miércoles, 19 de septiembre de 2018

Miquel Nauguet

Miquel Nauguet fue un fotógrafo catalán (nacido el 30 de junio de 1950 en Sant Celoni, Barcelona, donde falleció en 2011) que experimentó con la cámara estenopeica y con la restauración de fotografías. Entre su obra destacan sus imágenes de bosques y retratos, en blanco y negro y utilizando procedimientos antiguos como el calotipo, papel con sal, albúmina o colodión.

Tabernas, Almería. 1992 (fragmento) © Miquel Nauguet

Tabernas, Almería. 1992 (fragmento) © Miquel Nauguet

Biografía

Miquel Nauguet formó parte de la Agrupació Fotogràfica Montseny en pleno tardofranquismo. Allí pudo por primera vez compartir su afición por el cine y la fotografía. Junto un grupo de fotógrafos de Sant Celoni y con la colaboración de Albert Guspí (Galeria Spectrum) contribuyó a la creación de la Galería Tau, situada en Barcelona, en la cual se desarrolló una importante actividad expositiva y divulgativa entre los años 1976 y 1979.

Entre los años 1980 y 1982 publicó diferentes reportajes en el suplemento dominical de El Correo Catalán. En 1981 realizó las imágenes de Fem Pinya, un libro dedicado a los castellers, y en 1982 publicó el libro La Fotografia en la escuela.

En 1982 diseñó y construyó una cámara oscura gigante de 10 metros de diámetro con capacidad para 15 personas, en cuyo interior se podía observar la formación de la imagen y el proceso de revelado en blanco y negro de unos negativos de 1x5 metros. Posteriormente a esta fecha participó con la cámara gigante en diferentes festivales y proyectos fotográficos y con ella realizaría el célebre gran díptico de la Expo’92 de Sevilla.

En 1983 participó en la colectiva Granollers: 8 punts de vista, celebrada en el Círculo Cultural de la Caixa de Granollers. Hasta 1987 se dedicó a actividades relacionadas con la introducción de la fotografía en la escuela, colaborando con el Departamento de Investigación del Instituto de Ciencias de la Educación (ICE), Universidad de Barcelona, la Escuela de verano Rosa Sensat, Universidad Catalana de Verano en Prada, etc.

Miquel fue desde mediados los 80 profesor del Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC). En el marco de la Primavera Fotogràfica de Catalunya de 1988, organizó la exposición Fotografia estenopeica. Experiències i realitats, con las fotografías de alumnos de primaria de la ciudad de Granollers.

En 1993 fue nombrado director del Departamento de Documentación e Investigación, desde el cual se especializó en la recuperación de técnicas fotográficas antiguas, convirtiéndose en uno de los máximos expertos teórico-prácticos en este campo. Colaboró con el proyecto Recerca i recuperació de la història gràfica de Sant Celoni, que consiguió reunir una colección de más de 700 documentos. En el año 2010, esta colección se donó al Arxiu Municipal La Tèrmica de Sant Celoni.

El IEFC dedicó en 2012 la exposición conmemorativa Miquel Nauguet. Constructor d’imatges primero en su pueblo natal de Sant Celoni y luego en el propio IEFC. La exposición consta de documentos personales que muestran sus aficiones: las cámaras fotográficas de diseño propio, su experimentación e investigación sobre las técnicas antiguas, fotografías de su cámara gigante, y la diversidad de su obra fotográfica.

Fue también piloto de ultraligeros y planeadores, y constructor de avionetas que después también pilotaba.

Referencias

Libros

  • La fotografia a l’escola, 1982.
  • Sant Celoni, fragments d’una història, con Tomás Gimeno y Neus Julià, 1983.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

martes, 18 de septiembre de 2018

Toru Tanaka

Toru Tanaka es un fotógrafo japonés (nacido en Tokio, donde vive y trabaja) que realiza fotografía de calle, principalmente en Tokio. Con la población urbana más grande del mundo, la capital japonesa ofrece infinitas oportunidades fotográficas para el fotógrafo urbano de la calle. Es una ciudad que nunca duerme.

© Toru Tanaka

© Toru Tanaka

Biografía

Toru Tanaka es un empresario japonés nacido y viviendo en Tokio. En esta ciudad, todos están ocupados trabajando duro para lograr sus deseos. Como resultado, esas mentes hicieron esta ciudad muy caótica y desorganizada. Al principio, no le gustaban esos aspectos de su ciudad, pero actualmente ha aceptado este desastre y su interés ha cambiado a la captura de estas escenas como fotografía callejera y documental.

Le gusta la música de jazz y tocar el saxofón tenor. La fotografía de calle y la música de jazz le permiten improvisar el medio y tocar la energía de la ciudad. Esta es la razón por la que le gustan ambas.

Casi toda su obra está realizada en su  camino a casa desde el trabajo y los fines de semana, aunque también ha fotografiado en Chicago. Utiliza una Pentax Ricoh GR, la por las pequeñas dimensiones de la cámara y la excelente calidad de imagen. A veces dispara con una Fuji X100 los fines de semana. Normalmente utiliza Silver Efex Pro y Lightroom para procesar sus imágenes. Su fotografía es cándida cuando realiza fotografía de calle y puede interactuar con el sujeto cuando trata un tema más documental.

Tanaka ha publicado sus fotografías en PhotoVogue, y también ha participado en dos exhibiciones en grupo: A Glimpse at Photovogue en la Galleria Carla Sozzano de Milán en 2013, y en The International Photography Photolux Festival Lucca.

Referencias

lunes, 17 de septiembre de 2018

Liza Ambrossio

Liza Ambrossio es una artista mexicana (nacida en 1992 en Ciudad de México, vive y trabaja en Madrid) cuyo cuerpo de trabajo mezcla macabras fotografías de archivo con cripticas pinturas, performance, intervención, videos, psicología, pesadillas, ciencia ficción y brujería que une por libre asociación.

© Liza Ambrossio
© Liza Ambrossio


Biografía

Liza Ambrossio es licenciada en Ciencias de la Comunicación de la U.N.A.M. (México). Actualmente vive y trabaja en Madrid, donde estudia el Máster en Fotografía, Teorías y Proyectos Artísticos PHE, siendo ganadora de la Beca Descubrimientos 2017-2018 del festival PHotoEspaña y La Fábrica, y de la VI Edición Becas Talento Fotografía TAI.
 
Le interesa la fotografía con gestos performativos y cinematográficos, al tiempo que aludiendo al archivo pictórico y al documental, busca agregar una respuesta humanista a los misterios psicológicos, biológicos y místicos que se relacionan por asociación libre. Estos recorridos se derivan de la necesidad de resolver su historia personal a través de la exploración de lo siniestro que ocurre cuando los límites entre la fantasía y la realidad desaparecen. Mezcla diferentes técnicas (imágenes de archivo, intervención pictórica, maquillaje, collage, fotografía analógica y digital, ...). Los textos que acompañan su trabajo son una construcción sincrética basada en instantes de la realidad de mi vida. Su cuerpo de trabajo se construye a partir del derrame entre psicología, pesadillas, ciencia ficción y brujería latinoamericana.
 
Su trabajo ha sido publicado en la red Fototazo (Colombia-Estados Unidos), Espacio Gaff (México-Venezuela) y L´Oeil de la Photographie (Francia-Estados Unidos). También ha expuesto individual y colectivamente en México y en otros países.
 
Ha cursado residencias en Islandia y Estados Unidos, siendo seleccionada finalista dentro de las 50 mejores promesas jóvenes del Emerging Talent de Lens Culture 2016 en Ámsterdam y en New Visions 2018 del festival Cortona On The Move en Italia. Es la ganadora del Premio FNAC Nuevo Talento 2018.
 
En 2018 presentó su primer foto libro La ira de la devoción (The rage of devotion) en el Fotofest de Houston en Texas y ganó con él el prestigioso premio Voies Off 2018 de Les Rencontres de la photographie en Arles, Francia. La ira de la devoción es un trabajo potente que ha ido creciendo y madurando con el tiempo, y nos introduce, de manera contundente, en un mundo de pesadilla donde fluyen miedos y fantasmas, rindiendo culto a la magia, la brujería, el espiritismo, el chamanismo, lo esotérico, la cábala…

Referencias

Libros

domingo, 16 de septiembre de 2018

Glen E Friedman

Glen E Friedman es un artista y fotógrafo estadounidense (nacido el 3 de marzo de 1962 en Carolina del Norte, vive en Ciudad de Nueva York) considerado uno de los fotógrafos más importantes de su generación, por su fotografía de los rebeldes del skaters y músicos de hip-hop y punk en la década de los 80.

© Glen E Friedman

© Glen E Friedman

La parte más importante de mi trabajo, la que es buena porque se separa de lo demás, es porque proviene del corazón. No lo hacía para ganarme la vida, lo hice porque tenía que hacerlo, porque amaba lo que estaba haciendo. Me encantaban estos artistas por la forma en que me inspiraban.

Biografía

Glen Ellis Friedman era hijo de una pareja que se separó tempranamente. Su padre se quedó en el este y con su madre se mudó a la soleada ciudad de Los Ángeles, en California, a principios de los años 70, con unos 10 años.

Tras el regalo de un Makaha Super Surfer con ruedas de arcilla roja, aunque no le gustaba el surf, terminó juntándose con un grupo de surferos que cuando no había olas patinaban, montaban en bicicleta y autobús buscando por las afueras de la ciudad piscinas vacías en los patios traseros de casas abandonadas, en construcción y habitadas (algunas las vaciaban ellos) en una época de restricciones de agua y con unos  “sancheskys” poco evolucionados crearon el patinaje vertical y revolucionaron el skate.

Eran un grupo de niños que buscaban algo divertido que hacer pero con el avance tecnológico en las ruedas de monopatín llevaron el patinaje al siguiente nivel. Sus amigos fueron patinadores pioneros como Tony Alva, Jay Adams y Stacy Peralta, miembros fundadores del equipo Zephyr Skate Team original, también conocidos como los Z-Boys. Friedman era un buen patinador, pero no tanto como sus amigos y se rompió un brazo, comenzando a fotografiar a sus amigos con una cámara Pocket Instamatic por el miedo de romper o perder una cámara cara. Sus fotografías eran muy buenas, pero el pequeño negativo impedía que se publicaran.

Al final, en 1976, con una cámara prestada de 35 mm fotografió a unos pocos amigos en una piscina vacía haciendo skating y le pasó las fotos al fotoperiodista C.R. Stecyk III que trabajaba como freelance para la icónica revista SkateBoarder. Le publicaron algunas fotos, incluida una como anuncio a página completa, convirtiéndose enseguida en el miembro más joven de esta revista de culto para la cultura juvenil en todo el mundo. Aquí fue donde Friedman comenzó a aprender las realidades del mundo de la fotografía, y a establecer su camino para los años venideros, mientras publicaba mensualmente estando en la escuela secundaria.

Cronista definitivo en Skateboarder, publicando innumerables fotos en la revista a finales de los 70 y principios de los 80, cuando el skateboarding comenzaba a experimentar un bajón, parte de la gente se trasladó a la música especialmente a los nuevos géneros underground y bandas cuyos miembros  conocían su trabajo en Skateboarder comenzaron a querer ser fotografiados por Friedman llevándole a documentar estas nuevas culturas musicales, fotografiando a Fugazi, Dead Kennedys, Circle Jerks, Bad Brains, Black Flag, Minor Threat, Misfits, Beastie Boys, Run-DMC, KRS-One y Public Enemy. Su libro My Rules: Photozine sobre el mundo del punk vendió 10.000 copias.

Su fotografía ha sido publicada en sus libros, así como en muchas otras publicaciones, en portadas de discos y ha sido expuesta en galerías de arte y museos. Su obra forma parte de numerosas colecciones de fotografía, incluido el Museo Metropolitano de Arte en Ciudad de Nueva York. También ha sido incluido como un icono en el Salón de la Fama del Skateboarding.

Es un activista político progresista, evita los tóxicos (Straight Edge) y sigue una estricta dieta vegana. En 2004, creó la Liberty Street Protest en el Ground Zero de Ciudad de Nueva York y su sentimiento antibélico recibió atención internacional. Apoya la libertad religiosa y la colocación de una mezquita a unas pocas cuadras de distancia de la Ground Zero en Nueva York.

También ha coproducido y realizado diversos documentales como Dogtown and Z-Boys en 2001, No No: A Dockumentary en 2014, y ha aparecido en Saving Banksy en 2017,  Obey Giant en 2017, y en otras películas.

Referencias

    Libros

    sábado, 15 de septiembre de 2018

    Holly Andres

    Holly Andres es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1977 en Missoula, Montana, con sede en Portland, Oregon) cuya obra comercial y artística es conocida por sus escenarios cinemáticos estilizados, a menudo inspirados en sus propias experiencias infantiles.

    © Holly Andres

    © Holly Andres

    Biografía

    Holly Andres estudió Pintura y Dibujo en la Universidad de Montana y realizó un master en Estudios de Cine por la Universidad Estatal de Portland.

    Utiliza la fotografía para examinar las complejidades de la niñez, la fugaz naturaleza de la memoria y la introspección femenina. Por lo general sus imágenes, se basan en una tensión entre un objeto aparentemente accesible y un subtexto a veces inquietantemente oscuro.

    Su primera exposición individual, Sparrow Lane, se estrenó en Portland en 2008, y luego realizó una gira por San Francisco, Nueva York y Estambul. Sus copias C-prints representan a cuatro mujeres jóvenes y exploran la transición femenina a la adolescencia, con alusiones a Alicia en el País de las Maravillas.

    Su segundo cuerpo de trabajo, The Fall of Spring, se estrenó en la Hartman Fine Art Gallery de Portland en 2012. Estas fotografías construidas relatan un día tranquilo en el parque, pero interrumpido desde múltiples perspectivas, creando un drama en el que se explora la pérdida de la inocencia y el papel protector de las madres.

    The Fallen Fawn se inspiró en una historia sobre sus hermanas mayores, que un día descubrieron una maleta abandonada detrás de su casa familiar, se la llevaron a escondidas a casa, y por las noches se vestían secretamente con sus ropas, jugando a ser mujeres adultas.

    Ha realizado exposiciones individuales en Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Atlanta, Barcelona, Bogotá, Nueva York, San Francisco, Estambul y Portland. Su trabajo ha sido publicado en numerosas revistas como la del New York Times, Time, Art in America, Artforum, Revista Exit, Art News, Modern Painters, Oprah Magazine, Elle Magazine, The LA Times, Glamour, Blink y Art Ltd, que la listó como uno de los 15 artistas emergentes de la  Costa Oeste menores de 35 años.

    Su trabajo le ha valido numerosas becas y premios, incluido el PDN Photo Annual 2016 en la categoría de publicidad, y el AI-IP American Photograph Award.

    Además de en fotografía, trabaja en cine, escultura e instalaciones y ha colaborado ​​en cortometrajes que han sido presentados en el 31 ° Festival Anual de Cine y Video NW, el Programa Best of the Northwest Touring, el Festival Internacional de Cine de Portland, el Festival de Cine de Mujeres de Baltimore y el Arte Perpetuo Máquina en Nueva York.

    Referencias

    Libros

    • Go West! Cutting-Edge Creatives in the United States, (varios) 2011.

    viernes, 14 de septiembre de 2018

    Enrique Aznar

    Enrique Aznar fue un fotógrafo aficionado catalán (nacido en 1903 en Barcelona, fallecido en 1959, también en Barcelona) que formó parte de la segunda generación de fotógrafos pictorialistas españoles.

    © Enrique Aznar

    © Enrique Aznar

    Biografía

    Enrique Aznar formó parte de la segunda generación de fotógrafos pictorialistas españoles, y como la mayor parte de ellos, fue un fotógrafo amateur que solo utilizó la fotografía como medio de expresión. Su periodo más fecundo se sitúa entre los años 30 y 40. Fue miembro de la Agrupació Fotogràfica de Catalunya (AFC) desde su creación, donde ocupó el cargo de vocal de concursos.

    El tema principal de su obra se centra en el paisaje y utilizó frecuentemente la técnica del bromóleo, antiguo procedimiento muy usado en la primera mitad del siglo XX, que consiste en blanquear una copia fotográfica de bromuro de plata e impregnarla después con pigmentos al óleo mediante brochas. Los pigmentos tras limpiar la foto adecuadamente solo se adhieren a los granos de plata, obteniendo prácticamente la misma imagen pero con una plástica más parecida a la de la pintura.

    Después su obra evolucionó a imágenes más propias de la Nueva Visión. La expuso en la AFC. También participó en concursos como el I Salón Internacional de fotografía celebrado en 1948 en las Salas Municipales de Arte de San Sebastián, organizado por la Sociedad Fotográfica de San Sebastián (SFG). Publicó en revistas como Progreso Fotográfico, Art de la Llum, Butlletí de AFC, entre otras.

    En 1997 se llevó a cabo en Huesca la retrospectiva Enrique Aznar dentro del programa Huesca Imagen’97. También ha podido verse su obra como parte de la exposición Mirar el mundo otra vez, Galería Spectrum Fotos, 25 años de fotografía, una muestra colectiva organizada por el Servicio de Cultura, Unidad de Museos y Exposiciones de La Lonja de Zaragoza en 2002.

    Referencias

    Libros

    • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

    jueves, 13 de septiembre de 2018

    Ana Hop

    Ana Hop es una fotógrafa mexicana (nacida en 1980 en Ciudad de México, donde vive y trabaja) especialista en retrato, con una visión fotográfica personal y narrativa. Se mete en la vida de la gente para sacar su esencia en forma de fotografía. Sus fotografías son sencillas, sin añadidos ni grandes retoques, pero al mismo tiempo son complejas pues con un solo vistazo da la impresión que conoces a las personas retratadas.

    © Ana Hop

    © Ana Hop

    Biografía

    Ana Isabel Estrada es hija de fotógrafa, a la que, desde muy pequeña le acompañaba a sus clases, prácticas, y exposiciones. Luego estudió Comunicaciones en la Universidad Iberoamericana en Ciudad de México, y después se mudó a Londres para estudiar fotografía en Central Saint Martins.

    Regresó a México en 2008. En 2014 trabajó como editor de fotografía para una revista en Editorial Televisa.

    Ver el trabajo de Ana es transitar en un mar de historias, de momentos, de relatos iluminados y de personas que cuentan sus vidas a través de los espacios, de las miradas esquivas, de la limpieza visual de las imágenes, de la mágica normalidad de una humanidad capturada en el momento justo en que dejaron su mente en blanco y fueron personas únicas y legítimas.

    Ha publicado en varias revistas como National Geographic Traveller, ELLE, Esquire, Gatopardo, Vogue México, CNN Expansión y Latinoamérica, Harper's Bazaar México, etc., y ha trabajado para compañías como Nike, Converse, American Express, Travesías, Grupo Mónica Patiño (Delirio, Casa Virginia, Abarrotes), Resturante Rosetta, El Quintonil, DUPUIS, Armando Takeda, Carla Fernández, BeatBox, She's Mercedes (Mercedes Benz Alemania, Autoridad de Turismo de Tailandia), …

    Ha colaborado con el proyecto Freunde von Freunden de Berlín, dónde creó retratos de Napoleon Habeica, Dirk-Jan Kinet y Diana García, entre otros.

    Dirige un proyecto editorial personal, la revista marcomagazine. Tiene también un proyecto personal llamado People You May Know, el cual se compone de retratos de personas involucradas en el mundo de la creatividad, incluyendo a artistas, diseñadores, arquitectos, etc..

    Referencias