miércoles, 23 de enero de 2019

Alix Marie

Alix Marie es una artista francesa (nacida en 1989 en París, vive en Londres) que trabaja con escultura, fotografía e instalaciones. Considera la fotografía como un objeto y explora su potencial de materialidad, tacto y tridimensionalidad, cruzando y mezclando los medios de la fotografía y la escultura. Trabaja las nociones de corporalidad y feminidad.


© Alix Marie

© Alix Marie


Estoy investigando las similitudes entre la piel y la fotografía: ambas superficies, ambas frágiles, ambas llenas de secretos y tabúes. Como fotógrafa y como persona me molesta la imposibilidad de ver lo que hay debajo de la imagen y lo que hay debajo de la piel de la gente, me gustaría rascar la superficie y cavar. Es por eso que estoy tratando de unir ambos, a veces al borde de lo abyecto, mirando lo que hace jugar con los límites de la representación del cuerpo.

Se trata de explorar los límites de mi relación con la fotografía y la creación de imágenes tanto como los límites de mi relación con los cuerpos. La imposibilidad de agarrar un cuerpo es inherente al medio de la fotografía tanto como al deseo y al amor, pero al hacer ambas cosas a la vez, se alivia lo insaciable.



Biografía

Alix Marie fue a estudiar a Londres, donde se graduó en 2011 en el Central Saint Martins College con una licenciatura en Bellas Artes y en 2014 realizó un master en fotografía artística en el Royal College of Art de Londres. Su trabajo considera la fotografía como un objeto y continúa llevando su práctica hacia nuevas direcciones al investigar el potencial de materialidad y las tres dimensiones del medio.

Comenzando con imágenes de desnudos de sí misma y de sus personas más cercanas, Marie hace sus fotografías y las transforma en instalaciones y esculturas a gran escala. Las proporciones hinchadas y la carne arrugada se desvían del origen de la fotografía, dando como resultado formas gigantescas de algo no completamente humano. Enfocando nuestra relación e incomodidad con nuestros cuerpos, así como las corrientes ocultas implícitas de la feminidad, la serie presenta una intimidad desnuda, despojada hasta los huesos y profundamente apasionada, tratando, a través del proceso de abstracción, fragmentación y objetivación, de romper el límite de las envolturas de nuestra piel.

En 2017 ganó el Portfolio Review Award y fue seleccionada para la 11ª edición de Foam Talent Call. Su trabajo ha sido presentado recientemente en la exposición internacional Foam Talent, presentada en Ámsterdam, Nueva York, Londres y Frankfurt. Sus exposiciones individuales más recientes incluyen La Femme Fontaine en Roman Road en Londres, y ADYTA en Ratinger Tor dentro del Duesseldorf Photo Weekend 2018. 

Ha expuesto individualmente en Mois de la Photo Off en la Galerie LJ en París en 2012,  Venez Fruits Presses en La Manutention en París en 2014, BAB DAR en colaboración con la Bienal de Marrakech en 2014,  Salon de la photo OFF en  La Belleviloise en París en 2013,  Rural en la Red Gallery de Londres en 2013, An Eye For An Ear en China House en Malasia en 2013, Guest Room Maribor en Eslovenia en 2012 y Fresh Winds en Gardur, Islandia, en 2012.

   


Referencias



    Libros

    • BLEU, 2017.
    • MDAM, 2017.
    • Science and Fiction (varios), 2014.

    martes, 22 de enero de 2019

    Mateusz Sarello

    Mateusz Sarello es un fotógrafo polaco (nacido en 1978 en Varsovia, donde vive y trabaja) que realiza fotografía en blanco y negro. Es principalmente reconocido por su libro Swell, una historia con el mar Báltico presente y en 2 partes sobre la soledad, la ausencia y la incapacidad de aceptar y dejar ir.

    © Mateusz Sarello

    © Mateusz Sarello

    Biografía

    Mateusz Sarello se graduó en la Academia de Fotografía de Varsovia.

    Su proyecto más reconocido es Swell (Mar de fondo) y nació en otoño de 2010 como un proyecto documental sobre el Mar Báltico, acompañado por su novia. Pero después de la ruptura, solo quedaron una docena de postales de aquellos días, un comienzo de algo inconcluso, un punto de inflexión que llevó al autor a construir una nueva narración, a enfrentar viajes agotadores, impulsados por la necesidad de regresar a su mar Báltico, a los mismos lugares y recuerdos inolvidables. Es pues, una historia agresiva sobre la soledad, la ausencia y la incapacidad de aceptar y dejar ir. El libro resultante tiene dos mitades, ambas con visitas al mar Báltico: la primera con su novia y la segunda sin ella. Tan diferentes son las imágenes y el estado de ánimo que reflejan que son dos libros en uno.

    Este libro fue elegido como finalista en Best Photography Book Award en el Pictures of the Year International en 2014, consiguió el 3er premio en el International Photography Awards en 2013 y una mención de honor en la Best Photography Book from Central and Eastern Europe 2013-2014 en el European Month of Photography en Bratislava en 2014 y fue elegido para la lista Best Books of 2013 de Photo-Eye.

    Swell ganó el Grand Prize en el Prix Photo La Quatrieme Image con una residencia en la Cite des Arts en Paris y el City of Paris Grant que le permitió cumplir su siguiente proyecto en 2015.

    Otros premios y galardones por su trabajo son Center Santa Fe Awards, Lucie Foundation Scholarship, FotoVisura Grant, Photolucida Critical Mass, Celeste Prize, PDN Photo Annual, FotoWeekDC International Awards, Prix de la Photographie Paris, International Photography Awards y el International Photography Festival Organ Vida Prize.

    Finalista de los Lens Culture Exposure Awards, de la Lucie Foundation Scholarship y el Grand Press Photo, ha expuesto en el Festival Cortona On The Move, Chobi Mela International Festival of Photography en Dhaka, FotoWeekDC en  Washington DC, Photomonth y Pauza Gallery en Cracovia, Karas Galler en Zagreb, Leica GalleryObok ZPAF Gallery en Varsovia, Gallery of Photography en Dublín, Gallery Nine en Belfast y Splashlight Studios en Nueva York.

    Su obra ha sido publicada en Lens Culture, GUP Magazine, Foto8, PDN - Photo District News, Blow Magazine, Archivo Magazine, Der Greif Magazine, F-Stop Magazine, Prism Magazine, Exklusiv, Here, Flip, 5klatek, Doc! Photo Magazine y Private Photo Review.

    Referencias

    Libros

    • Swell, 2013 y 2014.

    lunes, 21 de enero de 2019

    Nicholas Hughes

    Nicholas Hughes es un fotógrafo inglés (nacido en Liverpool en 1963) cuyo trabajo examina el espacio entre el mundo que habitan las personas y aquello que la naturaleza todavía reclama como propio. Busca explorar la esencia del espíritu humano y su relación con la naturaleza a través del uso de una cámara de película de gran formato.


    Field (Verse I) #1 © Nicholas Hughes

    Field (Verse I) #1 © Nicholas Hughes



    Biografía

    Nicholas Hughes comenzó a hacer fotografías en su juventud, pero fue en 1998 cuando nació su vocación como artista fotográfico, y completó una educación fotográfica formal a través de un master en arte en el London College of Communication en 2002.

    Hughes se interesó en el ecologismo a una edad temprana y al ver cómo sufría el mundo natural a expensas de las ganancias de las grandes empresas lo llevó a recaudar fondos para un grupo de presión ambiental. La creciente conciencia de la fragilidad y la belleza de la naturaleza lo llevó en el ámbito de la fotografía al paisaje.

    Su trabajo, aparentemente dependiente de un estilo de vida transitorio, alude a temas universales románticos, aliados a una sensibilidad ambiental. Cada proyecto busca ilustrar el frágil residuo del desierto contemporáneo a través de visiones reducidas de lo sublime dentro de la naturaleza localizada. Hughes trabaja principalmente en las inmediaciones de donde reside, ya sea en el centro de Londres, Cornualles, la costa británica, Suiza o Alemania. Algunas imagen están construidas con exposiciones múltiples en un solo negativo, creando efectos atmosféricos que evocan bosques primordiales.

    Su monografía Nowhere Far abarca seis series y quince años de trabajos en gran formato, impresos a mano en su cuarto oscuro. Arraigado en las tradiciones del romanticismo y el pictorialismo, el libro se desliza hacia los bordes externos de la abstracción, desplazándonos en vastas extensiones de tierra, mar y cielo.

    Su trabajo ha obtenido un creciente reconocimiento internacional a través exposiciones individuales en Photographers’ Gallery de Londres, en la galería Nailya Alexander de Nueva York y como expositor en 'Earth' The Houston Bienal Fotofest en 2006, así como en 'Landscape', el 5º Festival Internacional de Fotografía en Seúl en 2005.  También se ha visto en las principales ferias de arte fotográfico del mundo en Los Ángeles, Nueva York y París.  

    Su obra ha aparecido en numerosas publicaciones, como Next Level, Exit, Hotshoe International, The Photographer y British Journal of Photography, y se encuentra en una variedad de colecciones fotográficas de todo el mundo, incluyendo colecciones públicas en el Victoria and Albert Museum, Museum of Fine Arts en Houston y el Gana Art Center en Seúl.


    Referencias


    Libros

    • Nowhere Far, 2017.
    • Aspects of Cosmological Indifference, 2013.

    domingo, 20 de enero de 2019

    Massao Mascaro

    Massao Mascaro es un fotógrafo francés (nacido en Lille en 1990, vive y trabaja en Bruselas, Bélgica) cuyo trabajo busca un delicado equilibrio entre la autobiografía, la topografía y la política, girando a menudo en torno al territorio.

    © Massao Mascaro

    © Massao Mascaro

    Biografía

    Massao Mascaro estudió fotografía en ESA Le Septante Cinq en Bruselas y en BlankPaper de Madrid. Su trabajo siempre está buscando un delicado equilibrio entre la autobiografía, la topografía y la política. Su obra a menudo gira en torno al territorio.

    En Ramo (2010-2014) descubre los múltiples significados que puede llevar la imagen al construir una historia que mezcla la memoria de su familia italiana con la suya. Con la riqueza de la fértil tierra calabresa, en las proximidades de Pianopoli, la pequeña ciudad de donde proceden sus abuelos, los rostros de los hombres que trabajan a la luz del sol y aquellos elementos que permiten reconstituir los elementos de la memoria de una familia de campesinos, revela paso a paso la genealogía de su familia.

    En Jardin toca el espacio mítico del jardín, que, en este caso, se encuentra en las calles y parques de Madrid. En esta serie, compuesta por 40 imágenes, aborda simultáneamente estas dos actividades culturales: crear jardines, narrar cuentos, y sus imágenes encarnan las delicadas tensiones creadas en el espacio y el tiempo.

    En su nuevo proyecto What a big river, está trabajando en las costas del Mediterráneo, cuna de muchas civilizaciones, utilizando el viaje de Ulysses como una guía vaga. El alcance de su trabajo es profundamente político, ya que se basa en la necesidad de explorar cómo los humanos se relacionan con los espacios (tanto culturales como geográficos) que habitan.

    En 2016, fue galardonado con el Bozar Monography Award por Jardin. En 2017, fue nominado y fue parte de .TIFF por el Antwerpen Foto Museum. Su obra forma parte de la prestigiosa colección de la Fundación A Stichting.

    Massao vive y trabaja en Bruselas y es miembro fundador del colectivo de fotógrafos con sede en Bruselas, La Grotte.

    Referencias

    Libros

    • Ramo.
    • Jardin (previsto para julio 2019).

    sábado, 19 de enero de 2019

    Bego Antón

    Bego Antón es una fotógrafa vasca (nacida en 1983 en Bilbao, vive en Barcelona) cuyo trabajo se centra en el comportamiento humano y reflexiona sobre nuestra implicación psicológica y moral con el mundo natural. También muestra particular interés por pequeños grupos con intereses extraños para destripar conceptos como la verdad, la realidad o la fantasía. Utiliza un lenguaje documental con un corte naturalista, en un trabajo que disecciona la antropología y lo social de las personas.

    BegoAnton

    © Bego Antón

    Biografía

    Bego Anton estudió periodismo en la Universidad de País Vasco y se especializó en fotografía documental en Barcelona. Su trabajo fotográfico disecciona el comportamiento humano y reflexiona sobre nuestra implicación psicológica y moral con el mundo natural. También muestra particular interés por pequeños grupos para trabajar sobre conceptos como la verdad, la realidad o la fantasía.

    Su trabajo ha sido publicado en el blog Lens del New York Times, National Geographic, Le Monde, Esquire, CNN Photos y The British Journal of Photography entre otros, habiendo expuesto en FotoWeek DC, en el Museo Guggenheim de Bilbao, en Canal Isabel II de Madrid y en Nueva York, Washington, Suiza, Alemania, Islandia, India, Londres, ...

    Ha sido becada por Vegap, Spain USA Foundation, EEA Grants de la embajada de Noruega en Madrid, la Diputación Foral de Bizkaia y El Instituto Vasco Etxepare. Fue elegida para participar en la Joop Swart Masterclass del World Press Photo en 2014.

    Su trabajo aporta una mirada fresca a la fotografía documental, profundizando en el comportamiento humano desde una mirada superficial hasta un estudio profundo en el que reflexiona sobre la implicación psicológica y moral con el mundo natural, como se puede ver en sus trabajos:

    • Everybody Loves to ChaChaCha, un fantástico documento que nos muestra la relación emocional entre perros y dueños bailarines de los concursos de baile de perros en Norteamérica.
    • Lady Winter. Una residencia en Óslafsfjördur, un remoto pueblo del norte de Islandia le permite una investigación socio-antropológica sobre el comportamiento humano en un contexto donde las condiciones climáticas no son favorables para la vida.
    • Butterfly Days, se centra en un grupo de personas que están interesadas en las mariposas y las polillas en un pequeño pueblo al sur de Inglaterra.
    • The Earth is Only a Little Dust Under Feet (2013-2015), de nuevo en Islandia, un país donde gran parte de sus habitantes cree en seres mágicos como hadas, trolls, elfos, huldufolk, y demás seres míticos. A través de entrevistas con personas que creen en estos seres busca e indaga este tipo de criaturas.
    • Haiek Danak Sorginak (Todas Ellas Brujas) es una recreación visual de la caza de brujas en el País Vasco durante un periodo de 300 años.

    En 2017 Bego fue galardonada con el premio artista revelación de Photo España al artista menor de 35 años residente en España, cuyo trabajo ha destacado en el último año. Realiza talleres de fotografía en EFTI en Madrid e Idep en Barcelona.

    Referencias

    Libros

    viernes, 18 de enero de 2019

    Thomas Kellner

    Thomas Kellner es un fotógrafo alemán (nacido en Bonn en 1966, vive y trabaja en Siegen) cuyo interés principal siempre ha sido la fotografía experimental y conceptual. Experimentó con diferentes procesos, como cámaras estenopeicas, fotogramas, cianotipos, impresiones en papel de sal y otros, mientras buscaba su propia voz visual. En 1997, comenzó a trabajar con negativos, realizando impresiones a partir de hojas de contacto y a componer el trabajo con el rollo de película. Desde entonces ha fotografiado los monumentos más famosos del mundo, creando imágenes que desafían las perspectivas habituales en un juego visual caleidoscópico que muestra la arquitectura de una manera distorsionada.



    Creo que soy más un artista que un fotógrafo. En este momento estoy trabajando en arquitectura, pero no es una fotografía de arquitectura clásica. Hay definiciones en el arte sobre "construcción/deconstrucción" o "collage/decollage", pero no creo que nada de esto se ajuste a lo que estoy haciendo en este momento,. Tal vez mi trabajo esté más cerca del arte conceptual o de la fotografía conceptual. Muchos han dicho que mi fotografía es "muy alemana", y eso podría estar más cerca de la realidad.

    Biografía

    Thomas Kellner estudió arte, sociología, política y economía en la Universidad de Siegen. En 1996 Kodak Alemania le otorgó el Premio Jóvenes Profesionales por lo que se decidió a vivir del arte y la fotografía. Desde 1997, Thomas vive y trabaja como artista visual en Siegen. En 2003 y 2004, fue profesor visitante de fotografía artística en la Universidad de Giessen. Desde 2005, Kellner ha sido invitado regularmente como experto en fotografía por todo el mundo, como los festivales de Brasilia, Houston y Pekín.
    Desde el comienzo de sus estudios, su interés fue la fotografía experimental y conceptual, trabajando con cámaras estenopeicas, fotogramas e impresiones en técnicas alternativas, como el cianotipo, el papel a la sal y otros. Su interés  siempre fue encontrar un lenguaje visual sólido combinado con capas de contenido. Después de un proyecto en la frontera alemana, comenzó a trabajar en monumentos europeos en 1997 utilizando el método de la hoja de contacto y "deconstruyendo la arquitectura como lenguaje visual". Desde 2003, ha trabajado en exteriores e interiores arquitectónicos de todo el mundo. Sus edificios parecen estar separados, bailando y nos recuerdan la vulnerabilidad de nuestros valores y creaciones.
    Sus fotomontajes deconstruyen monumentos arquitectónicos icónicos y paisajes urbanos. Cada fotograma se toma secuencialmente, luego se imprime en el orden exacto de la película (sin cortar/pegar ni manipular digitalmente) antes de cortar las tiras y luego colocarlas juntas. El tamaño de cada montaje de la hoja de contacto final depende de la cantidad de película que use para cada tema: con un rollo de película, los montajes son de solo 20 x 24 cm.
    Thomas ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales en Aarhus, Brasilia, Boston, Chicago, Colonia, Giessen, Hamburgo, Londres, Los Ángeles, Múnich, Nueva York, Portland, Siegen y Stuttgart, entre otros lugares.

    Referencias

    Libros

    • Contacts N&B 1997–2005, 2016.
    • Tango Metropolis, 2016.
    • Thomas Kellner, 2016.
    • Black & White, 2016.
    • Kontakt, 2014.
    • Contacts 1997–2013, 2014.
    • genius loci, 2014.
    • Houston we’ve had a problem, 2013.
    • Wir sind von Idealbildern umgeben, 2012.
    • Mexiko, 2011.
    • Thomas Kellner. Brasilia, 2010.
    • Brasília – 50 years of a modern utopia, 2010.
    • FarbWelt 135-36, 2010.
    • Wir sind das Volk!, 2009.
    • All shook up. Thomas Kellner Photographs The Boston Athenaeum, 2008.
    • Dancing walls 2003–2006, 2007.
    • Tango Metropolis, 2005.
    • Ozymandias, 2003.
    • Thomas Kellner – interactive (CD-Rom), 2003.
    • Monumente, 2001.
    • 11-Loch-Arbeiten, 2000.
    • Deutschland. Blick nach Draußen, 1998.

    jueves, 17 de enero de 2019

    Meridith Kojut

    Meridith Kojut es una fotoperiodista estadounidense (nacida en 1983, vive en Caracas, Venezuela) que ha trabajado cubriendo América Latina para la prensa extranjera desde 2007. Colaboradora habitual de The New York Times, ha producido ensayos fotográficos en profundidad sobre la revolución socialista de Hugo Chávez en Venezuela, el tráfico de drogas en Bolivia, la transición de Cuba, la violencia de pandillas en Venezuela y El Salvador, refugiados y cuestiones migratorias en América Central, derechos laborales en Haití, prostitución en Colombia y hacinamiento en las prisiones en El Salvador y Venezuela.

    Enlace a la foto elegida de Meredith Kojut

    Biografía

    Meridith Kohut se graduó en la School of Journalism de la University of Texas y ha asistido al Eddie Adams Workshop de 2007 y a la World Press Photo Masterclass de 2015 en América Latina. Desde 2007 vive en Caracas, Venezuela, donde ha trabajado cubriendo América Latina para la prensa occidental.

    Durante los últimos años, ha trabajado principalmente documentando información económica y humanitaria de la crisis en Venezuela, fotografiando a miles de personas esperando en las colas para el pan, a pacientes que mueren a causa de la escasez de medicamentos en hospitales públicos colapsados, a personas que se enfrentan a las fuerzas de seguridad en violentas protestas callejeras antigubernamentales, que trabajan en minas de oro ilegales y a las que salen del país en botes junto con la cocaína de contrabando.

    Su trabajo ha dado lugar a docenas de historias de portada publicadas en The New York Times, y ha sido ampliamente reconocido por The Overseas Press Club, The George Polk Journalism Awards y Pictures of The Year International. Su investigación de 5 meses y ensayo fotográfico que reveló que cientos de niños murieron de desnutrición infantil severa en hospitales públicos fue finalista del Premio Pulitzer en la categoría Feature Photography en 2018. Meridith obtuvo el Premio Courage in Journalism Awards de la International Women’s Media Foundation también en 2018.

    Es una colaboradora habitual de The New York Times. Sus fotografías también han sido publicadas por National Geographic, Leica, Bloomberg News, NPR, The Washington Post Magazine y Der Spiegel y han sido exhibidas en Visa pour L'Image, Sotheby de Londres, The Annenberg Space for Photography, Columbia University, The Leica Gallery Salzburg y Photoville en Brooklyn, Nueva York.

    Referencias