sábado, 18 de agosto de 2018

Masumi Hayashi

Masumi Hayashi fue una fotógrafa y artista estadounidense de origen japonés (nacida el 3 de septiembre de 1945 en Rivers, Arizona, fallecida el 17 de agosto de 2006 en Cleveland, Ohio) que creó collages fotográficos panorámicos con fotografías ensambladas sobre temas como campos de internamiento de la Segunda Guerra Mundial de estadounidenses de ascendencia japonesa, paisajes postindustriales, prisiones abandonadas, obras en la ciudad y arquitecturas sagradas.

© Masumi Hayashi

© Masumi Hayashi

Biografía

Masumi Hayashi nació en el campamento de reubicación del río Gila en Arizona en 1945, un campo de internamiento de personas de origen japonés en EEUU durante la II Guerra Mundial estudió en UCLA y en la UEF, donde obtuvo  su master en Bellas Artes en 1977. Su principal obra son los collages fotográficos panorámicos artísticos realizados cada uno con unas 100 fotografías realizadas desde un trípode con una vista de más o menos de 360 ​​grados.

De las más de 200 piezas que creó en este formato, el tema principal generalmente encaja en la siguiente serie: campos de internamiento de la II Guerra Mundial de estadounidenses de ascendencia japonesa, un tema como hemos visto muy personal, paisajes postindustriales,  prisiones abandonadas, lugares militares, ciudades en obras y arquitecturas sagradas. Su trabajo es una profunda meditación sobre la discriminación racial, la guerra y violencia, la explotación del hombre de la naturaleza y su búsqueda de espiritualidad y paz como budista practicante.

La serie American Concentration Camps enfoca el internamiento en EEUU y también en Canadá de estadounidenses de ascendencia japonesa durante la II Guerra Mundial, de 1942 a 1945, incluyendo entrevistas a internos de los campos.
Otras series presentan sus collages panorámicos de sitios postindustriales en el Medio Oeste (1986-1991), EPA. Superfund Sites (1989-1993), prisiones abandonadas (1987-1996), CityWorks (1987-1994).

Obtuvo diversos galardones, como el Cleveland Arts Prize, 3 premios Ohio Arts Council, una beca Fulbright, premios  del National Endowment for the Arts, Arts Midwest y Florida Arts Council, así como la beca Civil Liberties Educational Fund en 1997. Sus fotografías han sido publicadas en revistas como DoubleTake, Aperture , See y Mother Jones.

Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas como las del  International Center of Photography de Nueva York, Tokyo Metropolitan Museum of Photography, Los Angeles County Museum of Art, Cleveland Museum of Art, George Eastman House en Rochester, Nueva York, Columbus Museum of Art, el Victoria and Albert Museum en Londres y el Ludwig Forum for International Art en  Coblenza, Alemania.

En 2004, lanzó Masumimuseum.com, que ahora es un archivo on-line de su trabajo. La Dra. Masumi Hayashi enseñó arte en la Cleveland State University, en Cleveland, Ohio, durante 24 años.

Masumi falleció asesinada por un vecino en 2006. En 2007 el Akron Art Museum, la Cleveland State University Art Gallery y el Museum of Contemporary Art Cleveland montaron grandes exhibiciones para homenajear su trabajo. En 2015 The Galleries de la Cleveland State University presentó una retrospectiva de su obra con el título Place and Vision: El legado artístico de Masumi Hayashi.




Referencias

Libros

viernes, 17 de agosto de 2018

Gonzalo Bénard

Gonzalo Bénard es un artista portugués (nacido en 1969 en Portugal, vive en París) que ha trabajado y se ha expresado desde muy joven en varios medios: pintura, dibujo, fotografía y escritura, todos ellos con un significado especial para él, pero la fotografía y la pintura son su principal forma de expresar su existencia en los últimos años: lo que le rodea, o lo que siente por la sociedad. Con profundas raíces en el chamanismo y las viejas religiones, rompe las principales reglas de la sociedad moderna, recordándole los orígenes de la vida.

Double Smoke © Gonzalo Bénard

Double Smoke © Gonzalo Bénard

Biografía

Gonzalo Bénard pasó las vacaciones de verano de niño y adolescente junto a un campo inmenso en el que solía correr libre, la mayoría de las veces desnudo, a veces con el cuerpo pintado y jugando a los indios con la presencia de su hermano ya muerto. También solían recolectar pedazos de madera y esculpirlos creando rituales de vida y ritos de la muerte en ceremoniales en la naturaleza, al aire libre, actuando como lobos, aves, árboles  y viento, sintiendo los elementos: Tierra, Fuego, Agua, Aire.

Siempre ha trabajado y se ha expresado en varios medios: desde la pintura hasta el dibujo, pasando por la escritura. Cuando estos media ya no le satisfacían como creador, la fotografía llegó inesperadamente a su vida, permitiéndole jugar con luz y sentimientos, culturas y personas, sin distraer colores, fondos o ropa. A menudo usándose a él mismo como parte al frente y detrás de la cámara, Gonzalo puede crear e involucrarse en los rituales y las culturas de la vida: como unidad, como naturaleza, como la luz misma, es un creador de retratos humanos.

Su cuerpo de trabajo trata sobre asuntos de vida o muerte, sobre la conciencia, la espiritualidad, la sociología, la antropología, la filosofía y la psicología. Investiga acerca de rituales y ritos de varias culturas: viejas y nuevas.

Bénard trabajó como coordinador editorial en el Centro Cultural de Belém y fue invitado por el ministro de cultura a la Bienal de Venecia de 2001. Ha mezclado sus estudios y trabajos en Europa Occidental con estancias de 3 años en Tibet y en Yolmo, en el Himalaya, con monjes tibetanos en una escuela monástica de artes, danza y filosofía, y en Sahara Occidental, donde vivió y aprendió con maestros espirituales, filosóficos y chamánicos.

Estaba viviendo en Barcelona en 2008 estudiando fotografía, justo en el centro de la ciudad, en un edificio muy parecido a cualquier otro, rodeado de concreto y de gente concreta, con ventanas que permitían ver más cemento, cuando estuvo 3 días en coma y la falta de oxígeno en su cerebro le hizo perder su memoria cronológica. Pero ​​nunca ha trabajado para recuperarla ya que no cree que sea necesaria para vivir, pues el tiempo simplemente no existe, sólo hay un momento importante llamado vida.

Como artista, ya ha pasado de su exposición número 50, ha publicados en revistas de arte y libros, como Eyemazing o Tames & Hudson y tiene su obra en colecciones en diversas colecciones de arte, públicas y privadas, como la Fundación Serralves en Oporto, y la colección de arte contemporáneo de Sir Elton John.

Como autor, principalmente escribe sobre el chamanismo, la meditación y la conciencia, como su libro On Consciousness - journeys, rituals and meditations que se centra principalmente en la curación natural y el chamanismo. También ha aparecido en varias películas y series de televisión de Hollywood, como recientemente Rogue, o Agent X de Sharon Stone, y es tutor de jóvenes con autismo de alto funcionamiento.

Referencias

    Libros

    jueves, 16 de agosto de 2018

    Sylvie Blum

    Sylvie Blum es una fotógrafa austriaca (nacida en 1967 en Taxenbach, Austria, vive en Los Angeles, EEUU) que realiza trabajos comerciales de moda y fotografía de desnudo artístico.

    © Sylvie Blum

    © Sylvie Blum

    Biografía

    Sylvie Blum nació en Austria, pero se crio en Alemania. Desde los 4 años supo que quería convertirse en artista, y mientras estaba en la escuela, comenzó a trabajar como modelo. Durante su carrera de 16 años en este campo viajó por todo el mundo: Asia, África, Australia, Medio Oriente, Europa, América del Sur y los Estados Unidos. En 1991 conoció al legendario artista y fotógrafo erótico Guenter Blum y se convirtió en su modelo y musa favorita, y en 1995 su esposa.

    Interesada en el arte, la moda, la arquitectura, el diseño, el arte pop, la música, la creación de películas y la fotografía se convirtieron en pasiones de por vida.

    Guenter fue su mentor y maestro, enseñándole iluminación, composición, técnicas de cuarto oscuro y de fotografía.
    También trabajó con otros fotógrafos internacionales conocidos como Helmut Newton, Jeanloup Sieff, Jan Saudek, Andreas Bitesnich y otros.

    Sylvie cuidó a Guenter en su enfermedad terminal hasta su muerte en 1997. Con el corazón roto y devastado por la pérdida, dejó el estudio que compartían y se mudó al edificio antiguo de una fábrica, que convirtió en estudio fotográfico y comenzó a trabajar en varios proyectos fotográficos, que le llevaron a publicar varios libros de arte y a ser conocida internacionalmente.

    En 2005 se casó por segunda vez en Las Vegas y se mudó a California, donde vive y trabaja en Los Ángeles en su estudio The White Box. En 2011, publicó su libro Naked Beauty que ha sido distribuido con gran éxito por todo el mundo. En 2012 su exposición del mismo nombre se inauguró junto con Herb Ritts en la Galería Fahey Klein de Los Ángeles. Esta galería  representa a Sylvie Blum.

    Referencias

    Libros

    miércoles, 15 de agosto de 2018

    Tadashi Onishi

    Tadashi Onishi es un fotógrafo japonés (nacido en Tokio en 1973) que fotografía las calles y el paisaje urbano abarrotado de vida social, buscando un terreno común entre la calle y la fotografía documental.

    © Tadashi Onishi

    © Tadashi Onishi

    Shinjuku es una ciudad donde pasan más de 3,4 millones de personas todos los días. Yo soy uno de ellos. Shinjuku es un lugar donde paso parte de mi vida personal y laboral. Fotografío esta ciudad todos los días como parte de mi vida. Este proyecto se centra en el vacío de la vida de Tokio, o el que surge cuando la fluctuación de mis sentimientos se mezcla con el olor de la vida en la ciudad.

    Biografía

    Tadashi Onishi realiza una fotografía callejera que combina con la fotografía documental, mostrando una descripción personal y un testimonio de la vida urbana y de la sociedad japonesa.

    En su trabajo Lost in Shinjuku muestra una capacidad visual muy expresiva, fuerte y profunda que está casi en contraste con su actitud amable, educada y tímida, típica de la cultura japonesa. Estas fotografías fueron tomadas en el camino al  trabajo, un camino que dura casi 5 horas al día, y en ellas, el uso de fuertes contrastes con el predominio del negro, a través de objetos, sujetos, sombras, símbolos y la falta de color, nos permite sentir la sensación de desesperación, opresión, ansiedad y perturbación del tokiota medio. Es un trabajo fuerte, lleno de sentimientos, emocionante, que no puede evitar reflexionar sobre la condición humana.

    Los hombres son para Tadashi como fantasmas en su otra serie Ghost in the Tokyo Shell, que relata una relación entre las personas y Tokio: viven en la ciudad y no saben si su existencia es real; de repente pueden desaparecer y mezclarse con la ciudad, trasmitiendo un sentido de vacío y pérdida de identidad que puede, en algunos aspectos, generalizarse a cualquier gran ciudad y a la condición humana.

    Es miembro del colectivo VoidTokyo.  Ha realizado exposiciones en solitario de su serie Zebra The City en la Konica Minolta Gallery y Nikon Salon Ginza en Tokio y Nikon Salon Osaka. Su libro Lost in Shinjuku y sus fotografías han obtenido diversos premios, como PX3 en París, MIFA en Rusia, Konika y FAPA en Japón, TPD en Italia por su libro, Photoplus en EEUU, …

    Referencias

      Libros

      • Exhibition catalogue - Transit station, 2018.
      • Lost in Shinjuku, 2017.
      • Exhibition catalogue - Zebra The City, 2016.

      jueves, 26 de julio de 2018

      El blog se toma unas merecidas vacaciones hasta el 15 de agosto

      A partir de hoy día 26 de julio de 2018, y hasta el 15 de agosto, este blog se tomará unas merecidas vacaciones sin publicar nuevos fotógrafos cada día.

      Espero volver con renovados esfuerzos a la dura tarea, y con algo más de alegría e ilusión ya que la Confederación Española de Fotografía (CEF) ha otorgado al blog Cada día un Fotógrafo el premio nacional al Mejor Medio de Difusión 2018.

      miércoles, 25 de julio de 2018

      Nico Chiapperini

      Nico Chiapperini es un fotógrafo italiano (nacido en 1978 en Novi Ligure, vive en Amersfoort, Holanda) que realiza fotografía callejera buscando imágenes impredecibles y surrealistas.

      © Nico Chiapperini

      © Nico Chiapperini

      Una foto puede ser un documento, un recuerdo, una impresión, pero creo firmemente que a veces podría ser incluso un poema, en el que la composición y la luz congelaran los sentimientos durante toda la eternidad. La fotografía es el lugar donde mi alma tiene ojos llenos de asombro y de misterio, donde mis pensamientos se ven reflejados en un caleidoscopio de recuerdos y visiones futuras: a menudo son preguntas, a veces respuestas, pero siempre son emociones.

      Biografía

      Nico Chiapperini tuvo su primer contacto con la fotografía cuando tenía ocho años y se llevó la cámara de su padre a un viaje escolar e hizo varias fotos de falsos dinosaurios en un Parque Jurásico para niños, pero su padre le dijo que podría haber comprado bonitas postales en lugar de malgastar el dinero en película y copias en papel. Como era un niño sensible, esta experiencia fotográfica fue fuerte, agradable pero muy breve, y le llevó a no tocar una cámara fotográfica en mucho tiempo.

      En 2004 se licenció en Ingeniería Aeroespacial y algunos amigos le obsequiaron una cámara digital compacta, con lo que comenzó a hacer fotos de nuevo y a llevar su cámara a todas partes, esta vez sin la preocupación de tener un presupuesto limitado debido al coste de la película.

      Su formación, principalmente autodidacta, se enriqueció con la asistencia a tres talleres. La primera con David Alan Harvey, gracias a la cual se concretó uno de sus proyectos más queridos, Moments in Between. El segundo con Stefano Pensotti, una persona que le enseñó mucho, y el último con Richard Kalvar, fotógrafo Magnum de gran experiencia y modestia, una fuente de nuevas ideas y confirmaciones importantes.

      Para él la fotografía de calle es un escenario en el que las personas no son conscientes de que son actores que recrean comedias o dramas. Le fascina descubrir sus conexiones accidentales y sus relaciones con los lugares donde están de pie o en movimiento. Hay infinitas configuraciones y posibilidades, hay muchos momentos especiales que esperan ser preservados del olvido y cuando los ve y los captura siente una gran alegría y satisfacción. Ha desarrollado un interés particular por las imágenes impredecibles y surrealistas, porque era (y sigue siendo) una buena forma de disfrutar de la realidad que le rodea, pero también una gran ayuda para escapar de los horribles recuerdos de su pasado.

      En los últimos años, su interés por la fotografía callejera ha crecido aún más debido a algunos proyectos personales y a algunos encargos. En 2011 tuvo su primera exposición individual en la Galería ABC Treehut en Den Haag, Holanda, participando posteriormente en numerosas exposiciones colectivas en Europa y Estados Unidos. Sus fotos han sido publicadas en diversas revistas y sitios web.

        

      Referencias

      martes, 24 de julio de 2018

      Elinor Carucci

      Elinor Carucci es una fotógrafa israelí (nacida el 11 de junio de 1971 en Jerusalén, vive en Nueva York) que realiza trabajos editoriales, de publicidad y personales en los que fotografía los detalles a menudo pasados por alto de la vida cotidiana en expresiones convincentes de emoción e intimidad.

      © Elinor Carucci

      © Elinor Carucci

      Biografía

      Elinor Carucci comenzó a experimentar con la fotografía cuando tenía 15 años y se graduó en 1995 de la Bezalel Academy of Arts and Design con una licenciatura en fotografía, y se mudó a Nueva York ese mismo año. 

      Al principio fotografiaba a su madre, padre y hermano, y luego al resto de la familia.  Eran fotos en blanco y negro posando. Su segunda etapa fue filmar en color y sin posado, con improvisación.

      Durante diez años, Elinor fue una bailarina profesional de danza del vientre. Durante un período de tres años, trabajó en una serie de imágenes, mientras bailaba en los cinco condados de Nueva York y parte de Nueva Jersey. Como fugaces destellos, estas imágenes reflejan la forma en que realmente experimentó ese viaje y se publicaron en el libro Diary of a Dancer.

      En 2004, después de un feliz embarazo, fue madre con una cesárea de emergencia que le dejó herida, débil y dolorida. De vuelta a casa como madre de gemelos, la fotografía le ayudó a lidiar con todo esto, creando otra impactante serie, Mother, de su  proyecto de maternidad durante casi 10 años, que ha exhibido individualmente en la galería Edwynn Houk en Nueva York en 2014 y posteriormente en el MoCP de Chicago.

      En un período de tiempo relativamente corto, su trabajo ha sido incluido en una impresionante cantidad de exposiciones individuales como en la galería Edwynn Houk, Fifty One Fine Art Gallery, James Hyman y Gagosian Gallery de Londres , …,  y en grupo como en The Museum of Modern Art New York y The Photographers' Gallery en Londres.

      Sus fotografías están incluidas en las colecciones del The Museum of Modern Art New York, Brooklyn Museum of Art, Houston Museum of Fine Art, …, y su obra ha sido publicada en The New York Times Magazine, The New Yorker, Details, New York Magazine , W, Aperture, ARTnews y otras muchas publicaciones.

      Fue galardonada con el International Center of Photography Infinity Award para Jovenes Fotógrafos en 2001, The Guggenheim Fellowship en 2002 y NYFA en 2010.

      Carucci actualmente enseña en el programa de postgrado de fotografía de la School of Visual Arts y representada por  Edwynn Houk Gallery.

      Referencias

      Libros

      • Closer, 2002.
      • Diary of a Dancer, 2005.
      • Mother, 2013.