miércoles, 20 de febrero de 2019

Sebastian Bieniek

Sebastian Bieniek es un guionista, productor, pintor, actor y director de cine y fotógrafo alemán (nacido en Czarnowasy, Alta Silesia, Polonia, el 24 de abril de 1975, vive en Berlín) que domina los medios audiovisuales tanto en su producción como en su ejecución, habiendo sido guionista y director en diferentes películas. Ha practicado las artes escénicas del performance y dentro de la plástica como pintor y posteriormente como fotógrafo. Está considerado uno de los artistas más influyentes de Berlín y también en el mundo.


© Sebastian Bieniek

© Sebastian Bieniek



Biografía

Sebastian Bieniek nació en una región de la Polonia actual que a veces ha pertenecido a Alemania. De origen alemán su familia se repatrió cuando él tenía 13 años. Estudió fotografía en Universität der Künste (Universidad de las Artes)Braunschweig, estudiando con la artista serbia Marina Abramović y el artista conceptual suizo John Armleder. Siguió con un master en UdK en Berlín, donde filmó sus primeros videos. Posteriormente trabajó fuera de Alemania y consiguió una beca residencia del DFJW en Rennes, Francia, donde pasó medio año y participó en la exposición colectiva Aux voyageurs.
Comenzó sus estudios en la Deutsche Film-und Fernsehakademie (Academia Alemana de Cine y Televisión) en 2002. En 2007, dirigió The Gamblers, una película sin presupuesto que recorrió muchos festivales.
Bieniek fue un pintor antes que nada, y por eso para él la fotografía es otra forma de pintar: forma y colores, oscuridad y luz juegan un papel central. Como artista, siempre trabaja en series que contienen entre 10 y 90 imágenes, porque cree que cualquiera puede tomar una sola imagen, mientras que una serie "es más parecida a un trabajo de arte real, habla de cohesión". Estas imágenes incluyen retratos, naturaleza muerta, desnudos y paisajes que tienen un efecto lúdico, poco convencional y, a menudo, casi plástico.
Sus primeras obras fueron actuaciones radicales, como Mano sin cuerpo (1999), donde realizó diariamente durante 16 días un corte en su propio brazo, o Nacido para ser Boulette (1999) donde estuvo colocado durante tres días en 500 kg. de carne cruda, o Robo (1998) donde realizó un robo en un Deutsche Bank como una obra de arte. Más tarde, su trabajo se volvió más y más minimalista y conceptual, como los trabajos de texto a partir de 2001. En 2009 (después de un receso de siete años) reinició con Homeland Security, una serie de pinturas conceptuales realistas y otras series donde combinaba imagen pintada con texto.
En 2013 continuó con la fotografía, donde es más reconocido, especialmente con su serie Doublefaced. Un trabajo original y particularmente interesante porque se destacó y se difundió ampliamente a través de redes sociales como Facebook. Esta serie comenzó  cuando Sebastian dibujó una cara en la mejilla derecha de Bela, su hijo enfermo, trazando un solo ojo, utilizando el ojo derecho del niño para completar la cara. Así nació Doublefaced 1, un primer intento que llevó al artista a realizar un conjunto de 34 fotografías trabajando siempre con el mismo principio. Las 10 primeras fotografías son todas modelos femeninas, perfil de cabeza, con una cara dibujada en el lateral. Sólo las situaciones difieren.
Posteriormente Bieniek creó su propia obra en torno a este concepto combinando diferentes medios: pintura, dibujo, fotografía, creando varias series: Doll-Body, Dollface, Extremities, Twoneface, Interventions, Oneeye, Faceation, … Simultáneamente continúa trabajando en sus obras de texto minimalistas, performances y pinturas como sus series Perfect-Circles y Multiplications.



Referencias



Libros

  • Realfake.



martes, 19 de febrero de 2019

Mariano Moreno

Mariano Moreno fue un fotógrafo español (nacido el 25 de marzo de 1865 en Miraflores de la Sierra, Madrid, fallecido el 17 de diciembre de 1925 en Madrid) conocido sobre todo por documentar las obras de arte de los museos españoles más importantes.


Batalla naval, foto de Mariano Moreno

Batalla naval, foto de Mariano Moreno


Biografía

Mariano Moreno García trabajó como jornalero antes de entrar como aprendiz en el estudio del prestigioso fotógrafo Jean Laurent y se convertiría en un célebre fotógrafo de comienzos del siglo XX. Retomó en 1893 la labor comenzada por Laurent reproduciendo los fondos del Museo del Prado. En 1900 fotografió 128 pinturas para el catálogo de una gran exposición en torno a la figura de Goya. En 1901 el museo otorgó a Lacoste, heredero de Laurent, la exclusiva para fotografiar de sus fondos.

En 1907 trabajó para la Junta de Iconografía Nacional y la Sociedad de Amigos del Arte, colaborando con importantes historiadores de arte, como Aureliano de Beruete o Elías Tormo, que le encargó la reproducción de la obra de Goya y Zurbarán. Documentó la labor de artistas contemporáneos suyos como Benlliure, Sorolla o Echeverría.

También recorrió gran parte del país documentando iconográficamente los monumentos y obras de arte del pasado, por lo que visitó muchas ciudades españolas, entre las que destacan Ávila, Toledo, Jaca, Burgos, León, Granada o Segovia, que fueron especiales focos de interés de su objetivo.

Sus cuatro hijos se dedicaron a la práctica fotográfica, siendo Vicente el que trabajó junto a su padre y heredó su estudio. Entre 1893 y 1954, padre e hijo crearon lo que en su tiempo se conoció como el Archivo de Arte Español, uno de los fondos fotográficos más importantes de España sobre temática patrimonial. La obra de ambos se caracteriza por una gran calidad técnica que, unida a su sensibilidad estética, confiere a las imágenes un singular valor artístico y documental.

El fondo de los Moreno consta de más de 60.000 placas negativas en diversos formatos, como soportes de vidrio y plástico. El Ministerio de Cultura ha llevado a cabo la digitalización de muchas de estas fotografías para la Fototeca del Patrimonio Histórico. También hay una amplia selección de sus trabajos en los fondos de la Hispanic Society de Nueva York, en su mayoría imágenes de edificios y monumentos.


Referencias



Libros

lunes, 18 de febrero de 2019

J. Georges Lévy

J. Georges Lévy fue un fotógrafo francés (nacido en 1833, fallecido en 1913) fundador de una empresa familiar que se dedicó con éxito a la comercialización de copias a la albúmina, postales y vistas estereoscópicas bajo la firma L.L. trabajando principalmente la temática de viajes a países exóticos, como España, Marruecos y la fotografía de sus elemento arquitectónicos.


J. Georges Lévy
J. Georges Lévy


Biografía
Georges Lévy fundó en 1864 con el también fotógrafo y suegro suyo Moyse Léon la firma Léon et Lévy, al comprar el negocio de vistas estereoscópicas de sus anteriores dueños, Ferrier Père, fils et Soulier, donde trabajaban. Se darían a conocer a nivel internacional en 1867, gracias a la concesión que obtuvieron para realizar las vistas estereoscópicas de la Exposición Universal de París, trabajo que fue galardonado con la Grande Médaille d’Or de l’Empereur. Aquel momento marcó el inicio de una intensa actividad fotográfica, viajera y editorial. La firma se especializó en placas de vidrio estereoscópicas y postales ilustradas y se convirtió en una de las editoriales de postales más importantes de Francia.

En 1872, Lévy quedó solo al mando de la compañía, que pasó a llamarse J. Lévy et Cie., y en 1895, con la incorporación de sus dos hijos Ernest y Lucien, ésta volvió a cambiar el nombre a Lévy et ses fils, aunque las obras siguieron firmándose con las siglas L. L. La firma permaneció activa hasta 1920, y posteriormente siguió su actividad bajo otras nombres.

Enviaron a sus operarios (llegaron a tener hasta 600 empleados) por América y Europa, y fueron premiados en las exposiciones de Bruselas (1880), Burdeos (1882) y Ámsterdam (1883). Durante los años 1888 y 1889, con motivo de la Exposición Universal de Barcelona, los fotógrafos de la firma J. Lévy et Cie. realizaron un exhaustivo recorrido por las principales ciudades de España. A diferencia de los repertorios fotográficos urbanos realizados con anterioridad, en los que las ciudades aparecían  deshabitadas, consecuencia de la limitada fotosensibilidad del colodión húmedo, las fotografías tomadas en España mostraron por primera vez ciudades animadas, gracias a las mucho más sensibles placas al gelatinobromuro, que necesitaban de una exposición inferior a un segundo.

Estas fotografías aparecen recopiladas en el Catalogue des Épreuves Stéréoscopiques sur verre et vues pour la projection. Espagne, Portugal, Maroc, photographiés et publiés par Levy et ses fils, editado en 1904 y en el que también se reúnen las vistas tomadas en España con anterioridad por Ferrier Père, fils et Soulier. Su fondo fotográfico se conserva en París, en la Colección Roger-Viollet y en colecciones particulares. En 2012, el Palacio de la Aljafería de Zaragoza acogió la muestra Zaragoza en la mirada ajena. Instantáneas del archivo Roger-Viollet de París: J. Lévy et Cie., organizada por las Cortes de Aragón.


Referencias



Libros

  • Catalogue des épreuves stéréoscopiques sur verre et vues pour la projection. Espagne, Portugal, Maroc, París, Levy & ses fils, 1904.
  • Zaragoza en la mirada ajena. Instantáneas del archivo Roger-Viollet  de París: J. Lévy et Cie., 1889, 2012.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

domingo, 17 de febrero de 2019

Girault de Prangey

Girault de Prangey fue un fotógrafo y dibujante francés (nacido el 21 de octubre de 1804, fallecido el 7 de diciembre de 1892) cuyos daguerrotipos son las primeras fotografías sobrevivientes de Grecia, Palestina, Egipto, Siria y Turquía.



Girault de Prangey’s image of the Roman Forum, viewed from the Palatine Hill in 1842


Biografía

Joseph-Philibert Girault de Prangey nació cerca de Langres y fue el último descendiente de los señores de Vitry. Heredó una gran fortuna tras la muerte de sus padres y hermanos en 1828, que utilizó para sufragarse sus gastos personales, así como sus viajes a lo largo de su vida.

Comenzó sus estudios de letras y derecho en París en 1820, pero posteriormente estudió pintura en París, en la École des Beaux-Arts. En 1832 emprendió un viaje a España, principalmente por Andalucía, fruto de su creciente interés por el mundo musulmán. Allí realizó una serie de estudios y dibujos de los principales monumentos musulmanes en Andalucía que fueron publicados bajo el título Souvenir de Grenade et de l’Alhambra, première partie de ses Momuments árabes et moresques de Cordoue, Séville et Grenade dessinés et mesurés en 1832 et 1833.

Volvió a Francia en 1835, y se dedicó a planificar y construir su villa privada, realizada siguiendo el modelo de las villas otomanas construidas a orillas del Bósforo en Estambul.

En 1841 aprendió la técnica del daguerrotipo, posiblemente del propio Louis Daguerre o de Hippolyte Bayard. Muy interesado en la arquitectura del Medio Oriente, recorrió Italia y los países del este del Mediterráneo (Grecia, Palestina, Egipto, Siria y Turquía) entre 1841 y 1844, produciendo más de 900 daguerrotipos de vistas arquitectónicas, paisajes y retratos. Esto fue una epopeya por el peso de la cámara de placas 24x19cm, las propias placas y los componentes para los daguerrotipos, que tenía que mover con él para poder fotografiar.

De vuelta a Francia en 1846 realizó una lujosa publicación compuesta de litografías realizadas a partir de una selección de sus daguerrotipos titulada Monuments arabes d’Égypte, de Syrie et d’Asie Mineure  y posteriormente Monuments et paysages d’Orient que le supuso un fracaso editorial. Realizó estudios de acuarela y dibujos a pluma y creó una pequeña edición de litografías de ellos. También hizo estereografías de su finca y de las plantas exóticas que coleccionaba. Pasó los últimos 40 años de su vida solo y recluido en su mansión morisca, dedicándose a una de sus pasiones: la botánica.

Creó un pequeño jardín paradisíaco en su villa, rodeado de los recuerdos de sus viajes, del ambiente oriental de su mansión y por supuesto de sus cajas con daguerrotipos. Girault de Prangey no exhibió ni dio a conocer sus fotografías durante su vida y éstas se descubrieron en la década de los años 20 en un almacén de su propiedad y solo se dieron a conocer ochenta años después.

En mayo de 2003, el jeque Saud Al-Thani de Qatar compró un daguerrotipo suyo por un precio récord mundial de 922.488$. A primeros de 2019, The Metropolitan Museum of Art ha abierto la exposición Monumental Journey: The Daguerreotypes of Girault de Prangey con unas 120 fotografías de Grecia, Egipto, Siria, Turquía y Siria, un recorrido por Oriente Medio a principios de la década de 1840, incluyendo el Partenón de Atenas, la Mezquita Khayrbak en El Cairo y la Cúpula de la Roca en Jerusalén. Está organizada por la Bibliothèque Nationale de France en París.


Referencias




Libros






sábado, 16 de febrero de 2019

Ramón Caamaño

Ramón Caamaño, alias Muxía, fue un fotógrafo gallego (nacido el 9 de noviembre de 1908 en Muxía, La Coruña, fallecido el 13 de mayo de 2007 también en Muxía) que está considerado el mejor fotógrafo del ámbito rural de Galicia, no sólo por su calidad técnica, sino también por su interés documental desde el punto de vista histórico, sociológico y antropológico. Fue uno de los primeros fotógrafos que retrató el paisaje, las costumbres y los habitantes de la Costa da Morte. Su obra es de un realismo cabal, realizada con medios modestos, que ha logrado trascender lo inmediato, lo cotidiano, para alcanzar valores etnográficos.


© Ramón Caamaño
© Ramón Caamaño


Biografía

Ramón Caamaño Bentín fue hijo único y cuando tenía pocos meses su padre emigró a Cuba y después a México, dedicándose a la venta de encajes que elaboraban en la casa familiar. Con ocho años de edad su padre le envió un proyector de cine y alguna película y organizaba proyecciones para los jóvenes de Muxía, a quienes les cobraba la entrada. Aunque en un principio quiso ser electricista compró a su primera máquina fotográfica con 16 años, una Brownie Kodak, y empezó a fotografiar marineros, campesinos, paisajes y romerías.

En 1927 se compró una máquina Pathe Baby para proyectar cine, y comenzó a distribuir por la Costa da Morte películas, que él mismo comentaba, en improvisadas salas de cine o al aire libre. En los inviernos de los años 1929, 1930 y 1931 fue a Santiago de Compostela a trabajar con el fotógrafo Ksado con quien aprendió la técnica para colorear fotos con ácidos y otros aspectos técnicos.

En 1937 ya casado se trasladó a Cee, donde abrió un estudio fotográfico y ejerció como retratista hasta que, movilizado durante la Guerra Civil española, acudió al frente de Aragón, adonde llevó su cámara West Pocket tomando fotografías del frente de guerra y de los soldados, y revelando las fotografías hechas por los aviones de reconocimiento. Sus fotos de guerra pueden considerarse como el primer ejemplo de fotoperiodismo gallego.

Al terminar la guerra continuó trabajando en su estudio de Cee pero amplió su actividad fotográfica a toda la comarca de Finisterre aunque en mayor medida a Corcubión y Muxía.

En sus fotografías emplea fundamentalmente el blanco y negro y el tema que le ha hecho más conocido son los retratos.​ Es un ejemplo del fotógrafo de aldea que vivía de realizar fotografías por encargo a labradores y marineros que trataban a través de ellas de mantener el vínculo con los familiares emigrados. También tiene series de fotografías de difuntos a los que retrataba a petición de sus familiares. Casi todos sus retratos los realizaba en el estudio sobre decorados ficticios de tela, aunque también los hacía en las propias aldeas utilizando telas que colocaba como fondos en escenarios naturales. El contraste entre esos decorados y el realismo y austeridad de las fotografías originaba casi siempre retratos formales y hieráticos, característicos en este género fotográfico en esta época. Otro de sus temas preferidos fueron las romerías, en especial la de la Virgen de la Barca en Muxía.

Sus fotos aparecieron en muchas revistas y diarios, entre ellos La Voz de Galicia, El Ideal Gallego, Hijos de Mugía, ABC, La Noche, Céltiga, Vida Gallega y Alborada. En el año 1989 se realizó la exposición itinerante Álbum Ramón Caamaño, que repasaba su obra desde el año 1924 hasta 1970 y se inauguró en el Centro Cultural Caixavigo de Vigo. En 2005, expuso en el Centro Cultural Caixanova de Vigo sus Retratos da Costa da Morte.

En 1975 se retiró de la vida profesional y de la fotografía, aunque mantuvo desde 2001 su propia casa-museo en Muxía, donde se conservan su archivo, objetos personales y abundante material fotográfico: cámaras, trípodes, proyectores de cine, trofeos, etc. Tras su fallecimiento en 2007 su familia custodia su archivo fotográfico, formado por más de 6.000 copias fotográficas y cerca de 20.000 clichés.


Referencias




Libros

  • Muxía, guía turística enciclopédica, 1982.
  • Álbum Ramón Caamaño, 1989.
  • Ramón Caamaño, historia viva da Costa da Morte, 1999.
  • Historia de la fotografía en España (Publio López Mondéjar), 1999.
  • Retratos da Costa da Morte, 2002.
  • Cuspindo a barlovento, 2003.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.


viernes, 15 de febrero de 2019

Aleix Plademunt

Aleix Plademunt es un fotógrafo catalán (nacido en 1980 en Hostalric, Girona, vive en Barcelona) cuya práctica fotográfica se apoya en el documental de sesgo poético, sostenido por una mirada atenta, contemplativa y acumulativa. Las imágenes que conforman sus diversos proyectos se presentan a modo de reflexiones visuales de una agudeza rotunda y sutil, teniendo siempre un hilo común: la exploración por los márgenes de los lugares comunes, con una mirada curiosa y tenaz.


© Aleix Plademunt

© Aleix Plademunt


Biografía

Aleix Plademunt hace fotos desde que tenía 15 años, cuando su tía le regaló una ampliadora. Entró en la universidad a estudiar ingeniería, pero tras terminar las clases se iba a casa a revelar fotos en vez de resolver problemas de aritmética, así que se decidió a estudiar fotografía en la Universitat Politècnica de Catalunya de Terrassa y complementó sus estudios con un posgrado en México. 

A partir de ahí no ha dejado de trabajar en proyectos fotográficos personales. En 2006 comenzó su vinculación con la galería Olivier Waltman en París y en 2011, junto con Roger Guaus y Juan Diego Valera, crea el proyecto editorial Ca l’Isidret Edicions para publicar sus propios trabajos. 

Ha obtenido numerosos premios, entre ellos una beca para estudiar en la Universidad de las Américas y la Beca Fotopress09 para crear el proyecto DubaiLand. Ha realizado hasta la fecha unas 20 exposiciones individuales en todo el mundo, incluyendo Francia, España, Venezuela y el Reino Unido, y ha formado parte de más de 40 exposiciones colectivas en Alemania, América, Camboya y España, entre otros lugares, entre las que destacan Almost There en las salas Le Bal de Paris en 2013 y IMA Gallery de Tokio y la exposición Regard sur la nouvelle scène photographique espagnole, junto a Antonio Xoubanova, Óscar Monzón y Ricardo Cases.

En casi todas sus series, hechas en lugares tan diferentes como España, América Latina, Estados Unidos, Japón o Egipto, y que muestran una gran diversidad paisajística, existe el nexo de la reflexión alrededor de la relación del hombre con el espacio y de cómo este ha dejado su marca en la naturaleza. Así, en sus proyectos principales:
  • Espectadores (2006) cuestiona la relación entre el hombre y el espacio. La tendencia a modificar nuestro entorno natural a merced de las necesidades e intereses de la sociedad moderna está representada con filas de sillas interviniendo en el paisaje.
  • Nada (2007), es una reflexión sobre el uso de las palabras y sobre la invasión de mensajes publicitarios en nuestras sociedades contemporáneas.
  • DubaiLand (2008), reúne meticulosamente símbolos que se refieren a la acción humana y la interferencia con el medio ambiente de la ciudad de Dubái, mostrando elementos como iconos de un parque temático global.
  • Almost There (2013), presenta un estudio sobre la idea de distancia, con un intento de medir ciertas distancias físicas, temporales, emocionales y fotográficas.
  • Morishita (2017) es un paseo, una búsqueda, un reconocimiento y un inventario de un período de 3 meses de su vida que tuvo lugar en Japón con 35 años.
  • Un passaggio 82017) es un proyecto de 2015, entre las ciudades de Luzzara y Reggio Emilia, tras una invitación para llevar a cabo un proyecto para el festival Fotografia Europea de Reggio Emilia, con el concepto de personas y de archivo. Pretende crear un inventario de una ciudad y su gente, considerando a la gente y la ciudad como una compleja unión de hogares.


Referencias


Libros

  • Un passaggio, 2017.
  • Morishita, 2017.
  • Almost There, 2013.
  • Ca l’Isidret (con Juan Diego Valera y Roger Guaus), 2012.
  • Movimientos de suelo (con Juan Diego Valera y Roger Guaus), 2011.

jueves, 14 de febrero de 2019

Andreas Frei

Andreas Frei es un fotógrafo alemán (nacido en 1972, vive en Múnich) que trabaja en sus propios proyectos, enfocados principalmente como fotolibros.

© Andreas Frei
 
© Andreas Frei


Las fronteras entre la fotografía y el arte pueden ser más fluidas que en cualquier otro medio, debido a su relativa novedad, contexto histórico, aspectos técnicos inherentes y circulación actual de masas. Creo que este lugar es donde se define el medio y el fotolibro. El vehículo perfecto para explorar estas fronteras. Mientras que cada proyecto en el que estoy trabajando puede ser diferente, siempre tiene que haber una conexión personal con el tema. Ya sea ficción, documental o los dos, es esencial para mí poder poner algo de mí mismo en cada foto.



Biografía

Andreas Frei trabaja principalmente en sus propios proyectos y se centra en los fotolibros. En 2014 cofundó la editora cooperativa e independiente Million Books junto con su colega Jens Masmann, para mostrar su propio trabajo y el de otros autores y hasta esta fecha ha publicado cinco libros y dos revistas desplegables. A veces graba música bajo el nombre de tired.
Sus proyectos están relacionados a veces con temas que le tocan personalmente. Así, en:
  • Ich war hier (Yo estuve aquí), revisa 30 años después el lugar donde creció y vivió su familia, recordando su infancia en Großhadern, una zona suburbana típica de Múnich: familia, escuela, amigos, fútbol y el primer beso,  música moderna, fiestas, skate y el primer cigarrillo. Mucho tiempo libre y diversión, pero también, en el materialismo predominante en los años 80, había intrigas y envidia, suicidios, accidentes fatales y asesinatos, amistades rotas, alcoholismo, divorcios, desintegración familiar.
  • Ghosts In My Car, compagina y mezcla las dos cosas que le dejó su abuelo cuando murió de Alzheimer: su BMW y una caja de viejas fotografías familiares, con notas y nombres en la parte posterior de los retratos para recordar quiénes eran. Un viaje con este coche le hizo pensar en lo poco que sabía de sus antepasados, sintiéndose un poco como su abuelo se había sentido al final de su vida. En el libro resultante de este proyecto mezcla las fotografías realizadas en su viaje con las antiguas de su abuelo.
  • Hab Acht (Tenga cuidado) trata del tema del miedo a la oscuridad. Reacción a los atentados de París de 2015, es un acto poético y muy personal, metafórico, un trabajo sobre la angustia, que combina exteriores durante la noche y retratos íntimos de su familia y amigos en un estado entre dormido y despierto, logrando mantener al espectador inseguro hasta el final, donde, con una simple frase, todo tiene sentido. Este libro ha obtenido diversos e importantes premios.



Referencias


Libros

  • Hab Acht.
  • Ich war hier, 2017.
  • Long Way Home.
  • Ghosts in my car.
  • Salut Christine, 2010.
  • A Part, 2009.