lunes, 19 de noviembre de 2018

Nick Rains

Nick Rains es un fotógrafo australiano especializado en viajes y documentales.

Evening looking over Sydney harbour, Australia © Nick Rains

Evening looking over Sydney harbour, Australia © Nick Rains

Biografía

Nick Rains comenzó a hacer fotos de conciertos y bandas para su periódico de la Universidad en los años 80. En los más de 30 años desde que se graduó con honores en zoología, ha fotografiado una gran variedad de temas, incluidos deportes, noticias, celebridades, industria, viajes, moda y retratos, pero su labor m´s importante se centra en la fotografía documental tanto en Australia como en el extranjero. También ha trabajado para clientes comerciales como Shell, BBC, Orion, Ponant y el Gobierno australiano.

Sus fotografías han sido publicadas en publicaciones como Australian Geographic, Australian Photography Magazine, Sports Illustrated,  Reader´s Digest, Outback, GEO, Sports Illustrated, TIME, BBC y otras varias.

Es un fotógrafo importante dentro del Australian Institute of Professional Photography, el Instructor principal de Leica Akademie en Australia, también es Embajador de Leica para el Sistema S y realiza numerosos talleres en lugares remotos de todo el mundo.

Ha sido nombrado Fotógrafo del Año por la revista Australian Geographic en 2002 y la AIPP (Australian Professional Photography) le premió en 2009, 2010, 2011 y 2014.

Nick ha visto el desarrollo de nuevas tecnologías a lo largo de su carrera, y se ha mantenido siempre al día adaptándose a los cambios en la industria, incluido el mudo digital. La postproducción es una de sus fortalezas, siendo un reconocido experto en Photoshop y Lightroom y participando en la enseñanza de cursos avanzados en estas dos aplicaciones. Es también es un experto en impresión y ha sido nombrado recientemente Ilford master por sus habilidades en la impresión.

Referencias

Libros

  • Underwater Australia, 2018.
  • Aerial Australia, 2017.
  • Capturing the World, 2016.
  • Desert Australia, 2016.
  • Tropical Australia, 2016.
  • Coastal Australia, 2015.
  • Country Australia, 2015.
  • Australia: The Photographers Eye, 2013 y 2008.
  • Australia, 2007.
  • Australia's Hidden Places, 2006.
  • Paradise, 2005.
  • South Australia, 2001
  • The Kimberley, 1999.
  • Sydney, 1999.
  • This is Sydney, 1998 y 1996.

domingo, 18 de noviembre de 2018

Pere Català Pic

Pere Català i Pic fue un publicista, escritor y fotógrafo catalán (nacido el 14 de septiembre de 1889 en Valls, Tarragona, fallecido el 13 de julio de 1971 en Barcelona) el cual, con sus atrevidas incursiones en el fotomontaje y en la fotografía publicitaria, fue una figura clave del movimiento renovador en Cataluña, en cuanto introductor de procedimientos técnicos y lingüísticos directamente relacionados con la vanguardia europea del periodo de entreguerras, en especial el surrealismo, el constructivismo, la Nueva Objetividad, la Bauhaus y el cartelismo publicitario.
 Aixafem el Feixisme, 1936 © @Arxiu Pere Català
Aixafem el Feixisme, 1936 © @Arxiu Pere Català


Biografía

Pere Català i Pic quedó huérfano de padre y su madre se fue a vivir a Barcelona donde Pere realizó estudios primarios. Con 12 años entró a trabajar en un banco y allí tuvo la suerte de que le tocara en un sorteo una cámara fotográfica lo que le permitió aficionarse a la fotografía. Su formación fue básicamente autodidacta aunque estuvo unos meses aprendiendo en el estudio fotográfico de Rafael Areñas.
Desde 1915 estuvo trabajando como fotógrafo retratista en Valls, donde realizó fotografía documental además de retratos. Durante esta etapa, sus inquietudes artísticas le llevarán a interesarse por cuestiones teóricas y técnicas así como a conocer la obra de fotógrafos europeos de vanguardia, a través de viajes entre 1928 y 1931 y de las revistas ilustradas. En su obra se pone de manifiesto la influencia de la fotografía moderna y de autores como László Moholy-Nagy, Man Ray, John  Heartfield y los fotógrafos de la nueva objetividad alemana.
En 1931 regresó a Barcelona para establecer su estudio fotográfico, dedicando sus esfuerzos a la renovación de la fotografía publicitaria, terreno en el que fue pionero en Cataluña, junto con Josep Sala y Josep Masana. De este modo se interesó por las teorías psicológicas de la publicidad, en boga en aquellos momentos, y colaboró con el Instituto Institut Psicotécnic de la Generalitat, participando en congresos, cursos y conferencias sobre el tema.
En 1931, especializado ya en fotografía industrial y publicitaria, se instaló definitivamente en Barcelona donde, hasta 1936 realizó fotografía publicitaria para diversas empresas bajo la marca PIC (Publicidad Ilustrada Català). Figura importante de la publicidad española en paralelo a su trabajo fotográfico, redactó numerosos artículos y pruebas sobre el potencial de la imagen fotográfica en la publicidad, colaborando en revistas como Mirador, Revista Ford, Nova Ibèria, Publi-Graf, Lluita i Acció Comarcal y Art de la LLum, reivindicando la modernidad de la fotografía publicitaria. Estuvo en contacto con asociaciones de vanguardia, como ADLAN (Amigos del Arte), participando activamente en la exposición que en 1935 ADLAN dedicó a Barcelona a Man Ray, y GATCPAC.
Durante la guerra civil, estuvo trabajando al servicio de la propaganda republicana, ocupándose de las ediciones del Comisariado de Propaganda de la Generalidad. De esta época data un famoso cartel Aixafem el feixisme! (¡Aplastemos el fascismo!), que es uno de los primeros realizados de forma estrictamente fotográfica.
Terminada la contienda por su militancia republicana, estuvo 6 meses oculto en su casa, no pudo reemprender su negocio hasta el año 1942, contando con la ayuda de sus hijos Català Roca: Maria-Àurea, pintora, Francesc, fotógrafo y Pere, fotógrafo y escritor. Persona de gran cultura, dedicó sus últimos años a escribir cuentos, novelas y obras teatrales. Murió en Barcelona en 1971.
Durante la Primavera Fotográfica de 1998, la Fundación "la Caixa" organizó una exposición con las imágenes publicitarias que Català-Pic realizó entre 1940 y 1960. Diversas exposiciones de sus trabajos se han repetido en estos últimos años. Su obra gráfica forma parte de la colección del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) y del Reina Sofía de Madrid. En 2017 su archivo y el de su hijo Pere (unas 15.000 imágenes, entre positivos y negativos y 15.000 documentos textuales y unos 15.000 libros) fueron cedidos (y serán donados en 10 años) al Arxiu Nacional de Catalunya. 

Referencias 

Libros 

  • Visions útils de Pere Català i Pic i Josep Sala, 1994.
  • Impressions d’un fotògraf. Memòries, 1995.
  • Pere Català i Pic : fotografia i pulicitat, 1998. 
  • Estratègies per a la localització i la recuperació del patrimoni fotogràfic en una ciutat mitjana: Pere Català i Pic com a exemple, 1998.
  • La fotografía en España en el período de entreguerras (1914-1939), 2000.
  • La Festa vista per tres fotògrafs vallencs: Pere Català Pic, Francesc Català-Roca i Pere Català Roca, 2011.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Pere Català i Pic. Fotografia, publicitat, avantguarda i literatura (1889-1971), 2016.
  • Pere Català Pic. Fotografía, arte y publicidad, 2017.

sábado, 17 de noviembre de 2018

Juanan Requena

Juanan Requena es un fotógrafo español (nacido en La Mancha en 1983) y al mismo tiempo un alquimista que ama la luz y la palabra, pero también las piedras, la madera, las cuerdas, el papel… Le seduce rasgar y pegar, escribir y tachar, construir y renovar, hacer y deshacer, tejiendo sin parar múltiples caminos en una eterna búsqueda de la poesía de lo cotidiano.

© Juanan Requena

© Juanan Requena

Biografía

Juanan Requena, como dice él mismo, nació en un árido pueblo de La Mancha, donde se embelesó de horizontes construyendo cabañas entre maizales. Tras hermosos fracasos y constantes derivas, se mudó al mar del Sur y allí aprendió de endecasílabos y quejíos vendiendo libros y poniendo cafés. Se convirtió en viajero cableando giras de grupos sin rock and roll y llenando inagotables diarios. Y así rodó ambulante, cubierto de salitre y dudas, hasta convencerse de que mirada y poesía podían unirse sobre la misma incandescencia: una pelea que aún hoy intenta reflejar sin detenerse.

Juanan es un autor personal, con sus ritmos, sus sistemas, su forma de caminar, haciendo poesía de la foto, artesanía de la imagen. Después de muchos diarios y maquetas, de mezclar miles de palabras e imágenes, al fin publicó en 2016 su primer libro editorial, Al borde de todo mapa. Un proyecto muy esperado, por su conocida forma de presentar sus imágenes, su gusto por el objeto y su respeto por el proceso.

El libro fue finalista en The 2017 Book Awards de los Rencontres d’Arles y ganador del premio al Mejor Libro Nacional de Fotografía en el PhotoEspaña de 2017. El proceso creativo de este libro ha sido mostrado en la Sala de los Arcos del Convento de Santa Fe, Museo de Santa Cruz, de Toledo con el título Al borde de toda emoción.

Referencias

Libros

  • Al borde de todo mapa, 2016.

viernes, 16 de noviembre de 2018

Fong Qi Wei

Fong Qi Wei es un artista singapurense (nacido en Singapur, donde vive y trabaja) que utiliza la fotografía como medio de expresión. Sus trabajos más conocidos por el momento tratan del intento de capturar el tiempo y de expandir el espacio.

© Fong Qi Wei

© Fong Qi Wei

Biografía

Fong Qi Wei es un artista que utiliza la fotografía como medio de expresión. Su filosofía es tratar de hacer algo especial, que capte la atención del público desde el pensamiento y desde el sentimiento. Está fascinado por las intersecciones. Las intersecciones son lugares donde los límites se rompen y donde ocurren cosas realmente interesantes. Los límites son cómodos y estáticos. Las intersecciones son problemáticas, pero vale la pena explorarlas. En particular, está interesado en las intersecciones entre las ciencias, el arte y la tecnología.

En su serie Time is a Dimension captura secuencias de fotografías de paisajes durante un período de 2 a 4 horas, principalmente en amaneceres y puestas de sol. Posteriormente, recorta sus fotografías para ensamblarlas en una misma fotografía que muestre el paso del tiempo.

Las flores son una de las estructuras más hermosas y complejas que se encuentran en la naturaleza, específicamente diseñadas para lograr el propósito de la reproducción. En Exploded Flowers, ha creado una colección de imágenes que muestran la simetría radial de las flores y también sus componentes florales individuales. El acto de desmontaje deja al descubierto las diversas formas de las flores.

He expuesto de forma individual y colectiva (Titian Budaya 2015, National Museum of Singapore y Alliance Francaise de Singapour), ha publicado en diversas revistas como Boston Globe, New York Times, This Is Colossal, ... y ha realizado encargos en Francia y los Estados Unidos. Ha ganado varios premios, incluido el 1er puesto en el International Photography Awards de 2013 en la categoría de Naturaleza: Flores.

Ha usado la fotografía como medio durante más de 10 años, y ahora participa activamente en el proceso de impresión para lograr su visión final de su arte, ya que cree que la impresión sigue siendo el punto final del proceso artístico.

Referencias

jueves, 15 de noviembre de 2018

Dany Be

Dany Be es un fotógrafo malgache (nacido en 1935 en Antananarivo) ha construido, con su inestimable labor a lo largo de más de 50 años, un memorial documental de su país, Madagascar.

DanyBe

© Dany Be

Biografía

Daniel Félix Rakotoseheno, alias Dany Be, se unió en 1956 al ejército francés donde descubrió la fotografía mientras trabajaba como asistente de un fotógrafo. En 1959, dejó el ejército y se dedicó al periodismo gráfico, trabajando como fotógrafo para el principal periódico del país, el Courrier de Madagascar. También trabajó como corresponsal para las agencias de prensa Gama y Sygma.

Recorría las calles de la capital y muchas ciudades del país en busca de temas para sus reportajes. Durante dos décadas, cubrió numerosos eventos sociopolíticos, incluida la revuelta de los niños sin hogar de la ciudad y la serie de protestas estudiantiles en 1972. Gracias a su mirada cambió la fotografía en Madagascar, se volvió más gruesa, viva, social. Hay mucho que aprender en sus imágenes, con las que alienta sistemáticamente al espectador a involucrarse en cada foto.

El fotoperiodismo es sin duda la palabra que mejor describe su labor profesional: no hay necesidad de explicaciones para sentir el alcance de sus tomas. Su carrera siguió los altibajos de la situación política del país. Incluso pasó un tiempo en la cárcel en 1983 por desorden, y las autoridades le confiscaron buena parte de sus negativos, más de 2.000 películas, todo su archivo de los 60 y 70, pero nunca abandonó su trabajo de registro de los acontecimientos que han marcado la historia de la isla.

Dany Be se mantuvo fiel a la fotografía en blanco y negro incluso después del advenimiento de la fotografía en color. Su archivo consta de cientos de miles de películas archivadas que cubren muchos eventos deportivos en las islas del Océano Índico, África, América Latina, 3 Copas del Mundo de Fútbol, ​​1 Campeonato Mundial de Baloncesto femenino (Brasil), Juegos Olímpicos en México, etc..

Pero donde realmente es importante su trabajo es como fiel testigo de la historia contemporánea de Madagascar, documentando sus conflictos políticos, económicos y armados, como son los últimos años del período colonial, los eventos de 1947, el viaje del general De Gaulle para el referéndum de 1958 y la proclamación de la República de Madagascar, su independencia el 26 de junio de 1960, y los periodos de los distintos gobiernos del país, como el movimiento liderado por el nacionalista Monja Jaona en el sur de la isla en 1971, el levantamiento popular de mayo de 1972 y el asalto del campo de GMP Antanimora en 1975, hasta las crisis actuales.

Dany Be también compartió sus experiencias con jóvenes fotógrafos malgaches, entre ellos el famoso Pierrot Men.

Referencias

miércoles, 14 de noviembre de 2018

Tara Sellios

Tara Sellios es una artista y fotógrafa estadounidense (nacida en 1987 en Boston, donde vive y trabaja) cuya obra trata principalmente de imágenes que articulen elegantemente la totalidad de la existencia, enfocando fuertemente la naturaleza instintiva y carnal subyacente de la vida frente a la fragilidad, impermanencia y carnalidad.
© Tara Sellios
© Tara Sellios

Biografía

Tara Sellios consiguió su BFA en fotografía con una especialidad en historia del arte del Art Institute of Boston en 2010.
El bodegón es una forma artística que captado el interés de muchos grandes pintores. Tara también ha profundizado en la construcción de la naturaleza muerta y las ideas que a menudo se asocian con ella: la vida, la muerte, la cuestión de la permanencia y el uso intrincado del simbolismo. Lo que hace diferente su trabajo del de maestros anteriores es su combinación de material y medio.
Su trabajo tiene que ver con temas de muerte, impermanencia de vida y placer, y carnalidad. Sus fotografías son composiciones formales de comidas aparentemente suntuosas: manteles manchados con fluidos, salpicados de migajas de intercambios glotones y banquetes lujosos. Sus acuarelas a gran escala y las fotografías en color de múltiples paneles buscan representar la totalidad de la existencia humana, la sensación, incluso su olor. Estamos invitados a experimentar la lascivia del consumo de comida y vino, de la vida que pasa. La carne y la sangre tienen una calidad tan visceral cuando se usan en la naturaleza muerta, que se enlazan con todos estos temas.
En sus series más recientes presenta esqueletos de serpientes rodeados por insectos alados en vuelo. Son imágenes más terrosas con insectos, suciedad y esqueletos de animales.
Sus exposiciones individuales incluyen Sinuous en la C. Grimaldis Gallery de Baltimore, Testimony en la Blue Sky Gallery de Portland y Luxuria en la Gallery Kayafas de Boston. Consiguió una beca del Massachusetts Cultural Council y de Getty Images  y fue nombrada fotógrafa emergente por la revista Art New England.
Está representada por la Gallery Kayafas. Vive y trabaja en su estudio de South Boston utilizando fotografía en película, pintura y escultura de gran formato.

Referencias

martes, 13 de noviembre de 2018

Gina Soden

Gina Soden es una fotógrafa británica (nacida en 1985, vive y trabaja en Earley, Inglaterra) cuya obra muestra una preocupación por estructuras y ubicaciones abandonadas. Viaja muy a menudo a sitios desconocidos de Europa para explorar los límites de la belleza, la decadencia, la nostalgia y el abandono.

GinaSoden

© Gina Soden

Biografía

Gina Soden estudió Fotografía y Multimedia en la Thames Valley University. Desde entonces viaja por toda Europa para fotografiar edificios abandonados, habiéndose convertido en uno los observadores de la decadencia más exquisitos. Sus temas son asilos, escuelas, hoteles, castillos e iglesias abandonados y estaciones de energía en desuso.

Sus imágenes son las impactantes, sus visiones pictóricas de arquitectura desmoronada capturan el paso del tiempo y la belleza de la decadencia. Sus fotografías de espacios una vez grandiosos, una vez habitados, evocan la nostalgia de una vieja Europa que está desapareciendo en el tiempo. La génesis de cada una de sus obras es a menudo el carácter arquitectónico único de cada ubicación, acentuado por su transformación dolorosamente lenta después de años de abandono.

Su obra fotográfica es increíblemente poética, otorgando a estos lugares inusuales una belleza que ya no tienen. Con su tratamiento pictórico y un enfoque líricamente artístico, despierta la magia que habita en estos lugares y los embellece, a través de sus detalladas composiciones, con un aspecto triunfante.

La búsqueda representa la mitad de su trabajo pues pasa horas consultando y traduciendo periódicos, así como recorriendo Google Earth en busca de tesoros olvidados. Con demasiada frecuencia, el acceso a estos lugares está prohibido o supervisado, lo que hace que la tarea sea mucho más difícil y el estado de deterioro complica y, a veces, hace realmente peligrosa la realización de la fotografía.

En 2010, la Royal Windsor Society le otorgó el premio a la fotografía del año, comenzando su presencia en la escena de la fotografía. Desde entonces ha ganado muchos más premios por su trabajo, incluido el 1º premio del Weston Park Fine Art Open 2013 en Telford, el título de Artista Emergente del Año en la National Open Art Competition de Londres en 2013, y en el mismo evento, un año más tarde, recibió el Naylor Award for the Finest Photograph.

Gina ha exhibido principalmente en Londres, particularmente en la Eleven Gallery y en la Fine Art Society. Participa regularmente en ferias de Londres (The Other Art Fair, Photo Art Fair), en Nueva York (Pulse New York Art Fair) y París (Fotofever Art Fair). Su trabajo también se ha podido ver en Hong Kong y Moscú.

Referencias