sábado, 23 de agosto de 2014

Andrew Walmsley

Andrew Walmsley es un fotógrafo inglés que realiza fotografía de paisaje y sobre todo de naturaleza salvaje, que ha capturado imágenes de algunas de las especies más carismáticas e impresionantes de este planeta.

 

Bad Boys © Andrew Walmsley

Bad Boys © Andrew Walmsley

 

Biografía

Andrew Walmsley comenzó en serio con la fotografía en 2005, y su primer trabajo fue la creación de un catálogo de fotoidentificación de los delfines nariz de botella de la bahía de Cardigan. Este  proyecto se basó más en la investigación científica que en la producción de buenas fotografías, pero le abrió los ojos y se dio cuenta de que el camino de la vida al aire libre era su carrera.

Se trasladó para 6 meses a Nueva Zelanda, pero se encariñó con el travieso y entrañable loro de montaña, el kea, el destructor de limpiaparabrisas y otras cosas de los coches, debido a su naturaleza curiosa y sin control,  que les permite sobrevivir en uno de los entornos más difíciles en la Tierra. Aproximadamente 150.000 de estas aves fueron sacrificadas en los años 70 y 80, y  los 1.500 que sobreviven hoy en día, no son muy populares entre los lugareños a este día. Se unió a la Kea Conservation Trust y donó varias fotografías para ayudar a cambiar su imagen, con el objetivo de proteger a este "payaso de las montañas". Sus esfuerzos culminaron en un artículo en la revista BBC Wildlife.

A su regreso al Reino Unido, centró su atención en los primates. Los monos y los simios tienen un lugar especial en el corazón de la gente, pero casi todas sus especies están amenazadas principalmente por nuestra explotación de sus hábitats y de los propios animales. A través de contactos en Oxford Brookes University, ha pasado gran parte de los últimos dos años documentando la difícil situación de algunas especies: desde los lentos loris y macacos crestados a los orangutanes y los gorilas de montaña.

Walmsley es ahora más fotógrafo de conservación que puramente un fotógrafo de la naturaleza, ya que siente que las imágenes que captura deben ser utilizadas para ayudar a asegurar la supervivencia de los animales que fotografía en sus frágiles entornos.

Ha obtenido el Wildlife Photographer of the Year 2007 en la categoría Vida salvaje en jardín y urbana, y el Wildlife Photographer of the Year 2013 en la categoría Mamíferos, con Bad Boys.

 

 

Referencias

viernes, 22 de agosto de 2014

Charles Frèger

Charles Frèger es un fotógrafo francés (nacido en 1975 en Rouen, donde vive y trabaja)  especializado en retrato. Desde sus comienzos ha realizado series de grupos sociales atípicos como: legionarios, jockeys, jugadores de waterpolo, patinadores, militares, luchadores de sumo, budistas, y artistas de la Ópera de Pekín por citar algunos.

 

© Charles Frèger

© Charles Frèger

 

Biografía

Charles Frèger comenzó en el mundo de la fotografía tras sus estudios de agricultura, después de  estudiar Bellas Artes y necesitar fotografías para sus litografías. Especialista en el retrato, los suyos son limpios, sencillos, bien elaborados, técnicamente impecables y cuidados hasta el último detalle.  Se ha dedicado a la representación poética y antropológica de grupos sociales, como atletas, escolares, fuerzas armadas, etc.,

En su serie Wilder Mann buscó en 2010 y 2011 por dieciocho países de Europa (Italia, Polonia, Escocia, República Checa, …) a grupos tradicionales que se visten de animales como parte de una tradición cultural ancestral, fotografiándolos en sus parajes naturales y otorgándoles una personalidad alejada del contexto de grupo folclórico tradicional.

El trabajo de Charles Fréger se ha exhibido en exposiciones individuales en Musee d'Art Moderne de Luxemburgo, Musee des Beaux-Arts de Rouen, Yokohama Museum of Art, Fotohof de Salzburgo y la Maison Européenne de la Photographie de París, entre otros.

Fréger es el fundador de la comunidad artística Piece of Cake y de la editorial POC.

 

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 21 de agosto de 2014

Geert Goiris

Geert Goiris es un fotógrafo belga (nacido en Bornem en 1971, vive y trabaja en Amberes) que ha recorrido en los últimos años medio mundo, del polo al desierto, en busca de paisajes silenciosos y desolados en los bordes mismos de la civilización, o dentro de ella.

 

 

© Geert Goiris

© Geert Goiris

 

A menudo utilizo un tiempo de exposición largo. Me parece fascinante que la cámara sea capaz de resumir toda una hora en una sola imagen. Ese tipo de fotografía me intriga ya que, en la película, se puede percibir un espectro más amplio que el de nuestros ojos, se puede observar muy rápidamente o muy lentamente. En la mayoría de mis imágenes, la cámara no es tanto un testigo del momento, sino que registra el estado de ser, un lapso de tiempo. Tal condensación de tiempo es la razón por la que me gusta viajar a regiones remotas. Allí el tiempo geológico está mucho más presente que el tiempo humano. Así, todos los elementos que dan testimonio de la presencia humana se ven desde un ángulo diferente.

 

 

 

 

Biografía

Geert Goiris se graduó en 1993 de la Academia de Arte de Bruselas y en la Film and Television Academy (FAMU) de Praga, República Checa, en 1995. Recibió un postgrado en el Higher Institute of Fine Arts (HISK) en Amberes en 2000.

Sus exposiciones individuales más recientes han sido en VOX en Montreal, Musée de Bagnes y Barrage de Mauvoisin en Le Châble (Suiza), Geert Goiris en Museum M en Leuven (Bélgica), Lying Awake en The Nest, Nairobi. También ha sido incluido en exposiciones colectivas como Manifesta 5 en San Sebastián, y Platform Garanti Contemporary Art Center en Estambul.

Goiris utiliza recursos de la fotografía documental: sus imágenes son nítidas y objetivas en su composición, en ellas todo es legible y, sin embargo, ese naturalismo apenas oculta una profundidad de ensueño que pronto hace aflorar una ambigüedad inquietante.

La sensación de deslizarse entre el despertar y el sueño se refuerza con el uso que hace de la luz: utilizando tiempos de exposición largos y construyendo cuidadosamente cada composición. Así, paisajes y figuras adquieren una calidad surrealista. Es lo que denomina realismo traumático: un punto de ruptura donde un mundo se desliza inexplicablemente a través de las costuras de otro, un ámbito misterioso que incita al espectador a fijar la atención en un plano inusitado de la realidad que lo circunda.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 20 de agosto de 2014

Alberto Lizaralde

Alberto Lizaralde es un fotógrafo español (nacido en 1979 en Aranjuez, cerca de Madrid, donde vive actualmente) que, en sus últimos trabajos, documenta los momentos cotidianos cuando todo se derrumba, las situaciones en las que el tiempo, objetos y lugares pierden su naturaleza física, los pequeños fragmentos de la vida que muestran nuestra vulnerabilidad en lo cotidiano.

 

© Alberto Lizaralde

© Alberto Lizaralde

Biografía

Alberto Lizaralde se licenció en Publicidad en Madrid. Trabajó como crítico de cine y dirigió dos cortometrajes y algunos eventos culturales.

Ha sido profesor de fotografía y coordinador online de la Escuela BlankPaper (Madrid). Combina su trabajo como director creativo de la agencia de publicidad Ogilvy & Mather con sus proyectos en la fotografía documental.

En 2006 trabajó en una serie llamada 24 horas con Rakesh en Calcuta. En 2008 completó Taiwán: China, a través del espejo, una visión personal sobre las huellas del pasado y los futuros pasos de la sociedad china de Taiwán.

Alberto ha sido finalista en Descubrimientos PhotoEspaña 2010 y nominado en tres ocasiones en el New York Photo Festival. Ha expuesto en las galerías San Diego TAOFS, Association of Photographers (Londres) y en el New York Photo Festival '09 y en Kkien Atelier (Milán).

Su reciente libro everything will be ok (Todo va a estar bien) es la crónica de una transformación mágica nacida de una crisis personal, una historia que termina con lo positivo, con la curación, donde, a través de fotografías tomadas durante cinco años, se desarrolla una historia hasta formar una estructura narrativa clásica en tres actos. El proyecto trata el punto a mitad de camino entre la ficción y la realidad; cruzar continuamente la línea entre documental y lo imaginario, lo verdadero y lo falso, lo personal y lo desconocido.

Para la cubierta del libro se ha utilizado una tinta especial que cambia de color con el calor de las manos y deja ver nuestras huellas al tocarlo. El libo ha conseguido una Honorable Mención en el premio de RM al mejor libro iberoamericano en 2013, siendo también seleccionado en 2014 en el Fotobook Festival Dummy Award.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 19 de agosto de 2014

Laia Abril

Laia Abril es una fotógrafa catalana (nacida en 1986 en Barcelona, vive en Treviso, Italia, y Barcelona) que centra su fotografía principalmente en contar historias íntimas que plantean realidades incómodas relacionadas con la feminidad y la sexualidad. Combina la fotografía con otras herramientas multimedia, como el vídeo y el diseño gráfico.

 

© Laia Abril

© Laia Abril

 

 

 

Biografía

Laia Abril se crió en Barcelona. y después de terminar su licenciatura en Periodismo y fotografía, en la Universitat Ramon Llull de Barcelona, estudió en el International Center of Photography (ICP) de Nueva York. Comenzó a trabajar en proyectos documentales de los Balcanes, cubriendo el 13º funeral de Srebrenica y la independencia de Kosovo, primero para una ONG española y luego para diarios españoles.

En 2009 y 2010 fue finalista del Ian Parry, participando en la exposición del Getty Gallery en Londres dos años, primero con su proyecto en la comunidad lesbiana joven en Brooklyn, y luego con Last Cabaret que trataba de un club de sexo en Barcelona.

Su obra ha sido expuesta en Studio la Città, Sarajevo Winter Festival, Hannover 3rd Lumix Festival, Winterthur PhotoMuseum, London Getty Gallery, Poland PhotoFestiwal, Arts Santa Monica, New York PhotoFestival, … En 2010 se incorporó a la agencia Reportage by Getty como un talento emergente y fue seleccionada en Plat(t)forman Winterthur Photomuseum 2012 en Suiza.

Su trabajo ha sido publicado en medios de comunicación como The Sunday Times Magazine, D Repubblica, Ojo de Pez, Le Monde, Ft. Magazine, Burn Magazine, GUP, The British Journal of Photography, Esquire (Rusia) o en la revista Colors, donde es miembro del equipo editorial desde que particpó en FABRICA, la residencia artística del Centro de Investigación de Benetton en Italia, en 2009.

Hace tres años, comenzó un proyecto a largo plazo sobre trastornos alimentarios, con el primer capítulo: A Bad day, un multimedia centrado en el día a día de una joven que lucha con la bulimia, que ha sido presentado internacionalmente en varios medios de comunicación y seleccionado en el NYPhotoFestival 2011, 3º Lumix PhotoFestival, PhotoMeeting Ojo de Pez 2012, entre otros.

En 2012 lanzó fanzine autopublicado Thinspiration, segundo capítulo de la serie de trastornos alimenticios, que explora el uso de la fotografía en los sitios web de Pro-Ana, destacado como uno de los mejores libros del año y exhibido en muchos festivales. El proyecto fotográfico también fue finalista en el Burn Emerging Photography Fun en 2012, finalista en la beca FotoVisura 2012 y seleccionado como el premio de elección del jurado en Santa Fe Center 2012.

Ha publicado en 2014 The Epilogue, el tercer capítulo de la serie de trastornos alimenticios, que documenta las consecuencias de los trastornos alimentarios en casos fatales, víctimas indirectas, familias y entornos de los pacientes.

Actualmente trabaja como fotógrafo y Consultor Editor de fotos en la revista COLORS, que combina con su carrera independiente y sus proyectos personales.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

lunes, 18 de agosto de 2014

Anatole Saderman

Anatole Saderman fue un fotógrafo ruso nacionalizado argentino (nacido el 6 de marzo de 1904 en Moscú, Rusia, y fallecido el 31 de octubre de 1993 en Buenos Aires, Argentina) verdadero maestro del retrato, que poseía un estilo inconfundible y una capacidad especial para encontrar el momento oportuno y el gesto exacto que expresase la personalidad de las personas a las que fotografiaba.

 

© Anatole Saderman

© Anatole Saderman

 

DECALOGO SIN MUCHA IMPORTANCIA 

  1. Lo más difícil en el oficio del retratista es perderle el miedo al asunto.
  2. Pero a lo mejor no es miedo, sino emoción. Esta, mejor que no la pierdas nunca: un retrato sin emoción no es un retrato, es una foto: una en un millón.
  3. Ama al prójimo a quien vas a retratar. Si no puedes amarlo, ódialo. Si te es indiferente, fotografía mejor una botella de alguna bebida gaseosa: puede rendirte más y aparte, no protesta ni te da indicaciones.
  4. Las leyes básicas de caligrafía y ortografía fotográficas rigen igual para fotografiar una manzana, una botella o una cara humana. Pero es más fácil practicar la gramática con una manzana que con el alma humana.
  5. Estudia las caras de tus prójimos “de ojito”, sin cámara: en el bar, en el colectivo, en la calle suceden milagros de expresión y de iluminación.
  6. Para hacer retratos en el interior, cualquier ventana es una excelente fuente de luz.
  7. En el exterior aprovecha el sol en su primera y en su última hora.
  8. Dios ha hecho un solo sol para iluminar este mundo, y ¡qué lindo luce! Usa un solo reflector para iluminar una cara. En todo caso ayúdate con la luna y las estrellas; nunca con un segundo sol.
  9. Para hacer un retrato no te gastes en extravagancias. La palabra “amor” se ha escrito millones de veces, pero “Hamor” con hache se puede escribir una sola vez y no sé si vale la pena.
  10. No busques un estilo “especial”. Si tienes garra, “tu” estilo cristalizará cuando menos lo pienses.

 

 

 

Biografía

Anatolyo Boriscovich Saderman nació en Moscú en una familia dedicada al comercio textil. Realizó allí sus estudios básicos hasta que con catorce años emigró con su familia a Minsk tras la Revolución Rusa, después a Lodz, Polonia, hasta que en 1921 se establecieron en Berlín, donde estudió filología eslava, historia del arte y dibujo. Tras la ascensión al poder de Hitler emigraron a Paraguay primero y posteriormente a Uruguay.

En 1926 realizó sus primeras fotografías y comenzó a aprender a realizar retratos de su maestro Nicolás Yaroboff en Montevideo mientras trabajaba de fotógrafo callejero. Aprendió laboratorio, haciendo también retratos a lápiz e iluminando fotografías.

En 1927 se trasladó a Asunción y abrió el estudio Electra que mantuvo hasta 1929. En 1932 se trasladó a Buenos Aires ingresando en el estudio Van Dyck, pero dos años después abrió su propio estudio. Fue socio fundador del Foto Club Argentino (1936) y del Foto Club Buenos Aires (1945). En 1938 realizó su primera gran exposición Retratos de Plásticos Argentinos en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes.

En 1953 participó en el grupo Carpeta de los diez que fue un foro de debate y de intercambio de opiniones que realizó su primera exposición en 1954. En 1960 el Fondo Nacional de las Artes incorporó a su colección unos 300 retratos suyos de artistas plásticos argentinos

Entre 1962 y 1966 vivió en Roma exponiendo paisajes urbanos en la Galería Nova Pesa.

Tras su regreso a Argentina realizó numerosas exposiciones y trabajos y también actividad docente. Algunos de sus retratos los realizó a artistas como Borges, Emil Ludwig, Pier Paolo Pasolini, Pablo Neruda, Alejandra Pizarnik, Pablo Casals, Ernesto Sabato, Nicolás Guillén, Maria Elena Walsh y su amigo Humberto Rivas.

Comenzó sus retratos a artistas con el escultor Luis Falcini, y luego segiría con los plásticos Daneri, Spilimbergo, Urruchúa, Victorica, Castagnino, Raúl Soldi, Carlos Alonso, Antonio Berni, Benito Quinquela Martín y muchos más. Hubo un momento en que Daneri comenzó la costumbre de regalarle una obra por el retrato, y al final Saderman intercambiaba autorretratos del pintor fotografiado por su retrato, obteniendo una muy interesante colección que posteriormente plasmaría en el libro Retratos, autorretratos + retratos (1974) donde se exhiben en pares el autorretrato del artista con el retrato que le hizo Saderman.

Recibió el premio Konex en el año 1982. En 1984 fue nombrado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Secretos del jardín
  • Retratos, autorretratos + retratos.

domingo, 17 de agosto de 2014

Nick Wapplington

Nick Waplington es un artista y fotógrafo inglés (nacido en 1970 en Adén, Yemen,  vive en la ciudad de Nueva York).

 

© Nick Waplington

© Nick Waplington

 

 

Si, como sospecho, Internet ha roto el dominio absoluto de los gobiernos y las grandes corporaciones en los medios de comunicación de masas, entonces podríamos estar en un período muy interesante de desarrollo en una serie de diferentes niveles. ¿Un cambio de los modelos actuales de cohesión social, moral y política es demasiado pedir?

 

 

 

Biografía

Nick Waplington es el mayor de tres hijos, y viajó mucho durante su infancia mientras su padre trabajaba como científico en la industria nuclear. Estudió arte en West Sussex College of Art & Design en Worthing, Trent Polytechic en Nottingham y en el Royal College of Art de Londres.

Waplington, hacia 1984, mientras visitaba regularmente a su abuelo en Broxtowe Estate en Nottingham, comenzó a fotografiar su entorno inmediato. Amigos y vecinos de su familia se convirtieron en su tema predilecto. Continuó con este trabajo de manera intermitente durante los siguientes 15 años y produjo con él dos libros (Living Room y Weddings, Parties, Anything) y numerosas exposiciones.

Su libro Other Edens (1994) se centró en preocupaciones medioambientales y, a pesar de que se concibió y trabajó al mismo tiempo que Living Room, fue visto como un cambio importante en su estilo y contenido.

Otros de sus ensayos son Safety in Numbers (1997), un estudio sombrío de la cultura de la droga éxtasis a mediados de la década de los 90, y The Indecisive Memento (1999), un viaje por el mundo donde el viaje en sí es la obra de arte.

Su siguiente obra publicada fue Truth or Consequences (2001), un juego pictórico basado en la historia de la fotografía utilizando la ciudad de Truth or Consequences de Nuevo México, como telón de fondo. En esta obra se inspiró en las normas de los programas de televisión de la década de los 50.

Learn how to die the easy way (2002) fue su contribución a una exposición colectiva en la Bienal de Venecia de 2001, expresando el anhelo de la libertad artística y comercial que la web todavía puede exponer y una celebración de la razón dislocada detrás de los pensamientos convencionales y los medios de comunicación.

En You Love Life (2005) utilizó imágenes tomadas en un período de 20 años para la construcción de una narrativa autobiográfica.

Realizó la novela gráfica Terry Painter en colaboración con Miguel Calderón en 2003. Este y otros proyectos con Calderón como The Garden of Delights Suburban se han expuesto en Europa y EEUU.

En 2007, la Whitechapel Art Gallery de Londres mostró su presentación Synethesia en diapositivas de fotos cogidas de Internet. También publicó una serie de diez libros de imágenes recogidas llamado You Are Only What You See, con un catálogo separado de fotos originales del propio Waplington llamado Doble Dactyl (2008).

Durante 2008 y 9 trabajó en un importante proyecto de libro con el diseñador de moda Alexander McQueen durante el 2008/2009, denominado Working Process (2013) que justo se completó en el momento de la muerte del diseñador en 2010.

En 2011 publicó el libro Surf Riot, y comenzó a autopublicar sus libros en tiradas de 100 ejemplares: Lackadaisical, Extrapolations.

Waplington participó en el colectivo This Place, fundado por Frédéric Brenner, al que contribuyó con el libro Settlement, un estudio de los colonos judíos que viven en Cisjordania, con retratos y paisaje tomadas con una cámara de gran formato.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

  • Living Room . 1991.
  • Other Edens. 1994. 
  • Weddings, Parties, Anything.1966.
  • The Wedding. 1996.
  • Safety in Numbers, 1997 y 2002
  • The Indecisive Memento,  1999.
  • Truth or Consequences , 2001.
  • Learn how to die the easy way, 2002.
  • Terry Painter, 2003.
  • You Love Life, 2005.
  • Double Dactyl , 2008. 
  • Alexander McQueen: Working Process, 2013.
  • Surf Riot, 2011.
  • Lackadaisical, 2011.
  • Extrapolations, 2011. 
  • The Patriarch's Wardrobe, 2012. .
  • Settlement, 2014. 
  • Made Glorious Summer, 2014.