martes, 21 de agosto de 2018

Anne Geddes

Anne Geddes es una artista y fotógrafa australiana (nacida el 13 de septiembre de 1956 en Queensland, Australia, vive en Nueva York, EEUU) cuya obra capta la belleza, la pureza y la vulnerabilidad de los niños.

© Anne Geddes

© Anne Geddes

Biografía

Anne Geddes pasó su infancia en la granja de ganado de su familia en Queensland. Abandonó la escuela a los 17 años y se fue de casa. Más tarde, conoció y se casó con Kel, y se mudó a Hong Kong en 1983 por el trabajo de éste en televisión. Aprendió fotografía usando la cámara Pentax K1000 de 35 mm de su marido. Siempre había estado interesada en la fotografía, pero no había tenido ocasión de aprenderla en la escuela.

En 1988, después de mudarse a Auckland, Nueva Zelanda con su esposo Kel (quien lanzó la primera cadena de televisión comercial de Nueva Zelanda) Anne estableció su primer estudio profesional, especializado en retratos clásicos de niños y familias, continuando con este trabajo durante los primeros 10 años de su carrera. En 1992 publicó y vendió su primera colección de tarjetas de felicitación de Navidad y calendarios en Nueva Zelanda. Ambos se convirtieron en un éxito instantáneo. Con el calendario de 2018 lleva 27 años haciéndolos con gran éxito.

La habilidad de Anne es suministrar un contenido emocional a la imagen que permite que la gente se sienta atraída. Sus mundos imaginarios de bebes-abejas, mariposas, duendes, hadas, flores y otros curiosos elementos conquistan a gran parte de la población. Utiliza una imagen natural y sencilla, con una iluminación suave y muy agradable. No usa demasiado la postproducción de imagen, prefiere usar mucho atrezzo de distintos tamaños. Los protagonistas de sus imágenes suelen ser bebés de cuatro semanas a seis meses por comodidad, normalmente en sesiones cortas por la mañana, cuando están más descansados.

Sus imágenes se han materializado en tarjetas postales, sellos, muñecos, ropa infantil, calendarios, posters, libros, relojes, puzzles, ropa de cama, bolsas de regalo, aplicaciones informáticas e incluso tarjetas de crédito. Tiene un gran éxito comercial internacional: sus tarjetas de felicitación, diarios para bebés y calendarios se publican en más 50 países.

Con su marido creó su propio programa filantrópico llamado Geddes Philanthropic Trust, con el foco en la creación de conciencia sobre el abuso y las negligencias con los niños. Su programa filantrópico ha generado muchas oportunidades habiendo repartido más de 7M de dólares.

Su primer libro en 1996, Down in the Garden, un cuento de hadas contado a través de fotografías, fue uno de los best-sellers del New York Times. Desde entonces, sus libros se han publicado en 83 países y se han traducido a 23 idiomas distintos. Ha vendido más de 18 millones de libros y 13 millones de calendarios.

En 1997, Anne recibió una Beca Honoraria por parte del New Zealand Institute of Professional Photographers (NZIPP). En 2009, Professional Photographers of America (PPA) le  honraron con su prestigioso Lifetime Achievement Award. Sus libros en gran formato Until Now de 1998, Pure en 1999, Miracle en 2004, Beginnings en 2011, han obtenido diversos premios y han sido líderes en ventas.

Durante este tiempo, Anne tuvo el honor de ser nombrada Member of the New Zealand Order of Merit por sus servicios a la fotografía y la comunidad. Su fundación y ella han recibido diversos premios y honores por sus trabajos a favor de los niños. En 2017 Anne fue incluida en el International Photographic Hall of Fame

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Libros

lunes, 20 de agosto de 2018

Henry Wessel

Henry Wessel es un fotógrafo estadounidense (nacido el 28 de julio de 1942 en Teaneck, Nueva Jersey, vive en Point Richmond, California) conocido por sus fotografías descriptivas pero al mismo tiempo poéticas del entorno humano. Sus imágenes continúan creciendo y evolucionando y su obra se considera una importante contribución individual a la fotografía estadounidense del siglo XX.

© Henry Wessel

© Henry Wessel

Biografía

Henry Wessel Junior llegó a la fotografía casi accidentalmente durante sus años en la Pennsylvania State University, pero inmediatamente se enganchó después de descubrir por primera vez, con una Leica prestada, cómo se veía el mundo a través de la lente de la cámara. Comenzó a fotografiar seriamente en 1967, inspirado en el trabajo de Wright Morris, Robert Frank y Garry Winogrand, y en 1971 consiguió una beca Guggenheim para documentar el paisaje que flanquea el sistema de autopistas estadounidense, un terreno otrora natural profundamente transformado por la presencia humana.

En la década de los 70, Wessel se convirtió en parte de una generación de artistas (los New Topographics) que desafiaron y ampliaron las categorías de paisaje y fotografía documental, renunciando a las visiones tradicionales de la naturaleza prístina en favor de representaciones directas y personales del entorno construido. Durante cuatro décadas, ha observado y documentado la luz brillante, la arquitectura vernácula y el paisaje social del norte y el sur de California.

Su primera exposición individual fue comisariada por John Szarkowski en el Museum of Modern Art de Nueva York en 1972 y fue uno de los diez fotógrafos incluidos en la influyente exposición en grupo New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape en la George Eastman House en 1975.

Desde entonces, su trabajo ha sido exhibido con frecuencia y ampliamente, incluyendo exposiciones individuales en la Tate Modern de Londres, el Museum of Modern Art de Nueva York, Museum of Contemporary Art de Los Angeles y el San Francisco Museum of Modern Art.

Obtuvo dos becas Guggenheim y tres becas National Endowment for the Arts.

Sus fotografías están incluidas en las colecciones permanentes de los principales museos estadounidenses, europeos y asiáticos, como el Museum of Fine Arts de Boston y el de Houston, Whitney Museum of American Art y Museum of Modern Art en Nueva York, National Gallery of Art en Washington DC, National Gallery of Canada en Ottawa, Tate Modern y Victoria and Albert Museum en Londres, Tokyo Metropolitan Museum of Photography en Japón, …

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Libros

Publicaciones con contribuciones de Wessel:

domingo, 19 de agosto de 2018

Pedro Zarrabeitia Miñaur

Pedro Zarrabeitia Miñaur fue un fotógrafo y escritor vasco (nacido en 1939 en Bilbao, donde falleció el 3 de abril de 2018) cuya obra muestra su interés por el mundo etnográfico vasco.

© Pedro Zarrabeitia Miñaur
© Pedro Zarrabeitia Miñaur

Biografía

Pedro Zarrabeitia Miñaur fue doctor en Ingeniería Industrial, inició sus conocimientos fotográficos en 1969 en el Vizcaya Club de Cine-Foto de Bilbao, dentro del campo de la fotografía amateur. Fue conocido por su dedicación al color en el campo de la fotografía artística, con aproximación, muchas veces, a la etnografía, especializado en el tratamiento de las imágenes por medio de procedimientos químicos, plásticos y digitales.
 
En 1977 fundó con otros fotógrafos de Getxo la agrupación fotográfica Irudi Taldea, grupo dinamizador de la fotografía vasca en los años 80, siendo su presidente durante varios años.
 
En sus trabajos fotográficos ha perseguido siempre una estética vasca, ya sea en la elección de los temas, en el sentido del color o en el sentimiento. Esto le ha llevado necesariamente al encuentro de las estelas discoidales y a los lugares donde hoy en día todavía se pueden encontrar, es decir a Navarra y a los territorios de Iparralde, cuna y refugio de las más antiguas creencias y tradiciones del pueblo vasco.
 
Sus trabajos en el campo de la etnografía vasca dieron como resultado el libro Estelas discoidales de Euskal Herria, primer trabajo publicado sobre estos monumentos del arte popular vasco que incluye todos los territorios históricos del País Vasco, fruto de su investigación a través de más de 5.000 fotografías. Las estelas discoidales, aparte de su significado asociado a los ritos funerarios primitivos de simbología astral, son la crónica escrita en piedra de diferentes aspectos de la historia del pueblo vasco, a lo largo de más de 2000 años. Su belleza proviene de su misterio, de la armonía y equilibrio de sus grabados, de su juego de luces y sombras, de las variaciones, abstracciones y originalidad de sus símbolos.
 
Fue el primer fotógrafo en exponer en el Museo de Bellas Artes de Bilbao en 1980, del que posteriormente sería asesor, con su colección Estudios de color y, posteriormente, lo ha hecho en múltiples salas del País Vasco así como en las principales capitales de España. También ha expuesto en Montreal (Quebec) y Chicago, Denver y Reno (EEUU). En 2016 expuso su colección Made in Bilbao en esta ciudad vasca.
 
Ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales como Arteder'82 y el X Argizaiola. En 1984 participó en el Intercambio Cultural Quebec-Euskadi organizado por el Gobierno Vasco. Tiene obras en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo Histórico Vasco, Museo de San Telmo de San Sebastián, Photomuseum de Zarautz, Museo de Lugo, Museo de Reus, Sociedad Fotográfica de Guipúzcoa, Bilbao Bizkaia Kutxa, Ayuntamiento de Bilbao, Ayuntamiento de Getxo y colecciones particulares.

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Libros

sábado, 18 de agosto de 2018

Masumi Hayashi

Masumi Hayashi fue una fotógrafa y artista estadounidense de origen japonés (nacida el 3 de septiembre de 1945 en Rivers, Arizona, fallecida el 17 de agosto de 2006 en Cleveland, Ohio) que creó collages fotográficos panorámicos con fotografías ensambladas sobre temas como campos de internamiento de la Segunda Guerra Mundial de estadounidenses de ascendencia japonesa, paisajes postindustriales, prisiones abandonadas, obras en la ciudad y arquitecturas sagradas.

© Masumi Hayashi

© Masumi Hayashi

Biografía

Masumi Hayashi nació en el campamento de reubicación del río Gila en Arizona en 1945, un campo de internamiento de personas de origen japonés en EEUU durante la II Guerra Mundial estudió en UCLA y en la UEF, donde obtuvo  su master en Bellas Artes en 1977. Su principal obra son los collages fotográficos panorámicos artísticos realizados cada uno con unas 100 fotografías realizadas desde un trípode con una vista de más o menos de 360 ​​grados.

De las más de 200 piezas que creó en este formato, el tema principal generalmente encaja en la siguiente serie: campos de internamiento de la II Guerra Mundial de estadounidenses de ascendencia japonesa, un tema como hemos visto muy personal, paisajes postindustriales,  prisiones abandonadas, lugares militares, ciudades en obras y arquitecturas sagradas. Su trabajo es una profunda meditación sobre la discriminación racial, la guerra y violencia, la explotación del hombre de la naturaleza y su búsqueda de espiritualidad y paz como budista practicante.

La serie American Concentration Camps enfoca el internamiento en EEUU y también en Canadá de estadounidenses de ascendencia japonesa durante la II Guerra Mundial, de 1942 a 1945, incluyendo entrevistas a internos de los campos.
Otras series presentan sus collages panorámicos de sitios postindustriales en el Medio Oeste (1986-1991), EPA. Superfund Sites (1989-1993), prisiones abandonadas (1987-1996), CityWorks (1987-1994).

Obtuvo diversos galardones, como el Cleveland Arts Prize, 3 premios Ohio Arts Council, una beca Fulbright, premios  del National Endowment for the Arts, Arts Midwest y Florida Arts Council, así como la beca Civil Liberties Educational Fund en 1997. Sus fotografías han sido publicadas en revistas como DoubleTake, Aperture , See y Mother Jones.

Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas como las del  International Center of Photography de Nueva York, Tokyo Metropolitan Museum of Photography, Los Angeles County Museum of Art, Cleveland Museum of Art, George Eastman House en Rochester, Nueva York, Columbus Museum of Art, el Victoria and Albert Museum en Londres y el Ludwig Forum for International Art en  Coblenza, Alemania.

En 2004, lanzó Masumimuseum.com, que ahora es un archivo on-line de su trabajo. La Dra. Masumi Hayashi enseñó arte en la Cleveland State University, en Cleveland, Ohio, durante 24 años.

Masumi falleció asesinada por un vecino en 2006. En 2007 el Akron Art Museum, la Cleveland State University Art Gallery y el Museum of Contemporary Art Cleveland montaron grandes exhibiciones para homenajear su trabajo. En 2015 The Galleries de la Cleveland State University presentó una retrospectiva de su obra con el título Place and Vision: El legado artístico de Masumi Hayashi.




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Libros

viernes, 17 de agosto de 2018

Gonzalo Bénard

Gonzalo Bénard es un artista portugués (nacido en 1969 en Portugal, vive en París) que ha trabajado y se ha expresado desde muy joven en varios medios: pintura, dibujo, fotografía y escritura, todos ellos con un significado especial para él, pero la fotografía y la pintura son su principal forma de expresar su existencia en los últimos años: lo que le rodea, o lo que siente por la sociedad. Con profundas raíces en el chamanismo y las viejas religiones, rompe las principales reglas de la sociedad moderna, recordándole los orígenes de la vida.

Double Smoke © Gonzalo Bénard

Double Smoke © Gonzalo Bénard

Biografía

Gonzalo Bénard pasó las vacaciones de verano de niño y adolescente junto a un campo inmenso en el que solía correr libre, la mayoría de las veces desnudo, a veces con el cuerpo pintado y jugando a los indios con la presencia de su hermano ya muerto. También solían recolectar pedazos de madera y esculpirlos creando rituales de vida y ritos de la muerte en ceremoniales en la naturaleza, al aire libre, actuando como lobos, aves, árboles  y viento, sintiendo los elementos: Tierra, Fuego, Agua, Aire.

Siempre ha trabajado y se ha expresado en varios medios: desde la pintura hasta el dibujo, pasando por la escritura. Cuando estos media ya no le satisfacían como creador, la fotografía llegó inesperadamente a su vida, permitiéndole jugar con luz y sentimientos, culturas y personas, sin distraer colores, fondos o ropa. A menudo usándose a él mismo como parte al frente y detrás de la cámara, Gonzalo puede crear e involucrarse en los rituales y las culturas de la vida: como unidad, como naturaleza, como la luz misma, es un creador de retratos humanos.

Su cuerpo de trabajo trata sobre asuntos de vida o muerte, sobre la conciencia, la espiritualidad, la sociología, la antropología, la filosofía y la psicología. Investiga acerca de rituales y ritos de varias culturas: viejas y nuevas.

Bénard trabajó como coordinador editorial en el Centro Cultural de Belém y fue invitado por el ministro de cultura a la Bienal de Venecia de 2001. Ha mezclado sus estudios y trabajos en Europa Occidental con estancias de 3 años en Tibet y en Yolmo, en el Himalaya, con monjes tibetanos en una escuela monástica de artes, danza y filosofía, y en Sahara Occidental, donde vivió y aprendió con maestros espirituales, filosóficos y chamánicos.

Estaba viviendo en Barcelona en 2008 estudiando fotografía, justo en el centro de la ciudad, en un edificio muy parecido a cualquier otro, rodeado de concreto y de gente concreta, con ventanas que permitían ver más cemento, cuando estuvo 3 días en coma y la falta de oxígeno en su cerebro le hizo perder su memoria cronológica. Pero ​​nunca ha trabajado para recuperarla ya que no cree que sea necesaria para vivir, pues el tiempo simplemente no existe, sólo hay un momento importante llamado vida.

Como artista, ya ha pasado de su exposición número 50, ha publicados en revistas de arte y libros, como Eyemazing o Tames & Hudson y tiene su obra en colecciones en diversas colecciones de arte, públicas y privadas, como la Fundación Serralves en Oporto, y la colección de arte contemporáneo de Sir Elton John.

Como autor, principalmente escribe sobre el chamanismo, la meditación y la conciencia, como su libro On Consciousness - journeys, rituals and meditations que se centra principalmente en la curación natural y el chamanismo. También ha aparecido en varias películas y series de televisión de Hollywood, como recientemente Rogue, o Agent X de Sharon Stone, y es tutor de jóvenes con autismo de alto funcionamiento.

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    Libros

    jueves, 16 de agosto de 2018

    Sylvie Blum

    Sylvie Blum es una fotógrafa austriaca (nacida en 1967 en Taxenbach, Austria, vive en Los Angeles, EEUU) que realiza trabajos comerciales de moda y fotografía de desnudo artístico.

    © Sylvie Blum

    © Sylvie Blum

    Biografía

    Sylvie Blum nació en Austria, pero se crio en Alemania. Desde los 4 años supo que quería convertirse en artista, y mientras estaba en la escuela, comenzó a trabajar como modelo. Durante su carrera de 16 años en este campo viajó por todo el mundo: Asia, África, Australia, Medio Oriente, Europa, América del Sur y los Estados Unidos. En 1991 conoció al legendario artista y fotógrafo erótico Guenter Blum y se convirtió en su modelo y musa favorita, y en 1995 su esposa.

    Interesada en el arte, la moda, la arquitectura, el diseño, el arte pop, la música, la creación de películas y la fotografía se convirtieron en pasiones de por vida.

    Guenter fue su mentor y maestro, enseñándole iluminación, composición, técnicas de cuarto oscuro y de fotografía.
    También trabajó con otros fotógrafos internacionales conocidos como Helmut Newton, Jeanloup Sieff, Jan Saudek, Andreas Bitesnich y otros.

    Sylvie cuidó a Guenter en su enfermedad terminal hasta su muerte en 1997. Con el corazón roto y devastado por la pérdida, dejó el estudio que compartían y se mudó al edificio antiguo de una fábrica, que convirtió en estudio fotográfico y comenzó a trabajar en varios proyectos fotográficos, que le llevaron a publicar varios libros de arte y a ser conocida internacionalmente.

    En 2005 se casó por segunda vez en Las Vegas y se mudó a California, donde vive y trabaja en Los Ángeles en su estudio The White Box. En 2011, publicó su libro Naked Beauty que ha sido distribuido con gran éxito por todo el mundo. En 2012 su exposición del mismo nombre se inauguró junto con Herb Ritts en la Galería Fahey Klein de Los Ángeles. Esta galería  representa a Sylvie Blum.

    Referencias

    Libros

    miércoles, 15 de agosto de 2018

    Tadashi Onishi

    Tadashi Onishi es un fotógrafo japonés (nacido en Tokio en 1973) que fotografía las calles y el paisaje urbano abarrotado de vida social, buscando un terreno común entre la calle y la fotografía documental.

    © Tadashi Onishi

    © Tadashi Onishi

    Shinjuku es una ciudad donde pasan más de 3,4 millones de personas todos los días. Yo soy uno de ellos. Shinjuku es un lugar donde paso parte de mi vida personal y laboral. Fotografío esta ciudad todos los días como parte de mi vida. Este proyecto se centra en el vacío de la vida de Tokio, o el que surge cuando la fluctuación de mis sentimientos se mezcla con el olor de la vida en la ciudad.

    Biografía

    Tadashi Onishi realiza una fotografía callejera que combina con la fotografía documental, mostrando una descripción personal y un testimonio de la vida urbana y de la sociedad japonesa.

    En su trabajo Lost in Shinjuku muestra una capacidad visual muy expresiva, fuerte y profunda que está casi en contraste con su actitud amable, educada y tímida, típica de la cultura japonesa. Estas fotografías fueron tomadas en el camino al  trabajo, un camino que dura casi 5 horas al día, y en ellas, el uso de fuertes contrastes con el predominio del negro, a través de objetos, sujetos, sombras, símbolos y la falta de color, nos permite sentir la sensación de desesperación, opresión, ansiedad y perturbación del tokiota medio. Es un trabajo fuerte, lleno de sentimientos, emocionante, que no puede evitar reflexionar sobre la condición humana.

    Los hombres son para Tadashi como fantasmas en su otra serie Ghost in the Tokyo Shell, que relata una relación entre las personas y Tokio: viven en la ciudad y no saben si su existencia es real; de repente pueden desaparecer y mezclarse con la ciudad, trasmitiendo un sentido de vacío y pérdida de identidad que puede, en algunos aspectos, generalizarse a cualquier gran ciudad y a la condición humana.

    Es miembro del colectivo VoidTokyo.  Ha realizado exposiciones en solitario de su serie Zebra The City en la Konica Minolta Gallery y Nikon Salon Ginza en Tokio y Nikon Salon Osaka. Su libro Lost in Shinjuku y sus fotografías han obtenido diversos premios, como PX3 en París, MIFA en Rusia, Konika y FAPA en Japón, TPD en Italia por su libro, Photoplus en EEUU, …

    Referencias

      Libros

      • Exhibition catalogue - Transit station, 2018.
      • Lost in Shinjuku, 2017.
      • Exhibition catalogue - Zebra The City, 2016.