jueves, 18 de abril de 2019

Bettina von Zwehl

Bettina von Zwehl es una fotógrafa alemana (nacida en 1971 en Múnich, vive y trabaja en Londres) conocida por su sutil y tranquila fotografía de retratos. A medida que su práctica se ha desarrollado, ha buscado diferentes maneras de afrontarla: desde sus primeras obras, más definidas por las rigurosas condiciones que imponía a sus modelos, ha evolucionado en sus proyectos más recientes hacia la tradición de la miniatura del retrato pintado.


© Bettina von Zwehl

© Bettina von Zwehl


Biografía

Bettina von Zwehl  estudió en Londres, obteniendo una licenciatura en fotografía en el London College of Printing y un master en fotografía artística por el Royal College of Art de Londres, donde comenzó a hacer retratos usando un método del siglo XIX, que encontró trabajando como asistente en Roma, trabajando en película con una cámara de placas de 10x8". La mayor parte de su trabajo está realizado en estudio y se inspira fundamentalmente en su fascinación por el rostro humano y las relaciones humanas.

Sus primeros trabajos se basaban en circunstancias físicas o emocionales inusuales, para conseguir un mayor grado de vulnerabilidad de sus modelos, a los que fotografiaba a medida que se despertaban de un sueño profundo, mientras se recuperaban de un esfuerzo físico, empapados por la lluvia o escuchando atentamente música en una habitación oscura, y con su quietud llevar al espectador a los más mínimos detalles: manchas, arrugas, pelos perdidos, rubor en las mejillas, ...  También ha estado interesada, bajo la influencia de la pintura renacentista, en la fotografía de perfil, que para ella es una de las formas más poderosas de representar a una persona. 

Su actual interés por las miniaturas, y su subgénero menos conocido, la miniatura ovalada de ojos, se desarrolló durante sus seis meses como artista en residencia en el Victoria & Albert Museum.

También participó en una residencia de 5 meses en el Freud Museum de Londres en 2013-2014. donde creó una instalación permanente para la sala Anna Freud en respuesta a la vida y el legado de Anna Freud. La obra es una exploración delicada y en profundidad del dolor, la pérdida y la amistad. Expuso Invitation to Frequent the Shadows en el Freud Museum de Londres en 2016.

Ha realizado exposiciones individuales en museos y galerías europeos y americanos, incluyendo el Freud Museum de Londres en 2016, Fotogaleriet de Oslo en 2014, National Portrait Gallery en Londres en 2014, Centrum KulturyZamek en Poznan en 2011, V&A Museum of Childhood en Londres en 2009, The Photographers’ Gallery de Londres en 2005 y la galería Lombard Freid de Nueva York en 2004.

Sus fotografías forman parte de colecciones como las del Solomon R. Guggenheim Museum en Nueva York, Mint Museum en Charlotte, Carolina del Norte, Victoria and Albert Museum, Arts Council Collection y The National Portrait Gallery en Londres, Rubell Family Collection en Miami y Pier 24 Photography en San Francisco.


Referencias




Libros


    Antologías
    • The Photograph as Contemporary Art, 2004.
    • The Portrait Now, 2006.
    • Vitamin Ph: New Perspectives in Photography, 2006.
    • The Body in Contemporary Art, 2009.
    • Road to 2012, 2012.
    • 21st Century Portraits, 2013.

    miércoles, 17 de abril de 2019

    Jaap Scheeren

    Jaap Scheeren es un fotógrafo holandés (nacido en 1979 en Nijmegen, vive y trabaja en Ámsterdam) cuyas imágenes siguen una cierta lógica infantil que toca el mundo real, pero con un cierto positivismo. Su obra evoca continuamente una sensación de nostalgia y una celebración de la juventud.


    © Jaap Scheeren

    © Jaap Scheeren



    Biografía

    Jaap Scheeren decidió estudiar fotografía tras una aventura fallada en química. Se graduó en 2003 en la St. Joost Academie en Breda. Podríamos calificar o describir su trabajo como Fresh anarchy (una fresca anarquía).  Con un estilo propio, ligeramente absurdo, investiga la coherencia entre la realidad y la fotografía. Al hacerlo, desarrolla un mundo visual en el que sigue su propia intuición, lógica y reglas. Siempre con un giro humorístico.

    Ganó la 21ª competición del Festival Internacional de Mode et de Photography en Hyères (Francia) en 2006. Colaboró con la artista Anouk Kruithof en el proyecto The Black Hole, por el que ganaron el Unique Photography Prize. La serie fue exhibida en Foam. En 2007 autopublicó el fotolibro Oma Toos sobre su divertida abuela.

    Ha expuesto su trabajo ampliamente incluyendo el Nederlands Fotomuseum de Rotterdam, Fotofestival Naarden, W 139 and De Balieen en Ámsterdam, Villa Noailles en Hyères (Festival Internacional de Mode et photographie), Centro australiano de fotografía en Sídney,  6ª Bienal Internacional de fotografía y artes plásticas en Lieja y Galería Michalsky Dvor en Bratislava.

    Su libro más reciente, Cut Shaving, The Xerox Edition combina por primera vez todo su trabajo, explorando diversas formas de reproducir la fotografía, fotolibros y archivos visuales, dando como resultado una publicación fresca y anarquista que no sólo documenta su obra, sino que también forma parte de ella.

    Su fotografía se ha mostrado en diversas revistas y publicaciones, incluyendo nrc.next, FOAM, Wallpaper, Kilimanjaro, Le Book, Beaux-Arts, Libération, LeMonde, DasMagasin, PICNIC, IANN, Blast y Picnic.


    Referencias



    Libros

    • Jaap Scheeren Cut Shaving, 2013.
    • Il/Elle s’appelle Margriet, 2012.
    • Fake Flowers in Full Colour, 2009.
    • Gassboggreidn, 2009.
    • 3 roses, 9 ravens, 12 months, 2008.
    • Oma Toos, 2008.
    • The Black Hole (con Anouk Kruithof), 2006.

    martes, 16 de abril de 2019

    Horst Diekgerdes

    Horst Diekgerdes es un fotógrafo alemán (vive en Zúrich, Suiza) que, a lo largo de su carrera ha realizado desde campañas publicitarias para Miu Miu a portadas de álbumes para Pulp (This Is Hardcore), pasando por retratos de iconos culturales con un lenguaje visual siempre distintivo. Es uno de los fotógrafos de moda más reconocidos de Alemania y  sus imágenes oscuras, sorprendentes y surrealistas han formado parte de campañas publicitarias icónicas y de grandes revistas.
     
    © Horst Diekgerdes
    © Horst Diekgerdes

     

    Biografía

    Horst Diekgerdes ha trabajado internacionalmente en todo el Reino Unido, Europa, Estados Unidos y Asia. Después de muchos años en París, la capital de la moda, donde asiste regularmente a los desfiles de moda, ahora reside en Zúrich pero viaja por todo el mundo por motivos de trabajo.
     
    Su trabajo editorial se ha mostrado en publicaciones de renombre como Interview, Another, Another Man, Arena Homme+, Muse, Self Service, Vogue UK, Vogue Spain y Vogue Japan, Numéro, Numéro Homme, Harper’s Bazaar, Interview Germany, Teen Vogue y GQ Style, entre otros. Horst ha colaborado con Fabien Baron, Work in Progress, Peter Saville, ARNYC, David James, Becha Achermann, Alex Wierderin y Robin Derrick.
     
    Su lista de clientes de publicidad de moda y perfumería incluye a Escada, Miu Miu, Chloé, Sonia Rykiel, Thomas Burberry, Burberry Blue Label, L'Oreal, Loro Piana, Alessandro Dell’Aqua, Kenzo, Levis, Joop!, Max Mara, Rochas y Hermès. También ha trabajado de forma continua con Louis Vuitton, Mytheresa, Bergdorf Goodman y Lacoste. Asimismo ha realizado retratos de iconos culturales desde Alexander McQueen a Erykah Badu, pasando por Charlotte Gainsbourg.
     
    Altamente celebrado por exposiciones en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston, The Winterthur Museum for Photography y el Migros Museum de Suiza, sigue inspirando con su muy personal perspectiva del mundo de la moda, que realiza con una modernidad atemporal. Es provocador, sensual y ligeramente excéntrico.
     
    Su primera monografía, Horst Diekgerdes, es una celebración de la vida, la moda y la fotografía en forma de un viaje fotográfico desde mediados de la década de los 90 hasta el presente, combinando fotografías de moda con imágenes de sus diarios personales, observaciones de la vida cotidiana y obras inéditas.
     
    Está representado internacionalmente por SHOTVIEW.

    Referencias

     

    Libros

    lunes, 15 de abril de 2019

    Piergiorgio Casotti

    Piergiorgio Casotti es un fotógrafo italiano (nacido en 1972 en Reggio Emilia) al que siempre le ha atraído la dinámica de los seres humanos. Desde que descubrió la fotografía la he visto como un medio que le permite explorar el mundo y a sí mismo al mismo tiempo. Intenta crear proyectos complejos con el fin de expresar la complejidad del mundo y la vida a través de imágenes y textos, vídeos y música, queriendo romper viejos patrones y ampliar las fronteras. Le gusta contar historias, estados de ánimo y experiencias que tienen poco que ver con los estándares estéticos.


    © Piergiorgio Casotti

    © Piergiorgio Casotti



    Biografía

    Piergiorgio Casotti se graduó en economía/estadística de la Universidad de Parma. Después de terminar varios cursos de fotografía en el Pratt Institute of Nueva York City en 2005, encontró trabajo como fotógrafo de moda, pero anhelaba perseguir su verdadera pasión por la fotografía documental. Desde entonces, ha estado explorando la dinámica única de las sociedades de todo el mundo a través de la interacción constante con las personas y los lugares que les dan forma. Su fotografía equilibra una fuerte emoción personal con cualidades documentales. En 2010 comenzó a trabajar con video, lo que le permite contar historias de maneras que la fotografía no lo hace.

    Sus proyectos principales, que han tomado forma de libro, son:
    • Sometimes I cannot smile. Un viaje íntimo y personal hacia el mundo juvenil de la comunidad Inuit en la costa este de Groenlandia, donde la naturaleza, el aburrimiento, la violencia y un fuerte legado cultural han estado reclamando durante décadas el triste peaje de hasta un 25% de intentos de suicidio.
    • Where does the White go. Un homenaje a sus montañas y a su silencio, un tributo personal y al mismo tiempo una conciencia de su despoblación y transformación, mostrando un cambio lento de su tejido social y cultural.  Y en los pueblos abandonados lo que alguien ve como melancolía, nostalgia, desolación y tristeza, se convierte en una fuente de reflexión y energía. Una aceptación fatalista pero positiva de la vida y su incesante movimiento.
    • INDEX G. Trata sobre la segregación racial en St. Louis, Estados Unidos. Describe en un lenguaje experimental las experiencias de vida y los sentimientos de los americanos marginalizados dentro de su ciudad. Este trabajo se desarrolla como un juego de "teatro del silencio", hecho de una ausencia de personajes y sus historias peculiares, donde las cosas vistas y narradas permanecen incontadas y suspendidas en el tiempo, en ese momento específico de incertidumbre, entre algo elusivo que acaba de suceder, y cuyas consecuencias sólo somos capaces de percibir, o la emocionante sensación de que ocurrirá pronto. Un limbo lleno de tensiones y dudas. No sucede nada aparentemente, pero la historia tiene lugar en el silencio de las vidas.


    Referencias



    Libros

    domingo, 14 de abril de 2019

    Melanie Manchot

    Melanie Manchot es una artista visual interdisciplinar (nacida en 1966 en Witten, Alemania, vive y trabaja en Londres) que trabaja con fotografía, cine y vídeo entendidos como una práctica performativa y colaborativa. Sus proyectos suelen explorar lugares específicos, espacios públicos o comunidades singulares con el objeto de definir identidades individuales o colectivas. 


    © Melanie Manchot

    © Melanie Manchot


    Biografía

    Melanie Manchot llegó al arte a través de su interés por la filosofía, la teoría cultural y la historia del arte, involucrándose en él, cada vez,  y en crearlo ella misma mientras estudiaba en la New York University (1988–1989). Cuando llegó a Londres, supo que quería trabajar como artista, y se había apasionado por las imágenes fotográficas en particular. Este medio, por su capacidad para lidiar con la intimidad física y psicológica,  se ha convertido en uno de los medios de comunicación más importantes en su búsqueda como artista. Continuó sus estudios en la City University  y más tarde realizó un doctorado en Fotografía Artística en el Royal College of Art.

    De 1992 a 2005, Manchot fue conferenciante en varias instituciones, como Goldsmiths College of Art, Central St Martins, London College of Communication, Middlesex University y The University of the Arts, continuando su labor como conferenciante y participante en simposios internacionales.

    Melanie trabaja con la fotografía, el cine y el vídeo como una práctica performativa y participativa. Sus proyectos a menudo exploran lugares específicos, espacios públicos o comunidades particulares con el fin de localizar nociones de identidades individuales y colectivas.

    Fijas o en movimiento, las cámaras son dispositivos cruciales en la configuración de la obra. Las cámaras no funcionan como una mera maquinaria de generación de imágenes sino, fundamentalmente, como un principio de organización, un mecanismo que sostiene y produce el agenciamiento artístico y que, por lo tanto, se erige en parte del conjunto de coordenadas que estructuran la obra en sí.

    Basada con frecuencia en largos períodos de investigación y compromiso con los participantes, su praxis y su producción muestran una clara tendencia a la metodología procesual. Cada proyecto propone diferentes modalidades de compromiso, diálogo e intercambio de relaciones con las personas involucradas en las piezas.

    Su trabajo ha sido exhibido nacional e internacionalmente en espacios como Hayward Gallery, Bloomberg Space, Whitechapel Gallery, Photographers Gallery y Courtauld Institute  en Londres, Towner Art Gallery en Eastbourne, MacVal, Musee d’Art Contemporain y La Nuit Blanche en París,  Brooklyn Museum en Nueva York, Australian Museum of Photography en Sídney,  Museum Folkwang en Essen, entre otros.

    Manchot ha recibido multitud de premios, como el Oriel Davies Award en 2012 y su obra forma parte de  importantes colecciones públicas y privadas, incluyendo Arts Council Collection en Londres, Fonds Municipal d’Art Contemporain (FMAC) en París y el Brooklyn Museum en Nueva York.


    Referencias



    Libros

    • Look at You Loving Me, 1998.
    • Love is a Stranger, 2001.
    • Moscow Girls, 2006.
    • 100. Engelberg Mountain Railways, 2013

    sábado, 13 de abril de 2019

    Yoshikatsu Fujii

    Yoshikatsu Fujii es un fotógrafo japonés (nacido en 1979 en Hiroshima, donde vive y trabaja) cuyo trabajo fotográfico se ocupa de temas históricos y de la memoria persistente en los acontecimientos contemporáneos, a menudo a través de su propia visión de las relaciones dentro de su familia.


    © Yoshikatsu Fujii

    © Yoshikatsu Fujii




    Biografía

    Yoshikatsu Fujii nació y se crio en la ciudad de Hiroshima, graduándose en Art Film por la Universidad de Artes de Tokio Zokei. Comenzó a trabajar en fotografía en Tokio en 2006.

    Su obra se ha expuesto en el New York Photo Festival, PHotoEspaña en Madrid, Phoenix Art Museum, Delhi Photo Festival, Getty Images Gallery  en Londres, Chobi Mela International Festival de fotografía en Dhaka, Bangladesh, Jimei × Festival Internacional de fotografía de Arles en Xiamen, China, etc.

    Su proyecto Red String fue inspirado por el divorcio de sus padres y por la leyenda japonesa que cuenta que un hombre y una mujer que estén predestinados a reunirse han sido atados al dedo meñique por una cuerda roja invisible desde su nacimiento. En todo caso, podría decirse que es entre padres e hijos donde existe una irrompible cadena roja del destino. Tomó forma de un fotolibro de edición limitada hecho a mano, y posteriormente de una edición más comercial, que ha sido nominado para varios premios, incluyendo el Paris Photo-Aperture Foundation PhotoBook Awards. El libro fue seleccionado como uno de los mejores fotolibros de 2014 por numerosas publicaciones, incluyendo la revista TIME.

    En su siguiente proyecto, Incipient Strangers describe un tema más amplio, yendo de sus padres a su familia extendida. Un fotolibro con el mismo título ganó el premio Self Publishing PHOTOLUX.

    En 2015 se trasladó de nuevo a su ciudad natal Hiroshima para participar en su proyecto de investigación a largo plazo llamado Hiroshima Graph, que intenta arrojar nueva luz sobre las huellas que desaparecen de la guerra, para transmitirla a la futura generación, visto todo ello a través de los ojos de una tercera generación de víctimas. El libro resultante, Hiroshima Graph - Rabbits abandon their children, fue el ganador de la 3ª edición de The Anamorphosis Prize en 2017.

    Sus fotolibros Red String e Hiroshima Graph - Rabbits abandon their children forman parte de la librería de The Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York.


    Referencias





    Libros

    • Hiroshima Graph - Rabbits abandon their children, 2017.
    • Red String, 2016.
    • Incipient Strangers, 2015.
    • Red String, original hecho a mano, 2014.

    viernes, 12 de abril de 2019

    Claudius Galen Wheelhouse

    Claudius Galen Wheelhouse fue un doctor, cirujano, conferenciante y fotógrafo inglés (nacido en 1826 en Snaith, North Linconlnshire, fallecido el 9 de abril de 1909 en Filey). Pionero de la fotografía, como muchos de sus contemporáneos, tuvo en Tierra Santa y en España la meta de sus aventuras artísticas y profesionales. En 1849 realizaría numerosos calotipos de España, Portugal, Egipto e Italia.


    Claudius Galen Wheelhouse

    Claudius Galen Wheelhouse



    Biografía

    Claudius Galen Wheelhouse era hijo de cirujano y a los 7 años dejó la escuela primaria en Snaith para prepararse en medicina. Con 10 años entró en el Christ's Hospital en Londres, siendo aprendiz con 16, ingresó en la Escuela de Medicina de Leeds con 20, entró al Real Colegio de Cirujanos con 23, y a la Sociedad de Boticarios con 24.

    Realizó en 1849 un crucero en yate por el Mediterráneo como cirujano de Henry Pelham-Clinton, Lord Lincoln y futuro Duque de Newcastle, un aristócrata inglés, que más tarde también tendría un papel transcendental para la historia de la fotografía al autorizar, como ministro de Guerra británico, a Roger Fenton para que pudiera cubrir la campaña de Crimea.

    En este viaje de placer, en el barco Gitana, se recaló en Portugal, España, Italia, Malta, Grecia, Egipto, Palestina y Siria, capturando el Partenón y el templo de Karnak. En todos estos lugares Wheelhouse hizo fotografías con una de las primeras cámaras fotográficas que salieron de Inglaterra. Fue el segundo fotógrafo británico que realizó fotografías de Tierra Santa tras el reverendo George Bridges, y también se le considera el primero en realizar fotografías sobre papel (calotipo) en suelo español, una en Cádiz y tres en Sevilla. Tras hacer la fotografía de Cádiz fue detenido, y tuvieron que intervenir Lord Lincoln y el cónsul inglés para que fuera liberado, al ser considerado un espía.

    Estas fotografías fueron recogidas en un álbum, Photographic Sketches from the Shores of the Mediterranean, compuesto por pruebas de albúmina tiradas a partir de sus negativos de papel originales y diversos textos anecdóticos, y del que sólo se conserva un ejemplar en el Museo de Bradford y de muy pocas imágenes sueltas, una de las cuales está en el Fondo Fotográfico de la Fundación Universitaria de Navarra (FFF). (lamentablemente todos los negativos fueron destruidos por el fuego en 1879,

    Se dedicó a la medicina como médico general y cirujano, fue también conferenciante en anatomía, fisiología, y cirugía. Una técnica suya es conocida como “operación de Wheelhouse”. Al final de su vida, y de manera filantrópica, fundó varios hospitales en Leeds, Inglaterra, mientras era presidente de la  British Medical Association.

    Aunque sólo se le conoce una exposición en vida, en la Leeds Photographic Society en 1857, numerosas exposiciones han repasado su labor y la de los primeros fotógrafos que trabajaron en la Península Española, destacando De París a Cádiz: calotipia y colodión, celebrada en el Museo Nacional d‘Art de Catalunya durante la Primavera Fotogràfica a Catalunya de 2004.


    Referencias




    Libros