lunes, 16 de julio de 2018

Maggie Steber

Maggie Steber es una fotógrafa estadounidense (nacida en Austin, Texas, vive en Miami, Florida) que ha documentado temas diversos, centrándose en historias humanitarias, culturales y sociales, que van desde el comercio de esclavos a la ciencia de la memoria.

Broken Heart Pump © Maggie Steber

Broken Heart Pump © Maggie Steber

Para mí, lo más profundo de la fotografía es que es un lenguaje universal que habla a todos: sin fronteras, sin barreras, sin restricciones.

Biografía

Maggie Steber nació y se crio en Texas, pero ha vivido y trabajado en todo el mundo, visitando 64 países a lo largo de su carrera, centrada en historias humanitarias, culturales y sociales. En sus inicios trabajó como reportera y fotógrafa para Galveston Daily News y como editora de imágenes para The Associated Press en Nueva York. Después trabajó como fotógrafo en plantilla por la revista Newsweek y también como directora de fotografía en The Miami Herald, donde supervisó diversos proyectos que ganaron un Pulitzer y fueron 2 veces finalistas.

Durante más de tres décadas, Steber ha trabajado en Haití y estos trabajos le han proporcionado dos becas importantes: la Ernst Haas y la de la Fundación Alicia Patterson para Journalistic Exploration of a Subject) y culminaron en 1991 en la publicación de un libro, Dancing on Fire: Photographs From Haiti. Steber también ganó el World Press Foundation Award en 1987, la Leica Medal of Excellence, un Overseas Press Club, Pictures of the Year y la Medalla de Honor por Distinguidos Servicios al Periodismo de la University of Missouri.

Su trabajo está incluido en la Library of Congress, The Richter Library, Fundación Guggenheim y en colecciones privadas. Ha expuesto internacionalmente, como por ejemplo en el Visa pour l'Image y en el Festival de fotografía de Pingyao en China.

Sus fotos han aparecido en revistas de todo el mundo, como Life, The New Yorker, Smithsonian, People, Newsweek, Time, Sports Illustrated, The Times, The New York Times Magazine, AARP, The Guardian y Geo Magazine, entre otras. En National Geographic ha publicado artículos sobre Miami, la trata de esclavos africanos, la Nación Cherokee, cartas de soldados y Dubái. y una historia sobre la ciencia de la memoria que mostraba una barra lateral conmovedora sobre la madre de Steber, Madje, y su lucha contra la demencia.

En 2013, fue nombrada como una de las once Women of Vision por la revista National Geographic Magazine, publicando un libro y recorriendo una exposición en cinco ciudades de los Estados Unidos. Ha estado de jurado en numerosos concursos de fotografía, incluidos los de la National Photographers Association (NPPA), el World Press Award, Pulitzer Prize, Alexia Grant y Alicia Patterson Grant.

Steber imparte talleres en todo el mundo, como las World Press Joop Swart Master Classes, International Center for Photography, Foundry Workshops y en el Obscura Photo Festival. Es miembro de Facing Change Documenting America, un grupo de fotógrafos que cubren importantes temas sociales estadounidenses, y recientemente se ha unido a VII Photo.

Referencias

Libros

  • Dancing on Fire: Photographs from Haiti, 1991.

domingo, 15 de julio de 2018

Ignasi Marroyo

Ignasi Marroyo fue un fotógrafo catalán (nacido en Madrid el 22 de mayo de 1928, fallecido el 30 de junio de 2017 en Rubí, Barcelona) que produjo a lo largo de cincuenta años un importante fondo fotográfico, enmarcado dentro de la Nueva Vanguardia Catalana, movimiento imprescindible para entender y conocer la fotografía catalana de las décadas de los 50 y 60.

© Ignasi Marroyo

© Ignasi Marroyo / ANC

Biografía

Marià-Ignasi Marroyo i Rodríguez nació en Madrid, pero en 1928 su familia se trasladó a Barcelona, donde vivió hasta la década de los 70 cuando se estableció en Rubí.

A finales de la década de 1940 se inició como aficionado a la fotografía, después de que sus padres le regalaran una cámara Univex Unica. Años más tarde una cámara Baldinette de paso universal le permitió hacer fotografías de mayor calidad. En la década de 1950 presentó fotografías en varios salones y concursos, consiguiendo algunos premios, pero será con su ingreso en la Agrupació Fotogràfica de Catalunya cuando toma empuje su afición por la imagen fotográfica.

En 1960 participó en la creación del grupo El Mussol, dentro de la Agrupació Fotogràfica de Catalunya y junto a fotógrafos como Joan Colom. Este colectivo tuvo el soporte de Josep Maria Casademont, dinamizador cultural y promotor de la Sala Aixelá, espacio artístico barcelonés clave de aquella etapa. Durante esta época realizó varias exposiciones colectivas con este grupo. También fue colaborador en el Correo Catalán y operador de cine documental con el director Joan Francesc de Lasa.

En 1966 fundó en Rubí el grupo fotográfico El Gra. Sus primeros reportajes son de temáticas varias, predominando el realismo social con una mirada crítica.Destacan sus reportajes sobre Semana Santa, el barrio de chabolas del Somorrostro y las corridas de toros. En 1963 comenzó a dedicarse profesionalmente a la fotografía industrial, pero hasta 1972 su dedicación no fue exclusiva, y su sueldo principal provenía de su trabajo en una factoría de relojes para automóvil. Más adelante realizó trabajos en formato digital y de carácter documental relacionados con Rubí.

También trabajó como profesor de la Escuela de Medios Audiovisuales (EMAV) del Ayuntamiento de Barcelona, al mismo tiempo que como reportero gráfico de la Federación Catalana de Baloncesto. Se retiró profesionalmente en 1993.

La Generalitat de Catalunya le otorgó la Creu de Sant Jordi en 2014, año en el que también fue invitado por Gervasio Sánchez y Sandra Balsells al XIV Seminario de Fotografía y Periodismo de Albarracín (Teruel), con su ponencia Ignasi Marroyo, recuerdos de un fotógrafo, confidencias con mi hija Pilar.

Posee obra en las colecciones del Museu Nacional d’Art de Catalunya, Foto Colectania (Barcelona), … y el Arxiu Nacional de Catalunya conserva su fondo fotográfico integrado por unos 73.000 ejemplares (en sus diferentes soportes y formatos), de los que unas 60.000 obras corresponden a su fondo personal y más creativo, y el resto corresponden a su producción como fotógrafo industrial.

Referencias

Libros

  • Las masías de Rubí y su gente, 1984.
  • Iglesia de San Pedro de Rubí, 1987.
  • Imágenes de Rubí, de villa a ciudad, 1994.
  • Rubinenses Del Siglo XX, (El Gra) 2000.
  • 4 Misceláneas de Rubí, (El Gra) 2005.
  • Motius de Rubi, (El Gra) 2008.
  • Barracas, ciudad informal, (varios) 2008.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

sábado, 14 de julio de 2018

Miguel Goicoechea

Miguel Goicoechea fue un fotógrafo navarro (nacido en 1894 en Alsasua, fallecido en Pamplona en 1983) destacado del tardopictorialismo español, que se dedicó a investigar los diversos procedimientos fotográficos existentes en su época: gomas bicromatadas, bromóleos, transportes de tintas grasas, plombaginas, fressones, …

MiguelGoicoechea

El cuento, 1925 © Miguel Goicoechea

Biografía

Miguel Goicoechea de Jorge procedía de una familia de buena posición económica, y su interés por la fotografía se inició hacia 1917, mientras realizaba estudios en Burdeos (Francia), donde dio sus primeros pasos con una cámara estereoscópica. y a la de paisajes con cámara panorámica

En 1919 empezó a usar los procesos pigmentarios, y hasta la Guerra Civil realizó la mayor parte de su producción con estos procedimientos.  Junto a Pla Janini y Ortiz Echagüe, con los que mantuvo estrecha relación, consiguió un dominio de los procedimientos pigmentarios no superado fuera de España, especialmente en el uso del bromóleo, el carbón y el carbón-Fresson. También realizó gomas bicromatadas y plombaginas y fue el mayor experto internacional en tintas grasas transportadas.

En su casa de Pamplona instaló un estudio de uso personal y allí, sin interés comercial alguno, invitó a fotografiarse a muchos pamploneses de a pie y personalidades de la región, como el padre Shurhammer, biógrafo de San Francisco Javier, políticos navarros y escritores.

Su única exposición personal tuvo lugar en el Foto Club de Valencia (1930), aunque su participación en los salones fotográficos españoles fue sistemática hasta el estallido de la Guerra Civil. En 1927 obtuvo una Medalla de Oro en el Salón Español de Fotografía de Barcelona. También participó en el parisino Salón Internacional d’Art Photographique de 1927 a 1936, así como en las ferias de Milán y Londres.

Sus imágenes fueron publicadas en diversas revistas especializadas, tales como Photo-Revue, El Progreso Fotográfico, Sombras, etc. Publicó regularmente en El Progreso Fotográfico, Art de la Llum y en Foto.

A partir de 1935 experimentó un cierto abandono de las viejas técnicas a la par que un interés creciente por una fotografía más directa, menos manipulada, en sus numerosos retratos de mendigos, tipos populares y escenas de la vida cotidiana, con una clara vocación documentalista. Mantuvo igualmente amistad con los fotógrafos navarros Nicolás Ardanaz, Pedro María Irurzun y Jalón Ángel, entre otros.

Después de la Guerra Civil tuvo que iniciar nuevas opciones para mantenerse activo, influido por el contacto con una nueva generación de fotógrafos, trabajando en su estudio, básicamente en retratos y composiciones con objetos y naturalezas muertas, y trabajando ya con papeles industriales a la gelatina de plata de revelado químico, aunque volvería a las técnicas las gomas y las tintas grasas transportadas de 1950 hasta 1960.

Se mantuvo activo hasta el final de sus días en 1983. En 1994, la Agrupación Fotográfica y Cinematográfica de Navarra le dedicó en Pamplona la exposición Miguel Goicoechea: un pictorialista marginal. Su archivo se encuentra en las colecciones Fernando Goñi Goicoechea de Bilbao y Mikel Esparza San Juan de Pamplona, y está compuesto por innumerables negativos, aún sin catalogar, y muchos centenares de copias pigmentarias: gomas, transportes, carbones, etc. y de plata.


Referencias 

Libros

  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Miguel Goicoechea: un pictorialista marginal (1994) de Carlos Cánovas.
  • Todos son buenos según para quién, 1928.

viernes, 13 de julio de 2018

Elena Shumilova

Elena Shumilova es una fotógrafa rusa (vive y trabaja en el campo en la región de Tver, Rusia) especializada en fotografía familiar y de niños.

ElenaShumilova

© Elena Shumilova

Biografía

Elena Shumilova es artista internacionalmente publicada y conocida en todo el mundo por las fotografías de sus hijos y animales como conejos, perros, gatos y patos que viven en su granja de la Rusia rural. Estudió arquitecta, pero el éxito le ha permitido estar completamente dedicada a su pasión que es la fotografía. Pasó 6 meses aprendiendo fotografía con la réflex digital de sus padres haciendo fotos todos los días, analizando lo que le gustaba y lo que no.   

Desde 2012 sus fotos han aparecido en docenas de publicaciones en todo el mundo, incluidas Digital SLR Magazine, Practical Photography Magazine, Digital Photo Magazine, SLR Lounge, Daily Mail, ABC News, Bored Panda, Petapixel, Mother Nature Network y My Modern Met. Sus fotos y videos también han sido utilizados por las campañas publicitarias de Vodafone y Petcurean, portadas de libros y postales en el Reino Unido, Alemania y Estados Unidos.

La calidad de sus fotografías realizadas exclusivamente con luz natural son impresionantes y cuanto más simple sea la configuración y la ropa, más fácil será capturar momentos genuinos. Utiliza su Canon 5D mark II con lente 135mm f/2L USM para sus tomas exteriores y  un 50mm f/1.2L USM para las de interiores. Confiesa que dispara todos los días y procesa las imágenes por la noche.

Viaja por todo el mundo por sus nuevos proyectos y por los talleres que imparte.

                 

Referencias

jueves, 12 de julio de 2018

Mauro Bersanker

Mauro Bersanker es un fotógrafo argentino (nacido en Posadas, Misiones, vive en Buenos Aires) cuyas imágenes suelen ahondar en los diversos comportamientos humanos, ya sea utilizando comparaciones como método descriptivo o profundizando en sus costumbres y tradiciones. Su obra se caracteriza en gran parte por la presencia de máscaras o juguetes de plástico.

© Mauro Bersanker

© Mauro Bersanker

Las máscaras en definitiva tienen que ver con eso: la libertad y la frustraciones, con el tener que asumir ciertos roles en la vida cotidiana: trajes incómodos que uno no quiere usar, sonrisas falsas y en todas estas celebraciones y esas máscaras que transportan a otros mundos de libertad, otras épocas, bailes. Uno puede ser por minutos un asesino, la muerta, un luchador y a la vez son celebraciones de la vida, donde nadie va con su camisa, nadie tiene que mentir, nadie tiene que ser falso.

Biografía

Mauro Bersanker tuvo un gran interés por la fotografía ya desde pequeño, atraído por las imágenes del National Geographic. Se trasladó desde Posadas hasta la ciudad de Buenos Aires para comenzar sus estudios fotográficos, formándose en diversas instituciones como el Centro Cultural Rojas, Centro Cultural Lola Mora y Nuevo Foto Club Argentino.

Sus imágenes suelen ahondar en los diversos comportamientos humanos, ya sea utilizando comparaciones como método descriptivo o profundizando en sus costumbres y tradiciones. Su obra se caracteriza en gran parte por la presencia de máscaras.

Las máscaras, los trajes y lo velado como punto de partida, como terreno de introspección y exploración de la autenticidad en búsqueda de la libertad. Esa es la génesis de sus obras.

Ha participado en diversas exposiciones, de forma individual y colectiva. Así, algunas de sus obras pudieron verse en Exceso, en el espacio Malvón de Buenos Aires y en el espacio Cavallero de Juan Cavallero. Su muestra NUEVA YORK - LA HABANA. Hermanos del contraste fue seleccionada para ser presentada en la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires. Fotografías suyas fueron seleccionadas para formar parte del catálogo Transversalidades– Fotografia sem Fronteiras 2016 y Fotografia sem Fronteiras 2017. La galería Glamart presentó algunas de sus obras en Buenos Aires Photo 2015, en el Centro Cultural Recoleta.

En 2016 junto a destacados artistas formó parte de 9 en Praga con otros jóvenes artistas plásticos argentinos en la Latin Art Gallery de Praga, que posteriormente se expuso en Tabor, República Checa, y luego en Holanda en 2017.  Expuso también Dos miradas en Kenton Palace junto al fotógrafo Julián Pesce,  Art Nouveau en el Centro Cultural Borges en Buenos Aires, La construcción del grito en el marco de la exposición Bart Nouveau, y Polifonías del arte  junto con obras de Yuyo Noe, Benito Laren y otros en el Centro Comercial de Nordelta por la galería Marifé Marcó.

Referencias

miércoles, 11 de julio de 2018

Natasha Gudermane

Natasha Gudermane es una fotógrafa letona (nacida en 1980 en Riga, vive en París) cuyas imágenes ilustran pensamientos, sentimientos y observaciones de una mujer joven que intenta encontrar su lugar en este mundo.

Romy © Natasha Gudermane

Romy © Natasha Gudermane

Siendo una extranjera en París y sintiéndome ligeramente desarraigada, traté de acercarme a las cosas y a las personas a mi alrededor estudiándolas y entendiéndolas, es decir, fotografiándolas. Así empecé a hacer retratos de mujeres parisinas, con las que inicialmente me sentía un poco distante y que me parecieron bastante diferentes a mí y también diferentes de lo que había pensado que serían. Mi deseo era explorar qué se esconde detrás de su comportamiento público y cómo son realmente cuando están en su propia intimidad. Me encanta desnudar a la gente frente a mi cámara porque creo que les devuelve a la idea de quiénes son. Al no tener nada tapando sus cuerpos, mis modelos parecen envolverse en sus almas. Es este momento mágico el que estoy tratando de capturar en mi lente.

Biografía

Natasha Gudermane nació y creció en Riga, Letonia. Allí se graduó en la facultad de lenguas modernas y más tarde hizo un master en arte. En ese momento, la fotografía entró en su vida cambiando todo su mundo y llevándole a trasladarse a París, donde vive y trabaja actualmente.

Sus obras son un viaje por el mundo, desde París hasta Nueva York, pasando por Bogotá, sin olvidar Riga, su tierra natal. Artista consumada, Gudermane es reconocida por la crítica fotográfica internacional por su fotografía contemporánea, de moda, bodas y por sus talleres fotográficos.

Durante estos últimos años, ha colaborado con diversas revistas en todo el mundo y ha participado en exposiciones en Riga, San Petersburgo, Ámsterdam, París, Praga, Pekín, Nueva York, Milán y otras ciudades. Teniendo una gran inspiración en la literatura y la poesía, Natasha utiliza la fotografía como lenguaje pictórico, llamando a sus fotos “Cartas a la gente que quiero”.

Para su proyecto más reconocido, Mademoiselles, una serie de retratos íntimos de mujeres jóvenes de París, ha utilizado una cámara analógica Mamiya 6×7. Para este proyecto ha fotografiado a sus amigas, así como a desconocidas encontradas en la calle, en desnudos realizados en sus propias casas, en su propio entorno íntimo. Sus fotos no afirman nada, sino que cuestionan la identidad de una parisina moderna, su forma de vivir, su relación con su cuerpo, su desnudez, su apariencia.

Referencias

martes, 10 de julio de 2018

Simon Hoegsberg

Simon Hoegsberg es un fotógrafo danés (nacido en Aarhus en 1976, vive en Copenhague) que intenta trasmitir una visión franca de la vida cotidiana de los transeúntes, fotografiando a gran cantidad de ellos para intentar establecer conexiones que nos expliquen un poco el mundo en el que vivimos: las grandes ciudades.

© Simon Hoegsberg

© Simon Hoegsberg

Biografía

Simon Hoegsberg nació y se crio en Aarhus. Se trasladó a Londres para estudiar fotografía en el London Institute.  Su primer proyecto, que llevo el titulo de Private & Public, consistió en realizar durante un año fotografías a miles de peatones que pasaban por delante de su cámara, en un mismo lugar. Este proyecto, como otros que ha realizado muestra su deseo obstinado de conocer y comprender la vida tal como él la experimentaba.

En 2001 volvió a Dinamarca y comenzó su carrera profesional como fotógrafo freelance. Ha realizado también aventureros viajes que documentaba fotográficamente.

En 2007 fue a Berlín para intentar escribir una novela. Y aunque le gustaba la trama y sus primeras 12 páginas, sus piernas no le permitían encerrarse en un apartamento en una ciudad nueva y por explorar. Así que agarró su cámara y un 400 mm. y llegó al puente del ferrocarril en Warschauer Strasse donde descubrió que no había ido a Berlín para escribir sino para fotografiar. Tras 20 días en el mismo lugar 178 sujetos desprevenidos conforman los 100 metros de la fotografía All Gonna Die, 100 meters of existence (Todos vamos a morir)

Su proyecto más reciente es The Grocery Store Project, donde intenta conectar en una red (como la de un mapa de metro) 2067 imágenes de gente, seleccionadas de las 97.000 que realizó para dicho proyecto en la entrada de un supermercado durante 18 meses, y en las que con la ayuda de una simple aplicación de reconocimiento facial intenta encontrar a una misma persona en varias fotografías.

Referencias