viernes, 24 de febrero de 2017

Illés Tóth

Illés Tóth es un fotógrafo húngaro (nacido en 1984) que está interesado en la gente así que le encanta hacer tanto retratos espontáneos como preparados. Está enamorado de las calles, que intenta capturar tanto desde un punto de vista clásico como moderno.

 

Maria Valeria Bridge © Illés Tóth

Maria Valeria Bridge © Illés Tóth

 

 

Biografía

Illés Tóth estudió horticultura, pero comenzó a aprender fotografía en Dinamarca en la escuela secundaria Brandbjerg Folk en 2013. Después continuó aprendiendo de forma autodidacta, leyendo libros técnicos y practicando mucho. En 2014 obtuvo un título oficial de fotografía en Hungría.

Le encantan las fotos en blanco y negro porque así puede acentuar más las formas y los tonos y las imágenes se vuelven más honestas. Pero en su nuevo proyecto, Freeride, ha abierto sus ojos al mundo de los colores. Toma imágenes espontáneas desde su bicicleta (sin componer ni mirar en la cámara) y luego selecciona las que son interesantes en términos de forma y color.

Realiza exposiciones regularmente (Balassi Institute of New Delhi, MÜSZI Budapest, FUGA Budapest Center, …). Ha obtenido diversos premios en diferentes concursos como el Concurso André Kertész o el Gran Concurso de Primavera en Hungría. Está preparando para 2017 nuevas exposiciones: Shoes en el Israeli Cultural Institute e Instant Life Pictures junto con Eszter Molnár en TAT Contemporary Art Gallery, ambas en Budapest.

 

 

Referencias

jueves, 23 de febrero de 2017

Edwin Kats

Edwin Kats es un fotógrafo holandés (nacido en 1974, vive en Nunspeet) que realiza fotografía de naturaleza, fotografía paciente para capturar a los animales, con un estilo personal propicio al trabajo en  proyectos a largo plazo, previsualizando la mayoría de las veces una imagen antes de salir y tratar de hacerla.

 

© Edwin Kats

© Edwin Kats

 

 

Biografía

Edwin Kats vive en el centro de Holanda, rodeado de bosque, agua y brezal, lo que le ofrece muchas posibilidades para capturar la maravillosa flora y fauna existente cerca de casa.

En 2006 se pasó a la fotografía digital y, aunque todavía añora trabajar con diapositivas Velvia y Provia, se acostumbró a lo digital muy rápido y aprendió a amarlo. Su cámara más reciente es una Nikon D4 y su objetivo principal un Nikon 500/4 VR, una lente magnífica con autofoco rápido y fondos suaves, y casi siempre fotografía oculto en un hide.

Desde siempre ha tenido una estrecha relación con la naturaleza y la vida silvestre en particular. Caminar al aire libre en solitario ha sido siempre una gran aventura desde niño. Desde 1992 ha fotografiado principalmente fauna nativa holandesa pero actualmente disfruta de la emoción de viajar a otros lugares fantásticos de Europa como el Reino Unido y Escandinavia.

Su trabajo se publica a menudo en revistas como Outdoor photographer, Focus, BBC Wildlife Magazine and National Geographic Magazine y realiza talleres/viajes de fotografía de naturaleza.

Sus imágenes se venden por todo el mundo a través de agencias internacionales como Nature In Stock, Wildlifebild, RSPB Images y Arterra.

 

 

Referencias

miércoles, 22 de febrero de 2017

Piotr Zbierski

Piotr Zbierski es un fotógrafo polaco (nacido en 1987, vive y trabaja en Lodz) cuyo principal objetivo es llegar a través de la esencia de las emociones humanas, a su forma más pura sin adiciones, sin artificios. Para mostrar al hombre en la forma en que ha sido creado, un hombre de un pueblo primitivo.

 

© Piotr Zbierski

© Piotr Zbierski

Para mí la fotografía es un medio íntimo. Me ayuda a expresarme pero ,además, me permite estar más cerca de la vida y de la gente, permitiendo mirarles directamente a los ojos.

 

 

Biografía

Piotr Zbierski estudió fotografía en la Escuela Nacional de Cine. En su trabajo creativo comienza desde una experiencia personal, privada y única desde el principio, y llega a través de una imagen a una parte, que es común para todos nosotros, e independiente de él mismo. La vida es una película dirigida por el universo, mientras que el mundo es la mayor acumulación de metáforas sensualmente disponibles, un secreto sobre un secreto o una metáfora de una metáfora. En su opinión, hay una realidad e infinitas visiones.

Sus fotografías no están conectadas con el lugar y el tiempo, sino en el nivel de las emociones. Su  trabajo son historias sobre el equilibrio entre estados inconsistentes y sentimientos. La fotografía es su forma de comunicación, un lenguaje habla de él indirectamente.

Durante los últimos años ha viajado mucho realizando fotografías de personas que conoció en su camino y que le inspiraron. De esta manera hasta cierto punto, sus imágenes se han convertido en una especie de diario personal, principalmente destinado a crear una obra con la que el receptor pueda identificarse, pueda sentir las imágenes como recuerdos suyos.

Es autor de tres exposiciones individuales (White Elephants, Here, Love has to be reinvented), y ha participado en exposiciones colectivas y publicaciones incluyendo Photokina y Lab East, presentando su obra en países como Polonia, Alemania, Portugal, Rusia, Eslovaquia. Ha publicado sus trabajos en revistas como Shots Magazine, Ninja Mag, Archivo Zine, Die Nacht, Gup Magazine, y otros.

En 2012 ganó el prestigioso premio para jóvenes fotógrafos Leica Oscar Barnack Newcomer Award. Su trabajo fue nominado al Deutsche Börse Photography Prize y ha sido nominado en otros premios como Les Nuits Photographiques 2012, Terry O'Neill Award) por su serie Pass by me. Sus trabajos han sido mostrados en el Festival de Arles en 2012 y forman parte de la colección del Kiyosato Museum of Photographic Arts.

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 21 de febrero de 2017

Raimon Santacatalina

Raimon Santacatalina es un fotógrafo catalán (nacido en Vilafranca del Penedés, Barcelona, en 1969) que practica casi cualquier disciplina fotográfica (fauna, macro, paisaje, nocturna…) aunque siempre relacionada con la naturaleza que es lo que más le entusiasma.

 

© Raimon Santacatalina

© Raimon Santacatalina

 

 

 

Biografía

Raimon Santacatalina empezó a admirar y respetar la naturaleza desde la infancia recorriendo durante muchos años los Pirineos, campos y espacios naturales con sus padres. Y la afición por la fotografía también le llegó gracias a su padre que le regaló su primera cámara, una Pentax Asahi Spotmatic SP II, cuando Raimon tenía 15 años.

Estas dos aficiones se juntaron en la fotografía de naturaleza en 2006, cuando se compró su primera cámara réflex digital, una Canon EOS 10 D, y un par de objetivos Sigma de gama baja. A partir de ahí, comenzó su largo camino autodidacta de aprendizaje en internet, con libros, viendo fotos y cómo no, probando con la cámara, y consiguiendo un equipo más profesional.

En 2010 se hizo socio de AEFONA (Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza) y en 2017 de WWF (Fondo Mundial por la Naturaleza).

Algunas de sus fotografías han sido seleccionadas y premiadas en concursos nacionales e internacionales, como en el Concurso Internacional de Fotografía de Naturaleza Oasis Photo Contest de Italia, incluidas en audiovisuales y publicadas en libros como Naturaleza Ibérica: cuatro estaciones de vida publicado por AEFONA y revistas impresas y en línea, como la Revista IRIS.

 

 

Referencias

lunes, 20 de febrero de 2017

Federico Veronesi

Federico Veronesi es un fotógrafo italiano (nacido en Milán en 1975, vive en Kenia) que pasa la mayor parte de su tiempo en el Masai Mara NR, desde donde dirige safaris fotográficos.

 

© Federico Veronesi

© Federico Veronesi

 

Fotografío animales salvajes simplemente porque los amo y me encantan los lugares donde viven. He dedicado la mayor parte de mi vida adulta a verlos, esperarlos, buscarlos, fotografiarlos. Y me encanta la sensación de estar rodeado sólo por naturaleza, con espacios salvajes sin fin, sin huellas humanas, ni casas, ni tejados, ni ruidos artificiales, ni luces por la noche.

 

 

Biografía

Federico Veronesi creció amando la naturaleza y la fotografía. Cuando tenía 6 años, sus padres llevaron a la familia a un safari fotográfico de veinte días en Kenia, lo que le marcó profundamente. Criado en una casa de aficionados a la fotografía, tuvo su primera cámara réflex, una vieja Minolta heredada de su abuelo, con 13 años y comenzó a explorar el mundo a su alrededor a través de una lente.

Veinte años después de su primer safari, después de graduarse en Economía de Instituciones Internacionales en Milán, Federico regresó permanentemente a Kenia, trabajando primero en el campo del desarrollo internacional con una ONG, visitando las zonas más remotas de Kenia y Somalia, pero renovando su pasión por la fotografía de vida salvaje.

Se dio cuenta de que quería vivir a tiempo completo al aire libre, seguir las historias de los animales día tras día, temporada tras temporada, con lluvias y sequía, y en 2007 estableció su tienda semipermanente en un hermoso campamento a orillas del río Talek, en la Reserva Nacional de Masai Mara. Desde allí salía diariamente para rastrear a los depredadores o grandes migraciones, aprendiendo directa y extensamente los hábitos, territorios y comportamiento de los animales salvajes.

Poco después se convirtió en miembro de la Asociación de Guías de Safari Profesional de Kenia y comenzó a guiar safaris fotográficos en su antiguo, pero seguro, Land Cruiser. Desde entonces ha pasado la mayor parte de su tiempo de safari en los Parques Nacionales Masai Mara, Amboseli y el Lago Nakuru.

En su carrera fotográfica, ha sido galardonado en muchas competiciones internacionales, incluyendo ganar el Nature’s Best Windland Smith Rice Award en 2011. Ha publicado muchos artículos en algunas de las revistas de naturaleza más importantes del mundo. Sus imágenes han sido publicadas de numerosas formas en revistas internacionales, como BBC Wildlife, Oasis, … libros, postales, calendarios y han utilizadas por organizaciones de conservación de la vida salvaje como African Wildlife Foundation, Cheetah Conservation Fund y EcoSys.

Su primer libro, Light and Dust, es una reflexión sobre los temas y lugares que le causaron mayor impresión durante sus años en África Oriental, buscando las condiciones meteorológicas más dramáticas para sus fotografías: nieblas matutinas, tormentas de polvo y lluvias torrenciales, o rayos de luz que brillan entre las nubes.

 

 

Referencias

 

 

Libros

domingo, 19 de febrero de 2017

Julia Anna Gospodarou

Julia Anna Gospodarou es una arquitecta y fotógrafa artística (vive en Atenas, Grecia) que utiliza la técnica de la fotografía para crear lo que ella llama (en)Visionografía, una forma de arte nacida de la reinterpretación del mundo a través de la visión del artista, que trasciende la realidad para poder recrearla a través de la emoción.

 

© Julia Anna Gospodarou

© Julia Anna Gospodarou

 

Si no lo necesitas como el aire, no es arte.

 

 

Biografía

Julia Anna Gospodarou aborda la fotografía artística con tanto entusiasmo y pasión como su profesión original, la arquitectura. Es particularmente conocida por sus fotografías de larga exposición en blanco y negro de elementos arquitectónicos, pero también explora otros aspectos y géneros en su trabajo fotográfico.

A través de sus composiciones en blanco y negro altamente estructuradas y con un fino retoque, hábilmente mezcla sombras y luz para dibujar líneas de edificios. Sus fotos minimalistas, al borde del abstracto, rinden homenaje a los edificios destacando algo más que la arquitectura, el alma de la autora. Partidaria de que editar una foto es tan importante como tomarla, cruza los límites de la fotografía tradicional y entra en el reino de la imaginación, buscando un mundo perfecto que pueda expresar a través de sus imágenes.

Su trabajo ha sido repetidamente premiado a nivel internacional en competiciones como Prix de la Photographie Paris, International Photography Awards, Sony World Photography Awards, B&W Spider Awards, FAPA, ND Awards, IFAP, etc. Su obra ha sido publicada en forma impresa y en línea en numerosos libros y revistas de todo el mundo.

Su libro From Basics to Fine Art. B&W Photography, coeditado con Joel Tjintjelaar, está considerado como uno de los libros más importantes de la nueva fotografía de arquitectura en blanco y negro de las últimas décadas.

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 18 de febrero de 2017

Juan Miguel Pando Barrero

Juan Miguel Pando Barrero fue un fotógrafo español (nacido en Madrid el 13 de abril de 1915 y fallecido el 10 de agosto de 1992) conocido sobre todo por su fotografía de arquitectura, arte e industrial. Su legado constituye un referente fundamental para la documentación de la España de la Guerra Civil, la etapa de la dictadura y la Transición; también es el principal testimonio gráfico de Marruecos entre los años 1949 y 1977.

 

Juan Pando Barrero: Notable de los Beni Arós (Yebala). Xauen 1949. Colección Pando.

Juan Pando Barrero: Notable de los Beni Arós (Yebala). Xauen 1949. Colección Pando.

 

 

 

Biografía

Juan Miguel Pando Barrero nacido en el seno de una familia de artesanos y tipógrafos, ejerció los oficios de ayudante de botica y electricista antes de ingresar, con sólo 16 años, en el estudio de Mariano Moreno, uno de los más conocidos fotógrafos artísticos de Madrid, del que se convirtió en primer ayudante.

Unas series de fotografías sobre maniobras militares en Hoyo de Manzanares en 1935, así como la serie que dedicó a las capeas en Illana, Toledo, le valieron ser contratado por la Associated Press, agencia para la que trabajó en exclusiva.

Al comenzar la contienda civil, Pando tenía sólo 21 años, captando imágenes que serían publicadas en el ABC de Madrid (republicano) y los diarios Ahora y La Voz, y documentando, entre otros hechos, la retirada de campesinos desde Talavera de la Reina, la lucha en la Sierra de Guadarrama y la primera línea del frente de Madrid, donde fue confundido con un espía franquista y casi muere en manos republicanas.

Terminada la guerra, fundó la agencia gráfica que llevó su nombre, en la que encontraron trabajo (y refugio) algunos profesionales de la prensa perseguidos en esa época. En vida fue más conocido por su labor como fotógrafo de arquitectura, arte e industria que por su extraordinaria labor etnográfica, monumentalista y paisajística.

Su primera gran serie acerca de Marruecos nació del encargo de fotografiar, en Tetuán en 1949, los festejos que siguieron a los esponsales entre Lal-la Fátima (princesa de la Casa Alauí) y Muley ben El-Mhedi, último jalifa bajo autoridad protectoral.

Influido por fotógrafos estadounidenses y alemanes, en su madurez más fecunda (1945-75), trabajó con cámaras de gran formato para paisaje y la fotografía de monumentos, y con cámaras de formato medio (Rolleiflex y Hasselblad) para moverse con soltura entre las medinas marroquíes o en las plazas españolas.

Realizó una única exposición, Fotografía, luz y vida en el Club Pueblo, en Madrid en 1968. Su archivo, compuesto por más de 130.000 negativos de temas arquitectónicos e industriales y más de 10.000 de sus viajes por España y Marruecos, fue adquirido por el Ministerio de Cultura en 2003 y se encuentra en el Instituto del Patrimonio Cultural de España, conformando el llamado Archivo Pando que conserva su amplia obra desarrollada a lo largo de más de cincuenta años y continuada por su hijo, Juan Pando Despierto, hasta 2003. Este archivo constituye un referente de la industria tanto hidroeléctrica como petroquímica, de obras públicas, iluminación de monumentos e imágenes publicitarias de la época. Contiene también imágenes de regiones devastadas y de la Sección Femenina, así como de monumentos, obras del Museo del Prado y del Museo Arqueológico Nacional.

Treinta de sus copias vintages sobre la Guerra Civil forman parte de la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

 

 

Referencias

 

 

Libros