domingo 19 de febrero de 2012

Ralph Eugene Meatyard

Ralph Eugene Meatyard fue un óptico y fotógrafo estadounidense (nacido el 15 de mayo de 1925 en Normal, Illinois, y fallecido el 7 de mayo de 1972) interesado en lo extraño y lo simbólico, con raros contenidos y una puesta en escena (niños enmascarados, muñecos mutilados, casas abandonadas) respondiendo siempre a una sesuda reflexión intelectual.

 

(c) Ralph Eugene Meatyard

 

 

Trabajo en varios grupos diferentes de imágenes que actúan unas con otras, pasando por varias maneras abstractas a una forma de lo surreal. He sido llamado predicador, pero en realidad soy generalmente más filosófico. Nunca he realizado una fotografía abstracta sin contenido. Un educado fondo Zen influencia todas mis fotografías.

 

 

Biografía

Tras la guerra se casó con Madelyn McKinney y se trasladó a Lexington, Kentucky, trabajando como óptico en Tinder-Krausse-Tinder que también vendía material fotográfico. Sus dueños eran miembros activos del Lexington Camera Club.

Con el nacimiento de su primer hijo, con 25 años, se compró una cámara para hacerle fotos. En 1954 se unió al Lexington Camera Club y a la Photographic Society of America. En el club se encontró con Van Deren Coke que sería una gran influencia en sus trabajos y con el que realizó la exhibición Creative Photography en 1956.

La experiencia le gustó y a mediados de los 50 asistió como alumno para perfeccionar su técnica a algunos talleres de verano cuyos profesores eran Minor White (que también le introdujo en el zen) y Henry Holmes-Smith ( del que aprendió a experimentar y a no tenerle miedo al riesgo).

Continuó con su trabajo fotográfico, generalmente en los días de fiesta, en su cuarto oscuro en su casa, hasta su muerte en 1972. Su acercamiento a la fotografía era improvisado e influenciado muy fuertemente por la música de jazz de su tiempo.

Aunque vivió durante toda su corta vida dentro de unos patrones bastante normales (entrenador del equipo de beisbol del colegio, directivo de la asociación de padres), cuando hacía fotos no era precisamente tradicional: reclutaba a sus hijos y amigos y los metía en bosques o edificios abandonados, enmascarándolos de tétricos animales humanoides, retrataba a muñecos mutilados, escenificaba escenas que, decía, nacían de sus sueños en vigilia.

Como otros fotógrafos como Henry Holmes Smith y Harry Callahan, produjo mucho trabajo altamente experimental, incluyendo exposiciones múltiples, movimientos deliberados de la cámara, luces sobre el agua y sobre todo imágenes desenfocadas, creando un estilo propio “Sin foco”.

Con su temprana muerte en 1972, una semana antes de cumplirlos  47 años, tuvieron que ser sus amigos y colegas quienes terminaran una monografía de Meatyard para Aperture y publicaran The Family Album of Lucybelle Crater (1974) que había preparado antes de su muerte.

Mientras que vivió su trabajo fue mostrado y coleccionado por museos importantes, publicado en importantes revistas de arte, y considerado por sus pares como un fotógrafo de lo más original y perturbador. Hizo exhibiciones con fotógrafos como Edward Weston, Ansel Adams, Minor White, Aaron Siskind, Harry Callahan, Robert Frank y Eikoh Hosoe. Pero hacia final de los 70, sus fotografías empezaron a aparecer solamente en exposiciones del arte “sureño” y tras su muerte sus fotografías se fueron olvidando hasta la última década, en que gracias principalmente a los críticos europeos, ha emergido el interés por su personal obra, empezando a entenderla y a apreciarla, siendo reivindicado como precursor de las corrientes tenebristas y sicológicas tan en boga desde comienzos del siglo XXI. Una antología de su obra, Dolls and Masks (Muñecas y máscaras) se expone en el Museo De Young de San Francisco.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado 18 de febrero de 2012

Peter Essick

Peter Essick es un fotógrafo estadounidense (vive en Stone Mountain, Georgia) cuyas fotografías, además de documentar el impacto del desarrollo humano en la naturaleza y los aspectos medioambientales, son capaces de revelar los aspectos emocionales y espirituales de la naturaleza.

 

 

Kitka River, Finland, 2009 (c) Peter Essick

 

 

Biografía

Peter estudió empresariales en la Universidad de California del Sur y tiene un master en fotoperiodismo por la Universidad de Missouri. Cree que un periodista fotográfico debe poseer el ojo de un diseñador, la curiosidad inquisitiva de un antropólogo y la visión personal de un artista.

Ya desde sus estudios en la Universidad de Missouri y durante los últimos 25 años ha trabajado como fotógrafo freelance para clientes como la revista National Geographic, donde ha publicado más de 30 artículos sobre temas muy diversos.

Ha viajado por los 7 continentes y por todos los estados de EEUU recogiendo historias, siguiendo la ruta de la primera cruzada, descendiendo a una mina de diamantes en Botswana, paseando por una selva tropical en Papúa Nueva Guinea o por un rincón solitario del Japón.

Tiene un interés especial en historias sobre la naturaleza y el medio ambiente. Sus fotografías favoritas y, al mismo tiempo más reconocidas, son sobre el Japón interior, las tierras yermas y salvajes de Norte América, el ciclo de carbón, el calentamiento global del planeta y el agua dulce. Su historia sobre residuos nucleares ganó en 2002 un premio World Press Photo.

Además de sus trabajos en National Geographic, sus fotografías también fueron incluidas en la exhibición Photography, Man and the Environment en Viterbo, Italia, y en la Thy Brothers’ Keeper en el Flint Institute of the Arts de Michigan.

En  2005, la revista Outdoor Photographer publicó una historia sobre los esfuerzos de Essick para fotografiar los efectos del calentamiento global.

Sus fotografías se han exhibido por Europa y Estados Unidos y se han incluido en Great Images of the 20th Century de la revista Times y en 100 Best Photographs de National Geographic.

Está representado por Aurora Photos y por Lumiere Gallery en Atlanta.

 

 

Referencias

viernes 17 de febrero de 2012

Norman Parkinson

Norman Parkinson fue un fotógrafo inglés (nacido el 21 de abril de 1913 en Londres y fallecido el 15 de febrero de 1990 en Singapur), que revolucionó los reportajes de moda al sacarlos de los estudios y llevarlos al dinamismo de las calles, y que decía que el éxito de su trabajo estaba basado en su admiración por las mujeres.

 

©Norman Parkinson Ltd / courtesy Norman Parkinson Archive

Copyright Norman Parkinson Ltd / courtesy Norman Parkinson Archive

 

 

Un fotógrafo sin una revista a sus espaldas es como un agricultor sin campos.

En las fotos de antes, las mujeres tenían las rodillas atornilladas.

Hemos perdido el arte de admirar la belleza.

Me gusta conseguir que la gente salga tan favorecida como sea posible y con suerte, un poco más.

La cámara puede ser el arma más letal después de la bala del asesino. O puede ser la loción del corazón.

 

 

Biografía

Ronald William Parkinson Smith fue educado en la prestigiosa Westminster School. Después fue aprendiz de los fotógrafos de la corte Speaight and Sons Ltd y con 21 años abrió su primer estudio junto con Norman Kibblewhite.

Al año siguiente ya expuso su primera colección con retratos de Vivien Leigh y Noel Coward y enseguida comenzó a trabajar para la edición británica de Harper’s Bazaar y para la revista The Bystander.

Durante la II Guerra Mundial sirvió en la RAF como fotógrafo de reconocimiento.

En 1947 se casó con la actriz y modelo Wenda Rogerson, que sería la musa de muchas de sus fotos.

De 1945 a 1960 trabajó como retratista y fotógrafo de moda para Vogue. De 1960 a 1964 fue un editor asociado de la revista Queen. En 1963 se trasladó a Tobago, viajando frecuentemente a Londres por su trabajo y desde 1964 hasta su muerte trabajó como fotógrafo freelance.

Famoso por la viveza, espontaneidad y humor que imprimía a su trabajo, revolucionó la fotografía de moda porque fue el primero que sacó a las modelos del rígido estudio a exteriores más dinámicos.
Inició un estilo, el action realism (realismo de la acción), que desarrollaron varias generaciones y todavía hoy permanece en boga. Se basaba en el uso de la luz natural y el movimiento para eliminar artificiosidad a la fotografía de moda.

También hizo retratos a actrices y actores: Audrey Hepburn, Montgomery Clift, Ava Gardner, Vivien Leigh, Rachel Welch y Jean Seberg.

En 1975, con la muerte de Cecil Beaton, Parkinson pasó a ser el fotógrafo favorito de la Reina Madre de Inglaterra. En 1981 fue nombrado Comandante del Imperio Británico.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves 16 de febrero de 2012

Thomas Hoepker

Thomas Hoepker (Thomas Höpker) es un documentalista y fotógrafo alemán (nacido el 10 de junio de 1936 en Múnich, vive en Nueva York) que trabaja en el periodismo fotográfico y es miembro de la agencia Magnum. En su trabajo se declara humanista y trata de mostrar esto en sus imágenes de periodismo fotográfico. También defiende una búsqueda permanente de imágenes para expresar las ideas.

 

© Thomas Hoepker / Magnum Photos

© Thomas Hoepker / Magnum Photos

 

No soy un artista. Soy un creador de imágenes.

 

Biografía

Su primer contacto con la fotografía fue cuando tenía 16 años y recibió una vieja cámara de placas de vidrio de 9x12” de su abuelo. Revelaba sus fotos en la cocina y cuarto de baño de su casa y conseguía algo de dinero vendiendo fotos a sus amigos y compañeros de clase.

Estudió historia del arte y arqueología en Múnich y en la Universidad de Gotinga, al mismo tiempo que seguía vendiendo fotos para financiar su educación.

En la Photokina de 1958 obtuvo un premio para jóvenes autores y al año siguiente comenzó sus colaboraciones en diferentes revistas y publicaciones: Münchener Illustrierte (con fotografías a deportistas y políticos como Konrad Adenauer, Franz Josef Strauss y Helmut Schmidt), Twen que fue una revista mensual juvenil publicada en la RFA entre 1959 y 1971, en Kristall (para los que hizo más de 50 reportajes con viajes al Amazonas, Etiopia, Rio de Janeiro, Suiza, Francia, Hungría, Egipto, Israel, Brasil y EEUU) y en Stern.

En 1974 se trasladó a Alemania Oriental con su esposa la periodista Eva Windmöller convirtiéndose en el primer fotógrafo acreditado en este país y en el que estuvo trabajando durante tres años.

Trabajando como cámara para la televisión alemana, desde 1971, dirigió varios documentales entre los que se encuentran:

  • Juden in Amerika (Judíos en los Estados Unidos),
  • Das Dorf Arabati (El pueblo Arabati) sobre Etiopía,
  • Tod im Maisfeld (La muerte en el campo de maíz) sobre Guatemala en 1998,
  • Die Insel Robinson Crusoe (La isla de Robinson Crusoe),
  • Die Osterinsel (Isla de Pascua) y
  • Eiskalte Pracht (Belleza helada) sobre los glaciares de la Patagonia en peligro de extinción (TV) en 2006.

En 1976 se trasladó con Eva, su esposa, a Nueva York como corresponsal de Stern, donde vive desde entonces salvo un traslado de una temporada a Hamburgo a finales de los años ochenta para trabajar de director artístico, también en Stern. También fue director de fotografía de la edición americana de la revista GEO de1978 a 1981. En su primera etapa en Nueva York trabó amistad con el famoso boxeador Muhammad Ali, al que realizó un par de reportajes fotográficos y fotografió también a personalidades como Andy Warhol y Roy Lichtenstein.

En 1989 fue el primer fotógrafo alemán en entrar en la agencia Magnum como miembro de pleno derecho. Magnum distribuía ya sus fotografías desde 1964 y Hoepner sería su presidente de 2003 a 2006.

Su esposa Eva murió en 2002 y se casó después con la cineasta Christine Kruchen, con la que produce documentales para televisión.

En su carrera ha utilizado preferentemente cámaras Leica. A partir de los 70 comenzó a utilizar réflex con zoom y en 2002 comenzó a utilizar cámaras digitales.

En 2007 se ha realizado una exhibición retrospectiva de sus 50 años de trabajo, con 230 imágenes, en Alemania y otros países europeos.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • 2005, Thomas Hoepker, Photographien 1955-2005
  • 1998, Return of the Maya: Guatemala. A Tale of Survival
  • 1991, Land of Enchantment, New Mexico
  • 1989, HA Schult
  • 1988, Rome
  • 1987, New Yorker: 50 unusual portraits
  • 1986, HA Schult
  • 1986, Amerika: History of the discovery from Florida to Canada
  • 1985, Leben in der DDR. Life in East Germany
  • 1985, Ansichten.Fotos von 1960 bis 1985
  • 1984, Der Wahn vom Weltreich: Germany’s former Colonies
  • 1984, Now!
  • 1983, Die New York-Story
  • 1983, Thomas Höpker (I Grandi Fotografi)
  • 1978, Vienna
  • 1977, Heinz Mack, Expedition in künstliche Gärten. Art in Desert and Ice
  • 1976, Berliner
  • 1974, Die Iren und ihre Lieder
  • 1967, Horst Janssen, artist’s portraits
  • 1963, Yatun papa. Father of the Indians. Dr. Theodor Binder
  • 1963, Lebendiges Kiel, Presseamt der Stadt Kiel, Germany
  • 1960, Finnland, Terra Magica
  • 1957, Jugend in dieser Zeit

miércoles 15 de febrero de 2012

Amélie Galup

Amélie Galup fue una fotógrafa francesa aficionada (nacida en Burdeos en 1856, y fallecida en 1943) que recogió con su cámara a su familia, los lugares que visitaba así como a sus gentes, creando un documento sociológico de la Francia anterior a la I Guerra Mundial.

 

 

© Donation Amélie Galup, ministère de la Culture (Médiathèque de l'architecture et du patrimoine)

© Donation Amélie Galup, ministère de la Culture (Médiathèque de l'architecture et du patrimoine)

 

 

Biografía

Comenzó con la fotografía cuando tenía 39 años. Revelaba ella misma sus fotografías en un laboratorio que instaló en el sótano de su casa en Saint-Antonin-Nobleval.

De una familia acomodada, recogió con su cámara a su familia, los lugares que visitaba así como a sus gentes. Así, como la mayor parte de los fotógrafos aficionados de su tiempo, muestra su entorno burgués provinciano capturando sus interiores, costumbres y ocio. Además, fotografiando los campesinos, pobres y mercados aporta el testimonio precioso de un mundo que va a desaparecer con la I Guerra Mundial.

A la muerte de su marido, Albert Galup, en 1901, se trasladó a París abandonando la cámara de gran formato para dedicarse a fotos familiares.

Desconocida en el mundo de la fotografía, a principios de los 80 un estudio sociológico llevado por Claude Harmelle sobre la historia de las familias que habitaron Saint-Antonin-Nobleval hizo posible que los nietos de Amélie hicieran públicos los negativos y álbumes de su abuela y se organizaron 2 exposiciones de sus fotografías: en el propio Saint-Antonin-Nobleval en 1984 y en la fundación Thiers en 1986.

Su familia donó al estado francés cerca de 2500 negativos en placa de vidrio.

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes 14 de febrero de 2012

Renzo Giraldo

Renzo Giraldo es un fotógrafo peruano (nacido en 1976) que realiza fotografía documental y de calle.

 

(c) Renzo Giraldo

 

 

Biografía

Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Lima, especializándose en las ramas de Diseño Gráfico y Cine. Al comienzo, la fotografía era para él una especie de hobby, pero poco a poco se fue metiendo y empezó a trabajar como fotoperiodista para diarios como Aja, Correo y Ojo. Impresionado y seducido por la ciudad de Lima y sus habitantes, comenzó a interesarse más por la fotografía documental.

Actualmente trabaja en la revista Somos y el diario El Comercio. Realiza también mucha fotografía de eventos deportivos.

Al mismo tiempo trabaja también en sus proyectos personales, donde explora las sensaciones e impresiones del fotoperiodismo, trasladándolo a un lenguaje más libre, personal y artístico con imágenes siempre reales.

Últimamente ha estado estudiando serigrafía y experimentado con otros soportes distintos a la fotografía.

Ha obtenido diversos premios, entre ellos el Concurso Nacional de Fotoperiodismo Eugene Courret en 2006 (Perú).

Ha publicado en revistas peruanas e internacionales como Gatopardo, Complot, X3, Somos, Etiqueta Negra, Aqua, el semanario de El Mundo (España), entre otras.

También ha hecho exposiciones en Perú y en el extranjero.

Ha participado junto con otros escritores y fotógrafos (Walter Astrada, Lurdes R. Basolí, Carlos Spottorno y Álvaro Ybarra Zavala) en el libro La hora del recreo. 

Forma parte del colectivo Versus Photo con Gihan Tubbeh y Musuk Nolte,

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes 13 de febrero de 2012

John Pfahl

John Pfahl es un fotógrafo estadounidense (nacido el 17 de febrero de 1939 en Nueva York, vive en Buffalo, Nueva York) conocido por sus paisajes, donde transcribe las fuerzas de la naturaleza y cómo los humanos las modifican.

 

(c) John Pfahl

 

 

Biografía

Estudió en la Universidad de Syracuse donde obtuvo la licenciatura en Diseño Gráfico y un master en Fotografía de color en 1968. Fue profesor en el Rochester Institute of Technology en Nueva York de 1968 a 1983. Desde 1986 es profesor adjunto en la Universidad de Buffalo.

Pfahl trabaja con fotografía en color utilizando una cámara de fuelle de 4x5” y una Polaroid 20x24, siendo el primer artista invitado por Polaroid a utilizar este formato de cámara.

En 1975, gracias a una beca recibida por el Creative Artists Public Service, comenzó la serie Altered Landscapes publicada en el libro del mismo título en 1981. En esta serie, Pfahl juega con la percepción del espectador utilizando varios métodos para modificar sus vistas. Incorpora a sus paisajes cuerda, cinta adhesiva, estambre, encajes, entre otros materiales, ya sea para alterar o imitar las formas originales del paisaje.

Pfahl prepara sus escenas con dedicación extrema, tarda horas en encontrar la perspectiva ideal. Su preocupación principal es generar la ilusión de la tridimensionalidad en la superficie plana de la fotografía.

Sus trabajos se han mostrado en más de 200 exposiciones en grupo y en solitario. Algunas de éstas últimas fueron en el Los Angeles County Museum of Art, el George Eastman House International Museum of Photography y el Cleveland Museum of Art, entre otros. Sus fotografías forman parte de colecciones públicas y privadas, como las del Museum of Modern Art, el Chicago Art Institute y The Metropolitan Museum of Art.

Entre otros premios ha obtenido 2 becas National Endowment for the Arts.

 

 

Referencias

 

 

Libros