sábado, 19 de abril de 2014

Miroslav ‎Tichý

Miroslav ‎Tichý fue un fotógrafo checo (nacido el 20 de noviembre de 1926 en aldea de Nětčice y fallecido el 12 de abril de 2011, en Kyjov) opuesto a los planteamientos artísticos del progresismo comunista y conocido por sus fotografías distorsionadas y defectuosas tomadas con cámaras de fabricación propia realizadas con materiales de desecho.

 

Miroslav ‎Tichý

Miroslav ‎Tichý

 

 

Fotografía es lo que ven tus ojos así de rápido. Para algunos fotógrafos significa pintar con la luz, eso es un error. Los fotógrafos son los poetas que escriben a través de una calidad pictórica. Y para poder realizar eso tu necesitas una cámara mala, si tu buscas ser famoso, tu necesitas ser el peor en algo, más que cualquier persona en este mundo!

 

 

 

Biografía

Miroslav Tichý fue hijo único de un sastre y pasó su infancia en Kyjov hasta que, tras la Segunda Guerra Mundial, comenzó a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Praga. De una timidez extrema, en 1948 se rebeló contra las autoridades junto a un grupo de estudiantes. La razón fue estética, no política. El nuevo régimen dictatorial había decidido cambiar las modelos que posaban para dibujo del natural por rudos obreros con mono. Dejó los estudios, dejó todo. Su fascinación por las mujeres es la constante de su vida. Pintaba, pero sus cuadros no interesaban a nadie.

Se convirtió durante décadas en un vagabundo e indigente, considerado por la policía de Checoslovaquia como un enfermo mental, pasando por numerosos psiquiátricos y prisiones. Tras dedicar sus esfuerzos a la pintura, ser desalojado de su casa y haber perdido su obra, en la década de 1960 se construyó con materiales de desecho una cámara fotográfica, dedicándose desde entonces a realizar retratos de mujeres que caminaban, descansaban en el parque, tomaban el sol en la piscina o subían a un autobús. Sus fotografías, que revelaba descuidadamente en su chabola sobre los más variados materiales, tienen un aspecto borroso, a veces sobrexpuestas, con rayaduras, impresas sobre papeles rasgados a mano, enmarcadas en ocasiones con simples cartones coloreados. Son características que lo ligan a lo pictórico. Tienen el encanto y el embrujo de lo imperfecto, de lo manual; también se nota la carga sensual en la mirada de este voyeur, ladrón de momentos fugaces e intrascendentes.

En la década del 2000 fue descubierto por el crítico de arte contemporáneo, Harald Szeemann, quien le organizó una exposición en la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla en 2004, aunque ya había realizado en 1990 una exposición en la Die Blaue Kunsthalle DuMont de Colonia. A partir de ese momento gozó de gran prestigio y sus trabajos recorrieron las salas de Madrid, Palma de Mallorca, París (Centro Pompidou) y Nueva York (International Center of Photography). En 2009, coincidiendo con su exposición en Mallorca, se presentó un documental sobre él, Tarzán jubilado.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Miroslav ‎Tichý
  • Long Moments
  • ‎Tichý
  • Artists for Tichý – Tichý for Artists

viernes, 18 de abril de 2014

José Manuel Ferrater

José Manuel Ferrater es un fotógrafo catalán (nacido en 1948 en Barcelona, donde reside) reconocido por su fotografía de moda y dirección de spots de belleza, moda y publicidad. Su trabajo lleno de fuerza, expresividad y creatividad le ha ganado el respeto de los profesionales del este sector.

 

 

© José Manuel Ferrater

© José Manuel Ferrater

 

 

 

 

Biografía

José Manuel Ferrater se inició en la fotografía matriculándose en 1968 en la escuela Eina. Sus primeras fotos (que eran de un doble accidente en el circuito de fórmula 1 de Montjuïc y nunca las pudo firmar) las publicó en la revista Triunfo durante una substitución de Xavier Miserachs, su profesor en Eina. Desde mediados de los 70 se ha dedicado a la fotografía de moda, participando en campañas internacionales al máximo nivel y trabajando con las mejores modelos (Naomi Campbell, Cindy Crawford, Claudia Schiffer, Linda Evangelista, Amber Valletta, Lara Stone, Carolyn Murphy, Carmen Kass, Helen Christensen, Laetitia Casta, ... ).

Pasó siete años trabajando entre Nueva York, París y Milán, en una vorágine compulsiva de producción fotográfica y de cine publicitario que le situó en la cúspide de la fotografía de moda,  publicado sus imágenes en las más relevantes publicaciones del mundo, como Harper’s Bazaar, Vogue, Glamour, Donna y Arena.

En 1990 entró en un proceso de reflexión personal que le llevó a reducir drásticamente su prolífica actividad fotográfica y a regresar a Barcelona, donde dirige, desde 2008, Ferrater Estudio, un proyecto interdisciplinar (fotografía y cine) basado en el trabajo en equipo (director de arte, retoque, producción, iluminación y técnicos) con un objetivo común: volver al espíritu libre de los 70 utilizando las últimas tecnologías.

Lo más característico de su fotografía es una constante búsqueda de la expresividad del modelo. Sus imágenes, en su mayoría retratos en blanco y negro, poseen una fuerza vibrante que busca extraer al máximo la belleza interior, al margen de la evidente belleza superficial. Su obra transmite algo más que los valores del producto: emoción, tensión, dolor a veces. Resuelve la frustración, el desencanto o la incomodidad en juegos de luces y sombras que impactan por su fuerza visual, condensando la belleza en un instante congelado.

En su última etapa, ha encontrado en la pintura un tipo de expresión que la fotografía no ha podido proporcionarle.

En 2009 expuso por primera vez, la muestra, Los niños de Benín (Imaginart Gallery, Barcelona, 2009), una instalación compuesta de 36 cuadros, 66 fotos en un vídeo y 23 poesías, donde, a partir de unos niños bailando en Benín, escupe sus traumas infantiles, en un trabajo realizado a lo largo de ocho años, en gran formato, y en los que utiliza tres colores básicos: el rosa brillante, el blanco y el negro. En esta obra aparecen cruces, curas, aguijones de escorpión y figuras humanas a las que sólo les queda la piel, como símbolo perturbador de lo que físicamente permanece.

Actualmente prepara  una exposición antológica de su obra pictórica en el Museu Brasileiro da Escultura de São Paulo y en el Museu Oscar Niemeyer de Curitiba (Brasil).

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 17 de abril de 2014

Karin Apollonia Müller

Karin Apollonia Müller es una fotógrafa alemana (nacida en Heidelberg en 1963, vive en California y Alemania) que, trabajando en color con una paleta apagada y con poco contraste, crea imágenes que investigan la lucha entre el mundo natural y el entorno construido, sobre todo la incapacidad de la arquitectura para conseguir el nivel de los ideales humanos de orden y control.

 

 

© Karin Apollonia Müller

© Karin Apollonia Müller

 

 

 

Biografía

Karin Apollonia Müller es hija de un capitán de barco. Estudió fotografía y cine en la Universidad de Essen antes de trasladarse al oeste de los Estados Unidos en 1995.

Mientras Angels in Fall  trata de la desconexión entre los seres humanos y su entorno, On Edge muestra cómo la tierra se desmorona, y nuestros esfuerzos son inútiles para controlar u ocultar la invasión sutil de la naturaleza en los espacios “cultivados” por el hombre.

Recientemente, en sus tres series tituladas Citylights, Worldlights y Starlights, ha adoptado una perspectiva aún más remota, la transformación de datos de la NASA en representaciones oníricas de la vida humana y el cosmos. Este trabajo representa un cambio hacia un estudio más concentrado de la casualidad, ya que sus imágenes dependen de los datos que se apropia.

Ha recibido numerosos premios y becas, entre ellas una Getty/CAL Arts Grant (2001), Lannan Foundation (2000) y DAAD Foundation (1995). Está representada por Diane Rosenstein Fine Art en Los Ángeles y Julie Saúl Gallery en Nueva York.

Su trabajo ha sido ampliamente exhibido en los Estados Unidos y Europa, y se incluye en colecciones como las del The Museum of Modern Art, Nueva York; Whitney Museum, Nueva York; y el San Francisco Museum of Modern Art.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

miércoles, 16 de abril de 2014

Ken Domon

Ken Domon fue un fotógrafo japonés (nacido el 29 de octubre de 1909 en Sakata, prefectura de Yamagata,  y fallecido el 15 de septiembre de 1990 en Tokio) que aunque destacó como fotoperiodista su trabajo más extenso trata de la arquitectura y escultura budista en Japón.

 

Ken Domon

Ken Domon

 

 

Estoy involucrado con la realidad social de hoy en día y, al mismo tiempo, con las tradiciones y la cultura clásica de Nara y Kyoto, y estas dos implicaciones están unidas por la búsqueda común del  punto en el que están relacionadas con el destino de las personas, la ira, la tristeza y la alegría del pueblo japonés.

 

 

 

 

Biografía

Ken Domon nació en Sakata, pero con nueve años su familia se trasladó a Tokio. En su juventud , fue profundamente influenciado por los escritos filosóficos de Tetsuro Watsuji. Estudió derecho en la Universidad de Nihon, sin embargo en 1932 fue expulsado por sus actividades políticas radicales. Entre 1933 y 1935 estuvo trabajando de aprendiz en la Escuela de Bellas Artes de Tokio y tuvo como maestro a Kotaru Miyauchi y a continuación trabajó como fotógrafo en los estudios Nihon Kobo hasta el inicio de la segunda guerra mundial.

Al finalizar la misma se convirtió en un fotógrafo independiente documentando las consecuencias de la guerra, centrándose en la sociedad y la vida de la gente común. En 1950 fundó el grupo Shudan Photo dando a conocer mediante exposiciones a fotógrafos como Margaret Bourke-White, Henri Cartier-Bresson, Irving Penn, Bill Brandt y William Eugene Smith.

Su trabajo de fotografía documental sobre la arquitectura y escultura japonesa antigua ejerció gran influencia en muchos fotógrafos y ha permitido disponer de un buen catálogo de la misma en los años treinta del siglo XX, pero además realizó importantes reportajes humanos, como el que tuvo mayor relevancia internacional dedicado a los supervivientes del bombardeo de Hiroshima que fue expuesto en el Hiroshima Victims en 1968, y la vida, y sobre todo los niños, en un barrio pobre de las minas de carbón en la comunidad de Chikuho, Kyushu, y el juego improvisado de los niños en Chiyoda, Tokio. Está considerado junto a Hiroshi Hamaya e Ihei Kimura como uno de los principales fotógrafos documentales de Japón del siglo XX.

Domon sufrió dos ataques cerebrovasculares en 1960 y 1968, que eventualmente le impidieron sostener una cámara y lo confinaron a una silla de ruedas. Esto no le impidió seguir fotografiando ni de su idea de documentar la cultura tradicional Japonesa. Viajó con energía por todo el país, fotografiando sus templos budistas y creando una imponente serie de libros lujosamente producidos.

Su método de fotografiar los templos era permanecer en el lugar durante un tiempo antes de realizar la primera foto. Después comenzaba a fotografiar en función de cómo sus sentimientos le llevaban.

Ha realizado exposiciones por todo el mundo y ha recibido numerosos premios, entre los que se puede destacar:

  • Premio de las Artes del Ministerio de Educación, 1959
  • Premio de la Sociedad fotográfica de Japón, 1960.
  • Premio Kan Kikuchi, 1971.

En 1976 Domon fue completamente incapacitado por su tercer derrame cerebral, y moriría en Tokio 14 años más tarde.

En 1981 el grupo de prensa The Mainichi Newspapers Co., Ltd. creó el premio Ken Domon en su honor y en 1983 se abrió el Museo de Fotografía Ken Domon en en un espacio verde de Sakata, su ciudad natal. El edificio fue diseñado por el arquitecto Yoshio Taniguchi.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Nihon no chōkoku 1952.
    • 2. Asuka jidai
    • 5. Heian jidai
  • Fūbō 1953.
  • Murōji 1955.
  • The Muro-ji, an eighth century Japanese temple: Its art and history. 1954.
  • Gendai geijutsu kōza 1956.
  • Murōji 1957.
  • Domon Ken sakuhinshū 1958.
  • Hiroshima 1958.
  • Chūsonji 1959.
  • Saihōji, Ryūanji 1959.
  • Chikuhō no kodomotachi: Ken Domon shashinshū 1960.
  • Chikuhō no kodomotachi: Ken Domon shashinshū. Zoku: Rumie-chan ha otōsan ga shinda  1960.
  • Hōryūji 1961.
  • Murōji 1961.
  • Kyōto 1961.
  • Nara 1961.
  • Masterpieces of Japanese sculpture 1961.
  • Kasuga 1962.
  • Koji junrei 1963–75. International edition: A Pilgrimage to Ancient Temples, 1980.
  • Tōji: Daishinomitera 1965.
  • Shigaraki Ōtsubo 1965.
  • Sōfū; his boundless world of flowers and form. 1966
  • Nihonjin no genzō 1966.
  • Yakushiji 1971.
  • Bunraku 1972.
  • Tōdaiji 1973.
  • Nihon meishōden 1974.
  • Koyō henreki 1974.
  • Shinu koto to ikiru koto 1974.
  • Watakushi no bigaku 1975.
  • Nihon no bi 1978.
  • Shashin hihyō 1978.
  • Nyoninkōya Murōji  1978.
  • Fūkei 1978.
  • Gendai chōkoku: Chōkoku no Mori Bijutsukan korekushon / Sculptures modernes: Collection de The Hakone Open-air Museum 1979.
  • Shashin zuihitsu 1979.
  • Domon Ken Nihon no Chōkoku
    • 1. Asuka, Nara 1979.
    • 2. Heian zenki 1980.
    • 3. Heian kōki, Kamakura 1980.
  • Domon Ken: Sono shūi no shōgen 1980.
  • Nihon no bien  1980.
  • Domon Ken Nihon no kotōji: Tanba, Imari, Karatsu, Eshino, Oribe, Tokoname, Atsumi, Shigaraki, Kutani, Bizen 1981.
  • Domon Ken 1982.
  • Domon Ken zenshū  1983-5.
    • 1. Koji junrei 1 Yamato-hen jō
    • 2. Koji junrei 2 Yamato-hen ge 
    • 3. Koji junrei 3 Kyōto-hen 
    • 4. Koji junrei 4 Zenkoku-hen
    • 5. Nyonin Kōya Muroji
    • 6. Bunraku 
    • 7. Dentō no katachi
    • 8. Nihon no fūkei
    • 9. Fūbō
    • 10. Hiroshima
    • 11. Chikuhō no kodomotachi
    • 12. Kessakusen jō 
    • 13. Kessakusen ge
  • Domon Ken no koji junrei, 1989–90.
    • Yamato 1
    • Yamato
    • Kyōto 1
    • Kyōto 2.
    • Murōji
    • Bessatsu 1. Higashi Nihon
    • Bessatsu 2. Nishi Nihon
  • Domon Ken Nihon no butsuzō 1992
  • Murōji  1992
  • Domon Ken no Shōwa 1995.
    • 1. Fūbō
    • 2. Kodomotachi.
    • 3. Nihon no fūkei
    • 4. Dokyumento Nihon 1935–1967
    • 5. Nihon no butsuzō
  • Koji junrei 1995.
  • Domon Ken Koji Junrei 1996
  • Shashin to jinsei: Domon Ken esseishū 1997.
  • Domon Ken 1998
  • Koji junrei 1998
  • 風貌 愛蔵版 1999.
  • Domon Ken kottō no bigaku 1999.
  • Domon Ken no tsutaetakatta Nihon 2000.
  • Domon Ken Nihon no chōkoku 2000.
  • Kengan 2001.
  • Kenshin  2001.
  • Kenkon  2002.
  • 逆白波のひと・土門拳の生涯 / 佐高信∥ 2003.
  • Domon Ken tsuyoku utsukushii mono: Nihon bitanbō 2003.

martes, 15 de abril de 2014

Martin Schubert

Martin Schubert es un fotógrafo danés (nacido en 1983 en Dinamarca, vive en Viborg) que realiza principalmente fotografía de arquitectura y fotoperiodismo.

 

 

MartinSchubert

© Martin Schubert

 

Biografía

Martin Schubert se formó en fotografía comercial y realiza principalmente fotografía de arquitectura así como fotoperiodismo.

Este año 2014 ha ganado el premio Hasselblad en la categoría de Arquitectura.

 

 

 

Referencias

lunes, 14 de abril de 2014

Ugo Mulas

Ugo Mulas fue un fotógrafo italiano (nacido el 28 agosto de 1928 en Pozzolengo, cerca de Desenzano del Garda, Brescia, y fallecido el 2 marzo de 1973 en Milán) conocido por sus retratos de artistas y su fotografía de la calle. En su obra se aprecia su sutil habilidad de innovación, fruto de su constante búsqueda, su curiosidad indómita e inteligencia.

 

 

UgoMulas

© Estate Ugo Mulas

 

 

…nosotros queríamos hacer de foto periodistas, de foto reporteros de ciudad… sólo después he entendido que en realidad éste era un aspecto instrumental.

 

 

 

Biografía

Ugo Mulas estudió en Desenzano y comenzó sus estudios de derecho en 1948 en Milán, terminándolos y sin graduarse oficialmente se cambió a estudiar arte en la Academia de Bellas Artes de Brera. Iba regularmente al Bar Giamaica, en Via Brera, un lugar de encuentro de artistas e intelectuales y se interesó por la fotografía casi como un accidente, fascinado como estaba por el mundo del arte. Su conocimiento de la fotografía fue totalmente autodidacta.

En 1954 se le pidió que cubriera la Bienal de Venecia, su primer encargo profesional, y luego  fotografió cada Bienal de Venecia hasta 1972.

Pronto se dio cuenta de que ser un fotógrafo le permitía proporcionar un testimonio crítico de la sociedad en que vivía, la sociedad posterior a la II Guerra Mundial. Es esta sensibilidad la que guía su búsqueda entre 1953 y 1954, con su tema principal de los suburbios de Milán, la estación central y sus amigos del Bar Giamaica.

Mulas trabajó para varias revistas italianas e hizo también campañas de publicidad, para clientes como Pirelli y Olivetti . En 1959, en Florencia, Mulas descubrió a Veruschka que más tarde se convertiría en una modelo y artista muy conocida.

Mientras que cubría el Festival de Spoleto en 1962, trabó amistad con el escultor Alexander Calder, quien más tarde sería un tema importante de la fotografía y escritos de Mulas.

En la Bienal de Venecia de 1964, se juntó con varios artistas norteamericanos, críticos de arte y el marchante de arte Leo Castelli, y viajó a la ciudad de Nueva York y documentó la escena del arte pop, que se convirtió en su obra más conocida. La exhibición que recogió este trabajo incluía ampliaciones de hojas de contacto y retratos ambientados de Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Barnett Newman y Roy Lichtenstein.

Mulas murió en Milán tras varios años de grave enfermedad.

Su obra permanece actual y es objeto de numerosas exposiciones, como la de PhotoEspaña 2010.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 13 de abril de 2014

Thilde Jensen

Thilde Jensen es una fotógrafa danesa (nacida en 1971 en Dinamarca, vive en EEUU) que realiza fotografía documental. Es conocida principalmente por su ensayo sobre personas que sufren trastornos alérgicos graves en el mundo industrializado.

 

© Thilde Jensen

© Thilde Jensen

 

Mis fotografías son un relato personal de la vida al borde de la civilización moderna como uno de los "canarios" humanos, las primeras víctimas de una cultura de inmersión en productos químicos.

 

 

 

 

Biografía

Thilde Jensen estudió inicialmente realización de películas en el European Film College, pero su interés por la fotografía le llevó en 1997 a la ciudad de Nueva York para estudiarla en la Escuela de Artes Visuales K.U.B.A.

Seis años más tarde, su vida y su carrera emergente como fotógrafa documental y editorial se vio interrumpida por un desarrollo repentino y grave de Enfermedades Ambientales. Los años siguientes fueron una lección de supervivencia básica, retirándose a los bosques como santuario, Jensen tenía que usar un respirador cada vez que regresaba a la civilización. Para su sorpresa, una subcultura de otro modo invisible de gente que compartía esta existencia aislada comenzó a surgir ante ella.

Thilde Jensen se ha recuperado recientemente. Su serie The Canaries se ha mostrado en The New York Times y The Observer.  En esta serie, viajó por el desierto del suroeste de Estados Unidos, donde muchas personas que sufren Enfermedades Ambientales viven como refugiados de las sustancias químicas y del mundo electromagnético que ya no pueden habitar, realizando un viaje íntimo a través de una dimensión extremadamente sensible de la realidad, donde los coches viejos, el papel de aluminio, las máscaras y los teléfonos caseros se convierten en necesidades clave para la supervivencia. El libro es una auténtica documentación fotográfica de la vida al borde de la civilización moderna, pero parece una ficción situada en la frontera entre el sueño y la pesadilla.

Sus fotografías han sido publicadas en numerosas revistas, como The Observer, Contact Sheet, The New York Times Sunday Review, Double Take Magazine, Newsweek Magazine, Details Magazine y Blender Magazine. Su trabajo ha sido expuesto en galerías en los EEUU y en el extranjero, como en la Society of Contemporary Photography en Kansas City,  New Century Artist Gallery y The Back Room Gallery en Nueva York, Kunsthal Charlottenborg en Copenhague, y la exposición en solitario de Canaries en el Light Work de Syracuse.

 

 

MCS o AI

En el curso de un día normal, todas personas entran en contacto con una gran cantidad de productos químicos. Como resultado de la prevalencia de estos productos químicos de síntesis, se cree que más de diez millones de estadounidenses han desarrollado una condición de discapacidad se refiere como la sensibilidad química múltiple (MCS).
MCS es una condición en la que nuestro sistema inmunológico y nervioso central tiene reacciones extremas cuando se expone a pequeñas cantidades de productos químicos cotidianos como los perfumes, productos de limpieza, escapes de automóviles, productos de imprenta, materiales de construcción y pesticidas. Además, algunas personas afectadas por MCS reaccionan anómalamente a la luz, las telas, alimentos y campos electromagnéticos que emiten los ordenadores, teléfonos, torres de telefonía móvil, automóviles y luces fluorescentes, que les hacen la vida casi imposible.
Muchas personas con MCS se ven obligadas a vivir en zonas remotas en tiendas de campaña, vehículos, remolques, lejos de los peligros del uso de los químicos tan presentes de forma invisible en nuestra vidas. Otros son efectivamente prisioneros de sus propias casas, con avanzados sistemas de filtración de aire para mantener los contaminantes fuera de la burbuja en que deben vivir.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros