domingo, 7 de febrero de 2016

Shiho Fukada

Shiho Fukada es una cineasta, directora de fotografía y reportera gráfica japonesa (con sede en Boston y Tokio) que ha documentado desde acontecimientos de actualidad como el tsunami de Japón, a las pequeñas historias del día a día que no suelen aparecer en las noticias.

 

End of labor town © Shiho Fukada

End of labor town © Shiho Fukada

 

 

 

Biografía

Shiho Fukada obtuvo una licenciatura en literatura Inglesa en la Universidad de Sophia en Japón y tras trabajar en anuncios de moda, comenzó a hacer fotos con una cámara de 35mm prestada. Posteriormente estudió Periodismo Multimedia en la Universidad Ateneo de Manila, en Filipinas.

Comenzó su carrera como fotógrafo de prensa en Nueva York y tiene una década de experiencia en el rodaje y producción de historias a nivel nacional e internacional. Actualmente busca historias poco conocidas utilizando tanto video como fotografía.

Su trabajo ha aparecido en numerosas publicaciones como The New York Times, Time, Stern, New Yorker, Le Monde, CNN, MSNBC, entre otros.

Ha sido nominada al Emmy en 2015 y ha obtenido numerosos premios, becas y reconocimientos, entre los que podemos citar un premio Pulitzer en 2012, un 3º premio en World Press Photo en Multimedia en 2015, Photo of the Year de Editor & Publisher Magazine en 2008, The Visa d'or - Daily Press Award en Visa pour l'Image en Perpiñán en 2011, Women in Photojournalism Award en 2006, Days Japan International Photojournalism Award en 2011, varios New York Press Photographers Association y varios Best of Photojournalism, entre otros muchos.

Fukada también ganó una beca Alicia Patterson Journalism Fellowship en 2010 que le permitió investigar y la fotografíar a trabajadores desechables de Japón, uno de sus trabajos más reconocidos.

 

 

Referencias

sábado, 6 de febrero de 2016

Laura Heyman

Laura Heyman es una comisaria y fotógrafa estadounidense (nacida en Essex County, Nueva Jersey, vive en Syracuse, Nueva York) cuyo trabajo abarca la fotografía, el video, la performance y la instalación, siendo la fotografía la parte central de su trabajo, no sólo por el proceso de hacerlas, sino por los diversos marcos conceptuales que se han desarrollado con la práctica histórica y contemporánea del medio.

 

© Laura Heyman

© Laura Heyman

 

 

Biografía

Laura Heyman estudió fotografía en la University of the Arts de Philadelphia en Pensilvania, y un master en la Cranbrook Academy of Art en Bloomfield Hills, Michigan.

Aunque a veces utiliza digital, sobre todo trabajo en analógico, con una cámara de formato medio o grande. Últimamente utiliza película en blanco y negro Ilford HP5 con una cámara Deardorff 8X10 y una lente de 300 mm.

A finales de 2009, Heyman llegó a Puerto Príncipe para participar en la primera The Ghetto Biennale, abriendo un estudio formal de retrato en el barrio de Grand Rue, donde fotografió a los miembros de la comunidad con una cámara 8x10 en blanco y negro, revelando en la bañera del hotel, y dando copias a los participantes. Luego amplió el grupo de participantes con misioneros, empleados de ONGs, personal de la ONU, políticos locales y empresarios. Esto dió cuerpo a su serie Pa Bouje Ankò.

En The Photographer’s Wife presenta un sujeto femenino mirando íntimamente a la cámara, lo que sugiere que un artista toma imágenes de su amante. Como Heyman realiza ambas funciones a la vez, crea un fotógrafo de ficción, así como un tema de ficción.

Su trabajo ha sido expuesto en Luggage Store Gallery en San Francisco, Deutsches Polen Institute en Darmstadt, Alemania, Ampersand International Arts en San Francisco, Senko Studio en Viborg, Dinamarca, Silver Eye Gallery en Pittsburgh, The Palitz Gallery en Nueva York, Light Work Gallery en Syracuse, The Ghetto Biennale en Puerto Príncipe en Haiti, Philadelphia Photographic Arts CenterThe Laguna Art Museum, Naciones Unidas en Nueva York y The National Portrait Gallery en Londres.

En 2010, fue nominada para una beca John Guttman Photography, y fue galardonada con una Light Work Mid-Career Artist. También ha disfrutado de becas como Silver Eye Fellowship, Ragdale Fellowship y varias NYFA Strategic Opportunity Stipends.

Heyman ha comisariado exposiciones y mesas redondas en Vox Pouli en Philadelphia, Wonderland Art Space en Copenague y en la Clocktower Gallery de Nueva York, y su trabajo ha sido publicado en The New Yorker, Contact Sheet, Frontiers y ARTnews.

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 5 de febrero de 2016

Laurence Leblanc

Laurence Leblanc es una fotógrafa francesa (nacida en 1967 en parís, donde vive y trabaja) que se distingue por sus reportaje personales y poéticos, hechos en países como Somalia, India, y sobre todo, Camboya.
 

© Laurence Leblanc
© Laurence Leblanc



Biografía

Laurence Leblanc comenzó a tomar clases de dibujo y pintura en la Escuela Martenot desde los 9 años, y después aprendió grabado en la Escuela de Artes Decorativas del Louvre. Eligió la fotografía como su medio artístico y realizó sus primeros trabajos en 1993 en Droit au Logement, una organización benéfica francesa para ayudar a las personas a encontrar un techo para vivir.
 
Colaboró con los músicos Jacques Higelin y Peter Gabriel.  Después de salir de este campo, se decidió a explorar el mundo de la infancia, en un esfuerzo para visualizar sentimientos subconscientes, y empezó a gozar de la atención del público en 1998, con una exposición de fotografías sobre el tema de la infancia en el Mois de la Photo en París.
 
Ha obtenido diversos premios, y es representada por la Agencia Vu desde 2001. En septiembre de 2001 esta galería mostró su trabajo Rithy, Cléa, Kim Sour and the Others, con el que consiguió el premio de la Fundación CCF 2003 en fotografía. Este ensayo trata de cómo las experiencias traumáticas del dramático período de los Jemeres Rojos todavía se pasa de madre a hijo un cuarto de siglo después.




Referencias




Libros

  • Seul, l'air 2009
  • Higelin en cavale, 2008
  • Regards sur le monde : les visages de la faim, 2004
  • Rithy, Chéa, Kim Sour et les autres, 2003.

jueves, 4 de febrero de 2016

Kazuma Obara

Kazuma Obara es un fotógrafo japonés (nacido em Morioka el 24 de septiembre de 1985, vive en Kioto) que documenta los efectos de los desastres naturales o artificiales sobre la vida humana.

© Kazuma Obara

© Kazuma Obara

 

 

Biografía

Kazuma Obara estudió una licenciatura en sociología en la Universidad de Utsunomiya, y posteriormente estudió fotoperiodismo en la Days Japan Photo Journalism School mientras trabajaba en la industria financiera.

Después del tsunami y el desastre nuclear en 2011, renunció a su puesto de trabajo para comenzar a documentar la zona del desastre, fotografiando desde el interior de la central nuclear de Fukushima Daiichi. Obara fue el primer reportero gráfico en transmitir la historia desde el interior de la planta. Su trabajo en las zonas de desastre fue publicado en Suiza en el libro Reset Beyond Fukushima, en 2012.

En 2014, se centró en las víctimas de la II Guerra Mundial en Japón y su photobook Silent Histories (una edición limitada) fue finalista en el premio Aperture Photo Book y fue seleccionado por TIME, Lens Culture y Telegraph Best Photobook en 2014. En este libro Kazuma trató de representar la vida de los niños que resultaron heridos y sufrieron discapacidad como consecuencia del bombardeo aéreo estadounidense de Japón durante la II Guerra Mundial. Se ha dicho que el bombardeo indiscriminado de las fuerzas estadounidenses durante la Guerra del Pacífico mató a 330.000 y dejó 430.000 ciudadanos japoneses heridos. La recuperación económica de Japón a raíz de la devastación de la guerra fue tal que se conoce como "El milagro económico japonés". En contraste, los niños con heridas incurables de guerra se vieron obligados a vivir una vida muy dura, viviendo en las sombras, tratando de ocultar sus cicatrices y evitando causar problemas al ser invisibles tratando de ocultar su dolor.

Continuando con su investigación de las cuestiones laborales en centrales nucleares como un proyecto a largo plazo, Obara se centra actualmente en los trabajadores de la central nuclear de Chernobyl. Desde 2015 está estudiando en el London College of Communication un master en Fotoperiodismo y Fotografía Documental.

Como socio de la agencia suiza de fotografía Keystone, sus fotografías aparecen regularmente en The Guardian, Courier internacional, ZEIT, BBC, El Mundo, CNN, NHK y DAYS JAPAN.

 

 

Referencias

 

 

Libros

miércoles, 3 de febrero de 2016

Yang Yongliang

Yang Yongliang es un artista chino (nacido el 27 de julio de 1980 en Jiading, Shangái, vive y trabaja en Shanghai), cuyas composiciones crudamente revelan el impacto de los avances tecnológicos que China ha experimentado las últimas décadas, manejando a la perfección las contradicciones entre lo efímero y lo inmutable, entre el vigor y la gentileza, entre lo escaso y lo audaz, la belleza y lo feo a fin de que toda la imagen sea poéticamente armoniosa.

 

© Yang Yongliang

© Yang Yongliang

 

 

Biografía

Yang Yongliang estudió pintura china tradicional mo shui, y caligrafía antes de asistir a la Shanghai Art & Design Academy, donde se especializó en decoración y diseño a partir de 1996. En 1999 asistió a la Academia China de Arte, Departamento de Comunicación Visual, sucursal de Shanghai.

En 2005 comenzó su carrera como artista con el objetivo declarado de "la creación de nuevas formas de arte contemporáneo”, con medios como la tinta moderna, la pintura, la fotografía y el videoarte.

Yang Yongliang hábilmente ha recreado Cun, la principal representación de pinturas Shanshui chinas mediante el uso de una cámara, un dispositivo visual contemporáneo, para expresar su creatividad. Combinó pinturas tradicionales chinas con la vida moderna de la ciudad de Shanghai y los detalles revelan la cultura urbana actual. Las escenas de obras de construcción, grandes grúas, señales de tráfico y escalestrics que todos los ciudadanos de Shanghai conocen, se han convertido en elementos críticos en sus obras de arte, encajándolos en la composición de las pinturas tradicionales chinas. Al ver las obras fotográficas a distancia, son pinturas Shanshui de ensueño. Por el contrario cuando se miran de cerca, se convierten sorprendentemente en vistas de una ciudad moderna.

También ha realizado películas y cortos experimentales por los que ha sido apreciado y nominado. Muchos de sus artículos han sido publicados en revistas de arte. Su libro Grand Church fue publicado como material didáctico.

Su trabajo se ha expuesto en la Bienal de Moscú, Ullens Center for Contemporary Art y National Gallery of Victoria entre otros muchos sitios y forma parte de colecciones públicas y privadas como el British Museum y el Metropolitan Museum of Art.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • 2006. Grand Church.
  • 2011. Paysages.
  • 2012. New Landscapes (Chinese Contemporary Photography).
  • 2012. Paysages.

martes, 2 de febrero de 2016

Christian Patterson

Christian Patterson es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1972 en Fond du Lac, Wisconsin, vive en Nueva York) para el que las fotografías son el corazón de su trabajo pero, a veces, las acompaña de dibujos, pinturas, objetos o sonido.

 

© Christian Patterson

© Christian Patterson

 

… estoy interesado en las ideas, las historias, y la fotografía como medio de expresión. En mi trabajo he incorporado otros medios como música, documentación, objetos, dibujo y pintura.

 

 

 

Biografía

Christian Patterson se mudó en 2002 de Brooklyn a Memphis, Tennessee, para trabajar con el fotógrafo William Eggleston. En 2005, completó su primer proyecto, Sound Affects, una colección de fotografías en color que exploran Memphis como un lugar visual y musical, y utilizan la luz y el color como analogías visuales de sonido y música.

También en 2005, Patterson comenzó a trabajar en su segundo proyecto, Redheaded Peckerwood, que se inspira libremente en un asesinato múltiple en Nebraska en la década de los 50. Las fotografías son el corazón de esta obra, pero se complementan con documentos y objetos que pertenecieron a los asesinos y sus víctimas. Patterson se trasladó a Nueva York nuevamente.

En 2011 publicó Redheaded Peckerwood que fue considerado uno de los mejores álbumes de fotos del año por muchos críticos. Fue nominado para los 2012 Kraszna-Krausz Book Awards y ganó en 2012 en Rencontres d'Arles el premio al mejor libro.

En 2015, completó Fond du Lac, un proyecto de revisitar su ciudad natal de Fond du Lac. Un libro sobre esta serie fue publicado bajo la forma de facsímil de 1973 imitando la guía telefónica de Fond du Lac de su familia, con fotografías propias, dibujos y notas insertadas. Como Redheaded Peckerwood , este nuevo trabajo mezcla paisajes de gran formato a color, instantáneas en blanco y negro e imágenes de archivo apropiadas y manipulado, y estudios de naturaleza muerta. Como instalación y exhibición, la obra incluye un teléfono rotatorio interactivo y una escultura de madera.

En 2013 consiguió una beca Guggenheim y en 2015 ganó el Premio Internacional de Fotografía de Vevey. Patterson es un fotógrafo autodidacta y da conferencias ampliamente sobre su trabajo.

Está representado por Rose Gallery en Santa Monica y Robert Morat en Hamburgo y Berlín. Ha realizado numerosas exposiciones en solitario, entre las que podemos citar en 2016 su nueva serie Gong Co. en el Festival Images de Vevey, y sus series anteriores principalmente en EEUU y Alemania.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • 2015. Bottom of the Lake.
  • 2014. Fond du Lac Telephone Directory (Libro de artista).
  • 2013. Lost Home.
  • 2013. Bottom of the Lake.
  • 2011. Redheaded Peckerwood
  • 2010. Redheaded Peckerwood (Libro de artista).
  • 2008. Sound Affects.

lunes, 1 de febrero de 2016

Anthony Goicolea

Anthony Goicolea es un fotógrafo cubano-estadounidense (nacido en 1971 en Atlanta, Georgia, vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York) que, empleando diversos medios, explora temas que van desde la historia personal y la identidad, a la alienación y el desplazamiento, pasando por la tradición cultural y patrimonial.

 

Terrarium © Anthony Goicolea

Terrarium © Anthony Goicolea

 

 

 

Biografía

Anthony Goicolea estudió en la Universidad de Georgia, Athens, Historia del Arte con especialización en lenguas romances, y posteriormente Dibujo y pintura. En 1997 realizó un master en Escultura y la fotografía, en el Pratt Institute of Art en Nueva York en 1997. Pertenece a una primera generación cubano-americana, ya que su familia emigró a los Estados Unidos en 1961, un hecho que sustenta muchas de sus obras.

Su obra abarca desde autorretratos manipulados digitalmente a paisajes y cuadros narrativos ejecutados en una variedad de medios, incluyendo fotografía en blanco y negro y color, instalaciones escultura, video y dibujos de varias capas de Mylar.

Mayormente conocido por su puesta en escena de obras fotográficas y de video, Goicolea hizo su debut artístico a finales de 1990 con una serie de imágenes provocativas con múltiples autorretratos de grupos de chicos jóvenes en el umbral de la adolescencia.

Después, Goicolea realizó ambiguos, pero extrañamente convincentes paisajes, que van desde ambientes de bosque de ensueño a vastos páramos urbanos e industriales. Ha creado digitalmente  varias series de topografías pobladas por grupos de figuras enmascaradas y uniformadas.

Más reciente, muchas de sus imágenes están desprovistas de seres humanos, aunque el paisaje refleje una presencia humana anónima y cada vez más tenue. En estas obras, primitivos cobertizos y casuchas toscamente construidas conviven en una unión difícil con vestigios tecnológicos de una sociedad industrializada.

También está presente en su obra su propia historia personal explorando sus raíces y herencia familiar. Estas imágenes e instalaciones se caracterizan por una búsqueda ferviente de sus conexiones ancestrales y sociales a una patria mítica, Cuba, a la vez que revelan la nostalgia por un pasado que el artista nunca realmente experimentó, así como un sentido pronunciado de dislocación cultural y extrañamiento.

Ha realizado numerosas exposiciones en grupo y en solitario por todo Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia, como las del Museum of Contemporary Photography en Chicago, Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C., International Center of Photography en Nueva York, Postmasters Gallery en Nueva York, Haunch of Venison Gallery en Londres, Galerie Aurel Scheibler en Berlín, Groninger Museum en Holanda y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid. Alter Ego: A Decade of Work by Anthony Goicolea es la primera gran exposición museo itinerante dedicada exclusivamente a su obra.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las del Whitney Museum of American Art, Solomon R. Guggenheim Museum, Museum of Modern Art de Nueva York, Yale University Art Collection en New Haven, North Carolina Museum of Art en Raleigh y Telfair Museums en Savannah, entre otros.

Hasta la fecha, su trabajo ha sido objeto de cuatro libros. Ha sido presentado en ARTnews, Art in America, Art Forum, el New Yorker, el New York Times, Los Angeles Times, el Chicago Sun-Times y el Chicago Tribune, entre muchos otras publicaciones. Ha obtenido diversos premios y becas como Cintas Fellowship (2006), BMW Photo Paris Award (2005) y  la Joan Mitchell Fellowship Foundation.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros