viernes, 25 de julio de 2014

JH Engström

JH Engström es un artista y fotógrafo sueco (nacido en 1969 en Karlstad, vive y trabaja a caballo entre Östa Ämtervik, París y Estocolmo) que construye historias fotográficas. Situadas sus fotografías en secuencia, mostradas en libros y dispuestas en cuadrículas y constelaciones en galerías, convence al espectador para reconstruir el sentido de su obra en conjunto, en lugar de visualizar cada imagen por sí misma. Por lo general, dentro de estos grupos el artista yuxtapone temática y perspectiva diversas.

 

© JH Engström

© JH Engström

 

Es un deseo y una necesidad fotografiar lo que experimento y lo que me rodea.
No importa con quién estoy, dónde estoy, lo que importa son los encuentros, paisajes y detalles que tengo que relacionar en mi vida cotidiana.



 

 

Biografía

JH Engström creció en Suecia, pero pasó mucho tiempo en París y Francia durante su infancia y adolescencia. Fue asistente de Mario Testino en 1991 en París, y en 1993 de Anders Petersen en Estocolmo. Se graduó en 1997 en el Departamento de Fotografía y Cine de la Universidad de Gotemburgo. Y el mismo año publicó su primer libro, Shelter.

Pronto comenzó a exponer y su carrera tuvo una gran proyección internacional. Entre otras exposiciones, participó en la titulada Je suis où del Espace Photographique Contretype de Bruselas (2003). En 2005 su libro Trying to Dance, para el que se había trasladado en 1998 a Brooklyn, Nueva York, volviendo en 2001 a su región natal, Värmland, para terminarlo, fue seleccionado para el premio de fotografía Deutsche Börse otorgado por The Photographers' Gallery de Londres.

En 2006 expuso Haunts en la Galerie VU' de París, Ca me touche, les invités de Nan Goldin, en el festival Les Rencontres d'Arles en 2009 y From Back Home en 2010 en el Museo Nacional de Fotografía, Cine y Televisión (National Media Museum) de Bradford, en el Reino Unido. El libro de esta serie fue el mejor libro del año en el Photofestival d’Arles en 2009.

Está representado por VU en París y GUN Gallery en Estocolmo.

 

 

Referencias

 

 

Libros

jueves, 24 de julio de 2014

Boushra Almutawakel

Boushra Almutawakel es una fotógrafa yemení (nacida en 1969 en Sana’a, donde vive y trabaja) cuya fotografía trata principalmente el tema de los derechos humanos de la mujer.

 

 

© Boushra Almutawakel

© Boushra Almutawakel

 

 

Biografía

Boushra Almutawakel estudió Comercio Internacional en la American University de Washington y fue en esos años cuando se interesó por la fotografía. En 1996 fue miembro fundador del colectivo Al-Alhaqa y en 1999 fue nombrada la primera mujer yemení fotógrafa por la Universidad de Sana’a.

Su trabajo ha sido publicado en medios como The Guardian, adquirido entre otros por el British Museum de Londres y expuesto internacionalmente.

A su regreso a Yemen en 1994, trabajó principalmente como asesor educativo, pero continuó desarrollando su obra fotográfica, participando en numerosas exposiciones colectivas. En 1996 fue miembro fundador de Al-Halaqa, un grupo de artistas yemení que creó un espacio para el discurso y exposiciones y establecido vínculos con artistas internacionales.

En 1998 se convirtió en fotógrafo a tiempo completo, y algunos de sus clientes han incluido a las Naciones Unidas, CARE Internacional, las embajadas de Holanda y Francia, la Organización Social para el Desarrollo Familiar, el Instituto Nacional para la Educación de la Salud, el British Council, el Centro Cultural Francés, Nixen, Foundry, Business & Accounting Magazine, Yemen Today, …

En 1999 fue galardonada como la primera mujer yemení fotógrafo, con un buen número de otras mujeres yemenís pioneras por Empirical Research and Women's Studies Centre en la Universidad de Sana'a.

En 2001 Boushra ganó una beca de la World Studio Foundation Scholarship de Atlanta. También ha obtenido diversos premios.

Sus fotografías han aparecido en Yemen Times, Yemen Observer, Yemen Today, Artasiapacific Almanac 2011, El País, Muse, así como en la revista online Nafas Art Magazine y blogs como 500 Photographers, Greater Middle East Photo, Mrs. Deane, New Yorker's Photo Booth y ahora en Cada día un fotógrafo.

En su serie The Hijab Series: Mother, Daughter & Doll, muestra con rotundidad su decidida oposición a la forma en la que los fundamentalistas musulmanes hacen desaparecer a las mujeres hasta hacerlas invisibles. Esta negación, que se manifiesta en diferentes fases, se vuelve una fábula cruel lanzada como un depurado grito, una forma de denuncia simbólica fundada sobre la única lógica de las imágenes. donde los colores se van fundiendo poco a poco hasta el negro a medida que los personajes deben llevar el oscuro velo que cada vez les cubre más. Quedan, sin que se pueda decir aquello que quieren expresar, tres pares de ojos tras la diminuta abertura.

 

 

 

Referencias

miércoles, 23 de julio de 2014

Lucia Ganieva

Lucia Ganieva es una fotógrafa rusa (nacida en1968 en Olenegorsk, Rusia, creció en San Petersburgo y vive en Amersfoort, Holanda, desde 1993) especializada en series fotográficas de retrato de personas de su entorno, en las que, a través de los retratos de la gente y su espacio, ilustra cuestiones sociales. Realiza la mayor parte de su trabajo en Rusia, debido a sus raíces y a su fuerte conexión con el pueblo ruso.

 

 

© Lucia Ganieva

© Lucia Ganieva

 

Biografía

Lucia Ganieva estudió moda y posteriormente se graduó en  2007 con una licenciatura (cum laude) en la Foto Academie de Ámsterdam.

Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo y ha sido galardonada con numerosos premios y reconocimientos internacionales (Gold Award PANL #16 en 2006, ganadora portafolios en Rencontres d’Arles en 2007, IPA Awards en 2007, 2 menciones en el PX3 Prix de la Photographie en 2008, mejor portafolio en Rencontres d’Arles en 2008, Winner Foto Triennale DK Awars en Odense en 2009, Silver Award PANL # 20 en 2011, …) tanto en competiciones artísticas como comerciales.

En su trabajo utiliza una cámara de medio formato, también con respaldo digital, y tiene experiencia en el trabajo con Photoshop y Phase One. Conocida por tener una buena ojo para el uso de la luz, su experiencia en la industria de la moda le ayuda a contribuir al proceso creativo en proyectos comerciales.

En los últimos años su trabajo ha sido publicado en varias revistas internacionales y en 2009 se publicó su primer libro. Su obra está presente en colecciones públicas y privadas, incluyendo el Museo Nacional de Fotografía de Finlandia , Museo de Arte Multimedia de Moscú, Museo Catharijneconvent, Image Galleri Aarhus, Rayko Gallery de San Francisco, ...

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 22 de julio de 2014

Asim Rafiqui

Asim Rafiqui es un fotógrafo independiente paquistaní (nacido en Karachi en 1966, vive en Estocolmo, Suecia) que ha estado investigando las cuestiones de derechos humanos en Pakistán. Su más reciente proyecto cubre las vidas y las historias de los presos paquistaníes en la prisión de EEUU en Bagram.

 

© Asim Rafiqui

© Asim Rafiqui

 

 

 

Biografía

Asim Rafiqui nació y se crió en Karachi, y se mudó a Nueva York en 1984 para estudiar Ingeniería y Ciencias Aplicadas y un máster (ambos de la Universidad de Columbia en Nueva York) antes de hacer del fotoperiodismo el centro de su trabajo en 2003. Se ha centrado en cuestiones relacionadas con las consecuencias del conflicto. Este enfoque le ha llevado a producir trabajos desde el Kurdistán iraquí, Haití, Israel, los territorios palestinos ocupados y las áreas tribales de Pakistán, viviendo en diversas ocasiones, en Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Lahore, Londres, Múnich, Bangkok, Estocolmo y más recientemente en Kigali, Ruanda.

También ha realizado regularmente asignaciones para revistas como National Geographic (Francia), Stern (Alemania), Wall Street Magazine, Newsweek y Time (EEUU, Asia).

Desde que en 2005 le nominaron para el Fuji Film Young Photographer Award y el Visa d’Or News, en Visa pour L’image, ha obtenido premios y becas como el Pulitzer Center For Crisis Reporting Grant en 2009 y las becas Blue Earth Alliance Sponsorship  y Aftermath Grant (2009), Swedish Institute – Visby Program Grant y Fulbright-Nehru Fellowship (2011).

Sus exposiciones en solitario han sido:

  • 2011 Gaza Undone en el Chobi Mela de Dhaka, Bangladesh
  • 2009 Gaza Undone en Paris Photo en París 
  • 2009 Gaza Undone en The Empty Quarter Gallery de Dubai
  • 2009 Gaza Undone en Dubai Art Fair  de Dubai
  • 2008 Aftermath of War en la Roosevelt University Gage Gallery de Chicago
  • 2005 Haiti’s Struggle for Democracy en Visa pour L’image en Perpiñán
  • 2004 The Unconsoled: Rafah, Gaza en Visa pour L’image en Perpiñán
  • 2002 Afghanistan: Restart en Galleri Kontrast de  Estocolmo.

Rafiqui es también un miembro de la Open Society Foundation y miembro de la agencia NOOR desde 2014. Es el autor del blog The Spinning Head, que ahora ha incluido en su página web. Su trabajo más reciente es The Idea of India, que comenzó gracias a la beca Aftermath.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • War Is Only Half The Story, 2008.

lunes, 21 de julio de 2014

Mats Bäcker

Mats Bäcker es un fotógrafo sueco (nacido en 1958 en Hagfords) es considerado el fotógrafo escandinavo de artistas por excelencia. Las imágenes que creó en los años 70 y 80 retratan una nueva ola de ideales y formas de vivir la música rock. Sus fotos son el resultado de su aproximación a la fotografía de reportaje.

 

David Bowie / Cracked Actor, Bruselas, 1983 © Mats Bäcker

David Bowie / Cracked Actor, Bruselas, 1983 © Mats Bäcker

 

 

Empecé a hacer fotos cuando era un adolescente para ganar algo de dinero. Eran mediados de los años 70 y entonces llegó el punk, que se convirtió en una inspiración para mí, como músico y como fotógrafo.

 

 

 

Biografía

Mats Bäcker nació en Hagfords, un núcleo industrial situado en una zona boscosa del centro de Suecia, pero pronto abandonó esos parajes naturales por la ciudad y los escenarios. Estudió fotografía en la Photographic Highschool de Malmoe, y luego trabajó en 1981 como fotógrafo del Värnpliktsnytt Stockholm y como freelance y músico.

Ya a los 19 años trabajaba como freelance haciendo fotos de grupos de música y colaborando con una revista de música radical. Cuando se convirtió en algo demasiado estalinista y menos libre, él y algunos de los que trabajaban allí fundaron una nueva publicación, Shlager, The only rock magazine. Era un título irónico, que significa malas canciones y se inspiraban en las revistas inglesas de música como The New Musical Express y The Face, que consideraban la fotografía no solo como algo para ilustrar, para acompañar un texto, sino como imágenes artísticas independientes. Bäcker trabajó allí como fotógrafo y editor de imagen, y fotografió a artistas tanto suecos como internacionales, como Ulf Lundell, David Bowie, Tina Turner , Grace Jones, Iggy Pop  junto a estrellas menos conocidas.

Pennie Smith y Anton Corbijn son dos fotógrafos que le inspiraron especialmente, dentro de la corriente que consistía en fotografiar al artista en blanco y negro, con composiciones gráficas, no como a estrellas.

Bäcker volvió a estudiar fotografía en la Konstfack Art Acadamy de Estocolmo y trabajó como freelance para revistas y el The Royal Dramatic Theatre, también para la Royal Opera y el ballet de Estocolmo y otras compañías independientes de danza, y desde 2006 como freelance para las óperas y teatros de Escandinavia.

En la actualidad Bäcker realiza trabajos más tranquilos. Fotos de ópera, danza y trabajos personales en su estudio ocupan la mayoría de su tiempo, aunque afirma que le divierte seguir exponiendo sus fotos de rock, como el proyecto de Raw Power que expone en Madrid en 2014, lo hará en Palma de Mallorca en octubre y quizás en Barcelona.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • 2012. Raw Power
  • 2004. Opera! The 30 best
  • 2000. Ole Bull
  • 1998. Royal Swedish Ballet 225 years
  • 1998. 46 Stories about Costumes
  • 1998. Drottningholm Court Theater
  • 1983. The Rockbook

domingo, 20 de julio de 2014

Helmut Gernsheim

Helmut Gernsheim fue un historiador del arte, fotógrafo y coleccionista inglés (nacido en 19 de diciembre de 1908 en Múnich, Alemania, y fallecido el 30 de marzo de 2000 en Lugano, Suiza)  que fue un pionero en la investigación de la historia de la fotografía.

 

 

Felix Man, 1946 © Helmut Gernsheim

Felix Man, 1946 © Helmut Gernsheim

 

 

 

Biografía

Helmut Erich Robert Kuno Gernsheim nació en Múnich y estudió historia del arte en la Ludwig Maximilian University of Munich y entre 1934 y 1936 en la Escuela Estatal de Fotografía de Baviera, también en Múnich y en la que realizó también un curso sobre fotografía en color con Uvachrome.

Sus estudios de fotografía se debieron en parte al consejo de su hermano que vivía en Londres. En julio de 1937 fue a exponer sus fotografías en la Feria Mundial de París y desde allí se trasladó a Londres para realizar una serie de reproducciones de cuadros de la National Gallery para la empresa Uvachrome de Múnich y aprovechó este trabajo para fijar su residencia en esta ciudad, ya que era en parte judío y muy crítico con el nazismo.

Al estallar la segunda guerra mundial fue ingresado en un campo de internamiento en Huyton, cerca de Liverpool, aunque pronto fue trasladado a Sídney y de allí a varios campos australianos: Hay, Orange y Tatura hasta ser liberado en noviembre de 1941 y pudo trasladarse a Londres donde realizó reportajes sobre edificios históricos para el National Buildings Records que tuvieron gran aceptación.

En abril de 1942 se casó con Alison Eames y en 1946 adquirió la nacionalidad británica. Entre 1940 y 1952 formó parte de la Royal Photographic Society aunque renunció al considerar que mantenía unos principios retrógrados.

Hacia 1945, animado por Beaumont Newhall, se interesó por el coleccionismo y en 1947 abandonaría la fotografía profesional para dedicarse solo al coleccionismo y realizó diversas adquisiciones como la heliografía titulada Vista desde la ventana en Le Gras que está considerada como la fotografía permanente conocida más antigua que en 1952 encontró y compró, sin embargo, quizá su descubrimiento de una cámara original de Nièpce se pueda considerar su descubrimiento más importante. La conservación del la obra de Lewis Carroll es también uno de sus logros. Helmut y Alison Gernsheim amasaron una gran colección que contiene el trabajo de figuras como Julia Margaret Cameron, Alvin Langdon Coburn, Hill & Adamson, William Henry Fox Talbot y Louis Daguerre.

Uno de sus primeros trabajos escritos fue publicado en 1942 cuando aún ejercía como fotógrafo profesional con el título de New Photo Vision y en él exponía ideas próximas al movimiento de la nueva objetividad que fueron muy discutidas en los círculos fotográficos más tradicionales. Su texto más destacado fue The History of Photography from the Earliest Use of the Camera Obscura in the Eleventh Century up to 1914 de 1955 que lo escribió en colaboración con su esposa Alison y del que escribieron una versión reducida y revisada en 1965 titulada A concise history of photography y otra revisión en 1969 titulada The History of Photography from the Camera Obscura to the Beginning of the Modern Era. Otro texto que despertó gran interés fue Creative Photography: Aesthetic Trends, 1839-1960 publicado en 1962 que permitió dar a conocer a los fotógrafos británicos otras tendencias poco conocidas.

A lo largo de su vida recibió numerosos premios y reconocimientos por su trabajo entre los que se puede destacar el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía de 1959, o la medalla David Octavius Hill de 1983. En 1961 vendió su colección de más de 50.000 fotografías, unos 3.000 libros y 300 elementos fotográficos al Harry Ramson Center de la Universidad de Texas en Austin, tras n. o encontrar mecenas en Inglaterra.

Con esta venta Gernsheim fue capaz de reestructurar su tiempo y esfuerzos. En ningún sentido, sin embargo, se retiró de la profesión o de su apasionada defensa de la fotografía. Desde su casa en Suiza continuó haciendo contribuciones activas a la literatura, la enseñanza y la influencia crítica de las múltiples dimensiones de la fotografía.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • 1942 New Photo Vision
  • 1948 Julia Margaret Cameron; her life and photographic work
  • 1948 The Man Behind the Camera
  • 1949 Focus on Architecture and Sculpture, an original approach to the photography of architecture and sculpture
  • 1949 Lewis Carroll, photographer
  • 1950 Beautiful London
  • 1951 Masterpieces of Victorian Photography
  • 1952 Those Impossible English [*]
  • 1954 Roger Fenton, Photographer of the Crimean War. His Photographs and his Letters from The Crimea [*]
  • 1955 The History of Photography from the Earliest Use of the Camera Obscura in the Eleventh Century up to 1914 [*]
  • 1955 Churchill: His Life in Photographs
  • 1956 L. J. M. Daguerre. The History of the Diorama and the Daguerreotype [*]
  • 1959 Victoria R. A Biography with Four Hundred Illustrations based on her Personal Photograph Albums [*]
  • 1960 Historic Events 1839–1939 [*]
  • 1960 The Recording Eye. A Hundred Years of Great Events as Seen by the Camera, 1839–1939 [*]
  • 1962 Creative Photography: Aesthetic Trends, 1839-1960
  • 1962 Edward VII and Queen Alexandra: A Biography in Word and Picture [*],
  • 1965 A concise history of photography [*] 
  • 1966 Alvin Langdon Coburn: Photographer [*]
  • 1969 The History of Photography from the Camera Obscura to the Beginning of the Modern Era .
  • 1970 Fotografia Artistica: Tendinte Estetice 1839–1960.
  • 1982 The Origins of Photography
  • 1984 Incunabula of British Photographic Literature: A Bibliography of British Photographic Literature 1839–75 and British Books Illustrated with Original Photographs
  • 2013 The history men: Helmut Gernsheim and Nicéphore Niépce.

[*] con su mujer Allison.

sábado, 19 de julio de 2014

Mak Remissa

Mak Remissa es un fotógrafo camboyano (nacido en Phnom Penh, en 1970) que está considerado como uno de los más exitosos fotógrafos jémer de su generación.

 

© Mak Remissa

© Mak Remissa

 

Biografía

Mak Remissa. A los 5 años fue trasladado forzosamente junto a su famila por los Jemeres Rojos a la provincia de Takeo.

En 1995, se licenció en Bellas Artes y Fotografía en la Escuela Real de Bellas Artes de Phnom Penh, y su trabajo pronto apareció en numerosas publicaciones como Cambodge Soir y el Phnom Penh Post. También ha trabajado para Reuters y otras organizaciones.

Remissa ha exhibido su fotografía artística en Camboya, Francia, Canadá y los EEUU, y después de pasar unos años en Canadá, ha vuelto a vivir y registrar los acontecimientos de su país natal. Siete obras de la serie Fish and Ants forman parte de la colección permanente del Museo de Arte de Singapur.

Obtuvo un primer y tercer premio en el 1997 National Photojournalism de Camboya organizado por el Club de Corresponsales Extranjeros y presidido por Phillip Jones GriffithsPhillip Jones Griffiths, que fue un catalizador importante en su carrera.

Actualmente trabaja como reportero gráfico para la European Pressphoto Agency (EPA) y su trabajo se ve a menudo en los canales internacionales de noticias.

Su serie Fish and Ants se ha expuesto en 2005 en galerías de Phnom Penh como Popil y Java, así como en el Festival de Fotografía de Angkor. En 2014 estará en GetxoPhoto. Esta serie ilustra el proverbio camboyano Cuando el agua sube, los peces se comen a las hormigas; cuando el agua baja, las hormigas se comen a los peces, donde con infinita paciencia recoge el traslado de restos de pescado por hormigas en un mundo lleno de color.

Ha expuesto Water is Life en el Hotel De La Paix en Siem Reap, Angkor, durante su festival de 2011, en el Institut Français de Birmanie en el Yangon Photo Festival de 2012, y también en la ICA Gallery2, Institute of Contemporary Arts de Singapur, LASALLE College of the Arts, también en Singapur en 2012, y en el Festival de Xishuangbanna en 2014 en China

Mak Remissa es miembro de Asia Motion desde 2010.

 

 

Referencias