miércoles, 29 de junio de 2016

Yvon Buchmann

Yvon Buchmann es un fotógrafo francés (nacido en Goetzenbruck, Lorraine, vive en Battenheim, Alsacia) que con su estilo elegante y sutil, a través de su amor a la vida y al ser humano, expresa con gran sencillez la extraordinaria poesía de la vida cotidiana. 

 

© Yvon Buchmann

© Yvon Buchmann

 

 

 

Biografía

Yvon Buchmann tuvo su primera cámara en las manos a la edad de 7 u 8 años de edad, entregada por su padre. Esta pasión ha resistido el paso de los años. A pesar de haber tenido que dejarla de lado, debido a circunstancias de la vida, vuelve incansablemente a ella.

A la edad de 19, después de un accidente que le impuso temporalmente una silla de ruedas, Buchmann se formó en contabilidad, al mismo tiempo que dedicaba su tiempo libre a la fotografía y a forjar su mirada. Después de muchos puestos temporales, se convirtió, en la década de 2000, en webmaster. La vida sigue, e Yvon se convirtió en padre y trabajador sin tiempo para la fotografía, con duros trabajos en el cuarto oscuro que no le satisfacían, guardando su pasión casi treinta años en el armario.

En 2006, su esposa cayó enferma y sintió la necesidad de retomarla. Una noche estaba caminando bajo un puente y descubrió una inscripción que decía 'Mi juventud se escapa y la vida también".  Sin pensarlo, subió a casa, cogió su cámara e hizo esa foto, con la que ganó su primer premio.

Para él lo extraordinario de lo cotidiano es capturar momentos fugitivos, inmortalizar un instante único, mostrar atmósferas, dar a conocer los sentimientos de la gente. Junto con su poderosa sensibilidad gráfica, su talento para la manipulación de la luz y el enfoque que da a las líneas de los edificios modernos, así como a los paisajes y a las caras de la gente, llenándoles de vida, consigue que sus imágenes conecten emocionalmente de forma inmediata.

Gran parte de su trabajo lo realiza en blanco y negro, pero mientras estaba en 2015 en Dubái para recibir su 4º premio en la categoría General en el Hamdan International Photography Award (HIPA), ganó el Premio Sony Francia de la World Photography Organisation con una foto en color.

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 28 de junio de 2016

Hoy hace 1 años: Mario Ayguavives

Mario Ayguavives es un escultor y fotógrafo aragonés (nacido en Zaragoza en 1968) que nos muestra una naturaleza no natural, rehecha y fabricada al gusto del consumidor, una imagen teóricamente más agradable al ojo humano, donde el gusto por la simetría y la repetición del hombre se exprime hasta crear un paisaje perturbador. Sus imágenes nos muestran una naturaleza globalizada, hecha al gusto del hombre, seriada y fabricada hasta la infinitud.

 

© Mario Ayguavives

© Mario Ayguavives

 

 

He querido mostrar a la ciudad completamente vacía y deshumanizada. Busco acentuar los volúmenes y despojarlos hasta dejarlos como una maqueta. Sin ninguna referencia al ser humano que es el que ha creado esa ciudad.

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

lunes, 27 de junio de 2016

Nelli Palomäki

Nelli Palomäki es una fotógrafa finlandesa (nacida en 1981 en Forssa, vive y trabaja en Helsinki) cuyos retratos intemporales de niños y jóvenes revelan la fragilidad del momento. Sus fotografías tratan del crecimiento, la memoria y nuestra problemática forma de vernos a nosotros mismos. Uno de los temas cruciales en su retrato es nuestra mortalidad.

 

© Nelli Palomäki

© Nelli Palomäki

 

 

Luchamos contra nuestra propia mortalidad. Podemos negarlo, pero las fotografías están ahí para demostrar nuestro destino ineludible. La idea de envejecer es desgarradora.

 

 

 

Biografía

Nelli Palomäki se graduó en Diseño y Arquitectura en la Aalto University School of Art de Helsinki.

Componente de la Escuela de Helsinki, en su fotografía busca la magia perdida que antes era inherente a la fotografía en los días en que hacerse un retrato era algo especial. Sus retrato, mayoritariamente en blanco y negro desafían nuestro punto de vista de la cantidad de una fotografía puede revelar acerca de nosotros. La propia personalidad y las emociones del artista también se transfieren en sus obras. A través de su método de trabajo intensivo, Palomäki logra contactar con sus sujetos, a menudo sin mediar palabra. Los momentos de la toma se dedican al silencio, y la artista muchas veces ni siquiera comparte idioma con sus modelos.

Palomäki utiliza una antigua cámara réflex de objetivos gemelos desde el principio, cuando aún era una estudiante, que, por sus características técnicas y el formato 6x6 cm de la película le permite producir retratos suaves, reproduciendo fiel y sensualmente estructuras y superficies.

Sus obras han sido expuestas en numerosas exposiciones individuales y colectivas internacionales. Entre las primeras podemos citar: Breathing the Same Air  en el Ordrupgaard Art Museum de Copenhague en 2013, Nelli Palomäki en el The Finnish Museum of Photography en Helsinki en 2013, Sons of Nakhimov en el The Wapping Project Bankside en Londres en 2012, As time consumes us en el Discovery Award de Les Rencontres d’Arles en 2012 y en el Kulturhuset de Estocolmo en 2011, Elsa and Viola en Next Level Projects en Londres en 2011 y en Gallery TAIK en Berlín en 2009, I, Daughter en el Turku Art Museum de Turku en 2008.

Entre las colectivas incluimos las realizadas en el Helsinki City Art Museum, Hasselblad Foundation en Gothenburg, Bruce Silverstein Gallery en  Nueva York, Daegu Photo Biennale en Corea del Sur, The National Museum of Photography en Copenhague, Purdy Hicks Gallery en Londres y Aperture Gallery en Nueva York.

Su fotografía ha aparecido en diversas publicaciones como la revista TIME, British journal of photography, Independent magazine, New York Magazine, Zoom y Exit

En 2010 Palomäki obtuvo el segundo premio en la categoría de Retrato en los Sony World Photography Awards y el mismo año la Fundación Hasselblad le otorgó la beca Victor Fellowship Grant para estudiar en Londres. También fue seleccionada como uno de los jóvenes artistas emergentes para el proyecto reGeneration2–Tomorrow's Photographers Today.

Su obra forma parte de colecciones como Moderna Museet en Estocolmo, The Hague Museum of Photography, Hasselblad Foundation en Gotemburgo y en el Helsinki Art Museum. Está representada por la Gallery Taik Persons de Berlín y Filles del Calvarie en París.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • New Nordic Photography The Victor Fellowships 10 Year Anniversary Issue, 2014
  • Potretti. Photographs and Literature  from Finnish Artists and Writers (varios), 2014
  • Breathing the Same Air, 2013.
  • Face to Face (varios), 2012
  • Liisa Ihmemaassa. Alice in Wonderland (varios) 2011
  • The Helsinki School Vol. 4 - A Female View (varios) 2011
  • Daegu Photo Biennale 2010: Helsinki School (varios) 2010
  • Nelli Palomäki - Elsa and Viola, 2009

domingo, 26 de junio de 2016

Hoy hace 3 años: Luigi Ghirri

Luigi Ghirri fue un fotógrafo,  italiano (nacido en Scandiano el 5 de enero de 1943 y fallecido en Reggio Emilia, el 14 de febrero de 1992) que revolucionó la fotografía italiana, ganando una reputación de gran alcance como pionero y maestro de la fotografía contemporánea. Sus composiciones y los matices de sus fotografías sugieren sutiles tonos emocionales y una  manera meticulosamente rica de ver el mundo, así como el papel de las imágenes que contiene.

 

© The Estate of Luigi Ghirri

© The Estate of Luigi Ghirri

 

 

El encuentro diario con la realidad, la ficción, los aspectos ambiguos, poéticos o alienantes, todo parece impedir cualquier forma de salir del laberinto, cuyas paredes son cada vez más ilusorias ... hasta el punto en que podríamos fundirnos con ellas ... El sentido de lo que yo estoy tratando de hacer a través de mi trabajo es la verificación de la forma en que aún es posible desear y trazar un camino de conocimiento, para poder por fin de distinguir con precisión la identidad del hombre, de las cosas, de la vida, de la imagen del hombre, de las cosas y de la vida.

¿Cómo pensar en imágenes? Esta frase contiene el significado de todo mi trabajo.

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

sábado, 25 de junio de 2016

Rafael Roa

Rafael Roa es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1955) cuya obra se ha centrado durante muchos años en el desnudo como herramienta de transgresión. Compagina su trabajo comercial con la enseñanza y el desarrollo su obra personal.

 

© Rafael Roa

© Rafael Roa

 

 

 

Biografía

Rafael Roa se formó en fotografía y vídeo experimental de manera autodidacta. Durante la década de los 80 fue codirector de Image, una galería de arte especializada en fotografía. Esta experiencia le dio un gran conocimiento de la fotografía contemporánea, y de la fotografía de los siglos XIX y XX.

Desde 1988 trabajó como fotógrafo y videocreador, exponiendo sus vídeos desde 2005. Su portfolio incluye fotografía de moda y retrato para las principales revistas españolas (Vogue, Elle, El País Semanal, Cosmopolitan, El Mundo Magazine, Blanco y Negro, Frau Japan …), publicidad y catálogos para las colecciones de los diseñadores nacionales más importantes.

Ante su cámara han posado celebridades nacionales e internacionales, artistas, gente del mundo de la cultura y la política (Paloma Picasso, Frank McCourt, Sean Connery, Rupert Everett, Penélope Cruz, Raimundo Amador, Cindy Crawford, Ryuichy Sakamoto, Caballero Bonald, Frank McCourt, José Carreras, Monserrat Caballé, Jose Luis Sampedro, Valentino, Celia Cruz, …).

Su obra se ha centrado durante muchos años en el desnudo como herramienta de transgresión, con las series Hidden Desires (1986-2003), compuesta por fotografías de desnudos en blanco y negro en las que el cuerpo se alza como el gran protagonista de un conjunto de historias abiertas que trascienden lo puramente racional, A Walk By The Wild Side (1988-2005). A Void Regard es una serie que reflexiona sobre la última mirada antes de morir, la violencia y lo efímero de la existencia.

Ha expuesto entre otros lugares en Arcomadrid 1983 y en PHotoEspaña 2000 en la colección Cualladó, en 2005 expuso en la Galleria Seno Guerrero de Ferrara (Italia) y en 2009, en el Museo Metropolitano y la Gallery Nights de Buenos Aires, así como en el Museo Municipal de Trelew, Chubut, también en Argentina.

Su obra ha sido reconocida con diversos premios, como el Primer Premio Becas Talleres de Arte Actual en Granada en 1986, el Segundo Premio FotoPres en la categoría de Deportes en 1990 y el premio de la i Bienal de Arte Contemporáneo de Chapingo en Ciudad de México en 2008. Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Instituto Valenciano de Arte Moderno, en la colección Polaroid del Centro Andaluz de Fotografía y el National Center for Contemporary Arts de Moscú.

En 2005 empezó a trabajar con vídeo y a exponer sus videos a nivel internacional. Entre las proyecciones más importantes están las de su vídeo Souls Of the Shadows en el NCCA en Moscú 2007/09, I Bienal de Arte de Chapingo en México y Optica Festival de Gijón, Madrid, París, etc. Es una reflexión sobre la historia y las derrotas de las generaciones frente al poder. Forma parte de una trilogía con Slaves y Dogs.

Posee una profunda experiencia en la enseñanza de la fotografía, impartiendo cursos en universidades públicas y privadas, así como seminarios dirigidos a la formación de profesores especializados en las diferentes áreas de la imagen. Su blog muestra su siempre interesante visión de la fotografía contemporánea.

El 23 de junio de 2016 presentó su libro Dead Skin en La fabrica en Madrid.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 24 de junio de 2016

Hoy hace 3 años: Pere Formiguera

Pere Formiguera ha sido un fotógrafo, comisario y escritor catalán (nacido en Barcelona en 1952 y fallecido el 9 de mayo de 2013, también en Barcelona) considerado una de las figuras claves para entender la producción fotográfica realizada en España en las últimas décadas. Realizó retrato, color, blanco y negro, Polaroid, mezcló fotografía y pintura y formó parte de una generación de fotógrafos que su interés por la fotografía sobrepasó el ámbito de la creación y se adentró también en aspectos como la recuperación histórica, la promoción o la teorización.

 

© Pere Formiguera

© Pere Formiguera

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

jueves, 23 de junio de 2016

Nicholas Scarpinato

Nicholas Scarpinato es un cineasta, escultor y fotógrafo estadounidense (nacido en Stafford, Virginia, vive en Los Angeles, California) cuya obra se compone de imágenes oníricas, que deambulan entre la realidad y la ficción, creando fragmentos de historias y escenas que intrigan al espectador.

 

© Nicholas Scarpinato

© Nicholas Scarpinato

 

 

 

Biografía

Nicholas Scarpinato estudia Arte en la Virginia Commonwealth University (VCU). Está en el departamento de fotografía y cine, centrándose en la realización cinematográfica. La universidad tiene sus cosas buenas y malas: está rodeado de artistas increíbles con los que puede colaborar e intercambiar ideas, pero, a veces, puede ahogar su creatividad.

Nicholas elige para fotografiar imágenes que cuenten una historia, secretos que están esperando a ser descubiertos, un recuerdo o un lugar en el tiempo. La captura fotográfica inicial es importante, pero el proceso creativo que sigue es el factor distintivo en su obra. Sus imágenes están diseñadas para ampliar los límites intelectuales de la fotografía surrealista, en un marco con aura del pasado, con una mirada vintage.  La naturaleza casi siempre presente se apodera de su obra, como si fuera el eje desde el cual se desprenden sus historias. Los personajes aparecen en actitud de desidia, como si cedieran a su situación dejándose ganar por una fuerza más grande que ellos mismos.

En 2012 fue el ganador del Canon Project Imagination (Ron Howard Films), teniendo una exposición individual en Foode, fue VCU Ambassador, y publicó portadas en Nees y Voss, así como en Cold Mountain Review Magazine.

En 2013 fue clasificado como uno de los 5 mejores fotógrafos por United Colors of Benetton, uno de los 10 jóvenes fotógrafos con talento por mymodernmet.com, y apareció en la portada de la Poictesme Literary Magazine.

 

 


Referencias