sábado, 20 de enero de 2018

Mercè Rodríguez

Mercè Rodríguez es una realizadora catalana (nacida el 8 de junio de 1967) que se encarga de poner imágenes a ideas, a conceptos, a historias… La luz, los encuadres, la edición… son sus herramientas y el medio en el que se siente cómoda y en él que le es fácil expresarse.

© Mercè Rodríguez

© Mercè Rodríguez

Esto es como un bicho que se te mete dentro y te domina, es una pura necesidad vital.

Biografía

Mercè Rodríguez llegó a la realización a través de la fotografía, perseguía poder pintar con la luz, emocionar con los encuadres… luego aprendió a unir imágenes, a ponerles sonido, a contar historias con ellas. Con el tiempo sigue persiguiendo lo mismo: explicar, contar, transmitir, emocionar a través de imágenes, sonidos, vídeos, audiovisuales, escenas, luz…

Mercè se ha retratado a sí misma en solitarias habitaciones de hotel donde las arrugas de las sábanas parecen trazadas por cuchillos de hojas blandas. También le gustan los paisajes vacíos sólo en apariencia y las formas múltiples de las sombras.

Actualmente trabaja en el ámbito de los museos y esto le ha abierto a otros planteamientos de imagen y de realización, experimentado y jugando con la imagen como parte de la escenografía o intentando transmitir sensaciones más que explicar historias, o dicho de otro modo, construir instalaciones donde la imagen tiene una importancia más sensorial que narrativa. Es una realizadora y su ambición es poder convertir los sueños en algo gráfico y emocionante a la vez.

Se dedica profesionalmente a realizar, diseñar y post-producir audiovisuales para museografía, instituciones, espectáculos singulares y televisión. Como fotógrafa ha participado en diferentes proyectos, exposiciones y artes-eventos donde destacan el Centro Cultural Can Basté (1997), La Farinera del Clot (2001), Casa Elizalde (2002) y Wandergalerie (2009) en Barcelona, ​​exabruptos (2014) en Moià, Konvent.0 (ediciones 2012, 2013 y 2014) y el Clic Cabrianes (2016).

Ha obtenido diversos premios, como el primer premio AVICOM INTERNACIONAL por la realización del audiovisual Jules Verne,  para la exposición del mismo nombre en la  Cueva dels Hams en Portocristo, Mallorca, segundo premio de la Fundación Olímpica Sant Jordi por el reportaje Raiverd 98 en 1999, mejor director español en el certamen Donne in Corto Transeurope Italia por el cortometraje Júlia, y mención del público al mejor cortometraje , también, por Júlia en la 5ª Mostra Internacional de Films de Dones de Barcelona, ambos en 1997.

Referencias

viernes, 19 de enero de 2018

Maria Kappatou

Maria Kappatou es una artista visual y fotógrafa griega (nacida en Toronto, Canadá, vive en Atenas, Grecia) que realiza fotografía callejera en las calles de Atenas.

© Maria Kappatou

© Maria Kappatou

Biografía

Maria Kappatou es una fan de la fotografía, el arte y la pintura y está también interesada en el diseño y las películas.

Cuando comenzó la crisis griega, los primeros afectados fueron los trabajadores autónomos, especialmente los que tenían que ver con las actividades no productivas. Como artista visual, trabajando en esos campos, tuvo que cerrar su estudio y esperar tiempos mejores. Pero la recesión empeoraba cada día e Internet crecía más rápido que nunca en Grecia. Luego, a través de las redes sociales, un movimiento de fotografía callejera estalló en el país y se unió a él desde el principio.

La fotografía callejera es para ella el género más feliz: es alegre, ingenioso, observador y requiere buenos reflejos, una mente alerta y un desafío constante entre la ética y los miedos de uno mismo. También tranquiliza la mente hasta un punto de trascendencia, y parece que siempre es la primera vez.

Después de los primeros tres años de austeridad, se encontró con que quería hacer cada vez menos fotografías callejeras, en el sentido de que la diversión disminuía cada día, ya que la mayoría de la gente en las calles parecía preocupada y triste. Como resultado de eso, comenzó a tomar fotos de una manera más introvertida y conceptual, que le permite expresar más sus sentimientos y percepciones de la situación actual.

Le atraen las miradas misteriosas y la visión de varios niveles, que pueden proporcionar una segunda lectura a una fotografía, por eso busca ciertas condiciones a veces, como reflejos, humor, armonía de forma y color, ¡y al mismo tiempo conseguir que su cámara enfoque en el momento correcto! Trabaja indistintamente en blanco y negro o en color, según lo pida el tema. Ha llegado a disparar de 6 a 8 horas al día, pero actualmente ha parado un poco.


Referencias

Libros

jueves, 18 de enero de 2018

Greg Marsden

Greg Marsden es un fotógrafo estadounidense (nacido en Los Ángeles, EEUU, vive en Sídney, Australia) cuya  fotografía captura esa fracción de segundo en que volvemos la cabeza y miramos a la gente en la calle; esa gente que va de un lugar a otro, con la cabeza gacha, sumida en sus pensamientos o sin ningún propósito.

Victoria Street, Potts Point, Sydney, 2014. © Greg Marsden

Victoria Street, Potts Point, Sydney, 2014. © Greg Marsden

Biografía

Greg Marsden, alias Ho hum, ha tenido varias experiencias de vida que han dado forma a cómo ve el mundo y hace fotos. Desde tocar el bajo en una banda previa a Guns N 'Roses con Slash y Steve Adler hasta trabajar en zonas de combate en América Central y Medio Oriente, pasando por acabar con los malos como policía secreta en Alemania. Es un psicólogo entrenado y, recientemente, un ejecutivo en una gran corporación. Ha viajado bastante por América, Australia, Asia y Europa. Ha estado en Berlín cuando cayó el muro y en el centro sur de Los Ángeles durante sus disturbios.

Al final recayó en Australia trabajando en la sede de una gran cadena de supermercados. Algo aburrido para él, por lo que compró una cámara para probar una vez más algo nuevo. Teniendo en cuenta su trayectoria profesional, es sorprendente que su fotografía parezca evitar lo extremo, y que se centre en las partes mundanas y, a menudo, solitarias de la vida urbana normal.

Dos de sus imágenes han sido seleccionadas recientemente por VICE como sus fotos favoritas de Australia para 2014/15. También ha ganado algunos premios fotográficos en su camino y ha expuesto su obra en galerías de Sídney, Melbourne, Londres y Estambul. Actualmente está representado por Black Eye Gallery en Sídney.

Realiza encargos para proyectos comerciales, de producción, documentales, digitales, artísticos y de eventos fotográficos. Entre sus clientes podemos citar a Arnott's Tim Tam, The Government of Australia, TAL, Johnson & Johnson, FOXTEL y Woolworths Ltd, entre otros.

Referencias

miércoles, 17 de enero de 2018

Frances y Mary Allen

Frances y Mary Allen fueron dos fotógrafas estadounidenses (nacidas en 1854 y 1858, y fallecidas ambas en 1941) que crearon fotografías idealizadas de escenas campestres, estudios de figuras y niños y paisajes de Nueva Inglaterra, Quebec, California y Gran Bretaña.
 
FrancesMaryAllen
Constance, 1897. Frances & Mary Allen

 

Biografía

Frances Stebbins Allen y su hermana menor Mary Electa perdieron gradualmente su audición en la década de 1880 y se vieron obligadas a abandonar sus trabajos como maestras y encontrar un nuevo medio de vida. Encontraron ese sustento a través de la fotografía, a la que, probablemente, fueron introducidas por su hermano Edmund hacia 1884, y a finales de la década ya aceptaban encargos y publicaban obras, convirtiendo sus visiones artísticas de los escenarios locales en una larga carrera que les trajo reconocimiento internacional y la reputación de ser dos de las mejores fotógrafas de su época.
 
Trabajando dentro de las reformas sociales y estéticas del movimiento Arts and Crafts, descubrieron que las casas y el mobiliario de Deerfield del siglo XVIII ofrecían un entorno ideal para sus recreaciones coloniales. Aunque estas visiones románticas del pasado (pictorialistas) comprenden su obra más conocida, las Allen también dominaron imágenes menos descriptivas. Ambas trabajaron como equipo siempre, aunque Mary hacía más retratos y Frances más paisajes, realizando ellas mismas todo el proceso: revelado, copias, retoque y montaje.
 
Sus imágenes se incluyeron en importantes exposiciones y publicaciones de fotografía artística, como el Washington Salon and Art Photographic Exhibition (1896), 3er Congreso Internacional de Fotografía en París (1900), 3er Salón Fotográfico de Filadelfia (1900), Exposición Pictórica Canadiense (1907) y en el Instituto de Arte de Chicago (1908).
 
Aunque sus obras están asociadas de manera principal con el valle del río Connecticut, viajaron ocasionalmente, fotografiando en lugares tan lejanos como Maine y Quebec y llevando su cámara a viajes por Inglaterra, Escocia y Gales en 1908, y a California en 1916.
 
Después de 1918, la mala salud y la peor visión de Frances comenzaron a pasar factura, haciendo ésta ya poca fotografía después de la Primera Guerra Mundial, aunque continuó asistiendo en el cuarto oscuro y con el negocio, y la productividad de Mary disminuyó también. Continuaron vendiendo grabados hasta 1935. Las hermanas, solteras y viviendo siempre juntas, cuidándose una a la otra, murieron en febrero de 1941 con 4 días de diferencia.

 

Referencias

 

Libros

  • Flynt, Suzanne L. The Allen Sisters: Pictorial Photographer, 1885-1920, 2002.
  • Frances and Mary Allen: A biography, 1969

martes, 16 de enero de 2018

Michael Penn

Michael Penn es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1969, vive en el Art Gallery District de Old City Philadelphia,  Pennsylvania) que realiza impresionantes imágenes monocromáticas capturadas en la verdadera esencia de la fotografía callejera tras un trabajo de fotografía urbana, principalmente de la ciudad de Filadelfia.

© Michael Penn

© Michael Penn

Biografía

Michael Alvin Penn es hijo del fallecido artista y fotógrafo industrial Alvin Penn. Ha vivido en la Ciudad Vieja de Filadelfia, durante más de veinte años. Después de trabajar en un bar durante casi 15 años, quiso hacer algo más creativo con su vida. Siempre había tenido interés en la fotografía, pero no tenía el tiempo ni los medios.

Después de su primera exposición fotográfica en solitario en la Silicon Gallery de Nueva York, Michael lanzó su nueva carrera capturando arquitectura contemporánea y clásica (puentes y estructuras emblemáticas) en Filadelfia y sus alrededores. Su portafolio del puente Benjamin Franklin obtuvo un gran reconocimiento nacional y mundial.

Desde esa primera exposición individual, ha expuesto en diversas muestras en grupo desde Manhattan hasta Santiago de Chile y su obra forma parte de las colecciones permanentes de The Wharton Business School  y The Philadelphia Eagles Football Organization.

Su creciente interés por la fotografía de W. Eugene Smith, William Klein y Takuma Nakahira alteró ligeramente sus puntos de vista sobre su propio trabajo. Las restricciones de las regulaciones de seguridad posteriores al 11-S resultaron ser para él una bendición disfrazada, junto con la conferencia y encuentro de 2009 con Daido Moriyama que le hizo de catalizador para un cambio en su fotografía.  Pronto se dio cuenta de que la fotografía callejera era su verdadera pasión.

La captura e impresión de unas 1000 fotografías de 10x15" realizadas durante tres años, conocidas como The Philadelphia Project, permitieron una transición fluida de la fotografía de bellas artes a la fotografía de calle y es también su serie con más éxito hasta la fecha. Este proyecto documenta la ciudad durante su gentrificación más reciente y el movimiento de renovación urbana y gran parte de lo que se fotografió ahora ya no existe. Se ha publicado en 40 libritos de 25 fotografías a sangrado completo de 8.5x11" en ediciones de 50, vendidos mensualmente y que finalizó en 2016.

Este éxito, le inspiró a comenzar y completar nuevos proyectos en la ciudad de Nueva York, el barrio chino de Filadelfia y la ciudad vieja de Filadelfia. La serie de fanzines MONTH-DAY-YEAR son fotografías tomadas en el transcurso de una jornada fotográfica de 6 horas en 1 día. De las 250 fotografías que suele sacar, edita y selecciona 25 para la publicación del fanzine. Tiene previsto realizar unas 6 publicaciones al año.

Estos cuerpos de trabajo y publicaciones están actualmente en exhibición en varias colecciones internacionales, como  The Museum of Modern Art en Nueva York, The Art Institute Of Chicago, Avery Architectural and Fine Arts Library en la Columbia University de Nueva York,  The Library of the National Museum of Modern Art en Tokio, The J. Paul Getty Museum en Los Angeles, California, y The Philadelphia Museum Of Art en Filadelfia, Pensilvania.

Referencias

lunes, 15 de enero de 2018

Roswell Angier

Roswell Angier es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1940, vive en Florence, Massachusetts) muy conocido por su trabajo en los clubes de striptease y burlesque de Boston de principios de los 70, incluido su aclamado libro A Kind of Life: Conversations in the Combat Zone.

© Roswell Angier

© Roswell Angier

.. hay mucho que nunca revelan en el escenario, o en sus conversaciones alegres en las sombras oscuras de los clubes; cualidades de gracia, ingenio, resiliencia y soledad de corazón.

Biografía

Roswell Angier es muy conocido por su trabajo en los clubes de striptease y burlesque de Boston de principios de los 70, pasando dos años y medio (de 1973 a 1975) fotografiando la zona de combate, un nombre que los patrulleros de la costa de Washington Street le dieron a dicha zona en la década de los 50, cuando merodeaban los bares de rock y reventaban las cabezas de los marineros.

En los 70, los marineros y bares de rock-and-roll fueron reemplazados por clubes de striptease. Angier estaba interesado en la complejidad de las personas de la comunidad de "entretenimiento para adultos" y conoció a muchas de las strippers y coristas que le permitieron fotografiarlas.

De 1978 a 1982, Angier continuó su trabajo de documentación social, explorando las comunidades nativas de Nuevo México y Arizona. Después de haber conducido por el área en numerosas ocasiones, influenciado por la imagen de Robert Frank de un bar indio en la autopista 66 en Gallup, Angier comenzó a fotografiar las ciudades que rodean la reserva Navajo. Sus imágenes representan a personas que intentan perseverar en medio de una comunidad atenazada por la marginación creciente y un alcoholismo debilitante.

A lo largo de su trayectoria, ha obtenido diversos premios y becas y ha expuesto en numerosas ocasiones de forma colectiva e individual. Su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas como el Museum of Fine Arts de Boston, Massachusetts, National Museum of American Art y Smithsonian Museum en Washington, D.C., entre otros.

Se dedica también a la enseñanza y ha publicado, a parte de su monografía "A Kind of Life": Conversations in the Combat Zone, numerosos libros, entre ellos el más reciente Train Your Gaze: A Practical and Theoretical Introduction to Portrait Photography, también publicado en 2008 en castellano como Saber ver. El retrato fotográfico, donde ofrece a los lectores un amplio contexto para la práctica de la fotografía de retrato. Es un texto exhaustivo que combina la teoría con la práctica y la técnica, ilustrado con numerosas fotografías realizadas por algunos de los fotógrafos y artistas más influyentes del mundo.

Referencias

Libros

domingo, 14 de enero de 2018

Luís Godinho

Luís Godinho es un fotógrafo portugués (nacido en Angra do Heroísmo, Azores) con especial enfoque en fotografía de naturaleza, de paisaje y de calle.
© Luís Godinho
© Luís Godinho

Biografía

Luís Godinho nació en una familia humilde, consiguiendo su primera cámara a través de un concurso hecho por una tienda de fotografía, para lo que se tuvo que levantar a las cinco de la mañana pues tenía que ser uno los primeros en revelar un rollo. Posteriormente se formó en Ingeniería y Gestión del Ambiente por la Universidad de las Azores y tiene ya un vasto currículum como fotógrafo, siendo su trabajo internacionalmente reconocido por editores de los principales sitios y revistas de fotografía, como National Geographic, Leica Fotografie International, Lens Culture, 500px y 1x.com, teniendo aún fotos publicadas en la prensa nacional e internacional, como O Mundo da Fotografia, Visão y Vander Love Magazine.
Los paisajes de su tierra, las Azores, los rostros y los diarios de oriente y de otros lugares, son sus principales fotos que realiza con una gran implicación emocional con las personas, culturas, ambientes, y así le es más fácil contar la historia.
Siempre que se desplaza a un país diferente intenta vivir como tal, experimentas la comida, conversar con los lugareños, sentir los olores y mirar alrededor con los ojos abiertos.
Ha obtenido diversos premios, como Sony Photography Awards de Portugal en 2017, Paisagens de Portugal de la revista O Mundo da Fotografia, en la categoría Gatos del concurso de Leica,finalista en Portraits de Lens Culture en 2015. Una de sus fotografías fue elegida para el Top Excelence de 2016 por Leica, otra fue la portada del libro Visions de 1x.com en 2016.

Referencias

Libros