repetidamente en breves intervalos regulares, es ideal para usarse como estroboscopio.
  • Podemos contemplar su famosa fotografía de la gota de leche.
  • Otras fotos famosas suyas son las de globos estallando, una bala impactando en una manzana y movimientos rapidísimos en el deporte.
  • La obra de Harold Edgerton ha sido publicada en revistas científicas especializadas y, posteriormente, ha formado parte de exposiciones como la primera de fotografía que entró en el MoMA neoyorquino en 1967 o las del Centro Georges Pompidou de París en 1977 y en el Internacional Centre of Photography de Nueva York en 1987.

 

Más información en la red sobre Harold Edgerton:

 

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lunes, 26 de enero de 2009

Christian Coigny

Christian Coigny es un fotógrafo suizo (nacido en 1946, gastó su infancia en Lausana) que tiene una larga y exitosa trayectoria en el mundo de la fotografía, especialista en el retrato y desnudos, sobre todo en blanco y negro.

 

ChristianCoigny

No soy un profesional... Siempre he sabido desenvolverme... Soy un fotógrafo clásico, y por tanto un burgués, pero lo tengo asumido.

Biografía:

  • No le gustaba el colegio, ni los estudios de ciencias ni de comercio.
  • En 1966, prueba en la escuela de fotografía de Vevey, pero le bastan seis meses para desviarse para siempre de los tradicionales caminos del éxito.
  • Libre por completo de toda coacción, viaja a San Francisco donde estudia cuatro años en la estricta escuela de Arts Directors estadounidense.
  • De retorno a su casa, abre un estudio y se dedica a la fotografía de retratos, moda y bodegones.
  • Durante más de 10 años ha realizado posters (principalmente desnudos) para una cadena de almacenes.
  • Por encargo de Vitra realizó la serie “Personalties”, con retratos de 130 personalidades de la talla de Charles Eames, Jasper Morrison, Frank Gehry, Grace Jones, …, sentados sobre sillas de la marca.
  • Lo ha hecho todo en fotografía, aunque sin seguir un orden. Le gusta América, pero sin embargo, Europa parece ser el único continente donde puede mostrar sus obras. Por ello se instaló en Lausana, donde experimenta con una forma de fotografía esencialmente creativa y muy rápida. Sus clientes le proponen trabajos sin coacciones, excepto el esteticismo.
  • Gracias a la quietud de la orilla del lago puede dar rienda suelta a su imaginación tanto para trabajos comerciales como para trabajos personales.
  • Ha publicado los libros:
    • Ohmmes, 1982
    • Portraits d’artistes, 1983
    • Coigny photographies, 1990
    • Sittings, 2000

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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domingo, 25 de enero de 2009

Piotr Kowalik

Piotr Kowalik es un fotógrafo polaco (nacido en Lublin, Polonia, reside en Inglaterra) cuyo estilo está basado en la idea de utilizar la fotografía actual para conseguir el estilo de los pintores y escultores clásicos.

 

PiotrKowalik

 

Biografía:

  • Ha trabajado como fotógrafo desde 2000, montando un estudio (Koval Studio) y trabajando tanto en formato digital como analógico.
  • La obra de Kowalik refleja su interés en el proceso de la fotografía de una forma completa, desde el principio hasta el final. Por ejemplo, realiza sus propios accesorios como fondos y máscaras para los focos de iluminación. Después de tomar las fotos él mismo las escanea, edita digitalmente la toma y la revela y positiva.
  • Ha experimentado en múltiples campos de la fotografía: moda, portadas, publicidad y comercial, pero su principal interés está en el retrato: ha trabajado con modelos, actores, músicos, bailarines y todo tipo de personas.
  • Su filosofía está basada en la idea de utilizar la fotografía actual para conseguir el estilo de los pintores y escultores clásicos.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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sábado, 24 de enero de 2009

Kerik Kouklis

Kerik Kouklis es un fotógrafo artístico americano (nacido y crecido en California) especializado en fotografía hecha a mano.

 

KerikKouklis

 

Biografía:

  • Nacido y crecido en California con una formación en música y geología, se esfuerza en combinar una mirada contemporánea con procesos fotográficos del siglo XIX para producir un trabajo muy personal.
  • Influenciado por los pintores de principios del siglo 20, utiliza a menudo lentes difusoras para explorar lugares obscuros, poco conocidos y para hacer imágenes que sean al mismo tiempo tranquilas e inquietantes.
  • Fotografía a menudo en la niebla o con muy poca luz, dando así a muchas de sus imágenes un acabado etéreo.
  • En su trabajo utiliza los procesos del siglo XIX platino/paladio, el combinado goma/platino y el colodión húmedo. Puede leerse información de estos antiguos procesos en esta página.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

  • su página, una muestra de su obra (EN [{199]),
  • galería virtual (EN [20f]).

 

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viernes, 23 de enero de 2009

Gerda Taro

Gerda Taro fue una fotorreportera polaca (se llamaba en realidad Gerta Pohorylle y era hija de judíos polacos) famosa por sus fotografías de la Guerra Civil Española, donde murió.

 

GerdaTaro

 

Biografía:

  • A pesar de sus orígenes burgueses, desde muy joven entró a formar parte de movimientos socialistas y obreros. Por eso con la llegada de los nazis al poder, y tras haber sufrido una detención, decidió huir con una amiga a París.
  • En París conoció por casualidad a Andre Friedman, un judío húngaro que intentaba ganarse la vida como fotógrafo. Gerda y Andre se hicieron novios, y Andre le enseñó a Gerda sus conocimientos de fotografía.
  • Como no les iban bien las cosas, y no recibían trabajo, se les ocurrió una curiosa idea. Inventarían un personaje llamado Robert Capa, que supuestamente era un reputado fotógrafo llegado de Estados Unidos para trabajar en Europa. Como es tan famoso, vende sus fotos a través de sus representantes: Friedman y Pohorylle, al triple del precio que un fotógrafo francés. Este truco funciona perfectamente y al poco tiempo reciben montones de encargos y por fin ganan dinero.
  • En 1936 da comienzo la Guerra Civil Española, que marcaría decisivamente a ambos. Se trasladan a España para cubrir el conflicto. Allí traban amistad con el fotógrafo David Seymour.
  • Al principio la marca Capa era utilizada indistintamente por ambos. Luego se produjo cierto distanciamiento entre ellos y Andre Friedman se quedó con el nombre de Robert Capa y el destino fue distinto para ambos:
  • Andre se hace mundialmente famoso con la foto de la muerte del miliciano en cerro Murriano.
  • Del trabajo de Gerda en solitario su reportaje más importante fue el de la primera fase de la batalla de Brunete, que dio a Gerda un gran prestigio.
  • En la segunda parte de esta batalla, volviendo del frente de batalla, Gerda se subió en el estribo del coche del General Walter (miembro de las Brigadas Internacionales). El convoy fue atacado por unos aviones enemigos volando a baja altura que hicieron que cundiera el pánico en el convoy y un tanque republicano descontrolado golpeó a Gerda Taro, arrojándola del coche y aplastando su cuerpo.
  • Gerda malherida, murió pocas horas después, con 27 años y su fama se perdió, junto con sus fotografías.
  • En 2008 se hace pública una maleta en Méjico con 3.000 negativos que se creían perdidos de la Guerra Civil Española, de Gerda Taro, Robert Capa y David Seymour, pendientes actualmente de limpiar y catalogar.

 

A pesar de que Gerda Taro no tenga página Web (murió hace más de 70 años), de que no haya galerías virtuales que muestren sus fotos, de que algunas de ellas estén bajo la etiqueta de Robert Capa, aún tiene una pequeña presencia en Internet:

 

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jueves, 22 de enero de 2009

Ben Goossens

Ben Goossens es un artista belga (vive en Willebroek, Bélgica) que hace surrealistas composiciones experimentales combinando fotos e ilustración.

 

(c) Ben Goossens

 

Biografía:

  • Tras su paso por la escuela de Arte, donde una de sus asignaturas era la fotografía, trabajó durante 35 años como director de Arte en publicidad, utilizando Photoshop en los últimos años..
  • Ahora, una vez retirado, hace surrealistas composiciones experimentales combinando fotos e ilustración creando montajes fotográficos con un estilo surrealismo personal que recuerda el de su compatriota René Magritte.
  • También ha estado enviando sus imágenes a diferentes acontecimientos fotográficos donde tiene un notable éxito, incluyendo el prestigioso Trierenberg Super Circuit donde ha conseguido medallas de oro y plata.
  • Sus imágenes están tomadas con una Nikon D70 y manipuladas con Photoshop CS2 en un Mac G5 2GHz DualCore.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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miércoles, 21 de enero de 2009

Gregory Colbert

Gregory Colbert es un cineasta y fotógrafo canadiense (nacido en Toronto en 1960) cuyas fotografía y cortos sobre el hombre en conexión con animales son extraordinariamente líricos.

 

GregoryColbert

Al eliminar la diversidad de la naturaleza estamos convirtiendo una orquesta en un tambor y empobreciendo nuestra propia especie para el resto de los tiempos.

Mi bestiario expresa no sólo el mundo a través de los ojos humanos, sino también de los de los animales.

Biografía:

  • Comenzó a trabajar en el campo cinematográfico en 1983 con diversos documentales y cortometrajes dedicados a temas sociales.
  • En 1992 expuso, por primera vez, su obra gráfica en el museo Elíseo de Lausana, Suiza, y en la Galería Parco de Tokio, Japón.
  • Las fotografías de Colbert introducen al hombre en un mundo casi irreal de perfecta sintonía entre el humano con los animales con imágenes que transmiten serenidad y silencio intentando que el espectador oiga y vea el mundo de otra manera.
  • En abril de 1992 decidió desaparecer: renunció a su actividad cinematográfica y artística y se dedicó por entero, en el más absoluto silencio, a filmar y fotografiar la interacción entre el hombre y los animales (elefantes, cachalotes, manatíes, águilas, halcones, ibis, etc.) en el curso de 27 expediciones en la India, Ceilán, Tailandia, Egipto, Birmania, Dominica, Tonga y Azores.
  • Gregory Colbert en sus obras muestra lo absurdo de una civilización asentada en las tecnologías, que ha olvidado frecuentemente ese nexo sagrado entre hombre y naturaleza; un nexo que refulge en imágenes cargadas de lirismo que son un majestuoso alegato contra la degradación medioambiental.

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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martes, 20 de enero de 2009

André Brito

André Brito es un fotógrafo nacido en Portugal de 32 años de edad, que vive en Oporto, especializado en publicidad, moda y desnudo.

 AndresBrito

 

Su faceta más conocida son sus desnudos, con un blanco y negro de marcados contrates y perfectamente ejecutado, jugando con la figura femenina para construir formas y paisajes, dándole un carácter al desnudo en sí más artístico pero sin excluir ese toque de sensualidad y erotismo que impregna las imágenes, marcando las curvas y los rasgos con claroscuros que le confieren aún más belleza.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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lunes, 19 de enero de 2009

Matt Hoyle

Mat Hoyle es un fotógrafo internacionalmente reconocido por sus retratos que cuentan historias.

 

(c) Matt Hoyle

 

Biografía:

  • Antes de elegir la vida de un fotógrafo profesional, Matt Hoyle era un creativo de la industria de publicidad. Se pasó a la fotografía porque quiso siempre contar historias de su visión del mundo pero era demasiado impaciente para esperar a escribir una gran novela. La fotografía se convirtió en el modo para conseguirlo.
  • En sus fotografías se nota su experiencia como publicista. No tomó realmente en serio la fotografía hasta que ganó el premio al mejor fotógrafo profesional australiano del año.
  • Hoy, divide su tiempo entre Nueva York y Sidney, entre la publicidad y la fotografía para marcas conocidas.
  • Ha ganado un León de Oro en Cannes y ha sido seleccionado como uno de los 200 mejores fotógrafos de Publicidad por el Luzer’s Archive.
  • Ha trabajado, entre otros, para CBS, Warner Bros, Columbia Records, Discovery Channel, Esquire, Epson, BMW, Procter & Gamble y Roche,
  • Su trabajo ha sido expuesto en la National Protrait Gallery de Londres, Point of View Gallery de Nueva York y otros muchos museos y galerías.

 

Podemos encontrar más información de su trabajo en la red en:

 

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domingo, 18 de enero de 2009

Oleg Dou

Oleg Duryagin (alias Oleg Dou) es un joven fotógrafo ruso (nacido en Moscú el 19 de agosto de 1983)  que tiene una forma muy particular de mostrar la realidad: sus fotos se caracterizan por un estilo muy marcado, centrado en fotografiar caras “desnudas” (sin cejas ni pestañas, y muchas veces el pelo tampoco se ve), con una piel que es más similar a la de un maniquí que a la de una persona, haciendo fuerte énfasis en la expresión (o, más bien, en la no-expresión).

 

(c) Oleg Dou 

Me apasiona el rostro humano. Utilizo la naturaleza artificial de la fotografía digital como instrumento para reflexionar sobre las contraposiciones entre vivo y muerto, atractivo e inquietante, hermoso y feo.

 

 

Biografía:

Oleg Duryagin pasó bastante tiempo entre artistas, aunque no estuviera especialmente interesado en sus actividades, ya que en su familia había gente que se dedicaba a la pintura, como su madre. Sintió el impulso artístico y la creación algún tiempo más tarde, cuando estaba trabajando como diseñador web, lo que le empujó a estudiar en serio diseño.

Así es como se encontró con la fotografía y tuvo la idea de combinarla con el diseño. Oleg realizó estudios en la Moscow State Institute of Steel and Alloys (2001-2006).

Tuvo su primera exposición individual en la galería Le Simoun de Paris, a los 23 años.

En 2007 fue galardonado con el International Photography Awards y el International Color Awards, que le consiguieron la atención de la comunidad artística internacional. Desde entonces, su obra ha sido incluida en numerosas exposiciones colectivas en distintos centros en Europa y Norteamérica y reproducida en numerosas publicaciones.

Con sus fotos, el artista pretende mostrar lo condicionados que estamos frente a una sociedad que nos restringe y nos marca nuestra forma de ser, sobre todo en los cánones de belleza.

Sus fotografías utilizan la técnica Diasec, que es un método especial de revelado sobre acrílico y dibond, uniéndolos con un pegamento líquido, como si la imagen estuviera dentro de un sándwich entre materiales. Se van agregando distintas capas hasta crear este efecto “hiperrealista“. Con esta técnica consigue imágenes con un detalle nunca antes visto (aunque en la Web no podamos contemplar este efecto).

 

 

Referencias

sábado, 17 de enero de 2009

Rodolphe Simeon

Rodolphe Simeon es un fotógrafo parisino (vive y trabaja en Vancouver, Canadá) cuya obra se divide entre la que realiza en estudio (color, surrealista) y la que hace en la calle (retratos realistas en blanco y negro) siempre inspirado por la pintura y el surrealismo.

 

 (c) Rodolphe Simeon

 

Biografía:

  • En octubre de 2005, vio el documental “War Photographer” sobre James Nachtwey que le impactó e inmediatamente compró su primera cámara.
  • Se declara seguidor de fotorreporteros como James Natchwey, Sebastião Salgado, Larry Burrows, Bruce Davidson, Leonard Freed y adora a David LaChapelle porque no tiene miedo al mal gusto.
  • Pronto comprendió que retratar la realidad consistía realmente en retratar su percepción de dicha realidad, y cuando esta nueva realidad es adoptada por todos se convierte en hiperrealidad, su propia hiperrealidad.
  • Con clara influencia de las grandes obras pictóricas, aísla lo que le interesa de cada sujeto y controlando el nivel de violencia que le suscita recrea su propia hiperrealidad, que gira en torno a la autodestrucción del cuerpo, a la destrucción de nuestra propia realidad.
  • Persona abierta y positiva, está en constante búsqueda de nuevos retos y experiencias, siempre enfatizando aquello que le mueve.

 

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

 

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viernes, 16 de enero de 2009

Pavel Kaplun

Pavel Kaplun es un pintor, diseñador y fotógrafo ruso (nacido en Kusnesk, vive y trabaja en Alemania) y es conocido por sus trabajos digitales, de gran creatividad.

 

(c) Pavel Kaplun

 

Biografía:

  • Marcha a Alemania con su familia donde trabaja de montador (1991).
  • En 1992 comienza a trabajar como pintor y su trabajo es mostrado en exposiciones nacionales e internacionales.
  • De 1995 al 2000 colabora como diseñador independiente para el renombrado fabricante de porcelana, Goebel. Sus dibujos son incorporados en cuatro ediciones para las series The Artis Orbis, para las que diseñaron algunos de los más celebres artistas del siglo XX.
  • Después se integra al mundo de la publicidad como fotógrafo y diseñador de páginas Web.
  • Desde 2004 organiza y anima talleres de formación de Photoshop.
  • Hoy en día es uno de los artistas internacionales más reconocidos dentro del mundo del diseño.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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jueves, 15 de enero de 2009

Andrzej Dragan

Andrej Dragan es un científico, compositor y fotógrafo polaco (nacido en Varsovia, 1978) que utiliza en la mayoría de sus fotografías focales cortas y un fuerte post procesado, realizando un juego de luces y sombras, colores, exageración de detalles, realce de ojos, arrugas, venas y, en general, cualquier textura que pueda aportar relieve a la expresión del escenario y sus personajes. 

 

(c) Andrzej Dragan

 

Algunas personas dicen que los buenos retratos revelan alguna verdad oculta del modelo retratado. Con tristeza, debo confesar que ese tipo de personas no encontrarán nada interesante en mis fotografías, simplemente porque no tienen ese propósito.

Biografía:

  • Estudió en su ciudad natal, obteniendo becas en Amsterdam, Oxford, y Lisboa.
  • Doctorado Cum Laude en física cuántica en 2005, fue galardonado por la mejor tesis de física en Polonia por la Sociedad Física Polaca (2001).
  • Es miembro de la secretaría científica del comité organizador de las Olimpiadas Científicas, y actualmente trabaja como profesor adjunto de física en la Universidad de Varsovia.
  • También obtuvo numerosos premios nacionales e internacionales en concursos de composición musical.
  • Desde 2003 se dedica a la fotografía. Su estilo ha creado una línea de trabajo en post procesado denominada "draganización", que busca la obtención de resultados parecidos a los conseguidos por Dragan en sus retratos.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red:

 

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miércoles, 14 de enero de 2009

Keaton Andrew

Keaton Andrew es un joven fotógrafo americano (nacido en Millersburg, Ohio, vive actualmente en Atlanta) que a pesar de su edad es contratado por discográficas como Warner Bros. Records, Alternative Press Magazine, Triple Crown Records, Uprise Magazine, entre otras y ha logrado colocarse como una de las futuras promesas de la fotografía.

 

(c) Keaton Andrew

 

Las primeras líneas del perfil de Keaton Andrew en Flickr decían hace un tiempo:

Hola, soy Keaton, acabo de cumplir 19 años y estoy determinado a convertirme en uno de los mejores fotógrafos de la industria.

 

Hasta hace poco tiempo lo normal hubiera sido pasar algunos años estudiando y practicando fotografía, después probablemente conseguir un trabajo como asistente de algún fotógrafo profesional para después comenzar a tocar puertas y recibir la primera oportunidad como fotógrafo independiente. Si lograbas sobrevivir a este proceso, pasaría algún tiempo más antes de hacerte con un buen nombre y experiencia para finalmente consumarte como fotógrafo profesional y comenzar a recibir los frutos de una carrera muy probablemente alrededor de los 30 años.

Bueno, Keaton Andrew ha logrado todo esto y aún no llega a los 20. Con una clara influencia de Dave Hill en su estilo fotográfico y con un equipo comprado casi casi con sus pagas semanales.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

 

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martes, 13 de enero de 2009

Joey Lawrence

Joey Lawrence es un joven fotógrafo canadiense (nacido en Ontario, vive actualmente en Nueva York), que, pese a su juventud (tiene actualmente poco más de 21 años) tiene una técnica depurada y sus fotos rezuman una indudable fuerza y bien hacer.

 

 JoeyLawrence

 

Biografía:

  • Desde los 17 se ha dedicado a la fotografía comercial, al fotoperiodismo y a los videos musicales.
  • Como ejemplo de su talento precoz podemos mencionar que con sólo 18 años tomó la fotografía que se utilizo para el poster de la película “Twilight”.
  • Las fotografías de Joey Lawrence muestran un importante retoque digital. Manipula las imágenes hasta lograr un efecto de hiperrealidad.
  • Lawrence pone a la venta un tutorial en DVD donde desarrolla cada una de las habilidades necesarias para convertirse en un fotógrafo de calidad.
  • Su estilo se basa principalmente en la aplicación de técnicas a las que llamamos estilo “dragan” o “grunge”.

 

Podemos encontrar más información de su obra en la red:

  • Su página (en flash) puede darnos una buena visión de su obra (EN {+300f]),
  • su blog (EN [?f]) ,
  • Joey Lawrence en dgdico [10f].

 

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lunes, 12 de enero de 2009

Eric Kellerman

Eric Kellerman es un profesor universitario de lingüística y fotógrafo británico (que lleva viviendo media vida cerca de Nijmegen en Holanda) que obtiene siempre sus fotografías en su estudio utilizando equipos digitales.

 

(c) Eric Kellerman

 

No le gusta abusar del pos-procesado digital. Disfruta de un equipo habitual de colaboradoras femeninas con un gran interés por el movimiento (danza, terapia del drama, atletismo, artes marciales). Algunas son musculosas, algunas son agraciadas, algunas pueden adoptar posiciones que parecen oponerse a las leyes de la física.

Kellerman considera su trabajo distante, abstracto, melancólico y no-erótico, a pesar de su temática.

Le gusta acentuar las líneas, buscar las formas geométricas, las texturas, el movimiento implícito, y sobretodo, el claroscuro. Le encanta crear ambigüedad en sus fotos, de modo que el espectador dude que parte del cuerpo está mirando. De esta manera, consigue liberar el cuerpo femenino de sus asociaciones convencionales.

Reconoce estar influenciado por el surrealismo de Dalí, Magritte y Delvaux y el pintor canadiense Alex Colville.

En 2008 dejó su labor docente, para dedicarse más en profundidad a la fotografía.

 

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domingo, 11 de enero de 2009

Michael Kenna

Michael Kenna es un fotógrafo inglés (nacido el 1953 en Widnes, Lancashire, Inglaterra) conocido por sus paisajes en blanco y negro.

 

 (c) Michael Kenna

Biografía:

  • Kenna estudió en:
    • la Universidad de Upholland en Lancashire,
    • en la Escuela de Arte Banbury  en Oxfordshire, y
    • en el London College de artes gráficas.
  • En los años 80, Kenna se trasladó a San Francisco.
  • La fotografía de Kenna se centra en paisajes inusuales con luz etérea obtenida fotografiando en el amanecer o en la noche con exposiciones de hasta 10 horas.
  • Su trabajo se ha mostrado en galerías y exposiciones en museos de Asia, Australia, Europa y de los Estados Unidos.
  • Ha publicado más de 20 libros de fotografía.

 

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sábado, 10 de enero de 2009

Marie Sjovold

Marie Sjovold es una fotógrafa noruega (nacida en 1982 en Oslo, donde vive actualmente) cuyos trabajos son conceptuales o documentales.

 

 (c) Marie Sjovold

 

Diplomada en fotoperiodismo, ha obtenido numerosos premios.

Ha expuesto recientemente en Alemania, Dinamarca, Islandia e Indonesia.

Su último proyecto “She is” (donde documenta las 6 últimas semanas de su embarazo) ha conseguido su nominación al Magnum Photos Expression Award 2009.

 

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viernes, 9 de enero de 2009

Joachin Ladefoged

Joachín Ladefoged es un fotógrafo danés (nacido en el 23 de mayo de 1970) que está considerado como una de las fuerzas impulsoras de la nueva ola del fotoperiodismo danés.

 

(c) Joachin Ladefoged

 

Biografía:

  • Viviendo en Dinamarca, se ha ganado el reconocimiento internacional por cubrir tanto la guerra y el conflicto como la vida ordinaria.
  • Es un miembro de la agencia VII de fotografía desde 2004, contribuyó a dos proyectos importantes en libro: Tsunami y Guerra olvidada: Congo.
  • Publicaron su libro Albaneses en 2000 y su monografía Mirror, en febrero de 2008.
  • Ladefoged ha trabajado en más de 50 países para el New York Times Magazine.
  • Su trabajo ha sido publicado también en The New Yorker, National Geographic, Mare, Newsweek y en Time.
  • Sus obras las ha expuesto en muestras en solitario y en grupo y también se presentan en la colección de la Biblioteca Real Danesa.
  • Ha conseguido numerosos premios: Visa D'Or, World Press Photo, POYi, Eissie y Agfa.
  • Da clase en la escuela danesa del Fotoperiodismo.

 

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jueves, 8 de enero de 2009

Anne McDonald

Anne Arden McDonald es una diseñadora de joyas y fotógrafa inglesa (nació en Londres, Inglaterra, y creció en Atlanta, Georgia).

 

(c) Anne McDonald

 

Construyo instalaciones en paisajes o en interiores abandonados y luego realizo representaciones para mi cámara. Mis representaciones exploran mi relación con el mundo, y poseen algo de ritual, de danza, de sueño. Tengo muchas fantasías que no puedo lograr en la vida tal como la conozco -poder volar es una- y me frustran las limitaciones de nuestro cuerpo. Este es un dilema que compartimos -ser espíritu y carne- viviendo en un cuerpo con una mente que sueña. Mis imágenes intentan ser metáforas visuales sobre la lucha que enfrentamos día a día: tensiones y equilibrio, manteniendo viva la esperanza contra los obstáculos, y vivir de un manera vulnerable aunque sin que nos aplasten.

Biografía:

  • De los 15 a  los 30 años ella hizo sobretodo autorretratos en edificios e interiores abandonados.
  • En los últimos 10 años, ha realizado 30 exposiciones en 10 países y ha publicado extensamente, incluyendo un libro que salió en 2004.
  • Su trabajo está en las colecciones de 6 museos importantes y en varias galerías, incluyendo Marcelo Marvelli en Nueva York y Photo Eye en Santa Fe.

 

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miércoles, 7 de enero de 2009

Michael Macku

Michal Macku es un fotógrafo checo (nacido en 1963 en Bruntal) que crea sus trabajos usando su propia técnica fotográfica llamada Gellage.

 

MichaelMacku

 

Biografía:

  • Se graduó en 1985 en la Technological Faculty of the Polytechnic Institute en Brno y en el Institute of Art Photography de Praga en 1989.
  • Trabajó como fotógrafo freelance desde 1992 aunque comenzó con la fotografía con 15 años.
  • Está también interesado en la escultura, el dibujo y los gráficos.
  • En 1989, creó su propia técnica fotográfica a la que denomina “Gellage”, que continúa usando y desarrollando.

 

La técnica Gellage:

La técnica consiste en transferir la emulsión fotográfica expuesta y fijada de su base original en papel. Esta sustancia gelatinosa transparente y plástica permite recrear y reformar las imágenes originales, cambiando sus relaciones y dotándolas con nuevos significados durante la transferencia.

El resultado final da una imagen compacta con una estructura superficial muy fina. Creada en papel fotográfico de calidad, cada Gellage es una fotografía muy duradera y adecuada para coleccionar y exhibir. Gellage sería como la fusión entre gelatina y collage

 

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martes, 6 de enero de 2009

James Nachtwey

James Nachtwey es un fotógrafo estadounidense (nacido en Siracusa, Nueva York, el 14 de marzo de 1948) que es uno de los reporteros gráficos especializados en conflictos más famosos. Su talento y su valentía, le han llevado a cubrir guerras y situaciones terribles por todo el planeta desde los primeros años 80.

 

(c) James Natchwey

© James Nachtwey

 

 

He sido un testigo, y estas imágenes son mi testimonio. Los sucesos que he grabado no pueden olvidarse y no deberían repetirse

Cada minuto que estaba allí, quería volar. De ningún modo quería ver aquello. Dos opciones, darme la vuelta y correr o aceptar la responsabilidad de estar allí con una cámara.

Sería impensable en lo que llamamos ‘vida normal’ entrar en la casa de una familia que está llorando la muerte de uno de sus seres queridos y pasar un buen rato allí haciendo fotos. Simplemente nadie lo haría. Esas fotos nunca podrían haber llegado a hacerse sin haber sido aceptado por la gente que fotografío. Es simplemente imposible hacer momentos como esos sin la complicidad de la gente que fotografías, sin el hecho de haber sido bienvenido, aceptado y de que ellos quieran que yo esté allí.

Creo que la gente se debe ofender con el genocidio. Se debe ofender con la limpieza étnica. Se debe ofender con el hambre. Mi trabajo no es hacer que esas cosas sean cómodas o fácilmente digeribles. Mi trabajo no es hacer sentir cómoda a la gente con estas cosas, ni entretenerles. Mi trabajo es concienciar a la gente del hecho de que son crímenes contra la humanidad.

 

 

 

Biografía:

Nacido en Siracusa y criado en Massachusetts, se formó en Historia del Arte y Ciencias Políticas en el Dartmouth College. Influenciado por las imágenes de la Guerra de Vietnam y del Movimiento por los derechos civiles de los afroamericanos, decidió hacerse fotógrafo.

Trabajó a bordo de navíos de la marina mercante y, mientras aprendía a fotografiar, trabajó en la de edición de películas documentales y como camionero.

En 1976 comenzó a trabajar como fotógrafo de periódicos en Nuevo México y, en 1980, se mudó a Nueva York para dar inicio a una carrera como fotógrafo freelance para revistas. Su primer trabajo como fotógrafo internacional fue la cobertura del movimiento civil en Irlanda del Norte en 1981 durante la huelga de hambre protagonizada por miembros del IRA y del INLA. Desde entonces, James Nachtwey se ha dedicado a documentar guerras, conflictos y crisis sociales, en lugares tan diversos como El Salvador, Nicaragua, Guatemala, Líbano, la franja de Gaza, Israel, Indonesia, Tailandia, India, Sri Lanka, Afganistán, Filipinas, Corea del Sur, Somalia, Sudán, Ruanda, Sudáfrica, Rusia, Bosnia, Chechenia, Kosovo, Rumanía, Brasil y en los mismos Estados Unidos.

Desde 1984 es fotógrafo de la revista Time. Estuvo asociado a Black Star de 1980 a 1985 y fue miembro de la agencia Magnum de 1986 a 2001. En este año participó en la fundación de la agencia de fotografía VII Photo Agency.

Ha realizado exposiciones individuales en el Centro internacional de Fotografía (ICP) de Nueva York, en la Bibliothèque Nationale de France en París, en el Palazzo delle Esposizioni de Roma, en el Museum of Photographic Arts de San Diego, en la Culturgest de Lisboa, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en la Fahey/Klein Gallery de Los Ángeles, en el Massachusetts College of Art de Boston, la Canon Gallery y el Nieuwe Kerk en Ámsterdam, en el Carolinum de Praga y en el Hasselblad Center de Suecia, …

Ha recibido diversos premios:

  • Common Wealth Award,
  • Martin Luther King Award,
  • Dr. Jean Mayer Global Citizenship Award,
  • Henry Luce Award,
  • Robert Capa Gold Medal (5 veces, en 1983, 1984, 1986, 1994 y 1998),
  • Mejor foto del año según World Press Photo en 1992 y 1994 (hasta 25 premios),
  • Magazine Photographer of the Year (7 veces),
  • International Center of Photography Infinity Award (3 veces),
  • Leica Award (2 veces),
  • Bayeaux Award Sea War Correspondents (2 veces),
  • Alfred Eisenstaedt Award,
  • Canon Photo Essayist Award,
  • W. Eugene Smith Memorial Grant.

Está asociado a la Royal Photographic Society y es doctor honoris causa en artes por la Facultad de Arte de Massachusetts.

En 2001 se publicó el documental War Photographer basado en su obra, dirigido por Christian Frei y nominado a los Oscar como mejor película documental.

En 2003, trabajando para la revista Time en Bagdad fue herido por una granada cuando acompañaba una patrulla del Ejército de los Estados Unidos, quedando ingresado inconsciente por algunos días.

 

 

Referencias

 

 

Libros

lunes, 5 de enero de 2009

Joel-Peter Witkin

Joel-Peter Witkin es un fotógrafo americano (nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York) cuyas imágenes de la condición humana son muy llamativas. Durante más de veinte años él ha mantenido su interés en la espiritualidad y en cómo afecta al mundo físico en el cual existimos. Encontrando belleza dentro de lo grotesco, Witkin persigue esta visión compleja a través de la gente apartada por la sociedad: hermafroditas, enanos, lisiados, andróginos, reses muertas, gente discapacitada, fetichistas y “cualquier mito vivo… cualquier persona que lleve los estigmas de Cristo”.

 

 

Trabajo en blanco y negro. Como decía mi amigo Robert Frank, el blanco y el negro son los colores de la fotografía.

Biografía:

  • Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconciliables diferencias religiosas.
  • Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam.
  • En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc.
  • Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en arte en 1974.
  • Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo México en Albuquerque donde consiguió su master en Bellas Artes.
  • Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. La naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginado como artista en diversas ocasiones.
  • Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo e incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante, quien había sido arrancado.
  • Su fascinación con el físico de la gente ha inspirado trabajos que enfrentan nuestro sentido de la normalidad y de la decencia, mientras que constantemente pone en cuestión las enseñanzas impuestas por el cristianismo.
  • Joel-Peter Witkin nos deja mirar en su mundo recreado, que es espantoso y fascinador, ya que él intenta desmontar nuestras nociones preconcebidas sobre sexualidad y belleza física. Con sus imágenes, ganamos una mayor comprensión sobre la diferencia y tolerancia humanas.
  • Su referencia constante a las pinturas de la historia de arte, incluyendo trabajos de Picasso, Balthus, Goya, Velázquez y Miró, testifica su necesidad de crear una nueva historia para sí. Su artista favorito y gran influencia en su obra es Giotto.

 

 

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