sábado, 20 de abril de 2019

Laura Gómez Lerena

Laura Gómez Lerena es una fotógrafa española (nacida en Mallorca en 1989, vive en Barcelona) que compagina su trabajo en prensa con la fotografía de arquitectura e interiores, además de cubrir eventos deportivos y realizar sus proyectos personales.


© Laura Gómez Lerena

© Laura Gómez Lerena



Biografía

Laura Gómez Lerena estudió periodismo y fotografía en Barcelona. Trabaja como freelance y ha colaborado con diferentes publicaciones como Vice, El Confidencial, Diario ABC, La Razón, El Nacional.cat y el Diari Ara entre otros.

Actualmente compagina su trabajo en prensa con la fotografía de arquitectura e interiores. Sus trabajos personales han sido expuestos en diversas exposiciones individuales y colectivas, principalmente su proyecto más reciente, Agnus. Éste es un trabajo que no pretende ser testimonio objetivo del mundo ganadero, ni sitúa al agricultor en el centro del relato. Es una mirada parcial sobre la realidad, una metáfora sobre la vida y la muerte con las ovejas como protagonistas. Los altos contrastes de luz y oscuridad de las imágenes representan dos mundos antagónicos: la vida y la muerte, el hombre y la naturaleza. Este tipo de explotación ganadera es representada como un mundo estanco e inalterable en el que sus habitantes vagan sujetos a la transitoriedad de la vida.


Referencias

viernes, 19 de abril de 2019

Christian Franzen y Nisser

Christian Franzen y Nisser fue un diplomático y fotógrafo danés (nacido el 18 de diciembre de 1863 en Fjolde, Dinamarca, fallecido el 17 de septiembre de 1923 en Madrid) que desarrolló su labor fotográfica en Madrid. Llamado "fotógrafo de reyes y rey de los fotógrafos", fue el primero en realizar en España fotografías al magnesio y a lo largo de su vida fotografió a casi toda la nobleza española de la corte de Alfonso XIII.


 S.M, la Reina Doña Victoria, de Christian Franzen y Nisser


Biografía
Christian Franzen y Nisser se afincó en Madrid hacia 1885 y fue uno de los fotógrafos preferidos de la Familia Real española y de la aristocracia. Son famosos sus retratos del rey Alfonso XIII, de su esposa la reina Victoria Eugenia y de la regente María Cristina de Habsburgo-Lorena, de quien se afirma que profesaba cierto afecto al fotógrafo.

Desde 1901 tuvo su estudio en la calle del Príncipe de Madrid, que pronto gozó de gran reconocimiento, gracias a los retratos que realizó a los miembros de  la Familia Real española, que además le concedió el permiso de poner el escudo real en los cartones de sus fotos. Su trabajo tuvo mucha repercusión por el uso del platinotipo, con el que conseguía imágenes más estables. Junto a Kaulak y Manuel Company, está considerado uno de los mejores retratistas de la transición a la Restauración.

Trabajó para las primeras revistas ilustradas de la época, en especial con la revista Blanco y Negro, donde ilustró tres de sus secciones: Estudios fisonómicos, Madrid de Noche y Fotografías íntimas, también en La Ilustración Española y Americana, Nuevo Mundo y La Esfera. En 1889 participó en la Exposición Universal de Barcelona. Fue también cónsul de Dinamarca.

Gracias a los flash de magnesio, su labor fotográfica se desarrolló también dentro de los salones de la aristocracia madrileña, donde se reunían las figuras más importantes de la sociedad económica y cultural, como Doña Eulalia de Borbón y la Baronesa de Renzis de Montanaro, el alcalde de Madrid Alberto Aguilera, el presidente Canalejas, y celebridades tales como el maestro de esgrima y campeón mundial Afrodisio Aparicio. En 1897 se publicó el libro del cronista Eugenio Rodríguez conocido como Monte-Cristo bajo el título de Los salones de Madrid, con ilustraciones de Franzen que constituye un archivo iconográfico de gran variedad al reflejar las estancias palaciegas de la aristocracia madrileña (marqueses de Cerralbo, Asprillas, Viana, Linares, ...), así como de las principales embajadas, dejando testigo de las grandes solemnidades sociales.

Su obra como retratista incluye a periodistas, a políticos como Sagasta, a escritores como Concha Espina y Emilia Pardo Bazán y a pintores como Joaquín Sorolla, a quien retrató en su estudio madrileño y  que retrataría a Franzen en uno de sus cuadros.

Tiene obra en la colección de la National Portrait Gallery de Londres. Parte de su legado también se encuentra en el Museo Cerralbo y en el Museo Sorolla en Madrid, donde se conservan numerosos positivados suyos de retratos de los Reyes de España y de la aristocracia de la época. Un fondo de 33.000 clichés, en su mayoría placas de cristal y negativos en gelatina, será digitalizado por RTVE.

Referencias



Libros




jueves, 18 de abril de 2019

Bettina von Zwehl

Bettina von Zwehl es una fotógrafa alemana (nacida en 1971 en Múnich, vive y trabaja en Londres) conocida por su sutil y tranquila fotografía de retratos. A medida que su práctica se ha desarrollado, ha buscado diferentes maneras de afrontarla: desde sus primeras obras, más definidas por las rigurosas condiciones que imponía a sus modelos, ha evolucionado en sus proyectos más recientes hacia la tradición de la miniatura del retrato pintado.


© Bettina von Zwehl

© Bettina von Zwehl


Biografía

Bettina von Zwehl  estudió en Londres, obteniendo una licenciatura en fotografía en el London College of Printing y un master en fotografía artística por el Royal College of Art de Londres, donde comenzó a hacer retratos usando un método del siglo XIX, que encontró trabajando como asistente en Roma, trabajando en película con una cámara de placas de 10x8". La mayor parte de su trabajo está realizado en estudio y se inspira fundamentalmente en su fascinación por el rostro humano y las relaciones humanas.

Sus primeros trabajos se basaban en circunstancias físicas o emocionales inusuales, para conseguir un mayor grado de vulnerabilidad de sus modelos, a los que fotografiaba a medida que se despertaban de un sueño profundo, mientras se recuperaban de un esfuerzo físico, empapados por la lluvia o escuchando atentamente música en una habitación oscura, y con su quietud llevar al espectador a los más mínimos detalles: manchas, arrugas, pelos perdidos, rubor en las mejillas, ...  También ha estado interesada, bajo la influencia de la pintura renacentista, en la fotografía de perfil, que para ella es una de las formas más poderosas de representar a una persona. 

Su actual interés por las miniaturas, y su subgénero menos conocido, la miniatura ovalada de ojos, se desarrolló durante sus seis meses como artista en residencia en el Victoria & Albert Museum.

También participó en una residencia de 5 meses en el Freud Museum de Londres en 2013-2014. donde creó una instalación permanente para la sala Anna Freud en respuesta a la vida y el legado de Anna Freud. La obra es una exploración delicada y en profundidad del dolor, la pérdida y la amistad. Expuso Invitation to Frequent the Shadows en el Freud Museum de Londres en 2016.

Ha realizado exposiciones individuales en museos y galerías europeos y americanos, incluyendo el Freud Museum de Londres en 2016, Fotogaleriet de Oslo en 2014, National Portrait Gallery en Londres en 2014, Centrum KulturyZamek en Poznan en 2011, V&A Museum of Childhood en Londres en 2009, The Photographers’ Gallery de Londres en 2005 y la galería Lombard Freid de Nueva York en 2004.

Sus fotografías forman parte de colecciones como las del Solomon R. Guggenheim Museum en Nueva York, Mint Museum en Charlotte, Carolina del Norte, Victoria and Albert Museum, Arts Council Collection y The National Portrait Gallery en Londres, Rubell Family Collection en Miami y Pier 24 Photography en San Francisco.


Referencias




Libros


    Antologías
    • The Photograph as Contemporary Art, 2004.
    • The Portrait Now, 2006.
    • Vitamin Ph: New Perspectives in Photography, 2006.
    • The Body in Contemporary Art, 2009.
    • Road to 2012, 2012.
    • 21st Century Portraits, 2013.

    miércoles, 17 de abril de 2019

    Jaap Scheeren

    Jaap Scheeren es un fotógrafo holandés (nacido en 1979 en Nijmegen, vive y trabaja en Ámsterdam) cuyas imágenes siguen una cierta lógica infantil que toca el mundo real, pero con un cierto positivismo. Su obra evoca continuamente una sensación de nostalgia y una celebración de la juventud.


    © Jaap Scheeren

    © Jaap Scheeren



    Biografía

    Jaap Scheeren decidió estudiar fotografía tras una aventura fallada en química. Se graduó en 2003 en la St. Joost Academie en Breda. Podríamos calificar o describir su trabajo como Fresh anarchy (una fresca anarquía).  Con un estilo propio, ligeramente absurdo, investiga la coherencia entre la realidad y la fotografía. Al hacerlo, desarrolla un mundo visual en el que sigue su propia intuición, lógica y reglas. Siempre con un giro humorístico.

    Ganó la 21ª competición del Festival Internacional de Mode et de Photography en Hyères (Francia) en 2006. Colaboró con la artista Anouk Kruithof en el proyecto The Black Hole, por el que ganaron el Unique Photography Prize. La serie fue exhibida en Foam. En 2007 autopublicó el fotolibro Oma Toos sobre su divertida abuela.

    Ha expuesto su trabajo ampliamente incluyendo el Nederlands Fotomuseum de Rotterdam, Fotofestival Naarden, W 139 and De Balieen en Ámsterdam, Villa Noailles en Hyères (Festival Internacional de Mode et photographie), Centro australiano de fotografía en Sídney,  6ª Bienal Internacional de fotografía y artes plásticas en Lieja y Galería Michalsky Dvor en Bratislava.

    Su libro más reciente, Cut Shaving, The Xerox Edition combina por primera vez todo su trabajo, explorando diversas formas de reproducir la fotografía, fotolibros y archivos visuales, dando como resultado una publicación fresca y anarquista que no sólo documenta su obra, sino que también forma parte de ella.

    Su fotografía se ha mostrado en diversas revistas y publicaciones, incluyendo nrc.next, FOAM, Wallpaper, Kilimanjaro, Le Book, Beaux-Arts, Libération, LeMonde, DasMagasin, PICNIC, IANN, Blast y Picnic.


    Referencias



    Libros

    • Jaap Scheeren Cut Shaving, 2013.
    • Il/Elle s’appelle Margriet, 2012.
    • Fake Flowers in Full Colour, 2009.
    • Gassboggreidn, 2009.
    • 3 roses, 9 ravens, 12 months, 2008.
    • Oma Toos, 2008.
    • The Black Hole (con Anouk Kruithof), 2006.

    martes, 16 de abril de 2019

    Horst Diekgerdes

    Horst Diekgerdes es un fotógrafo alemán (vive en Zúrich, Suiza) que, a lo largo de su carrera ha realizado desde campañas publicitarias para Miu Miu a portadas de álbumes para Pulp (This Is Hardcore), pasando por retratos de iconos culturales con un lenguaje visual siempre distintivo. Es uno de los fotógrafos de moda más reconocidos de Alemania y  sus imágenes oscuras, sorprendentes y surrealistas han formado parte de campañas publicitarias icónicas y de grandes revistas.
     
    © Horst Diekgerdes
    © Horst Diekgerdes

     

    Biografía

    Horst Diekgerdes ha trabajado internacionalmente en todo el Reino Unido, Europa, Estados Unidos y Asia. Después de muchos años en París, la capital de la moda, donde asiste regularmente a los desfiles de moda, ahora reside en Zúrich pero viaja por todo el mundo por motivos de trabajo.
     
    Su trabajo editorial se ha mostrado en publicaciones de renombre como Interview, Another, Another Man, Arena Homme+, Muse, Self Service, Vogue UK, Vogue Spain y Vogue Japan, Numéro, Numéro Homme, Harper’s Bazaar, Interview Germany, Teen Vogue y GQ Style, entre otros. Horst ha colaborado con Fabien Baron, Work in Progress, Peter Saville, ARNYC, David James, Becha Achermann, Alex Wierderin y Robin Derrick.
     
    Su lista de clientes de publicidad de moda y perfumería incluye a Escada, Miu Miu, Chloé, Sonia Rykiel, Thomas Burberry, Burberry Blue Label, L'Oreal, Loro Piana, Alessandro Dell’Aqua, Kenzo, Levis, Joop!, Max Mara, Rochas y Hermès. También ha trabajado de forma continua con Louis Vuitton, Mytheresa, Bergdorf Goodman y Lacoste. Asimismo ha realizado retratos de iconos culturales desde Alexander McQueen a Erykah Badu, pasando por Charlotte Gainsbourg.
     
    Altamente celebrado por exposiciones en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston, The Winterthur Museum for Photography y el Migros Museum de Suiza, sigue inspirando con su muy personal perspectiva del mundo de la moda, que realiza con una modernidad atemporal. Es provocador, sensual y ligeramente excéntrico.
     
    Su primera monografía, Horst Diekgerdes, es una celebración de la vida, la moda y la fotografía en forma de un viaje fotográfico desde mediados de la década de los 90 hasta el presente, combinando fotografías de moda con imágenes de sus diarios personales, observaciones de la vida cotidiana y obras inéditas.
     
    Está representado internacionalmente por SHOTVIEW.

    Referencias

     

    Libros

    lunes, 15 de abril de 2019

    Piergiorgio Casotti

    Piergiorgio Casotti es un fotógrafo italiano (nacido en 1972 en Reggio Emilia) al que siempre le ha atraído la dinámica de los seres humanos. Desde que descubrió la fotografía la he visto como un medio que le permite explorar el mundo y a sí mismo al mismo tiempo. Intenta crear proyectos complejos con el fin de expresar la complejidad del mundo y la vida a través de imágenes y textos, vídeos y música, queriendo romper viejos patrones y ampliar las fronteras. Le gusta contar historias, estados de ánimo y experiencias que tienen poco que ver con los estándares estéticos.


    © Piergiorgio Casotti

    © Piergiorgio Casotti



    Biografía

    Piergiorgio Casotti se graduó en economía/estadística de la Universidad de Parma. Después de terminar varios cursos de fotografía en el Pratt Institute of Nueva York City en 2005, encontró trabajo como fotógrafo de moda, pero anhelaba perseguir su verdadera pasión por la fotografía documental. Desde entonces, ha estado explorando la dinámica única de las sociedades de todo el mundo a través de la interacción constante con las personas y los lugares que les dan forma. Su fotografía equilibra una fuerte emoción personal con cualidades documentales. En 2010 comenzó a trabajar con video, lo que le permite contar historias de maneras que la fotografía no lo hace.

    Sus proyectos principales, que han tomado forma de libro, son:
    • Sometimes I cannot smile. Un viaje íntimo y personal hacia el mundo juvenil de la comunidad Inuit en la costa este de Groenlandia, donde la naturaleza, el aburrimiento, la violencia y un fuerte legado cultural han estado reclamando durante décadas el triste peaje de hasta un 25% de intentos de suicidio.
    • Where does the White go. Un homenaje a sus montañas y a su silencio, un tributo personal y al mismo tiempo una conciencia de su despoblación y transformación, mostrando un cambio lento de su tejido social y cultural.  Y en los pueblos abandonados lo que alguien ve como melancolía, nostalgia, desolación y tristeza, se convierte en una fuente de reflexión y energía. Una aceptación fatalista pero positiva de la vida y su incesante movimiento.
    • INDEX G. Trata sobre la segregación racial en St. Louis, Estados Unidos. Describe en un lenguaje experimental las experiencias de vida y los sentimientos de los americanos marginalizados dentro de su ciudad. Este trabajo se desarrolla como un juego de "teatro del silencio", hecho de una ausencia de personajes y sus historias peculiares, donde las cosas vistas y narradas permanecen incontadas y suspendidas en el tiempo, en ese momento específico de incertidumbre, entre algo elusivo que acaba de suceder, y cuyas consecuencias sólo somos capaces de percibir, o la emocionante sensación de que ocurrirá pronto. Un limbo lleno de tensiones y dudas. No sucede nada aparentemente, pero la historia tiene lugar en el silencio de las vidas.


    Referencias



    Libros

    domingo, 14 de abril de 2019

    Melanie Manchot

    Melanie Manchot es una artista visual interdisciplinar (nacida en 1966 en Witten, Alemania, vive y trabaja en Londres) que trabaja con fotografía, cine y vídeo entendidos como una práctica performativa y colaborativa. Sus proyectos suelen explorar lugares específicos, espacios públicos o comunidades singulares con el objeto de definir identidades individuales o colectivas. 


    © Melanie Manchot

    © Melanie Manchot


    Biografía

    Melanie Manchot llegó al arte a través de su interés por la filosofía, la teoría cultural y la historia del arte, involucrándose en él, cada vez,  y en crearlo ella misma mientras estudiaba en la New York University (1988–1989). Cuando llegó a Londres, supo que quería trabajar como artista, y se había apasionado por las imágenes fotográficas en particular. Este medio, por su capacidad para lidiar con la intimidad física y psicológica,  se ha convertido en uno de los medios de comunicación más importantes en su búsqueda como artista. Continuó sus estudios en la City University  y más tarde realizó un doctorado en Fotografía Artística en el Royal College of Art.

    De 1992 a 2005, Manchot fue conferenciante en varias instituciones, como Goldsmiths College of Art, Central St Martins, London College of Communication, Middlesex University y The University of the Arts, continuando su labor como conferenciante y participante en simposios internacionales.

    Melanie trabaja con la fotografía, el cine y el vídeo como una práctica performativa y participativa. Sus proyectos a menudo exploran lugares específicos, espacios públicos o comunidades particulares con el fin de localizar nociones de identidades individuales y colectivas.

    Fijas o en movimiento, las cámaras son dispositivos cruciales en la configuración de la obra. Las cámaras no funcionan como una mera maquinaria de generación de imágenes sino, fundamentalmente, como un principio de organización, un mecanismo que sostiene y produce el agenciamiento artístico y que, por lo tanto, se erige en parte del conjunto de coordenadas que estructuran la obra en sí.

    Basada con frecuencia en largos períodos de investigación y compromiso con los participantes, su praxis y su producción muestran una clara tendencia a la metodología procesual. Cada proyecto propone diferentes modalidades de compromiso, diálogo e intercambio de relaciones con las personas involucradas en las piezas.

    Su trabajo ha sido exhibido nacional e internacionalmente en espacios como Hayward Gallery, Bloomberg Space, Whitechapel Gallery, Photographers Gallery y Courtauld Institute  en Londres, Towner Art Gallery en Eastbourne, MacVal, Musee d’Art Contemporain y La Nuit Blanche en París,  Brooklyn Museum en Nueva York, Australian Museum of Photography en Sídney,  Museum Folkwang en Essen, entre otros.

    Manchot ha recibido multitud de premios, como el Oriel Davies Award en 2012 y su obra forma parte de  importantes colecciones públicas y privadas, incluyendo Arts Council Collection en Londres, Fonds Municipal d’Art Contemporain (FMAC) en París y el Brooklyn Museum en Nueva York.


    Referencias



    Libros

    • Look at You Loving Me, 1998.
    • Love is a Stranger, 2001.
    • Moscow Girls, 2006.
    • 100. Engelberg Mountain Railways, 2013