viernes, 19 de diciembre de 2014

David Lazar

David Lazar es un músico y fotógrafo de viajes (vive en Brisbane, Queensland, Australia), que le encanta capturar momentos de la vida, la belleza y la cultura a través de la fotografía.

 

Girl with Green Eyes © David Lazar

Girl with Green Eyes © David Lazar

 

 

Biografía

David Lazar es un fotógrafo de viajes que captura lugares con un rico bagaje cultural y está especialmente interesado en el retrato y la fotografía de paisaje.

Publica en revistas de fotografía, viajes y de compañías aéreas, así como en periódicos y revistas como National Geographic, Asia Geographic y Lonely Planet. En 2014 fue galardonado con el premio Best Culture Photographer por Garuda Airways, en una visita a Indonesia. En 2012 fue el ganador de la categoría de viajes en el Smithsonian Photography Contest.

David ha estado viajando anualmente desde 2004, año en el que empezó a interesarse por la fotografía de viajes como género artístico, volviendo cada tres meses a la India y Nepal. En su décimo viaje en 2014, trabajó en un proyecto de libro para Growing Leaders Foundation en Trinidad y Tobago, revisitando Brasil (al que había viajado por todo el país en 2013, aprender el idioma) y encabezó un recorrido fotográfico para Luminous Journeys en Myanmar.

Es también compositor, profesor e intérprete de música, y tiene un máster en Composición de música para películas.

 

 

Referencias

jueves, 18 de diciembre de 2014

Alicia Moneva

Alicia Moneva es una pintora y fotógrafa española (nacida en Madrid, donde reside) artista multidisciplinar conceptual en continua evolución.

 

© Alicia Moneva

© Alicia Moneva

 

 

Biografía

Alicia Moneva nació en Madrid donde estudió Ciencias Biológicas. Su primera etapa profesional la dedicó a realizar vistas áreas de proyectos urbanísticos. Fue durante esos años, trabajando con arquitectos, en los que la artista desarrolló su propio lenguaje de abstracción y escala. Con ellos su visión comenzó a tomar forma, estructura y escala.

Dedicada a la pintura de forma profesional desde 1990, no fue hasta el 2002 que se lanzó a la disciplina fotográfica de forma más creativa, pues, en principio era sólo un útil de trabajo, una herramienta más para su recolección de datos, como ayuda para pintar todo lo que no tenía forma de hacerlo al natural. Comenzó su camino en la fotografía con retratos en blanco y negro, en formato analógico, más tarde comenzó a trabajar en series, al igual que hacía con la pintura. Luego hubo un tiempo de tránsito entre la pintura y la fotografía, en el que atravesó un periodo de poca producción a nivel de realización y que le llevó a retomar sus estudios..                                                                  

En el 2006 realizó un taller de fotografía con Chema Madoz, experiencia que le permitió fijar sus parámetros de expresión y sintetizarlos de forma indistinguible entre la pintura y la fotografía. Moneva cree en la necesidad de tener una formación multidisciplinar. En la mejor tradición del artista renacentista, ha combinado sus estudios artísticos con estudios de psicología, filosofía (en la actualidad), edición de video y música, y dirección de cine. Su premio más reciente ha sido ya en video.

Inicialmente le interesaba la vida de los objetos gastados, sus colores, texturas, formas… La magia de los espacios humanizados, el misterio que escondían las sombras, la materia desvelada por la luz. Y sobre todo, cómo  se medía el tiempo, qué hacía de un instante algo eterno.   Más tarde, coincidiendo con su vuelta a los estudios, y en la creencia de que no hay mejor secreto de juventud que seguir aprendiendo, comenzó psicología en la UNED, y al mismo tiempo retrataba (en formato analógico / blanco y negro) a todo el que pasaba por su estudio. Siempre había un instante mágico en la sesión, en el que el modelo miraba desde dentro desnudando su alma.

Entonces el cuerpo cobró importancia, descubrió la escultura en París, donde los fragmentos de piedra esculpida le hicieron  preguntarse dónde residía lo humano (S | cultura). Más tarde, deshumanizó lo humano convirtiéndolo en paisaje (Human landscape y Under my skin). Luego la psicología le llevó a utilizar bañeras como símil de lo que se gesta en nuestro interior, de las primeras sensaciones que se guardan casi puras, al no haber sido todavía tamizadas por el lenguaje, y que se representan en aguas de colores (Inconsciente). Después cajas y plásticos que envolvían a modo de placentas reconvirtieron lo humano en algo parecido a larvas de insectos, creando un rechazo casi instintivo en el observador.

En la actualidad continúa trabajando en la preparación de distintas series fotográficas  como la enfermedad en nuestra cultura, la sociedad del espectáculo, de dioses y de hombres, qué bello es vivir, …   Tiene un proyecto conjunto con la fotógrafa Judith Sansó, en el que por medio de una performance se elabora una videObra y una serie fotográfica, que luego es expuesta. También, en colaboración con un grupo interdisciplinar, se comenzará el proyecto D.lirarte, consistenteen la organización  y retransmisión vía streaming, de distintas tertulias que aborden temas de actualidad  del panorama artístico, científico y filosófico.

 

 

 

Referencias

miércoles, 17 de diciembre de 2014

Alonso Martínez

Ángel Alonso Martínez fue un fotógrafo español (nacido en Burgos en 1825 y fallecido en 1868) que realizó retratos, algunos de gran tamaño, siendo un buen retocador de fotografías, por su capacidad de dibujo.

 

A. Alonso Martínez y Hermano

A. Alonso Martínez y Hermano

 

 

 

Biografía

Ángel Alonso Martínez se formó en el ámbito del arte pictórico, siendo discípulo del pintor Antonio María Esquivel. En las décadas de los 50 y 60 del siglo  XIX regentó en Madrid, junto con su hermano, dos gabinetes bajo el nombre de Alonso Martínez y hermano, donde se realizaron y pusieron a la venta cientos de retratos de artistas y figuras políticas de la época, siguiendo la tendencia de otros estudios del momento.

Muchas veces, estos retratos eran la forma en la que el público conociera los rostros de las celebridades. Los duques de Montpensier (Antonio de Orleans y Luisa Fernanda de Borbón) y la duquesa de Medinaceli, entre otras personalidades, acudieron a retratarse a su estudio. Fotografió también a la reina Isabel II y a otros miembros de la casa real, siendo estos retratos los más solicitados por la clientela.

Además de su labor como retratista, desarrollada sin efectismos y con gran naturalidad, Ángel Alonso Martínez inmortalizó la remodelación urbanística del centro de Madrid en 1857 con sus fotografías de género urbano.

Recientemente, se han expuesto algunos de sus trabajos en la muestra colectiva Una imagen para la memoria: la carte-de-visite, organizada en la Fundación Lázaro Galdiano de Madrid en 2011. Se pueden consultar sus fotografías en los fondos de la Biblioteca Nacional, el Museo del Romanticismo y la Fototeca de la Universidad de Navarra.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

martes, 16 de diciembre de 2014

Silvia Grav

Silvia Grav es una fotógrafa española (nacida en 1993 en el País Vasco y residente en Madrid y Los Ángeles) cuya obra transita entre el surrealismo onírico y la poesía inquietante explorando sus miedos, inquietudes y deseos.

 

 

© Silvia Grav

© Silvia Grav

 

 

 

Biografía

Silvia Grav pasó gran parte de su joven vida en Málaga, después se trasladó a Madrid. Su trabajo es descrito con dos palabras: surrealista y conceptual. Comenzó estudiando Bellas Artes, pero debido a la falta de ganas y al poco tiempo que tenía, acabó dejándolo, y ha aprendido de forma autodidacta.

Flickr se fijó recientemente en sus imágenes y su nombre se incluyó en el “20under20”. Una iniciativa que buscaba talentos con menos de 20 año y que le llevó visitar Estados Unidos para recoger el premio y exponer en grupo en la Milk Gallery de Nueva York y a trasladarse después a vivir a Los Ángeles, donde espera poder tener más posibilidades de desarrollar sus proyectos y sus sueños, que incluyen, además de la fotografía, el dibujo y también la escritura que practica desde que era pequeña. También hace video y quiere dirigir una película.

Trabaja en blanco y negro y todas sus fotos están procesadas (algunas son en analógico) y a menudo provocan una sensación extraña, como de ensueño, usando contrastes muy agudos entre luces y sombras, a veces con humo que hace las escenas más espeluznantes. Combina elementos de la naturaleza (nubes, estrellas, arboles y olas) con retratos, logrando un efecto realmente sugerente. Sus imágenes monocromáticas manipuladas muestran figuras humanas y objetos inanimados de manera poco convencional, como un simple vaso que contiene las olas de un océano.

Sus retratos de mujeres jóvenes a menudo se superponen con imaginería galáctica: estrellas y galaxias se disparan a través de sus cuerpos como un espectacular escenario de trascendencia.

 

 

 

Referencias

lunes, 15 de diciembre de 2014

Clementina Hawarden

Lady Clementina Hawarden fue una fotógrafa escocesa (nacida el 1 de junio de 1822 en Cumbernauld, cerca de Glasgow, fallecida en South Kensington, Londres, el 19 de enero de 1865) que obtuvo un notable reconocimiento como fotógrafa en la Era Victoriana, a pesar de su prematura muerte. Es considerada una precursora de la fotografía de moda.

 

Lady Clementina Hawarden

Lady Clementina Hawarden

 

 

Biografía

Clementina Elphinstone Fleeming fue la quinta de hija del famoso almirante Charles Elphinstone Fleeming, conocido por su participación en las guerras de liberación de Venezuela y Colombia (1811 a 1825). Su madre, Catalina Paulina Alessandro, era una “belleza exótica” de Cádiz, que tenía 26 años menos que su marido.

Se casó en 1845 con el cuarto vizconde de Hawarden, Cornwallis Maude, viviendo en Londres hasta 1857 cuando se mudaron a la finca que la familia tenía en Dundrum, Irlanda. Lady Clementina Hawarden y su esposo tuvieron diez hijos, dos niños y ocho niñas, de los cuales ocho sobrevivieron a la edad adulta.

Es probable que comenzara a experimentar con la fotografía a partir de 1857, realizando inicialmente fotos estereoscópicas de paisajes en los alrededores de la finca. Pero en 1859 cuando la familia regresó a Londres, comenzó a fotografiar a sus hijas adolescentes en un estudio que se montó en el primer piso de su lujosa casa. La vizcondesa sentía gran pasión por el arte de la composición teatral y la luz que supo retratar con maestría.

Como puede comprobarse, al mismo tiempo que Lady Clementina se dedicaba a la maternidad, se convirtió en una prolífica fotógrafa, produciendo unas 800 fotografías, la mayor parte de sus hijas adolescentes. En 1863 expuso por primera vez su trabajo en la Photographic Society of London y repitió exposición al año siguiente. En ambas oportunidades fue galardonada y muy aplaudida, pero no pudo recoger sus medallas, al morir prematuramente de neumonía a la temprana edad de 42 años. Se cree que su muerte estuvo relacionada con la prolongada exposición a los productos químicos fotográficos de la época que le debilitaron su sistema inmunológico. Trabajaba con negativos de colodión húmero y copias en albúmina.

Sus fotografías representan la vida de una familia victoriana de clase alta. Las posturas, muchas veces provocativas de sus hijas, fueron muy criticadas. La sociedad victoriana estaba molesta por la idea de la sexualidad en la adolescencia, tema explícito en la obra de la vizcondesa.

Al crear estas imágenes enigmáticas, replanteó nuevos retos al arte de la fotografía. Es por ello que está considerada por algunos especialistas como la primera artista de la imagen fotográfica.

A Lady Clementina Hawarden le gustaba utilizar la luz natural para hacer sus fotografías. En su momento esto fue visto como algo “atrevido” y novedoso; colocaba espejos para reflejar la luz y los utilizaba para explorar la idea de “el doble”. También, como otros fotógrafos, utilizó una cámara estereoscópica para producir impresiones individuales. Su trabajo confunde a veces lo contemporáneo con la fantasía teatral.

Oscar Rejlander y Lewis Carroll fueron admiradores de su obra, que tiene semejanzas y diferencias con la de su coetánea Julia Margaret Cameron.

Su prematura muerte hizo que pronto fuera olvidada. Una colección de 775 de sus retratos fueron donados al Victoria and Albert Museum de Londres en 1939 por su nieta, Clementina Tottenham. Las fotografías fueron arrancadas de los álbumes familiares por razones aún poco claras, lo que explica las características esquinas rotas de la obra de Hawarden.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 14 de diciembre de 2014

Takeshi Shikama

Takeshi Shikama es un fotógrafo japonés (nacido en Tokio en 1948, donde vive y trabaja) reconocido principalmente por sus fotografías de bosques en papel tradicional japonés realizadas al platino-paladio con cámara de gran formato.

© Takeshi Shikama
© Takeshi Shikama




Biografía

Takeshi Shikama nació y se crió en Japón. Se pasó a la fotografía en 2002 después de una carrera en el campo del diseño. Para realizar este determinante cambio de trayectoria, fue necesario que se encontrara en una situación insospechada. Cansado del tumulto de Tokio, decidió instalarse con su esposa en una casita de madera construida por él mismo en las proximidades de un bosque situado a unas dos horas al noreste de la megalópolis. Talar árboles le impresionó profundamente y le permitió comprender una ancestral creencia japonesa: durante siglos se veneró a los árboles como divinidades que contenían el corazón y el alma de los humanos.
 
Desde entonces Shikama ha consagrado la mayor parte de su vida a fotografiar los bosques, donde transporta e instala su pesada cámara de gran formato, dejándose guiar por los murmullos de un mundo fuera del mundo, lo que él denomina “respiración silenciosa”.
 
Si durante mucho tiempo su país de origen fue su territorio predilecto, posteriormente Shikama optó por ampliar su campo de investigación y dirigir su mirada no solo a los parques naturales del oeste americano, ya se tratara de Yosemite o los de la costa del Pacífico, sino también a la isla de Skye, en la costa escocesa, o a sus “bosques urbanos”, como el Central Park en Nueva York o el Jardín de Luxemburgo, en pleno corazón de París. También ha fotografiado los bosques gallegos.
 
Expuso por primera vez en su país en 2004. En 2007 publicó la colección de fotografías Mori no Hida  - La respiración silenciosa de los bosques y, al año siguiente, creó la nueva serie Utsuroi – Evanescence, que consta de cuatro partes: Bosque, Campo, Lotus y Jardín. En 2009, añadió la quinta parte, Paisaje. Creando esta serie comenzó a trabajar con el papel tradicional japonés, el Gampi, que se fabrica de manera artesanal y que él mismo imprime con emulsión de platino con el fin de dotar de cuerpo los matices y detalles más sutiles registrados en la película.
 
Estas características hacen que el resultado final se acerque a la pintura. Sus imágenes, impregnadas de la tradición pictórica de Extremo Oriente, están llenas de serenidad e invitan a la contemplación e incluso a la meditación, al mismo tiempo que hace referencia constante a la historia de la fotografía paisajística europea y norteamericana. El propio artista ha mencionado la influencia de los fotógrafos pioneros del siglo XIX, desde Carleton Watkins hasta Eadweard Muybridge, de Roger Fenton a Charles Nègre o Eugène Atget.
 
En 2013, recibió el primer premio Schlarship Jon Schueler y fue un artista en residencia en Sabhal Mòr Ostaig, el Centro Nacional para el Idioma, Cultura y las Artes Gaélicas en la Isla de Skye en Escocia. Ha expuesto en museos como el Museo de Artes Fotográficas de San Diego, Johannes Larsen Museet de Kerteminde, Dinamarca, en el Museo de Arte Contemporáneo de A Coruña y en el MAC de Gas Natural Fenosa, en Barcelona.
 
Su obra está incluida en las colecciones permanentes de la Bibliothèque Nationale de France (París), Museum of Photographic Arts de San Diego,  Museet for Fotokunst Brandts (Odense, Dinamarca), The Museum of Fine Arts en Houston, Santa Barbara Museum of Fine Art, Davison Art Center en la Wesleyan University, Portland Art Museum y en el San Francisco Museum of Modern Art.



Referencias




Libros

  • 森の襞 - Silent Respiration of Forests.

sábado, 13 de diciembre de 2014

Jimmy Nelsson

Jimmy Nelsson es un reportero gráfico y fotógrafo británico (nacido en 1967 en Sevenoaks, Kent, vive en Ámsterdam e Ibiza) que realiza fotografía de publicidad y editorial, y conocido por sus retratos de los pueblos indígenas y tribales.


© Jimmy Nelsson
© Jimmy Nelsson



Biografía

Jimmy Nelson pasó su infancia en África, Asia y América del Sur hasta que con 8 años fue enviado al Stonyhurst College, un colegio jesuita en Lancashire, porque sus padres tenían que trabajar en el extranjero. Con 16 años tuvo una reacción de estrés y se le cayó todo el pelo.
Con 19 años recorrió alrededor de un año a pie el Tíbet con una pequeña cámara. A su regreso comenzó a trabajar como fotoperiodista profesional y fue encargado para cubrir una variedad de temas, desde la participación rusa en Afganistán y la lucha entre la India y Pakistán por Cachemira hasta el comienzo de la guerra en la antigua Yugoslavia.
En 1992 Nelson fue encargado por Shell Oil para producir el libro Literary portraits of China y viajó por el país durante 36 meses junto con su esposa holandesa Ashkaine Hora Adema, que escribió el texto y se convirtió en su socio. Las imágenes se exhibieron en el Palacio del Pueblo en la Plaza de Tiananmen, Pekín, y después en una gira mundial.
A partir de 1997 comenzó a trabajar en publicidad comercial. Y en 2009 comenzó a trabajar en su proyecto más grande hasta la fecha, Before they pass away. Viajó durante 3 años  fotografiando más de 35 tribus indígenas (entre ellas las tribus Huli y Kalam de Nueva Guinea, la Tsaatan de Mongolia y el pueblo Mursi del valle del río Omo, en el sur de Etiopía) de todo el mundo por Europa, Asia, África, América del Sur y el Pacífico Sur, utilizando una cámara 4x5” de 50 años de antigüedad.
Este proyecto estaba inspirado por Edward Sheriff Curtis y sus grandes fotografías de los nativos americanos y estaba financiado por fondos prestados por el multimillonario holandés Marcel Boekhoorn.
Este proyecto Before they pass away / Antes de que desaparezcan ha tenido cierta controversia, siendo criticado porque sus bellas imágenes icónicas pueden representar tópicos no muy reales y pasan por alto la violencia a la que muchas de las tribus representadas están siendo sometidas para robar de forma ilegal sus tierras y recursos. 


Referencias



Libros