domingo, 23 de noviembre de 2014

Pernilla Zetterman

Pernilla Zetterman es una fotógrafa sueca (nacida en 1970 en Estocolmo, donde vive y trabaja) perteneciente a la llamada Escuela de Helsinki, cuyas obras se caracterizan por un intenso compromiso con cuestiones relativas al control humano, la disciplina y el ejercicio del poder.

 

Locked Front Door © Pernilla Zetterman

Locked Front Door © Pernilla Zetterman

 

 

 

Para mí, la cámara es el símbolo de la palabra no dicha. El “sin palabras".

 

 

 

Biografía

Pernilla Zetterman estudió fotografía en Suecia y Finlandia, recibiendo un título de postgrado de la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki, un MFA de la Escuela Universitaria de Artes, Artesanía y Diseño en Estocolmo y un BFA de la Escuela de Fotografía de la Universidad de Gotemburgo.

Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en exposiciones individuales y colectivas, entre ellas la reciente exposición itinerante, La Escuela de Helsinki, y está representada en colecciones permanentes del Fotomuseum Winterthur y la Fundación Hasselblad, entre otros.

El modo en que la herencia y el medio ambiente nos conforman a medida es un tema prominente en su obra. Stay (2012) toma su punto de partida en sus recuerdos de infancia, fotografías de familia a partir de los 70, así como en observaciones actuales, con lo que ella reconstruye y recrea escenas del pasado. Alterna entre diferentes modos de expresión artística: fotografía, imágenes en movimiento y objetos, donde la relación entre el entonces y el ahora está siempre presente.

En When explora los patrones de comportamiento, las estructuras, las obsesiones y los orígenes y los contornos de la identidad. En un estudio de tres generaciones, Zetterman ha fotografiado partes de la serie en la casa de su abuela, de su madre y en la suya propia.

En Ground Rules utiliza su formación previa de atleta como telón de fondo para investigar problemas de rendimiento, el control, la motivación y la regimentación. Aquí, como en When y en gran parte de su obra vemos cómo los detalles de una disciplina, un deporte o un comportamiento, actúan como la gramática de un lenguaje para ser estudiado y aprendido, enseñado y transmitido a las generaciones futuras.

La cultura ecuestre, y los ritos y rituales asociados a ella, es el punto focal de Close. En esta cultura, se encuentra uno también con un ambiente cargado de temas de control, disciplina y poder, pero también de amor y confianza. Son primeros planos de partes de los cuerpos de los caballos los que expresan sentimientos que se encuentran en momentos de intimidad y en contraste con la severa disciplina de látigos, riendas, mordeduras y otras herramientas de restricción y modificación de comportamiento.

En Grammar, Zetterman explora cuestiones de lenguaje, comunicación y codificación. Como punto de partida utilizó su propia relación con el habla y la escritura, así como el reto de un idioma extranjero y la posibilidad de la comprensión humana y la incomprensión. Esta obra consta de combinaciones de palabras a partir de un estudio sobre la dislexia, así como fotografías y una obra de vídeo en la que se experimenta con la visualización de la vulnerabilidad, la confianza y la introversión.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Behave, 2009
  • The Helsinki School - A Female View Vol.4, 2011.

sábado, 22 de noviembre de 2014

Thierry Valencin

Thierry Valencin es un fotógrafo francés (nacido en 1962 en Mâcon) en cuyo ideario estético, cada disparo de la cámara es un intento de ir más allá de la realidad y de transcender los lugares y objetos retratados. Es un artista libre que siempre se ha mantenido ajeno a modas y mercados.

 

© Thierry Valencin

© Thierry Valencin

 

 

Biografía

Thierry Valencin, después de pasar varios años en la Polinesia francesa, decidió salir de Francia a Alemania, donde permaneció unos diez años, en Frankfurt y Múnich, donde decidió iniciar una galería de fotografía, la galería Halfpipe, entrando en contacto con el ambiente cultural de la ciudad, conociendo pintores, escritores, y también cineastas y gente de teatro, y sobre todo, por supuesto, fotógrafos que le animaron a probar por sí mismo este arte.

Sorprendidos éstos por la calidad de estos primeros disparos, le animaron a perseverar en este camino,y perfeccionó sus habilidades trabajando como asistente para revistas de moda, estudios de televisión, películas e, incluso, el desarrollo de algunas portadas de discos.

Fiel a su intuición, y a pesar de todas las experiencias visuales que ha experimentado su carrera fotográfica, su trayectoria es consistente: la visión que tuvo un día del mundo con sus propios ojos, siempre ha estado presente, auténtica, y como raíces en su memoria.

En 1995, decidió regresar a Francia, y se dedicó por completo a la fotografía. Frecuentes viajes por todo el mundo le han permitido diversificar sus métodos para ampliar y comparar las diferencias, le dará la oportunidad de conseguir lo que ya sabe en sus ojos.

Unos años más tarde, fundó el Atelier Valencin en París, lo que le ha permitido trabajar duro, profundizando en las  técnicas de impresión con plata (claro-oscuro, flou, solarización), desarrollando una mirada amplia y un diseño muy personal fiel a su visión del mundo de imágenes ligeramente movidas, donde con su técnica  especial de trabajo, con grano, la luz y las sombras, más que mostrar una imagen, nos muestra la intimidad y el alma del paisaje de los objetos y personas capturados.

En 2010, publicó su primer libro Au bord de l’autre, en que en una errante fotografía narra sus últimos veinte años de intensa producción. El volumen contiene 34 de sus fotografías, de lugares tan diversos como la India, Croacia, Italia, Nueva York, España, Francia.

En estos días de la publicación, su exposición Le Grand Voyage  se podrá visitar en Valencia en el Instituto Francés, hasta el 30 de noviembre, y la Galería Railowsky hasta el 7 de diciembre de 2014. Bosques, paisajes, escenas íntimas o visiones de lugares remotos que han sido capturadas en diferentes partes del mundo se abren a los ojos del espectador, invitándole al viaje y a descubrir el singular universo de un creador auténtico, que no conoce de métodos ni escuelas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Au bord de l’autre, 2010
  • Vue de l'instant, 2014.

Tom Hunter

Tom Hunter es un artista inglés que trabaja en fotografía y cine (nacido en 1965 en Bournemouth, Dorset, vive y trabaja en Londres) cuyas fotografías suelen referenciar y reimaginar pinturas clásicas, con las que documenta la vida en la zona en la que vive, Hackney: la vida del barrio, las noticias sensacionalistas que aparecen en la prensa local, las leyendas urbanas locales, ...

 

 

Woman Reading a Possession Order © Tom Hunter

Woman Reading a Possession Order © Tom Hunter

Yo sólo quería hacer una foto que mostrara la dignidad de la vida de los ocupantes ilegales, una pieza de propaganda para salvar mi barrio .... Lo bueno fue que, con la imagen se tuvo un diálogo permanente con el consejo y nos las arreglamos para salvar las casas.

 

 

 

Biografía

Tom Hunter se mudó de Dorset a Londres a la edad de 15 años y trabajó un tiempo como podador de árboles en los Parques Reales de Londres. Luego se pasó un año en Norteamérica y comenzó a hacer fotos, pero ninguna le salió, así que se puso a estudiar fotografía en el London College of Printing. Durante ese tiempo Tom se involucró en la escena okupa de Ellingfort Road, Hackney; una boyante comunidad de itinerantes, furgonetas transformadas y edificios ruinosos.

Los squats y festivales gratuitos que florecían a su alrededor le introdujeron en la escena rave. Y montó Le Crowbar café, una cafetería vegetariana que siguió a la escena rave por toda Europa. Esa experiencia, más tarde, se convertiría en el tema central de su muestra de graduación, en 1994.

Sus influencias se encuentran en las grandes obras de la pintura universal. El ejemplo más significativo es la fotografía seleccionada, inspirada en la más famosa pintura de Johannes Vermeer. Dicha fotografía (realizada con una cámara de gran formato e impresa en Ilfochrome) fue la que le lanzó a la fama, consiguiendo con ella el prestigioso John Kobal Photographic Portrait Award en 1998.

En 2010 Hunter creó A Palace for Us, una película que hizo sobre los ancianos residentes de los edificios públicos en Woodberry Down, Manor House, de Londres.

Ha sido el primer fotógrafo en tener una exposición individual en la Galería Nacional de Londres, con su serie Living in Hell and Other Stories, donde el fotógrafo toma quince titulares con alta carga efectista, extraídos del Hackney Gazzette, y los recrea en imágenes donde lo único real, a parte del titular, son los escenarios donde acontecieron los hechos.

Es profesor de Photography Research en el London College of Communication, University of the Arts de Londres.

Ha obtenido premios como:

  • 1998: Kobal Photographic Portrait Award por Woman Reading a Possession Order.
  • 2004: John Kobal Photographic Book Award 2003 por su libro Tom Hunter.
  • 2010: Honorary Fellowship de la Royal Photographic Society.

Su trabajo ha sido exhibido nacional e internacionalmente en importantes exposiciones en solitario y en grupo. Podemos citar, entre las más recientes: Seduced by Art, National Gallery, Inglaterra; A Palace for Us, Serpentine Gallery, Inglaterra; Another Story, Photography from the Moderna Museet, Estocolmo; British Photography, Cracovia, Polonia; Tears of Eros, The Museo Thyssen- Bornemisza, Madrid;  y Theatres of the Real, Fotomuseum, Amberes.

Su trabajo forma parte de colecciones de todo el mundo, como el MOMA de Nueva York, The V&A, de Londres, Moderna Museet de Estocolmo  y  Los Angles County Museum of Art.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Factory Built Homes: Holly Street Estate 1968-1998. 1998.
  • Tom Hunter. 2003
  • Tom Hunter: Living in Hell and Other Stories, 2005
  • The Way Home. 2012.

viernes, 21 de noviembre de 2014

Robert Bösch

Robert Bösch es un guía de montaña y fotógrafo suizo que ha trabajado durante más de 30 años como fotógrafo independiente, especializado en la fotografía al aire libre, de acción y de paisaje.

 

© Robert Bösch; Matterhorn 2015 for Mammut

© Robert Bösch; Matterhorn 2015 for Mammut

 

 

 

Biografía

Robert Bösch tiene un master en Geografía por la Universidad de Zúrich y, en su larga trayectoria profesional ha realizado fotografía para la industria, publicidad y medios de comunicación, y ha publicado en catálogos, libros, revistas y periódicos, como Stern, Geo, Spiegel, National Geographic, entre otros.

Robert Bösch es el autor de muchos libros de gran tamaño, y con su libro Mountaineering - The Temptation of The Unknown ganó el premio internacional de libros de montaña. Además que muchos temas al aire libre, que ha recopilado en los últimos años varios libros y reportajes sobre otros temas como centrales hidroeléctricas, vías férreas y la carrera de caballos White Turf de St. Moritz.

Robert es un líder de opinión de Nikon. Sus fotografías han sido expuestas en diversas galerías, museos y exposiciones. En 2009 ganó por el Premio Especial Eiger en la sección de fotografía alpina.

Como escalador y montañero está familiarizado con muchas de las subidas extremas a numerosas montañas de todo el mundo. Sus viajes y expediciones lo han llevado a todos los continentes, donde ha escalado montañas conocidas y menos conocidas. En 2001 escaló el Monte Everest para una misión como fotógrafo y camarógrafo.

En los últimos años ha documentado muchas de las escaladas extremas.y de velocidad de Ueli Steck.

Recientemente, para celebrar un homenaje al explorador Edward Whymper y su equipo, que fueron los primeros en subir a la cima del Matternhorn (Cervino) hace 150 años, la marca suiza de material montaña Mammut encargó a Bosch la fotografía de su campaña para 2015 donde un gran equipo de alpinistas realizó hermosos diseños y formas en el paisaje alpino.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Moments
  • Switzerland
  • Schweiz Alpin 2008
  • Bermina Express 2009
  • Gotthardbahn / Ferrovia dal San Gottardo 2007
  • Glacier Express 2005
  • Grimsel Strom 2000
  • Lightmare 1999
  • Bike Feeling 1996
  • Bergsteigen - Verlockung des Ungewissen 1991
  • Faszination Schnee 1988
  • Board-Generation 1995
  • Gleitschirmfliegen 1993.

jueves, 20 de noviembre de 2014

Jules Spinatsch

Jules Spinatsch es un fotógrafo suizo (nacido en 1964 en Davos, vive y trabaja en Zúrich y Ginebra, y da clases en la Universidad de Arte y Diseño de Ginebra).

 

© Jules Spinatsch

© Jules Spinatsch

 

 

 

Biografía

El punto de partida de sus (hasta el momento, 6) proyectos Surveillance Panorama Projects de es encontrar una nueva manera de crear imágenes de documentación, parecidas a imágenes animadas y a la pintura, pero usando la fotografía. Su principal objetivo no es controlar a las personas o cubrir el evento. Se trata más bien de invertir las jerarquías y los criterios pictóricos. Lo que la cámara registra es determinado por un ordenador, no por el fotógrafo.

Temporary Discomfort documenta ciudades en estado transitorio de emergencia durante cumbres económicas mundiales en épocas de declive económico y protestas contra la globalización. El proyecto combina diferentes géneros fotográficos: fotoperiodismo, paisaje y la fotografía de policía obtenidos con una variedad de tecnologías, como por ejemplo cámaras de vigilancia en los puntos deseados, controladas desde una biblioteca cercana, y también la creación de vistas panorámicas de alta resolución.

En las fotografías y videos de Snow Management, Spinatsch observa y documenta cómo el ser humano da forma a la región alpina. Las imágenes de esta serie muestran cómo se fabrica y procesa bajo el brillo de los faros de un gato de nieve la nieve misma. O lo que es lo mismo, el enorme esfuerzo que se invierte en la preparación de paisajes enteros con el fin de crear lo más perfecta posible una ilusión de naturaleza (creada artificialmente).

Spinatsch recibió un Reconocimiento Honorario de la Fundación Buchkunst en Leipzig, el Prix du Livre en Les Rencontres d'Arles (2005) y el Premio Internacional de Fotografía de BMW en Paris Photo (2004). Sus obras han sido expuestas en el Fotomuseum Winterthur (2012), el Museo de Arte Moderno de Nueva York (2007, 2012), el Festival de St. Moritz Art Masters (2011), el Nederlands Fotomuseum de Rotterdam (2011), el Walker Art Center en Minneapolis (2011), la Tate Modern de Londres (2010), el San Francisco Museum of Modern Art (2010), Kunsthaus Zug en Suiza (2008), el Centre de la Photographie en Ginebra (2008), el Foro NRW de Düsseldorf (2007) y la Kunsthaus de Zúrich (2006), entre otros.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 19 de noviembre de 2014

Manuel López Puerma

Manuel López Puerma es un fotógrafo español (nacido en 1949 en Castillo de Locubín, Jaén, reside en Alicante desde el año 1976) que ha realizado todo tipo de fotografía (paisaje, retrato, fotomontaje…) aunque es en los temas sociales, donde ha desarrollado la mayor parte de su obra y donde realmente se encuentra cómodo. Su interés es para la gente sencilla, de la calle.

 

 

© Manuel López Puerma

© Manuel López Puerma

 

 

 

Biografía

Manuel López Puerma sintió interés por la fotografía desde muy joven, haciendo sus primeros pinitos en 1967 con una Werlisa Color que le regalaron en el colegio donde estaba interno, pero no fue hasta 1979 cuando realmente comenzó a desarrollar su actividad fotográfica al entrar en contacto con la asociación Foto-Cine La Vila de Villajoyosa donde encontró un grupo de “expertos” que le introdujeron en el arte fotográfico.

De 1980 a 1984 participó en diversos concursos nacionales e internacionales, obteniendo un buen número de galardones.

Después de un largo paréntesis de casi 20 años, en 2003 retornó a la fotografía de la mano de la fotografía digital. En ésta nueva etapa, ha participado en concursos nacionales e internacionales obteniendo numerosos premios. En concursos internacionales bajo el patrocinio FIAP ha superado las 1.000 obras aceptadas y más de 80 premios. Tiene los títulos EFIAP/b, EH-ISF y MCEF.

Desde 2007 a 2010  su serie Gentes se ha expuesto en diversas salas de las provincias de Alicante, Valencia y Jaén. La serie está compuesta por fotografías de retratos y reportajes, todas con el mismo fin: reflejar a las personas en la calle en distintas actividades de la vida diaria. Sus imágenes captan miradas y gestos,  así como momentos de silencio o conversación.

Ha desarrollado su carrera profesional en el SERVEF y como profesor en la Universidad Miguel Hernández de Elche. Recientemente jubilado, compagina su actividad como profesor en el Master MBA de la UMH, con su afición por la fotografía donde es presidente de Foto Cine La Vila, vicepresidente de la CEF (Confederación Española de Fotografía), miembro de la Federation International de l’Arte Photographique (FIAP) y de Image Sans Frontiere (ISF).

 

 

 

Referencias

martes, 18 de noviembre de 2014

Juan de la Cruz Megías

Juan de la Cruz Megías es un fotógrafo murciano (nacido en Cabezo de Torres en 1959) que ha combinado la fotografía estrictamente personal con la llamada “fotografía social”: bodas, eventos, retratos de estudio,  y con la fotografía al servicio de otros profesionales: arquitectos, ingenieros, médicos, o artistas conceptuales, aportando siempre una visión certera de la realidad dirigida a recoger los aspectos más humanos de dichos temas.

 

© Juan de la Cruz Megías

© Juan de la Cruz Megías

 

 

Biografía

Juan de la Cruz Megías Mondéjar recibió su primera cámara, una Voigtlander, traída de Oriente por los Reyes Magos, y de la noche a la mañana se convirtió en el reportero familiar. Con 14 años hizo su primera boda como fotógrafo y con 19 tenía ya su propio estudio fotográfico. En ese plató, de forma autodidacta, ha disfrutado haciendo muchas, muchísimas fotos de boda, retratos, publicidad y últimamente fotos de arquitectura.

En 1999, expuso por primera vez en la galería H2O de Barcelona el trabajo que reunía las fotos de boda de sus primeros veinte años de profesión y consiguió el premio al Mejor Portfolio PhotoEspaña 2000 con el libro Bodas/Weddings 1979-1999.

En 2002, en la Primavera Fotográfica de Barcelona, de nuevo en H2O, expuso En blanco, una serie de retratos realizados en el exterior de una discoteca, en la huerta del Segura, colección que se publicó en la revista Ojodepez.

Su trabajo Un piso de 50 m² participó en el festival Urban Schweppes Mix. Esta instalación, realizada en colaboración con el mexicano Ricardo Milla y que reproduce en planta un piso de clase media a escala 1:1, se expuso en el patio frontal del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y en la terraza de la Casa de Vacas.

Expuso, formando equipo con los arquitectos Alfredo Payá y Javier Peña, en Paisajes internos, Bienal de Arquitectura – Pabellón de España (Venecia).

También ha sabido compaginar la práctica de la fotografías con la teoría de la misma, participando en el seminario Creación y consumo de imágenes (Universidad Internacional Menéndez Pelayo, 2003) y con la didáctica, impartiendo talleres de fotografía en el Centro Cultural Puertas de Castilla de Murcia, en la Universidad Laboral de Gijón y para la Cámara de Comercio de España en Nicaragua.

Vivan los novios es el segundo libro sobre el tema de las bodas, exprimiendo sus archivos fotográficos (más de 2.500 casamientos) y mostrando bodas con limusina, con colas de traje extravagantes, con novios que miran entre embobados y atolondrados, novias que enseñan la liga, que posan ante el espejo para reduplicar por enésima vez una instantánea archiconocida, …

Pan, vino y azúcar es una colección de 30 fotografías, en blanco y negro y en color, realizadas por el autor durante su juventud, entre los años 1974 y 1984. La muestra recoge sus vivencias e impresiones sobre los cambios en una nueva etapa de la historia de España, la Transición, y sobre cómo estos cambios se manifestaron en los acontecimientos cotidianos de su Murcia natal. Todo esto mucho antes de decidir que esta afición por retratar su entorno se convertiría en su profesión.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Pan, vino y azúcar
  • Vivan los novios (2005).
  • Para qué fotografiar (2003)
  • Bodas/Weddings 1979-1999 (1999).