sábado, 25 de octubre de 2014

Olivier Richon

Olivier Richon es un fotógrafo suizo (nacido en 1956 en Lausanne, vive en Londres) cuya obra es principalmente conocida por composiciones de naturalezas muertas que incluyen cortinas de tela.

 

 

© Olivier Richon

© Olivier Richon

Biografía

Olivier Richon estudió en el Polytechnic of Central London. En la actualidad es profesor de fotografía en la Escuela de Bellas Artes en el Royal College of Art.

Su obra se centra principalmente en bodegones (aunque en algunos aparezcan animales vivos su composición sigue siendo de naturalezas muertas)  con una clara inspiración pictórica, aunque algunos destilen humor y surrealismo. También, crea representaciones alegóricas de animales, utilizando las convenciones del retrato, la iluminación del claroscuro y una comprensión de la perspectiva que rivaliza con pintores de bodegón como Jean-Baptiste-Siméon Chardin. Inmersa en la conciencia de la historia del arte, su obra revela las capas, matices y significados ocultos que se esconden bajo los medios propios de la fotografía.

En 1991 obtuvo el premio Camera Austria por su fotografía contemporánea. Su obra ha sido expuesta internacionalmente desde 1980 y se encuentra en numerosas colecciones públicas, incluyendo las del Victoria & Albert Museum de Londres, Musée d'art moderne de la Ville de París, Museo Folkwang de Essen, el Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto, Brooklyn Museum en Nueva York y National Gallery of New South Wales, Australia.

En la actualidad, ha publicado un libro con Karen Knorr, con fotografías de los punks londinenses de 1977. Ambos autores llegaron a Londres en 1976, se encontraron en la Polytechnic of Central London (ahora Universidad de Westminster) y se fascinaron con el punk, una de las subculturas florecientes de la ciudad en aquella época. Expuestas en la Photographers 'Gallery en 1978, estas fotografías se han publicado en 2014 en el libro Punks.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 24 de octubre de 2014

Heinz Kluetmeier

Heinz Kluetmeier es un fotógrafo deportivo estadounidense de origen alemán (nacido en 1943 en Berlín) que ha cubierto todos los Juegos Olímpicos menos uno para la revista para la revista Sports Illustrated desde los juegos de 1972 en Múnich, y tiene más de 125 portadas de la revista.

 

© Heinz Kluetmeier

© Heinz Kluetmeier

 

Lo que hay que recordar acerca de los deportes es que las más de las veces, la reacción emocional de ganar o perder es una imagen mucho más significativa que el touchdown que se anotó. Es la reacción emocional que todos pueden relacionar en su propia vida. Porque en definitiva, eso es lo que trata la vida.

 

 

 

Biografía

Heinz Kluetmeier nació en Berlín, Alemania, y creció en Bremen, y en 1952, con nueve años, se trasladó con su familia a Milwaukee, Wisconsin. Estudió en la Custer High School en Milwaukee, donde fue un nadador del equipo universitario y capitán del equipo de tenis. Con 15 años, Kluetmeier ya trabajaba como fotógrafo independiente para The Associated Press, y cubrió los Green Bay Packers y la campaña presidencial de 1960. Fotografió a Vince Lombardi, Paul Hornung, John F. Kennedey y Richard Nixon.

Asistió a la Universidad de Dartmouth como estudiante de ingeniería ante la insistencia de su padre, que nunca creyó que la fotografía se convertiría en una carrera. Kluetmeier realizó fotografías de atletismo y eventos del campus de Dartmouth y para la oficina de la AP en Boston. Después de graduarse en 1965, trabajó durante dos años con Inland Steel, y luego un año y medio en The Milwaukee Journal. En 1969, entró en Time, Inc. como fotógrafo para Life y Sports Illustrated.

Kluetmeier cubrió los primeros Juegos Olímpicos de la revista Sports Illustrated en los juegos de 1972 en Múnich, y fue dos veces director de esta revista. Su trabajo, a parte de numerosas portadas, contribuyó a crear nuevas técnicas y aparatos para mejorar las fotos deportivas, como la cámara remota cerca de la línea de meta en los Juegos Olímpicos de Moscú en 1980, que le permitió capturar a Sebastian Coe ganando los 1.500 metros.

También en 1992, se convirtió en el primer fotógrafo en colocar una cámara bajo el agua para capturar eventos de natación. Dieciséis años más tarde, en los Juegos de Pekín 2008, una fotografía de Kluetmeier con cámara submarina decidió el ganador de la segunda final de la carrera de 100 metros mariposa.

Entre otros premios por su trabajo, obtuvo el Lucie Award en 2007 por sus sobresalientes logros en la fotografía de deporte.

 

 

 

Referencias

jueves, 23 de octubre de 2014

Paul Seawright

Paul Seawright es un artista y fotógrafo norirlandés (nacido en 1965 en Belfast, Irlanda del Norte, donde vive y trabaja) conocido por sus series iniciales sobre su ciudad natal, sobre todo por  Sectarian Murder de 1988.

 

© Paul Seawright

© Paul Seawright

 

 

 

Biografía

Paul Seawright realizó en su juventud trabajos sobre su ciudad natal, en particular la serie de Sectarian Murder, donde fotografió los lugares de asesinatos alrededor de Belfast, vinculando las imágenes con los informes de los periódicos de la época . Mediante la eliminación de la referencia a la religión de la víctima, despolitizó la violencia, centrándose en las extensas pérdidas civiles (los 2 tercios de las muertes de esa época). También fue el primer director de la sede en Belfast de la revista de fotografía Source.

Posteriormente, ha fotografiado el Afganistán de la posguerra y el África urbana (Invisible Cities). En 2002, viajó a Afganistán, después de haber sido encargado por el Museo Imperial de la Guerra de Londres, para responder a la atentados del 11 de septiembre y la posterior guerra contra los talibanes.

Sus fotografías de campos de minas y campos de batalla han sido exhibidas internacionalmente y se encuentran en numerosas colecciones como The Irish Museum of Modern Art, Tate, San Francisco Museum of Modern Art, International Centre of Photography de Nueva York, Arts Councils of Ireland, England and N.Ireland, UK Government Collection y el Museo de Arte Contemporáneo de Roma.

En 2003 representó a Gales en la Bienal de Venecia de Arte y en 1997 ganó el Irish Museum of Modern Art/Glen Dimplex Prize. Está representado por la Kerlin Gallery Dublin. En 2005, el Fotomuseum de Amberes mostró una importante exposición retrospectiva de su obra con el acompañamiento del catálogo Field Notes.

Paul Seawright es profesor de fotografía en la Universidad del Ulster, y anteriormente fue Decano del Newport School of Art, Medios de Comunicación y Diseño de la Universidad de Gales. Es miembro del Arts Council of Northern Ireland y vicepresidente de la Royal Ulster Academy of Arts.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 22 de octubre de 2014

António Júlio Duarte

António Júlio Duarte es un fotógrafo portugués (nacido en Lisboa en 1965, donde vive y trabaja) que trata principalmente temas orientales cuestionando las diferencias y semejanzas entre oriente y occidente.

 

© António Júlio Duarte

© António Júlio Duarte

 

 

Biografía

António Júlio Duarte estudió fotografía en ArCo (Centro de arte y comunicación audiovisual) una de las escuelas capitales para entender la importancia de la generación de fotógrafos portugueses que se dio a conocer a principios de los años noventa. Comparte con este grupo una sólida formación, completada en Royal College of Art de Londres (gracias a una beca Gulbenkian), inquietud por los movimientos artísticos internacionales y la vocación por desarrollar una carrera creativa en la fotografía.

Colaboró con el seminario Expresso entre 1989 y 1992 y consiguió el prestigioso premio Kodak Portugal en 1990, participando en la exposición colectiva European Kodak Award en Les Rencontres d'Arles. Desde entonces, su trabajo fotográfico ha sido mostrado en exposiciones individuales y colectivas en Portugal y en el extranjero en lugares como Centro Português de Fotografia (CPF) de Oporto,  Museum fur Photographie, Braunschweig, Alemania y Tokyo Photographic Center, Japón, entre otros. Su obra está representada en diversas colecciones públicas y privadas.

Ha participado en multitud de proyectos fotográficos en Portugal, tanto en los festivales de Braga y Coimbra, como en encargos: Still para el Museo das Comunicaçoes, Macao, junto a Paulo Nozolino en Culturgest y, a su vez, ha continuado con series personales como Oriente Occidente/East West o Peepshow.

Como ejemplo de su trabajo, podemos citar su reciente serie (y libro) White Noise, para la cual Duarte ha estado fotografiando vestíbulos de casinos de Macao durante los últimos 10 años. Fotografiados de noche, con una cámara de formato medio y un flash, a menudo en modo desfasado, los vestíbulos se convirtieron en el territorio personal de Duarte. El lujo absurdo de los lugares junto con la extrañeza de los objetos, y la ausencia de la presencia humana, crea una fuerte sensación de ensueño.

En Japan Drugs nos transporta, completa y visceralmente, a un mundo desorientador que se siente a la vez cerca de casa y maravillosamente desconocido, en  un ejemplo de la potencia de su fotografía de calle.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros y catálogos

  • Deviation of the Sun
  • Japan Drug
  • White Noise, 2011
  • Voluntariado, 2011
  • Machines, 2008
  • Jesus nevers fail, 2008
  • Antonio Julio Duarte, 2006
  • Agosto, 2003
  • Peepshow, 1999.
  • East West – Oriente Ocidente, 1995.

martes, 21 de octubre de 2014

Atín Aya

Atín Aya fue un fotógrafo andaluz (nacido en Sevilla en 1955 y fallecido el 16 de septiembre de 2007 también en Sevilla) cuya cámara retrató nobles y bandidos, trabajadores y ociosos, artistas y artesanos, renombrados y anónimos, tópicos y tipismos, sombras y luces. En muchos casos con una profundidad conmovedora y un sentido de la composición que parece mirarse en la naturalidad de orden superior de los exquisitos de la pintura.

 

Concepción Martín Domínguez, Linares de la Sierra, Huelva. Mayo 2000 © Atín Aya

Concepción Martín Domínguez, Linares de la Sierra, Huelva. Mayo 2000 © Atín Aya

 

No puedo fotografiar más allá de la luz.

 

 

Biografía

Atín Aya se licenció en Psicología por la Universidad de Granada, después de cursar estudios de Ciencias Sociales en la Universidad de Navarra. En 1981 comenzó a estudiar fotografía en el Photocentro de Madrid y a trabajar en los archivos y laboratorios de la agencia Cover. Tuvo por mentor al cofundador de la agencia, Jordi Socias. Volvió a Sevilla en 1982, donde trabajó como reportero gráfico y retratista hasta ir abandonando el fotoperiodismo para dedicarse de lleno a su obra personal.

Como los fotógrafos de su generación, Atín Aya es heredero de todas y cada una de las formas y filosofías de apuntar con una cámara. De su experiencia como reportero gráfico para periódicos y revistas adquirió el instinto para la caza, el merodeo, el sentido de la oportunidad, la virtud de sacar partido a cualquier motivo obligado por ser noticia.

Cuando abandonó el fotoperiodismo para dedicarse a trabajos más elaborados y personales, a encargos más ambiciosos, Atín demostró ser capaz también de armar con paciencia sus fotografías, en las que cada ingrediente de la composición está cuidadosamente dispuesto, por muy marginal que sea su importancia. Combinando espacios, objetos y perspectivas, a la manera de un pintor. Su mirada captaba juegos callejeros, equilibrios de sombras, paisajes y, sobre todo, gentes, formas de vida: personas y personajes que aparecen en sus negativos posando con extrema naturalidad, relajados, incluso distraídos, dignos, entregados al objetivo. Individuos y grupos que parecen haberse pasado toda la vida delante de una cámara.

Trabajó para Abc de Sevilla, Diario 16 Andalucía, Cambio 16 y Panorama, entre otros medios, y fue parte del equipo de fotógrafos de la Sociedad Estatal para la Exposición Universal de 1992. Destacan las exposiciones de su obra celebradas en la Soho Photo Gallery de Nueva York, la Diputación Provincial de Sevilla y el Conde Duque de Madrid, esta última en el marco de PHotoEspaña 2000. En 1990 recibió el Primer Premio FotoPres en el apartado de Cultura y Espectáculos. Su obra figura en las colecciones permanentes de museos e instituciones como la Comunidad de Madrid, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) o la Fundación Foto Colectania (Barcelona).

La última entrega de fotografías del autor se reunió en su libro póstumo de título Paisanos, publicado en 2010. A este grupo de fotografías había precedido  la serie Sevillanos, terminada en 2001 y fruto de los retratos tomados durante 20 años a los vecinos de la capital andaluza, y su proyecto más reconocido, Marismas del Guadalquivir (1991-96), premiado con la Beca FotoPres. En él reflejaba las condiciones adversas de la vida diaria de los marismeños y cuya fotografía ha servido de inspiración en 2014 a la película La isla mínima.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 20 de octubre de 2014

Pierre Verger

Pierre Verger fue un fotógrafo, etnólogo, antropólogo e investigador francés (nacido en París el 4 de noviembre de 1902 y fallecido el 11 de febrero de 1996 en Salvador de Bahía, Brasil, ciudad en la que vivió gran parte de su vida) que elaboró una obra fotográfica de gran importancia, basada en la vida cotidiana y en la cultura popular en los cinco continentes. Además, escribió varios textos de referencia sobre la cultura afro-bahiana y la Diáspora, centrando su trabajo de investigador en el estudio de los aspectos religiosos del candomblé, asunto que se llegó a ser su principal foco de interés.
 


© Pierre Verger
© Pierre Verger





La sensación de que había un vasto mundo era constante y el deseo de ir a verlo me llevaba hacia otros horizontes.
El Candomblé es muy interesante para mí como la religión de la exaltación de la personalidad. Puedes ser realmente cómo eres,y  no la sociedad quiere que seas. Para las personas que quieren expresarse a través de su inconsciente, el trance es una posibilidad que tiene el inconsciente para mostrarse.





Biografía

Pierre Edouard Léopold Verger nació en París y, hasta los 30 años tuvo una vida normal para una persona de buenas condiciones financieras, aunque no estaba de acuerdo con los valores compartidos por la gente de su clase social. El año 1932 fue decisivo en su vida, pues aprendió un oficio -la fotografía- y descubrió una de sus pasiones: los viajes. Tras desarrollar las técnicas básicas de la fotografía con su amigo Pierre Boucher, logró comprar su primera cámara Rolleiflex y, después de la muerte de su madre, no dudó en convertirse en un viajero solitario. Su madre era su único pariente vivo y él nunca quiso hacerle daño con una vida errante e inconformista
 
Desde diciembre de 1932 hasta agosto de 1946 realizó casi 14 años consecutivos de viajes alrededor del mundo (Tahití, EEUU, Japón, China, Italia, España, India, México, Argentina, Perú, Bolivia, muchos otros países hasta casi 70 y finalmente Brasil) sobreviviendo únicamente de la fotografía. Verger negociaba sus fotos en periódicos como Paris-Soir, Daily Mirror (con el pseudónimo de M. Lensman), Life y Paris Match, agencias y centros de investigación. Fotografió para empresas e incluso llegó a cambiar sus servicios por transporte.
 
París se convirtió en su base, un lugar donde se reencontraba con los amigos -surrealistas vinculados a Prévert y antropólogos del Museo Trocadero - y hacía contactos para nuevos viajes. Trabajó para las mejores publicaciones de la época, pero como nunca anheló la fama, siempre estuvo de partida.
 
Las cosas empezaron a cambiar el día en que llegó a Bahía, Brasil. En 1946, mientras Europa experimentaba la post-guerra, en Salvador de Bahía todo estaba tranquilo. Pronto fue seducido por la hospitalidad y la riqueza cultural que encontró en la ciudad brasileña y decidió quedarse. Como lo hizo en todos los lugares donde había estado, prefirió la compañía de la gente común del pueblo y los lugares más sencillos. Los negros monopolizaban la ciudad y también la atención de Verger. Además de personajes de sus fotos, los negros rápidamente se convirtieron en sus amigos, cuyas vidas trató de conocer en detalle. Cuando descubrió el Candomblé, creyó que había encontrado la fuente de la vitalidad del pueblo de Bahía y se convirtió en un estudioso de la adoración de los Orishas (las deidades del Candomblé). Este interés por la religión de origen africano le valió una beca para estudiar sus rituales en áfrica, continente para donde fue en 1948.
 
Fue en África que experimentó su renacimiento y recibió un nuevo nombre en 1953: Fatumbi, "nacido de nuevo gracias a Ifá". La intimidad con la religión, que había comenzado en Bahía, le facilitó el contacto con sacerdotes y autoridades y, finalmente, fue iniciado como babalawo, para poder hacer adivinaciones a través del juego de ifá y tener acceso a las tradiciones orales de los yoruba.
 
Además de la iniciación religiosa, en este momento Verger comenzó un nuevo oficio de investigador. El Instituto Francés de la África Negra (IFAN) no se quedó satisfecho con los dos mil negativos que presentó como resultado de su investigación fotográfica y le pidió que escribiera sobre lo que había visto. A regañadientes Verger cumplió lo solicitado y, después, el universo de la investigación le encantó y no paró nunca más en sus estudios.
 
Verger nunca dejó de ser un nómada aunque encontrara su camino. La historia, las costumbres y sobre todo la religión practicada por el pueblo yoruba y sus descendientes en áfrica Occidental y en Bahía se convirtieron en los temas centrales de su investigación y de su obra. Vivió como un mensajero entre estos dos lugares al llevar informaciones, mensajes, objetos y regalos entre los dos mundos. Como colaborador y profesor visitante en varias universidades, logró reunir sus investigaciones en artículos, comunicaciones y libros. En 1960 compró una casa en el barrio de Vila América en Salvador de Bahía. Al final de los años 70 dejó de fotografiar e hizo sus últimos viajes de investigación a áfrica.
 
En sus últimos años de vida, la principal preocupación de Verger fue divulgar su investigación a la mayor cantidad de gente posible y asegurar la supervivencia de su acervo. En los años 80, la Editora Corrupio se hizo cargo de las primeras publicaciones en Brasil. En 1988, él creó la Fundación Pierre Verger (FPV), de la cual fue el donante, el mantenedor y el presidente. Así transformó su casa en un centro de investigación.




Referencias


 



Libros

domingo, 19 de octubre de 2014

Germaine Krull

Germaine Krull fue una activista política, dueña de un hotel y fotógrafa alemana (nacida el 20 de noviembre de 1897 en el distrito de Wilda, Poznań, entonces Imperio Alemán, ahora Polonia, y fallecida el 31 de julio 1985 en Wetzlar, Hesse, Alemania). Descrita como "ejemplo especialmente abierto" de un grupo de fotógrafas de principios del siglo XX que "podrían llevar una vida libre de convenciones", es mayormente conocida por sus libros ilustrados fotográficamente, como su portafolio Métal.

 

© Germaine Krull

© Germaine Krull

 

 

(¿Que porqué hago desnudos?) porque siembre son bellos y una mañana de verano eso me gustó.

 

 

 

Biografía

Germaine Luise Krull nació en la frontera entre Alemania y Polonia en Prusia Oriental, en una familia acomodada alemana. En sus primeros años, la familia se trasladó por Europa con frecuencia y ella no recibió una educación formal, estudiando en casa. Su padre, un ingeniero consumado y libre pensador la vestía de niño cuando era joven. También las opiniones de su padre sobre la justicia social la predispusieron a la participación en la política radical.

A partir de 1915 asistió a la Lehr-und Versuchsanstalt für Photographie, una escuela de fotografía de Múnich. Hacia 1918 abrió un estudio en Múnich donde hizo retratos de Kurt Eisner y otros, y donde trabó amistad con personas prominentes como Rainer Maria Rilke, Friedrich Pollock y Max Horkheimer.

Krull fue políticamente activa entre 1918 y 1921. En 1919 se pasó del Partido Socialista Independiente de Baviera al Partido Comunista de Alemania. En su vida bohemia conoció al anarquista ruso Towia Axelrod, con quien se casó en 1919. El asesinato de Kurt Eisner, secretario del Partido Independiente Democrático Social de Alemania (USPD), generó una feroz represión. Arrestada y condenada a muerte, Krull escapó en in extremis a su ejecución y huyó a Berlín. Luego  viajó a Rusia con su amante Samuel Levit. Después Levit la abandonó en 1921, y fue encarcelada por anti bolchevique y expulsada de Rusia.

Se juntó con el cineasta Joris Ivens con quien se trasladó a Holanda. Experimentó fotografía arquitectónica y colaboró con las revistas i-10 y Filmliga.

En 1925, dejó todo para instalarse en París. Su enfoque objetivo en fotografía, su fascinación por la máquina y su desviación poética y gráfica, la arquitectura de metal y la industria, y la modernidad de sus temas le valió los apodos de Valkiria de hierroValkiria de la película.

La Nouvelle Revue française publicó entonces una pequeña monografía en una serie titulada Photographes nouveaux. Influenciado por László Moholy-Nagy, frecuentó a los surrealistas y se encontró con Eli Lotar y Florence Henri. Después trabajó en la nueva revista francesa VU. En 1928 era considerada uno de los mejores fotógrafos en París junto con André Kertész y Man Ray.

En 1940, con la caída de Francia ante los alemanes, Germaine se escapó a los Estados Unidos, y luego se viajó a Brazzaville, Congo, donde dirigió el departamento de propaganda de la Francia Libre. Tras su paso por Argel, acompañó al 6º Grupo de Ejércitos durante el desembarco aliado en Provenza en agosto de 1944, y al 1º Ejército Francés hasta el final de la guerra. Sus fotografías aparecen en el libro La batalla de Alsacia, con textos de Roger Vailland.

En 1946, estuvo en Indochina como corresponsal de guerra. Recorrió el sureste asiático realizando más de 2.000 fotos sobre arte budista. También llevó a cabo investigaciones sobre la fotografía en color. Llamaba a sus logros Silpagrammes.

Después de vivir en la India en un ashram, regresó a Alemania en 1955. En 1967, André Malraux, entonces ministro de Cultura y amigo de toda la vida, le dedicó una exposición en el Palais de Chaillot, en París.

Ciudadana del mundo, vivió en Alemania, Rusia, Estados Unidos, Francia, Congo, India y Tailandia.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

  • Métal, 1927
  • 100 x Paris, 1929
  • Le Valois, 1930
  • Études de nus, 1930
  • La Route-Paris-Biarritz, 1930
  • La Folle d'Itteville, texto de Georges Simenon, 1931
  • La Route-Paris-Méditerranée
  • La Bataille d'Alsace, texto de Roger Vailland
  • Bangkok. Siam City of Angels, texto de Dorothea Melchers,  1964
  • Tales from Siam, texto de Dorothea Melchers, 1966.