martes, 30 de septiembre de 2014

Esko Männikö

Esko Männikö es un fotógrafo finlandés (nacido en 1959 en Pudasjärvi, vive y trabaja en Oulu) en cuya fotografía muestra interés en los eventos, detalles y belleza de la vida cotidiana. Con el tiempo sus imágenes han variado hacia lo simbólico, pero su interés por lo cotidiano y lo marginal aún permanece.

 

 

© Esko Männikö

© Esko Männikö

 

 

 

Biografía

Esko Männikkö consiguió fama internacional ya en una etapa temprana de su carrera. Su interés en la fotografía comenzó en sus primeros viajes de caza. La caza de presas pronto se convirtió en una búsqueda de imágenes. Su primer gran éxito llegó en 1995 cuando fue elegido para ser el Artista Joven del Año.

En su exposición premiada presentó la memorable serie The Female pike que mostraba la vida y la soledad de los solteros del norte de Finlandia.

La forma de trabajar de Männikkö es en series y fotografía personas, lugares y estilos de vida con gran respeto, creando un ambiente íntimo y único para sus fotos. Sus fotos suelen estar enmarcadas en marcos de madera, montados por el propio autor.

Muchas de sus obras pertenecen a colecciones internacionales o finlandesas. En 2008 fue galardonado con el premio Deutsche Börse Photography, por su retrospectiva Cocktails 1990 - 2007 en Millesgarden, Estocolmo.

Este año 2014 se ha realizado en Finlandia, en Helsinki Kunsthalle y organizada por The Finnish Art Society su retrospectiva Time flies.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Naarashauki, The Female Pike.

lunes, 29 de septiembre de 2014

Catherine Leutenegger

Catherine Leutenegger es una fotógrafa plástica suiza (nacida en Lausana en 1983) que investiga el medio fotográfico y su contexto de producción desde la década del 2000.

 

 

© Catherine Leutenegger

© Catherine Leutenegger

 

 

 

 

Biografía

Catherine Leutenegger estudió fotografía en la Uiversidad de Arte y Diseño / ECAL de Lausana, y rápidamente ha obtenido numerosos premios en 2006 y 2008, que le permitieron exponer individualmente en el Museo del Élysée, publicar el  libro monográfico titulado Hors-champ (retratando los estudios de otros fotógrafos) y una residencia artística en Nueva York en 2007.

Durante esta estancia en Nueva York, Leutenegger se sumergió en la ciudad de Rochester City (llamada también Ciudad Kodak) al norte del estado de Nueva York, donde George Eastman, un pionero en la industria fotográfica, fundó la empresa Kodak, realizando un ensayo que se ha publicado en el libro Kodak City.

También ha tocado otros temas en sus trabajos personales, como Founex Motel (un restaurante motel de carretera abandonado) y Welcome Home Baby (donde retrata a bebés hechos con polímeros, con distintas ropas y accesorios dentro de cajas).

Su obra se ha presentado y publicado internacionalmente en Galerie Aperture (Aperture Foundation), The New York Photo Festival, Galleria Carla Sozzani, Journées photographiques de Bienne, EXIT Magazine, L’Insensé Magazine, British Journal of Photography, Photo District News, Le Temps, Swissinfo.ch y en la NZZ.

Sus trabajos forman parte de varias colecciones públicas y privadas, incluyendo el Museo de l'Elysée, el BCV, Maus Frères Holding y Raymond Weil.

El próximo 3 de octubre firmará su reciente libro Kodak City en el vestíbulo del museo International Center of Photography.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 28 de septiembre de 2014

Jean-Luc Moulène

Jean-Luc Moulène es un artista francés (nacido en 1955 en Reims, vive y trabaja en París) que utiliza la fotografía como una herramienta para el estudio de los fenómenos naturales y culturales, ya sean redefinidos por el desarrollo de la industria, los medios de comunicación o el comercio.

 

 

JeanLucMoulene

© Jean-Luc Moulène

 

 

Biografía

Jean-Luc Moulène estudió Estética y Ciencias del Arte en la Universidad de la Sorbona en París. Trabajó una decena de años como consejero artístico para el grupo Thomson. En 1989 decidió consagrarse principalmente a sus actividades creativas, compaginándolas con la enseñanza. Diez años más tarde se consagró exclusivamente a su actividad artística, que comenzó con performances, para pasarse más tarde a la fotografía y el dibujo.

Su práctica ha incluido también a menudo objetos manufacturados (esculturas que se han creado a partir de originales diseñados en 2D), dibujos y grabados, con un permanente interés en la cultura antropológica y materiales del pasado.

La relación continua entre la imagen y el objeto en el centro de la práctica de Moulène. Sus obras también revelan el uso de las matemáticas y de la geometría en el origen de la formulación de sus obras. Considera que la fotografía está entre las bellas artes y los medios de comunicación.

Su obra son principalmente objetos como sus series Objets de Grève (2000), Produits de Palestine (2004), etc., con la excepción de Les Filles d’Amsterdam (2005) donde examina la identidad en el trabajo y al mismo tiempo tiene el objetivo de combinar los géneros históricamente separados del retrato y la pornografía. Moulène fotografía a prostitutas con sus nombres artísticos en poses que dan énfasis igual y unificado a la cara y los genitales.

Participó en Documenta X (1997), Bienal de Sao Paulo (2002), Bienal de Venecia (2003), Bienal de Taipei (2004) y más recientemente en la Primera Bienal Internacional de la Imagen, Luang Prabang, Laos (2007) y en la Bienal de Sharjah (2010).

Ha realizado exposiciones individuales de su obra en el Centre d'Art Contemporain de Ginebra (2003), Centro de Arte Contemporáneo de Kitakyushu (2004), Musée du Louvre, París (2005), Culturgest, Lisboa (2007) y Carré d'art-Musée d'art contemporain en Nimes (2009) y en numerosas exposiciones colectivas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 27 de septiembre de 2014

Walter Niedermayr

Walter Niedermayr es un fotógrafo italiano (nacido el 27 de febrero de 1952 en Bolzano, donde vive y trabaja) conocido principalmente por sus fotografías en las que investiga el espacio como una realidad ocupada y conformada por las personas, cuestionando los reinos efímeros que conviven entre la realidad y la imaginación.

 

 

© Walter Niedermayr

© Walter Niedermayr

 

 

Biografía

Walter Niedermayr comenzó a principios de 1980 a enfocar su atención en el paisaje alpino, observando y documentando las consecuencias del avance del turismo de masas y de la industrialización sobre el medio ambiente alpino.

Al mismo tiempo, investigaba la acción de la propia mirada fotográfica, y específicamente sus límites,  mediante la creación de imágenes compuestas. Sus obras son polípticos en el que los márgenes entre las fotografías adyacentes incluyen porciones superpuestas o se repiten. A pesar de sus proporciones monumentales, sus obras pasan por un proceso de reducción tanto en el color como en la forma. La subexposición y desaturación de las superficies fotográficas dan a los elementos esenciales una luz cuando normalmente se ocultarían en la oscuridad. En torno a estos elementos, se crea un luminoso vacío enigmático, que cada espectador puede llenar de acuerdo a sus propias observaciones.

Esto se puede ver en sus series Alpine Landschaften (comenzada en 1987), Raumfolgen (comenzada en 1991), Rohbauten (comenzada en 1997), Artefakte (en 1992), Bildraum (desde 2001) que se centra en la arquitectura de una manera que destaca el espacio abierto y el ambiente que le rodea. Entre 2005 y 2008 trabajó en la serie Irán. Su serie Aspen es un trabajo realizado en distintas localizaciones por todo el mundo.

Desde 2011 Niedermayr es profesor de fotografía artística en la Facultad de Diseño y Arte de la Universidad Libre de Bolzano.

En 2010 participó en la Exposición Internacional de Arquitectura de la 12 ª Bienal de Venecia y en 2008 en MANIFESTA7 así como en exposiciones en el Museo de Arte Mori en Tokio, Louisiana Museum, Humlebæk y Kunsthalle Schirn en Frankfurt.

En 2003 se realizó una gran retrospectiva de su obra, que itineró por diversos museos: Museum der bildenden Künste de Leipzig, Kunsthalle de Viena, Kunstverein de Hannover, Württembergischer Kunstverein de Stuttgart y Museion - Museum für Moderne Kunst und Zeitgenössische de Bolzano.

Ha realizado numerosas exposiciones individuales entre las que se pueden citar DeSingel Int. Arts Centre de Amberes y Arc en Rêve Centre d'Arquitectura de Burdeos, junto con Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / SANAA Arquitectos Tokio (ambas en 2007).

 

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 26 de septiembre de 2014

Sohrab Hura

Sohrab Hura es un fotógrafo indio (nacido en un pequeño pueblo llamado Chinsurah en Bengala Occidental el 17 de octubre de 1981, vive y trabaja en Nueva Delhi) que, en sus trabajos, documenta la dimensión humana de los movimientos económicos, compaginando estos ensayos con otros más personales.

 

© Sohrab Hura

© Sohrab Hura

 

 

 

Biografía

Sohrab Hura se formó como economista en la Universidad de Delhi y de la Escuela de Economía de Delhi. Fotografía desde 2001 sin haber tenido un formación formal en este campo.

En su trabajo fotográfico Hura trata temas como el auge económico de la India y el efecto que esto tiene en la vida de las personas en las zonas rurales del continente, como en The Women’s Role in the Movement for the Right to Employment (2006), y ha concentrado sus esfuerzos en una pequeña región en el centro de la India llamada Pati,  pero también realiza  documentos más personales como su serie de dos capítulos Sweet Life (2005 a 2014). El primero es Life Is Elsewhere (2005 a 2011) y se centra en la relación con su madre, diagnosticada de esquizofrenia paranoide. El segundo  se llama Look, It’s Getting Sunny Outside!!! (2008 a 2014) cuando su salud mental ha comenzado a mejorar, y está terminado pero no publicado.

Actualmente está trabajando en The Song of Sparrows in a Hundred Days of Summer (2013 en adelante), con fotografías tomadas en un pequeño pueblo en el estado de Madhya Pradesh en la India central.

Actualmente es coordinador del taller de fotografía de niños Anjali House que tiene lugar durante el Angkor Photo Festival de Camboya cada año.

En 2014 se ha incorporado a la agencia Magnum Photos.

 

 

 

Referencias

jueves, 25 de septiembre de 2014

Brian Bress

Brian Bress es un artista estadounidense (nacido en 1975 en Norfolk, Virginia, vive y trabaja en Los Ángeles, California) célebre por sus video-creaciones, y que destaca también por sus collages, protagonizados por actores enmascarados (a veces él mismo) con composiciones de objetos surrealistas y absurdos, creados por él mismo.

 

 

© Brian Bress

© Brian Bress

 

 

 

 

Biografía

Brian Bress estudió Arte en la Rhode Island School of Design, y obtuvo su master en Bellas Artes en la Universidad de California de Los Ángeles.

Bress partió de una formación clásica en pintura, y evolucionó al vídeo-performance. Sus films encierran narraciones en circulo que redundan en lo absurdo, siendo surrealistas en composición y ritmo.

Brian Bress construye escenarios en su taller que ya de por si invitan a la performance. Se vale de sus allegados para que den vida a sus personajes: creaciones originales que Bress disfraza con sumo cuidado. Cada uno de los personajes nace de los accesorios y vestimentas caseras que el artista crea para ellos, y articula así un discurso original que nos aproxima a la pintura.

El artista enmarca y cuelga el vídeo como si de una pintura se tratase. Su planteamiento es radicalmente moderno al presentarlo como una consecuencia inmediata de la pintura y utilizarlo como mero soporte de sus composiciones, que ejecuta con total precisión técnica y meticulosidad.

Respecto al collage sus figuras enmascaradas y disfrazadas, casi siempre sin rostro, pueblan paisajes surrealistas, en collage y pintadas, con fondos que hacen referencia a las pinturas de Lichenstein o de Matisse.

Entre sus exposiciones individuales destaca Interventions, en el Santa Barbara Museum of Art. En los último años, Bress ha expuesto su trabajo en importantes instituciones como The New Museum en Nueva York, Museum of Contemporary Art  en North Miami, Institute of Contemporary Art  en Philadelphia, Arthouse en Austin, Parrish Art Museum en South Hampton, University of South Florida Contemporary Art Museum en Tampa y Utah Museum of Contemporary Art en Salt Lake City. Su vídeo Under Cover (2007) formó parte de la exposición California Video en el Getty Museum de Los Ángeles en 2008.

Revistas especializadas como The New York Times, Los Angeles Times, Artforum, Art in America, Art Review y Frieze han publicado artículos y reseñas sobre el artista.

 

 

 

Referencias

miércoles, 24 de septiembre de 2014

Manuel García Quintana

Manuel García Quintana es un fotógrafo andaluz (nacido en Huelva, donde vive) autodidacta y polivalente, que toca diversos campos, incluidos los experimentales, adaptando las distintas técnicas a lo que trata de expresar o contar.

 

 

© Manuel García Quintana

© Manuel García Quintana

Siempre fotografío para mí, al margen de modas mas o menos pasajeras.

 

 

 

Biografía

Manuel García Quintana lleva haciendo fotos desde los 14, de forma autodidacta. Su primera cámara fue una Winar de bakelita, allá por los años 60.

Su primera época como fotógrafo independiente se centró en el reportaje y cubrió manifestaciones y follones varios en pro de la solicitud de estatuto de autonomía para Andalucía. Hizo algunas cosas con la naciente agencia Cover Press que por los años 70 fundó Jordi Socias. Dentro del reportaje estuvo un mes en Madagascar haciendo un reportaje in situ (Fianarantsoa, Tulear, Tambomandrebo) para la ONG La casa del agua de Coco.

Dejó el reportaje para centrarse en el retrato y en un tipo de foto más intimista, que conectara más con él al tiempo que buscaba que el espectador llegara a sus emociones mas íntimas, y descubrió que éste era verdaderamente su terreno, en el que se sentía más cómodo y suelto.

Hasta el año 2000 aproximadamente trabajó con película y se pasó al digital como tantos, sintiéndose más libre pero dejando cosas por el camino … También ha realizado y expuesto  fotografía con dispositivos móviles.

Su fotografía actual trabaja con la frase "Si no te gusta la realidad, invéntala" de Pete Turner.

Ha sido socio fundador del Festival de Fotografía Latitudes 21 (al que ya no pertenece) y dentro del marco de este festival ha comisariado alguna exposición. Ha expuesto repetidamente en Huelva sus distintas series, y más recientemente en Zagreb y en el LA MOBILE ARTS FESTIVAL 2012 en San Diego.

En la actualidad prepara una exposición sobre Venecia y un libro sobre el mismo tema, así como un libro de artista de edición limitada.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros y publicaciones

  • 1993 - Interiors
  • 2000 - Dreams of Stone
  • 2001 - Particular Cuba - Notes from a photographer in the Habana
  • 2007 - Letters of Love and Desire
  • 2011 - Dreamscapes (The Birds can fly so high)
  • 2012 - The secret erotic life of a Salesman´s Cloud.