viernes, 28 de noviembre de 2014

Frank Thiel

Frank Thiel es un fotógrafo alemán (nacido en 1966 en Kleinmachnow, vive y trabaja en Berlín) conocido por sus imágenes en color de gran formato, cuya obra gira en torno a la reflexión sobre el paisaje urbano de la capital alemana y las aportaciones de sus arquitectos e intelectuales durante el siglo XX.

 

 

Stadt 7/12 (Berlín) 1999 © Frank Thiel

Stadt 7/12 (Berlín) 1999 © Frank Thiel

 

 

 

Biografía

Frank Thiel nacido en Kleinmachnow, cerca de Berlín, y se trasladó a Berlín Occidental en 1985,  asistiendo a una escuela de formación para la fotografía en 1987-89.

Comprometido con la captura de la turbulenta historia de Berlín, sus fotografías ponen de manifiesto la aparición de nuevos patrones de la existencia urbana, así como hacen frente a los temas de la vigilancia estatal y la privatización del espacio público.

Thiel confiesa su interés por espacios cuya belleza no suele ser percibida, en condiciones normales y cotidianas, por el espectador, de ahí que su cuerpo de trabajo se base en el minucioso estudio visual de las zonas industriales de Berlín, quizás la ciudad europea que más ha podido transformarse en los últimos veinte años a nivel cultural, político y social.

Al hilo de estas propuestas, desde principios de los años noventa, ha mostrado un conjunto de series como Political Monuments (1990), Guards Regiment “Friedrich Engels” (1990),  Prision Gates (1991) o The Allies Series (1994), que le han procurado el reconocimiento internacional. En un trabajo más reciente, ha fotografiado los enormes glaciares de la Patagonia, que se muestran en la exposición Nowhere Is A Place, que se inauguró en la galería Sean Kelly en la ciudad de Nueva York.

Thiel ha expuesto en museos y galerías de todo el mundo, y sus obras han sido incluidas en las colecciones de muchos museos internacionales importantes, entre ellos el Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela, el Reina Sofía de Madrid, la National Gallery of Canada en Ottawa,  el Fotomuseum Winterthur en Suiza, el Moderna Museet de Estocolmo  y el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden en Washington, DC. Ha participado en la 48º edición de la Bienal de Venecia, la 25ª Bienal de Sao Paulo y la 4ª Bienal do MERCOSUL.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 27 de noviembre de 2014

Stefan Moses

Stefan Moses es un fotógrafo alemán (nació en Liegnitz, Silesia, Alemania, el 29 de agosto de 1928, vive desde 1950 en Múnich) que está considerado como uno de los autores más importantes y originales de la fotografía contemporánea alemana.

 

Willy Brandt, Siebengebirge 1983 © Stefan Moses

Willy Brandt, Siebengebirge 1983 © Stefan Moses

 

 

 

Biografía

Stefan Moses inició su aprendizaje en 1943 en el taller de la fotógrafa Grete Bodlée en Breslau. Un año después tuvo que interrumpir sus estudios cuando lo internaron en un campo de trabajos forzados en Ostlinde. Un año después pudor continuar sus estudios con la misma fotógrafa que entretanto se había instalado en Erfurt. Después trabajó como fotógrafo de teatro en el Nationaltheater in Weimar y luego durante seis semanas como fotógrafo de escena en los Filmstudios der DEFA en Potsdam-Babelsberg. Estas dos etapas han influido en su fotografía.

En 1950 se trasladó a Múnich y trabajó como fotógrafo de prensa para el periódico Neue Zeitung y para las revistas Stern, MagnumyTwen. Después decidió trabajar como fotógrafo independiente. Stefan Moses hace a la persona que retrata salir del papel que juega en la sociedad y mostrar una parte de su verdadero yo, por ejemplo, llevándolos a un bosque. Sus documentales retratos de personas y profesiones en Alemania (Deutsche) y posteriormente en Alemania Oriental (Abschied und Anfang) hacen accesible a un público amplio, desde celebridades como Thomas Mann, Erich Kästner, Theodor, Otto Dix, Max Frisch o Martin Mayer hasta gente de su entorno de trabajo.

En ese tiempo publicó varios libros y catálogos y llevó a cabo diferentes exposiciones de series fotográficas.  En 1990 recibió la Medalla David Octavius Hill, en 1991 el Premio de Honor de la Ciudad de Múnich, en 2001 ganó el Premio de Honor de la Fundación Stankowski, y en 2014 el premio Lovis-Corinth-Preis. Desde 1994 es miembro de la Academia de Bellas Artes de Múnich.

Sus fotografías forman parte de importantes colecciones como las del MoMA de Nueva York y el Centre Pompidou en París. Desde 1995, su obra forma parte de las colecciones del Münchner Stadtmuseum, en cuyo Fotomuseum ha sido revisada científicamente junto con el fotógrafo, y preparada para su exposición y publicación. Deutsche Vita ha sido exhibida en Alemania y una versión más reducida (50 fotografías) ha viajado por diversos lugares, como Méjico y Argentina.

Su archivo, que contiene miles de negativos y copias, ocupa toda una sala y documenta una vida de trabajo que abarca desde reportajes gráficos hasta ciclos de retratos realizados a largo plazo.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

 

 

Libros

miércoles, 26 de noviembre de 2014

Bruno Serralongue

Bruno Serralongue es un fotógrafo francés (nacido en 1968 en Chatellerault, vive y trabaja en París) cuyo trabajo cuestiona las condiciones concretas de producción, distribución y circulación de la imagen mediática, sus usos y su estatus. Es un arqueólogo de la presencia.

 

© Bruno Serralongue

© Bruno Serralongue

 

Para mí, la fotografía no es primaria. Está mediatizada. Llega en un segundo paso después de la reflexión, después de la puesta en práctica de un marco operativo y de unas reglas.

 

 

 

Biografía

Bruno Serralongue se graduó de la Escuela Nacional de Fotografía de Arles y en Villa Arson en Niza.

Se interesa principalmente por acontecimientos políticos internacionales. Aunque no es un reportero gráfico, su enfoque es más bien documental que estético. Se posiciona como un fotógrafo que se nutre de los medios accesibles al gran público: prensa, televisión e Internet, entre otros.

En poco más de una década Serralongue ha acumulado una amplia gama de eventos: fiestas, conciertos, ferias, cumbres, foros, encuentros, debates y manifestaciones han sustituido el ejercicio de la prueba empírica que se movería dentro de los límites locales hasta tomar una dimensión global. En series como Encuentro, Chiapas (1996), Homage (1997), Free Tibet (1998), Korea (2001), WSF Mumbai 2004 (2004), La Otra (2006), o en otros más recientes, como Tibet in Exile. Dharamsala (2008) y la independencia de Kosovo (2009), donde se visualizan conflictos geopolíticos de larga duración. Sus fotografías cubren noticias, de las que se entera por la prensa local o Internet, pero no las realiza en el preciso momento de la noticia, sino en momentos posteriores. Así, sus fotografías son como las de un lector de periódicos que ha decidido comprobar con sus propios ojos la noticia leída. A veces esto implica un desplazamiento hasta el punto de la noticia, sin acreditación de periodista, con una cámara de gran formato y desprovisto de los privilegios de acceso al acontecimiento reservados para los profesionales de la comunicación.

El Museo Jeu de Paume organiza en 2010 la retrospectiva Feux de camp de su obra.

Está representado por las galerías Air de Paris en París, Baronian en Bruselas y Francesca Pia en Zúrich. Su obra forma parte de colecciones como las del Centre Georges-Pompidou de París, Musée d'art moderne de la ville de Paris, también en París,  Tate Modern de Londres, Fotomuseum Winthertur en Suiza,  Musée de la Photographie en Charleroi, Bélgica.

Sus exposiciones más recientes han sido South Sudan Series en la galería Francesca Pia de Zúrich en 2013; Histoire des avant-dernières luttes en la Air de Paris Gallery en París en 2012; Feu de camp en el Jeu de Paume de París en 2010, Bruno Serralongue en Wiels en Bruselas en 2009, Backdraft en el Centre of Photography de Ginebra en 2007, ...

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

martes, 25 de noviembre de 2014

Gottfried Jäger

Gottfried Jäger es un teórico de la fotografía y fotógrafo alemán (nacido en 1937 en Burg, cerca de Magdeburgo) que práctica el arte con fotografía, multimedia y ordenadores en una base constructiva sistemática.

 

Multipleoptik (Detalle), © Gottfried Jäger

Multipleoptik (Detalle), © Gottfried Jäger

 

 

 

Biografía

Gottfried Jäger estudió fotografía en la Escuela Técnica Superior de Fotografía de Colonia. En 1960, comenzó a dar clases de técnica fotográfica en el Centro de Enseñanza Artística de Bielefeld. Desde 1973 hasta 2002 enseñó las bases de la fotografía artística en la Escuela Técnica Superior de Bielefeld.

Desarrolló la Generative Photography, interesado en la fotografía experimental y el fotograma. A través de series de imágenes, estudió los mecanismos de la visión. Este libro es un estándar en la fotografía experimental.

Jäger inventó el concepto de fotografía generadora de imagen, y también, en la década de los 70, el d’Art apparatif. Apasionado por el color, fundó una escuela de fotografía en Bielefeld que es significativa en el desarrollo de la fotografía alemana. Es el presidente de la Academia Alemana de Fotografía.

Gottfried Jäger, creador del premio  EMCY Prize, ha sido galardonado con el Premio de la Cultura 2014 de la Sociedad Alemana de Fotografía. Ya en 1992 había obtenido la Medalla George Eastman de Kodak Alemania, y en 1996 la Medalla David Octavius Hill de la Academia Alemana de Fotografía.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Apparative Kunst. Vom Kaleidoskop zum Computer. 1973.
  • Generative Fotografie. 1975.
  • Bildgebende Fotografie. Ursprünge, Konzepte und Spezifika einer Kunstform. 1988.
  • Das Foto als autonomes Bild. Experimentelle Gestaltung 1839-1989. 1989.
  • Licht Bild Raum. Fotogene Projekte 1980-1990. Kunstverein Paderborn. 1992.
  • Schnittstelle. Generative Arbeiten. 1994.
  • László Moholy-Nagy: Idee und Wirkung. Anklänge an sein Werk in der
    zeitgenössischen Kunst.
    995.
  • Indizes. Generative Arbeiten 1967-1996. 1996.
  • über moholy-nagy. Zum 100. Geburtstag des Künstlers und Bauhaus-Lehrers.
    1997.
  • Visualisierung in Mathematik, Technik und Kunst. 1999.
  • Abstrakte Fotografie: Bildmöglichkeiten/Denkmöglichkeiten. 2000.
  • Fotografie denken. Über Vilém Flussers Philosophie der Medienmoderne. 2001.
  • Concrete Photography / Konkrete Fotografie. 2005.
  • Mikrofotografie als Obsession. Das fotografische Werk von Carl Strüwe (1898–1988). 2011
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lunes, 24 de noviembre de 2014

Mariano Zuzunaga

Mariano Zuzunaga es un fotógrafo peruano (nacido en Lima en 1953, vive y trabaja en Barcelona, España, desde 1975) cuyo trabajo se caracteriza por un acusado minimalismo, y gira en torno a la fuerza que poseen ciertos elementos cotidianos cuando adquieren nuevas significaciones.

 

© Mariano Zuzunaga

© Mariano Zuzunaga

Tiempo hay para todo y no es obligatorio fotografiar. De pronto todo adquiere una presencia. Es esta presencia justamente la que interesa. Es texto y no pretexto para fotografiar. Presencia que es tiempo personal hecho imagen. Esta imagen es a imagen y semejanza tuya. Puedo verla y reconocerla como puedo oír y reconocer tu voz. Aquí, la luz en el tiempo crea su propio espacio y lo posee como el objeto posee su sombra. El fondo es como un bajo continuo en donde la mirada del otro es tú mirada que se asombra. Volumen e intensidad. Dimensión y escala. El viaje es interior dentro de un tiempo abierto o cerrado. Luminosidad y profundidad. Nada tengo que entender si no entiendo nada.

 

La fotografía te enseña a ver cómo ves. Quién es el yo que fotografía y para quién.

 

 

Biografía

Mariano Zuzunaga realizó estudios de música, dibujo y fotografía, y es licenciado en Historia y doctor en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, pero en 1971 se decidió por esta última y su primer trabajo más conocido estuvo basado en la obra del escultor Alexander Calder estando formado por una serie de foto-móviles.

A sus comienzos pertenecen El porfolio peruano (1971-77) y las primeras fotografías que el artista realizó tras su llegada a Barcelona en 1975, inspiradas en la obra de Cartier-Bresson, Kertész o Stieglitz. De la época de los 80 destacan Fotogramas (1982) y Luminogramas (1984), marcadas por la experimentación con los procesos fotográficos e inspiradas en la obra de Moholy-Nagy y el cine de vanguardia de los años 20.

En 1980 realizó su primera exposición individual en la Fundación Miró. Entró a formar parte del Grupo fotográfico Alabern.

En 1983 comenzó a impartir clase de fotografía en el Institut d'Estudis Fotogràfics de Catalunya. También ha dirigido diversos talleres y seminarios y se ha dedicado a la actividad docente e investigadora en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona.

Durante los 90, experimentó con el collage en una suerte de ejercicio conceptual orquestado por los juegos de la luminosidad y la profundidad (de esta época son Norais y sus fotografías de los cielos y tejados barceloneses), y actualmente combina la espontaneidad con una composición muy elaborada, fruto de su permanente reflexión sobre el acto fotográfico y el papel del fotógrafo en su tiempo. 

En paralelo a sus tareas docentes desarrolló su fotografía creativa de la que se pueden encontrar muestras en las colecciones públicas y privadas como The Museum of Modern Art de Nueva York, la Bibliothèque Nationale de París, The Museum of Fine Arts de Houston (Allan Chasanoff Collection), los Ansel Adams Archives en el Center for Creative Photography de Tucson, la Fundació Joan Miró de Barcelona, la Fundació Tàpies de Barcelona, el Museo de Arte de Lima, el Museu Nacional d’Art de Catalunya, el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y la Fundació Foto Colectania.

Es miembro fundador de The Photographer+s Company, creada en 2006 en Barcelona. Desde su primera exposición en la Fundació Joan Miró, su trabajo se ha expuesto en el Photomuseum de Zarauz (1998), en la colectiva Extensiones y metáforas de la fotografía, celebrada en la Casa de América (Madrid, PHotoEspaña, 1999) o el Museu Nacional d’Art de Catalunya (Barcelona, 2000).

En 2011, Kowasa Gallery (Barcelona) le dedicó la exposición Mariano Zuzunaga: A Selected Offering, que repasó la trayectoria del artista desde los años 70 hasta finales de los 90.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 23 de noviembre de 2014

Pernilla Zetterman

Pernilla Zetterman es una fotógrafa sueca (nacida en 1970 en Estocolmo, donde vive y trabaja) perteneciente a la llamada Escuela de Helsinki, cuyas obras se caracterizan por un intenso compromiso con cuestiones relativas al control humano, la disciplina y el ejercicio del poder.

 

Locked Front Door © Pernilla Zetterman

Locked Front Door © Pernilla Zetterman

 

 

 

Para mí, la cámara es el símbolo de la palabra no dicha. El “sin palabras".

 

 

 

Biografía

Pernilla Zetterman estudió fotografía en Suecia y Finlandia, recibiendo un título de postgrado de la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki, un MFA de la Escuela Universitaria de Artes, Artesanía y Diseño en Estocolmo y un BFA de la Escuela de Fotografía de la Universidad de Gotemburgo.

Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en exposiciones individuales y colectivas, entre ellas la reciente exposición itinerante, La Escuela de Helsinki, y está representada en colecciones permanentes del Fotomuseum Winterthur y la Fundación Hasselblad, entre otros.

El modo en que la herencia y el medio ambiente nos conforman a medida es un tema prominente en su obra. Stay (2012) toma su punto de partida en sus recuerdos de infancia, fotografías de familia a partir de los 70, así como en observaciones actuales, con lo que ella reconstruye y recrea escenas del pasado. Alterna entre diferentes modos de expresión artística: fotografía, imágenes en movimiento y objetos, donde la relación entre el entonces y el ahora está siempre presente.

En When explora los patrones de comportamiento, las estructuras, las obsesiones y los orígenes y los contornos de la identidad. En un estudio de tres generaciones, Zetterman ha fotografiado partes de la serie en la casa de su abuela, de su madre y en la suya propia.

En Ground Rules utiliza su formación previa de atleta como telón de fondo para investigar problemas de rendimiento, el control, la motivación y la regimentación. Aquí, como en When y en gran parte de su obra vemos cómo los detalles de una disciplina, un deporte o un comportamiento, actúan como la gramática de un lenguaje para ser estudiado y aprendido, enseñado y transmitido a las generaciones futuras.

La cultura ecuestre, y los ritos y rituales asociados a ella, es el punto focal de Close. En esta cultura, se encuentra uno también con un ambiente cargado de temas de control, disciplina y poder, pero también de amor y confianza. Son primeros planos de partes de los cuerpos de los caballos los que expresan sentimientos que se encuentran en momentos de intimidad y en contraste con la severa disciplina de látigos, riendas, mordeduras y otras herramientas de restricción y modificación de comportamiento.

En Grammar, Zetterman explora cuestiones de lenguaje, comunicación y codificación. Como punto de partida utilizó su propia relación con el habla y la escritura, así como el reto de un idioma extranjero y la posibilidad de la comprensión humana y la incomprensión. Esta obra consta de combinaciones de palabras a partir de un estudio sobre la dislexia, así como fotografías y una obra de vídeo en la que se experimenta con la visualización de la vulnerabilidad, la confianza y la introversión.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Behave, 2009
  • The Helsinki School - A Female View Vol.4, 2011.

sábado, 22 de noviembre de 2014

Thierry Valencin

Thierry Valencin es un fotógrafo francés (nacido en 1962 en Mâcon) en cuyo ideario estético, cada disparo de la cámara es un intento de ir más allá de la realidad y de transcender los lugares y objetos retratados. Es un artista libre que siempre se ha mantenido ajeno a modas y mercados.

 

© Thierry Valencin

© Thierry Valencin

 

 

Biografía

Thierry Valencin, después de pasar varios años en la Polinesia francesa, decidió salir de Francia a Alemania, donde permaneció unos diez años, en Frankfurt y Múnich, donde decidió iniciar una galería de fotografía, la galería Halfpipe, entrando en contacto con el ambiente cultural de la ciudad, conociendo pintores, escritores, y también cineastas y gente de teatro, y sobre todo, por supuesto, fotógrafos que le animaron a probar por sí mismo este arte.

Sorprendidos éstos por la calidad de estos primeros disparos, le animaron a perseverar en este camino,y perfeccionó sus habilidades trabajando como asistente para revistas de moda, estudios de televisión, películas e, incluso, el desarrollo de algunas portadas de discos.

Fiel a su intuición, y a pesar de todas las experiencias visuales que ha experimentado su carrera fotográfica, su trayectoria es consistente: la visión que tuvo un día del mundo con sus propios ojos, siempre ha estado presente, auténtica, y como raíces en su memoria.

En 1995, decidió regresar a Francia, y se dedicó por completo a la fotografía. Frecuentes viajes por todo el mundo le han permitido diversificar sus métodos para ampliar y comparar las diferencias, le dará la oportunidad de conseguir lo que ya sabe en sus ojos.

Unos años más tarde, fundó el Atelier Valencin en París, lo que le ha permitido trabajar duro, profundizando en las  técnicas de impresión con plata (claro-oscuro, flou, solarización), desarrollando una mirada amplia y un diseño muy personal fiel a su visión del mundo de imágenes ligeramente movidas, donde con su técnica  especial de trabajo, con grano, la luz y las sombras, más que mostrar una imagen, nos muestra la intimidad y el alma del paisaje de los objetos y personas capturados.

En 2010, publicó su primer libro Au bord de l’autre, en que en una errante fotografía narra sus últimos veinte años de intensa producción. El volumen contiene 34 de sus fotografías, de lugares tan diversos como la India, Croacia, Italia, Nueva York, España, Francia.

En estos días de la publicación, su exposición Le Grand Voyage  se podrá visitar en Valencia en el Instituto Francés, hasta el 30 de noviembre, y la Galería Railowsky hasta el 7 de diciembre de 2014. Bosques, paisajes, escenas íntimas o visiones de lugares remotos que han sido capturadas en diferentes partes del mundo se abren a los ojos del espectador, invitándole al viaje y a descubrir el singular universo de un creador auténtico, que no conoce de métodos ni escuelas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Au bord de l’autre, 2010
  • Vue de l'instant, 2014.