jueves, 17 de enero de 2019

Meridith Kojut

Meridith Kojut es una fotoperiodista estadounidense (nacida en 1983, vive en Caracas, Venezuela) que ha trabajado cubriendo América Latina para la prensa extranjera desde 2007. Colaboradora habitual de The New York Times, ha producido ensayos fotográficos en profundidad sobre la revolución socialista de Hugo Chávez en Venezuela, el tráfico de drogas en Bolivia, la transición de Cuba, la violencia de pandillas en Venezuela y El Salvador, refugiados y cuestiones migratorias en América Central, derechos laborales en Haití, prostitución en Colombia y hacinamiento en las prisiones en El Salvador y Venezuela.

Enlace a la foto elegida de Meredith Kojut

Biografía

Meridith Kohut se graduó en la School of Journalism de la University of Texas y ha asistido al Eddie Adams Workshop de 2007 y a la World Press Photo Masterclass de 2015 en América Latina. Desde 2007 vive en Caracas, Venezuela, donde ha trabajado cubriendo América Latina para la prensa occidental.

Durante los últimos años, ha trabajado principalmente documentando información económica y humanitaria de la crisis en Venezuela, fotografiando a miles de personas esperando en las colas para el pan, a pacientes que mueren a causa de la escasez de medicamentos en hospitales públicos colapsados, a personas que se enfrentan a las fuerzas de seguridad en violentas protestas callejeras antigubernamentales, que trabajan en minas de oro ilegales y a las que salen del país en botes junto con la cocaína de contrabando.

Su trabajo ha dado lugar a docenas de historias de portada publicadas en The New York Times, y ha sido ampliamente reconocido por The Overseas Press Club, The George Polk Journalism Awards y Pictures of The Year International. Su investigación de 5 meses y ensayo fotográfico que reveló que cientos de niños murieron de desnutrición infantil severa en hospitales públicos fue finalista del Premio Pulitzer en la categoría Feature Photography en 2018. Meridith obtuvo el Premio Courage in Journalism Awards de la International Women’s Media Foundation también en 2018.

Es una colaboradora habitual de The New York Times. Sus fotografías también han sido publicadas por National Geographic, Leica, Bloomberg News, NPR, The Washington Post Magazine y Der Spiegel y han sido exhibidas en Visa pour L'Image, Sotheby de Londres, The Annenberg Space for Photography, Columbia University, The Leica Gallery Salzburg y Photoville en Brooklyn, Nueva York.

Referencias

miércoles, 16 de enero de 2019

Peter Dekens

Peter Dekens es un fotógrafo documental belga (vive en Gante) con un gran interés en temas socialmente sensibles y que no generan una amplia cobertura mediática.

Mine crater on Bellewaerde Ridge, Zillebeke © Peter Dekens

Mine crater on Bellewaerde Ridge, Zillebeke © Peter Dekens

Biografía

Peter Dekens se graduó con distinción en 1987 como diseñador gráfico en el colegio St. Lucas de Gante (Bélgica). Inmediatamente después de graduarse comenzó a trabajar como director artístico para varias agencias de publicidad en Bruselas. En 1998 inició su propia empresa,  considerada durante años una de las agencias de diseño web más creativas de Bélgica.

En 2008 comenzó un curso de 4 años en fotografía documental en la St. Joost Art Academy en Breda, Holanda, y a partir de entonces realiza proyectos de fotografía documental sobre temas socialmente sensibles que no reciben mucha atención de los medios de comunicación. En los últimos años ha cubierto las consecuencias sociales de la ceguera, el tema del sexo cuando tienes una discapacidad, así como una familia en los márgenes de la sociedad. Sus proyectos principales han tomado cuerpo en forma de exposiciones y libros con éxito:

  • Touch trata sobre las consecuencias sociales de la ceguera y fue nominado para los premios DutchDoc, el premio más importante en el campo de la fotografía documental en los Países Bajos.
  • (Un)expected retrata el proceso de afrontar el suicidio de un familiar. Flandes occidental, la región donde Peter creció, tiene índices de suicidio más altos que la media europea. En 2008 su madre se quitó la vida, un hecho que fue la génesis de este proyecto, que contiene cinco historias sobre el duelo de los parientes de personas que se han suicidado y las diferentes maneras que tienen de enfrentarse a la perdida. Este libro ha sido seleccionado en PHotoESPAÑA 2017 como el  mejor libro de fotografía internacional del año, además de conseguir otros galardones.
  • Shaky Ground investiga sobre la urgencia del pasado (Primera Guerra Mundial) en la perspectiva de una Europa unida sosteniblemente. En 1979 un primo suyo murió mientras desmantelaba un viejo proyectil. Las huellas de la Gran Guerra se han borrado casi por completo del paisaje, pero aún se encuentran restos humanos y proyectiles a lo largo de la antigua línea del frente en Ypres. Peter cuenta la historia de estos restos y ofrece una reflexión sobre la situación europea actual en la que la conciencia de la importancia de la unidad se encuentra de nuevo en un terreno inestable.

    Referencias

    Libros

    martes, 15 de enero de 2019

    Michele Tagliaferri

    Michele Tagliaferri es un fotógrafo italiano (nacido en 1980) cuyo trabajo se caracteriza por la asociación sutil y orgánica de sus fotografías, consiguiendo una energía narrativa que se encuentra en el intermedio, en el momento en el que la mirada se desliza de una imagen a otra y que es el resultado de la confrontación o de la analogía sutil por su silueta, su materialidad o su disposición en el espacio.

    © Michele Tagliaferri

    © Michele Tagliaferri

    Por su propia naturaleza, cada fotografía nace para reproducir una imagen. Las caras, historias y paisajes se enmarcan y fijan para siempre dentro de las cuatro esquinas de la impresión. Sin embargo, sería maravilloso si estos rincones pudieran abrirse de alguna manera, rompiendo así el perímetro de la fotografía y dejando que la imagen regrese al mundo del que una vez vino.

    Cada cosa, cada persona, cada imagen está presa dentro de su propia figura, dentro de las esquinas de la forma en que ha caído. Pero si logramos arañar la superficie que la envuelve, es posible captar la energía que se guarda en su interior. Una energía invencible que crea, transforma y destruye la vida que nos rodea.

    Biografía

    Michele Tagliaferri es licenciado en Ingeniería de Software. En 2005 se trasladó a España, al mismo tiempo que se acercaba a la fotografía, comenzando a fotografiar escenarios de su propia cotidianeidad, paisajes de la monotonía, del ritual que metódicamente estructura nuestras vidas. Se trasladó a Madrid y continuó fotografiando: aquellos lugares por donde pasaba al ir a trabajar, los que veía desde la ventana de su trabajo, a su novia, al regresar a casa, … En 2007 ingresó en la escuela de fotografía Blank Paper, donde estudió fotografía durante dos años y donde ha sido profesor.

    La fotografía es para él una herramienta visual que amplia con el uso de otros soportes tecnológicos a la hora de contar historias. Interesado en la relación entre la fotografía y el vídeo, reflexionando sobre el hecho de que cuando grabas un vídeo estás haciendo veinticuatro fotografías al segundo, investiga, utiliza el vídeo para luego volver a las fotografía, extrapola las frames y trabaja en la edición de este grupo de obra digital.

    Su primer trabajo, Mapa, se publicó como fanzine gracias a un premio otorgado en el Festival Internacional de Fotografía Emergente de Lleida. GRASS, publicado por Dalpine en 2015, es su primer libro con el que consiguió en 2016 la Mención especial del jurado del Prix Levallois.

    Estas imágenes quedaron recogidas en la instalación expositiva A Swimming Pool que pudo verse en la Sala Equis de Madrid dentro del ciclo Expand.

    Referencias

    Libros

    lunes, 14 de enero de 2019

    Fabian Oefner

    Fabian Oefner es un fotógrafo suizo (nacido en 1984, vive cerca de Zúrich) especializado en fotografía publicitaria, industrial y editorial. Su expresión visual de los efectos invisibles de las ciencias naturales y las propiedades del tiempo son la génesis de sus instalaciones de fotografía, cine y cinética. Sus formas artísticas nos alientan a conceptualizar de nuevas maneras y a aceptar que el arte y la ciencia no son opuestos, sino que se relacionan entre ellos.

    Disintegrating No 03 © Fabian Oefner

    Disintegrating No 03 © Fabian Oefner

    Estas son posiblemente las imágenes de alta velocidad más lentas que se hayan capturado. Me ha llevado casi dos meses crear esta imagen que parece que fue capturada en una fracción de segundo. Sólo el desmontaje completo me lleva más de un día por cada automóvil debido a la complejidad de los modelos. Pero esto no tiene importancia. Hay placer en el análisis, en descubrir algo al desarmarlo, como cuando pelas una cebolla.

    Lo que se ve en estas imágenes es un momento que nunca existió en la vida real. Lo que parece un coche despiezado es, de hecho, un momento en el tiempo que se ha creado artificialmente al combinar cientos de imágenes individuales.

    Biografía

    Fabian Oefner estudió inicialmente pintura, fotografía, tipografía e historia del arte en la Universidad de Arte de Basilea. Luego se licenció en Diseño de producto por la Universidad de Ciencias y Artes Aplicadas en el noroeste de Suiza, donde aprendió que el diseño exitoso es un proceso complejo de múltiples capas, que combina la más amplia variedad de factores: definición táctil, estética, legibilidad, efecto emocional y lenguaje, todo ello en la forma de un solo producto funcional.

    Paralelamente a su trabajo como Director de Estilo Visual para Geosistemas de Leica (2009-2012), continuó explorando y experimentando con la visualización del tiempo y los efectos invisibles de las ciencias naturales. En 2013, fundó Studio Oefner.

    Es un curioso investigador, fotógrafo y artista, cuyo trabajo se mueve entre los campos del arte y la ciencia. Sus imágenes capturan de manera única e imaginativa los fenómenos naturales que aparecen en nuestra vida cotidiana, como las ondas de sonido, las fuerzas centrípetas, la iridiscencia o las propiedades únicas de los ferrolíquidos magnéticos. Sus exploraciones en la poesía efímera del tiempo y en el mundo natural nos hacer parar, permitiéndonos ver lo invisible y al mismo tiempo hacer que nos preguntemos sobre los innumerables momentos mágicos que no vemos.

    Su trabajo se presenta con frecuencia en blogs internacionales y publicaciones impresas como The Washington Post, National Geographic, Der Spiegel, Stern, Wired, BBC, entre muchos otros. Sus fotografías se han exhibido en países como japón, Suiza, Dubai, EEUU, China, Inglaterra, UAE, Bélgica, Italia y Francia, y forman parte de colecciones privadas de todo el mundo. Además de perseguir sus propios proyectos, también colabora con importantes marcas internacionales en campañas publicitarias y proyectos artísticos. En 2013, dio una charla en TED sobre su arte y el proceso que hay detrás.

    Referencias

    Libros

    • Look Inside, 2016.

    domingo, 13 de enero de 2019

    Pere Casas Abarca

    Pere Casas Abarca fue un pintor, escultor, cartelista y fotógrafo catalán (nacido en 1875 en Barcelona, donde murió en 1958). Personaje polifacético, fue director artístico de la revista Mercurio, presidente del Cercle Artistic de Barcelona, fundador y presidente de la Asociación Amics dels Museus, realizando una innovadora labor en la aplicación de la fotografía a la publicidad, a la ilustración de libros y al diseño gráfico durante la primera década del siglo XX.
    PereCasasAbarca
    © Pere Casas Abarca

    Biografía

    Pere Casas Abarca estudió Derecho al mismo tiempo que desarrollaba sus aficiones como dibujante y pintor, estudiando en la Escuela de la Llotja de Barcelona y también escultura con sus tíos Agapito y Venancio Vallmitjana i Barbany. En 1901 fue nombrado director artístico de la Revista Comercial Hispano-Americana, posteriormente denominada Mercurio por iniciativa suya, por José Puigdollers, con quien viajará en 1903 por la zona del pirineo catalán y las fotografías realizadas durante ese viaje se publicarán en la obra Por los Pirineos, Impresiones de un viaje. Posteriormente fue presidente del consejo de administración de esta revista y futuro gestor de Casa Amèrica Catalunya.
    Como pintor practicó un realismo mundano, hábil y elegante, que le dio renombre. Últimamente, sin embargo, ha sido muy valorada también su labor de fotógrafo, caracterizada por una temática simbolista o orientalista, a menudo con cierto erotismo. Sus fotografías de desnudos femeninos, que se consideran entre las primeras realizadas en España, en un principio servían de apoyo a sus cuadros aunque después formaron parte de sus escenificaciones puramente fotográficas.
    En 1902 se encargó de la dirección artística de la revista Mercurio. A partir de 1903 publicó una serie de postales fotográficas tituladas Bucólicas, Místicas, Modernistas, Fantasías, Orientales, Sensuales, etc., que eran de tipo alegórico y mitológico y se pueden considerar un buen ejemplo de la fotografía pictorialista española de la época.  En 1904 editó una colección de fotografías artísticas marcando un estilo que tendría gran demanda desde el extranjero.
    Casas Abarca fue uno de los pocos creadores modernistas que experimentaron con la fotografía en el campo de la publicidad, a partir de un nuevo modelo de mujer que adoptaba una actitud moderna, lo que se reflejaba en su forma de vestir. Sus fotografías no fueron realizadas para promocionar la moda, pero preconizan las futuras pautas de la fotografía de moda, al mostrar atmósferas y estilos de vida que van más allá de la mera descripción de los vestidos. Durante la primera década del siglo XX realizó una innovadora labor en la aplicación de la fotografía a la publicidad, a la ilustración de libros y al diseño gráfico dentro de la corriente modernista, movimiento en plena efervescencia en toda Europa y con notable repercusión en Cataluña.
    Participó en exposiciones, certámenes y muestras, como su exposición en 1906 en la sala Parés de Barcelona, plataforma de difusión del modernismo en Cataluña, y en la Exposición Universal de Buenos Aires (1910-11), donde ganó el Gran Premio de Honor por su imagen femenina para la marca de aceite de oliva Carbonell. Este diseño de 1904 con la mujer andaluza en las latas de aceite aún se mantiene en la actualidad con algunas variaciones.
    Fue presidente del Reial Cercle Artistic de Barcelona entre 1930 y 1934, desempeñando una intensa labor de recuperación artística del siglo XIX, y de la Sociedad de amigos de los Museos y también académico en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla y recibió diversos reconocimientos.
    Algunas de sus obras se puede contemplar en la colección del Museo Nacional de Arte de Cataluña y una de sus pinturas en el Museo del Prado. Ya en la actualidad, algunas de sus fotografías han formado parte de la exposiciones  colectivas Retrats: fotografía espanyola, 1848-1995 de la Fundació Caixa Catalunya en 1996, y de DISTINCIÓN. Un siglo de fotografía de moda en 2016.

    Referencias

     

    Libros

    sábado, 12 de enero de 2019

    David Mondedeu

    David Mondedeu es un fotógrafo norteamericano (nacido el 17 de abril de 1973 en Houston, Texas) conocido por sus libros de artista en ediciones limitadas, impresas a mano usando la técnica de fotograbado.

    © David Mondedeu

    © David Mondedeu

    Al final, mis fotografías son de situaciones emocionales como decía el pintor inglés, Howard Hodgkin. Estas fotografías no son abstractas. Son la reducción de todo para llegar a la esencia. Todo lleva a la luz y al silencio.

    Biografía

    David Mondedeu, hijo de madre española, vivió su infancia en Houston y San Antonio (Texas) hasta los 15 años. Después se mudó con su familia a Chicago y luego a Memphis donde vivió hasta su ingreso en la Universidad de Texas en Austin donde cursó estudios de literatura inglesa. Fue la novela de Faulkner, El Sonido y La Furia la que despertó su lado artístico.

    Mondedeu hace todas sus fotografías con una Hasselblad y en película de blanco y negro. Pasa las imágenes a una plancha de fotopolímero que entinta a mano y las estampa usando un tórculo. Entre las claras influencias de fotógrafos, está Paul Strand, no solo por el uso de la técnica del fotograbado sino por el rechazo del “pictorialismo” hacía una fotografía más directa, sin ningún adorno.

    Su primer libro de artista, Variations on a Song, esta inspirado en Las Variaciones Goldberg de Bach con su Aria, Variaciones y Aria da Capo. Detrás de esta inspiración y estructura de Bach se percibe que foto tras foto, nos muestra su visión de la condición humana con toda su complejidad. En este libro esta todo el génesis de su trabajo: apenas hay texto, no hay dípticos ni trípticos, solo una larga secuencia de imágenes como fotogramas de una película muda.

    Después de Variations on a Song viajó a los campos de refugiados saharauis en  la provincia de Tinduf, a Mozambique, Uganda, China, Israel, Palestina, Perú, India y Nepal. Estos viajes están reflejados en sus siguientes libros que están llenos de muchas capas y dan una visión más amplia del mundo como si de un narrador omnisciente se tratara. Decía Susan Sontag acerca del escritor W.G. Sebald, que es una influencia de Mondedeu: “Es frecuente que el narrador empiece el viaje cuando surge alguna crisis. Y, por lo común, el viaje es una indagación, aun cuando la naturaleza de esa indagación no se manifiesta enseguida.”

    Su último libro de artista, One Side Will Have to Go, es la síntesis de todo lo que Mondedeu ha hecho hasta ahora. Hay un abandono de la narración donde se ve un duelo o baile entre luz y sombra que se repiten, donde se aprecia la influencia de Rothko y Malévich.

    Sus libros de artista (algunos son un único ejemplar) se pueden ver en La Biblioteca de El Museo Reina Sofia en Madrid, La Biblioteca Nacional del Museo Victoria and Albert en Londres, La Biblioteca Hirsch del Museo de Bellas Artes en Houston, El Museo Israel en Jerusalén, The Glenn Gould Foundation, La Biblioteca San Telmo en San Sebastián, The Deutsche Börse Photography Foundation y en Ivorypress, disponibles para venta.

    Referencias

      Libros de artista

      • Variations on a Song (2000-2015)
      • Further South than Planned, 2014.
      • From the East, Light, 2013.
      • Fugue of the Blackbird, 2016.
      • Blue is the First Light, 2015.
      • Sonnets of 40 Winters and 40 Springs, 2013.
      • The Armies of Those I Love, 2018.
      • One Side Will Have to Go, 2018.

      viernes, 11 de enero de 2019

      Josep Maria Casals i Ariet

      Josep Maria Casals i Ariet fue un fotógrafo catalán (nacido en 1901 en Viladrau, Girona, fallecido en 1986 en Barcelona) representante del pictorialismo tardío en Cataluña y que practicó las técnicas del bromóleo transportado y de la tricromía.

      © Josep Maria Casals i Ariet

      © Josep Maria Casals i Ariet

      Biografía

      Josep Maria Casals i Ariet, contable de profesión,como aficionado a la fotografía aprendió de forma autodidacta, convirtiéndose en un importante representante del pictorialismo tardío español junto a otros fotógrafos como Claudi Carbonell, Joan Porqueras, Joaquim Pla Janini y José Ortiz Echagüe. Su vasta cultura artística lo convirtieron en uno de los mejores exponentes de esta corriente fotográfica, que en Cataluña se practicó hasta los años 60.

      Su obra está formada por paisajes montañosos, marinas, vistas de puertos, naturalezas muertas y retratos, temas que resolvió con un gran sentido de la luz, una cuidada composición y un aire bucólico, transmitiendo una atmósfera irreal, especialmente en los celajes borrascosos o en los rayos de sol atravesando los follajes frondosos de los árboles.

      La técnica que más usó fue el bromóleo transportado, una técnica compleja de la que se convirtió en un especialista y con la que consiguió imágenes de alto contenido artístico y de aspecto cercano a los grabados y un aire irreal.

      También practicó la tricromía (procedimiento con el que se obtenían fotografías en color), donde destacó a nivel internacional, gracias a su refinamiento técnico y a su ejemplar tratamiento de la luz y de la textura.

      Casals dio a conocer su obra en varias exposiciones celebradas en la Agrupación Fotográfica de Cataluña, institución de la cual fue socio, y en otras muestras locales, nacionales e internacionales, llegando a protagonizar su primera retrospectiva, ya póstuma, en 1994, Casals i Ariet : el darrer clàssic en la  Fundación "la Caixa" y en 2003 su obra formó parte de la exposición colectiva La mirada de Verdaguer en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC).

      En este museo se puede ver una buena parte de su obra gracias al depósito del Fondo de Arte de la Generalidad de Cataluña y la obra cedida en depósito inicialmente y donada en 2108 por su hija Gabriela Casals Roig: 254 bromóleos transportados, 1.164 diapositivas en color y más de 13.000 copias sobre papel, acetato y vidrio, que permiten acercarse de manera privilegiada al proceso de creación del artista.

      Referencias

      Libros