miércoles, 14 de noviembre de 2018

Tara Sellios

Tara Sellios es una artista y fotógrafa estadounidense (nacida en 1987 en Boston, donde vive y trabaja) cuya obra trata principalmente de imágenes que articulen elegantemente la totalidad de la existencia, enfocando fuertemente la naturaleza instintiva y carnal subyacente de la vida frente a la fragilidad, impermanencia y carnalidad.
© Tara Sellios
© Tara Sellios

Biografía

Tara Sellios consiguió su BFA en fotografía con una especialidad en historia del arte del Art Institute of Boston en 2010.
El bodegón es una forma artística que captado el interés de muchos grandes pintores. Tara también ha profundizado en la construcción de la naturaleza muerta y las ideas que a menudo se asocian con ella: la vida, la muerte, la cuestión de la permanencia y el uso intrincado del simbolismo. Lo que hace diferente su trabajo del de maestros anteriores es su combinación de material y medio.
Su trabajo tiene que ver con temas de muerte, impermanencia de vida y placer, y carnalidad. Sus fotografías son composiciones formales de comidas aparentemente suntuosas: manteles manchados con fluidos, salpicados de migajas de intercambios glotones y banquetes lujosos. Sus acuarelas a gran escala y las fotografías en color de múltiples paneles buscan representar la totalidad de la existencia humana, la sensación, incluso su olor. Estamos invitados a experimentar la lascivia del consumo de comida y vino, de la vida que pasa. La carne y la sangre tienen una calidad tan visceral cuando se usan en la naturaleza muerta, que se enlazan con todos estos temas.
En sus series más recientes presenta esqueletos de serpientes rodeados por insectos alados en vuelo. Son imágenes más terrosas con insectos, suciedad y esqueletos de animales.
Sus exposiciones individuales incluyen Sinuous en la C. Grimaldis Gallery de Baltimore, Testimony en la Blue Sky Gallery de Portland y Luxuria en la Gallery Kayafas de Boston. Consiguió una beca del Massachusetts Cultural Council y de Getty Images  y fue nombrada fotógrafa emergente por la revista Art New England.
Está representada por la Gallery Kayafas. Vive y trabaja en su estudio de South Boston utilizando fotografía en película, pintura y escultura de gran formato.

Referencias

martes, 13 de noviembre de 2018

Gina Soden

Gina Soden es una fotógrafa británica (nacida en 1985, vive y trabaja en Earley, Inglaterra) cuya obra muestra una preocupación por estructuras y ubicaciones abandonadas. Viaja muy a menudo a sitios desconocidos de Europa para explorar los límites de la belleza, la decadencia, la nostalgia y el abandono.

GinaSoden

© Gina Soden

Biografía

Gina Soden estudió Fotografía y Multimedia en la Thames Valley University. Desde entonces viaja por toda Europa para fotografiar edificios abandonados, habiéndose convertido en uno los observadores de la decadencia más exquisitos. Sus temas son asilos, escuelas, hoteles, castillos e iglesias abandonados y estaciones de energía en desuso.

Sus imágenes son las impactantes, sus visiones pictóricas de arquitectura desmoronada capturan el paso del tiempo y la belleza de la decadencia. Sus fotografías de espacios una vez grandiosos, una vez habitados, evocan la nostalgia de una vieja Europa que está desapareciendo en el tiempo. La génesis de cada una de sus obras es a menudo el carácter arquitectónico único de cada ubicación, acentuado por su transformación dolorosamente lenta después de años de abandono.

Su obra fotográfica es increíblemente poética, otorgando a estos lugares inusuales una belleza que ya no tienen. Con su tratamiento pictórico y un enfoque líricamente artístico, despierta la magia que habita en estos lugares y los embellece, a través de sus detalladas composiciones, con un aspecto triunfante.

La búsqueda representa la mitad de su trabajo pues pasa horas consultando y traduciendo periódicos, así como recorriendo Google Earth en busca de tesoros olvidados. Con demasiada frecuencia, el acceso a estos lugares está prohibido o supervisado, lo que hace que la tarea sea mucho más difícil y el estado de deterioro complica y, a veces, hace realmente peligrosa la realización de la fotografía.

En 2010, la Royal Windsor Society le otorgó el premio a la fotografía del año, comenzando su presencia en la escena de la fotografía. Desde entonces ha ganado muchos más premios por su trabajo, incluido el 1º premio del Weston Park Fine Art Open 2013 en Telford, el título de Artista Emergente del Año en la National Open Art Competition de Londres en 2013, y en el mismo evento, un año más tarde, recibió el Naylor Award for the Finest Photograph.

Gina ha exhibido principalmente en Londres, particularmente en la Eleven Gallery y en la Fine Art Society. Participa regularmente en ferias de Londres (The Other Art Fair, Photo Art Fair), en Nueva York (Pulse New York Art Fair) y París (Fotofever Art Fair). Su trabajo también se ha podido ver en Hong Kong y Moscú.

Referencias

lunes, 12 de noviembre de 2018

Joan Andreu Puig Farran

Joan Andreu Puig Farran fue un fotógrafo catalán (nacido en 1904 en Belianes, Lleida, fallecido el 22 de febrero de 1982 en Barcelona) que formó parte de una generación de reporteros gráficos tan desconocida como importante en la historia contemporánea de la fotografía documental en nuestro país.
 
PuigFarranLa fiesta de las modistas, 1933-1935. (Archivo familia Puig)

 

Biografía

Joan Andreu Puig Farran se instaló en Barcelona con su familia a finales de la década de los años veinte. Su trayectoria profesional se consolidó alrededor del trabajo que se generó en la Barcelona de la Exposición Internacional de 1929. Puig Farran se asoció con su buen amigo Carlos Pérez de Rozas Masdeu en una sociedad enfocada principalmente al retrato. En el Salón de Proyecciones de la Exposición Internacional montaron también un estudio fotográfico donde, en poco más de un año, llegaron a realizar cerca de 90.000 retratos a 3 pesetas por copia.
 
Con el advenimiento de la República se separó de su socio y comenzó a trabajar como reportero gráfico en solitario para periódicos y revistas. Lo mismo podía fotografiar la fachada del nuevo edificio del Banco de España, que la muerte de Francesc Macià, a unos pistoleros heridos o la entrevista entre el presidente de la Generalidad de Cataluña Lluís Companys y Manuel Azaña.
 
Comenzó a publicar fotografías en La Vanguardia, el medio de mayor difusión de la prensa catalana, a partir de 1932, cubriendo temas deportivos además de los políticos.  Puig Farran fue en esa época una firma habitual en la prensa barcelonesa: La Humanitat, La Vanguardia, L’Opinió, El Matí, Esplai, La Veu del Vespre, Última Hora, entre otros.
 
Al estallar la Guerra Civil fue de los primeros reporteros gráficos barceloneses en desplazarse en el frente de Aragón, fotografiando la batalla de Huesca y posteriormente cubriendo el desembarco republicano en Mallorca. Las necesidades de la demanda creciente de imágenes y la disponibilidad de material marcaron profundamente el día a día del trabajo de los fotoperiodistas en tiempo de guerra, un momento especialmente prolífico en su carrera.
 
Al finalizar el conflicto, fue internado en varios campos de concentración, primero en el sur de Francia, y de 1940 a 1943, en Miranda del Ebro, donde fue condenado a muerte, aunque conseguiría la libertad gracias a las gestiones realizadas por su cuñado Manuel Casas, comandante de aviación franquista. En 1945 regresó a Barcelona y dos más años más tarde se casó.
 
Como ocurrió con tantos otros fotógrafos que se negaron a comulgar con el régimen, Puig Farran terminó dedicándose a la fotografía industrial y publicitaria. De aquellos años de la posguerra, los recuerdos que tiene la familia hablan de pérdida de la ilusión, de un silencio respecto al pasado y de un gran resentimiento por el tema político.
 
En 1952 dio un nuevo rumbo a su carrera profesional montando la sociedad Postales Color CYP con el fotógrafo Antoni Campañà Bandrana, creando la primera colección de postales en color de todo el estado, de la que derivaría la edición de más de 14 libros turísticos. Una vez jubilado se dedicó a su gran pasión, las flores.
    
Su archivo, que se daba por desaparecido, lo conserva su nuera, tras la muerte de su hijo, también fotógrafo, en Honduras donde vivía. Los negativos conservados, una cifra indeterminada, 919 placas de vidrio en los formatos 6x9 y 9x13 y 85 en película, son cuantitativamente pocos: el trabajo posterior se perdió en el exilio y la parte del archivo que se conserva muestra trazas de haber sido espurgado, con numerosas cajas semivacías y hasta 162 sobres sin la fotografía que debería estar en su interior.
 
La sombra de la Guerra Civil, los campos de concentración, el exilio, las represalias y el miedo, el abandono de la profesión o la muerte temprana han llevado a la pérdida o extravío de gran parte de la producción fotográfica de aquella época. De la misma manera que unos negativos encontrados de Francesc Boix se atribuyeron erróneamente a Puig Farran, parte de su obra forma parte del archivo de Agustí Centelles depositado en Salamanca.
 
 
Referencias

domingo, 11 de noviembre de 2018

Lucie Debelkova

Lucie Debelkova es una fotógrafa checa (nacida en Praga, vive actualmente en Kuwait) que viaja a todos los rincones del mundo, cubriendo temas como destinos especiales, culturas antiguas o modernas e incluso características de alimentos para una gran variedad de clientes. Su filosofía es tomar fotografías positivas que resalten lo mejor que un lugar tiene para ofrecer, ya sea la vibración del paisaje, la grandeza arquitectónica de los monumentos antiguos, la moderna arquitectura o la calidez y amabilidad de la gente.

© Lucie Debelkova

© Lucie Debelkova

Biografía

Lucie Debelkova empezó a viajar intentando buscar esa belleza que le transmitía Praga, su ciudad natal y una de las ciudades más fotografiadas, en otros rincones del mundo. Realizó sus primeros viajes a tierras donde la antiguas civilizaciones marcaron huella como en India, Egipto y Oriente Medio. Ha viajado también a países lejanos como Mongolia, Nueva Zelanda o Alaska, siempre disfrutando descubriendo nuevos lugares y con la suerte de volver a visitarlos otra vez. Ha viajado a más de 80 países.

Aunque siempre ha viajado con alguna cámara, tomando instantáneas para documentar sus experiencias y exploraciones, en un momento dado quiso captar plenamente la esencia y el sentimiento de sentirse viva y comprometida con este mundo tan grande para poder comunicarlo con toda su grandeza y comenzó a adquirir conocimientos sobre el arte y el proceso de realizar fotografías.

Hoy en día su trabajo ha aparecido en muchas publicaciones en todo el mundo, como The Sunday Times, The New York Times, Wanderlust, Lonely Planet, Digital Photographer, What Digital Camera, Outdoor Photography, Vanity Fair, Saudi Voyager magazine, East & West, así como en varias revistas de aerolíneas.

Debelkova es Canon Explorer y siempre está en movimiento. Desde su base en Kuwait viaja alrededor del mundo en busca de hermosos destinos. Para ella la fotografía es un gran proceso de autoaprendizaje que no tiene fronteras, es una forma de arte y una forma de expresión. Y viajar nos permite descubrir nuevos lugares con nuevos ambientes, olores, sabores y sonidos; nos permite conocer a otras personas con diferentes vidas, opiniones, experiencias o costumbres.

Referencias

sábado, 10 de noviembre de 2018

Ferhat Bouda

Ferhat Bouda es un fotógrafo argelino (nacido en 1976 en Kabylie, vive en Frankfurt, Alemania) que se siente atraído por su país de origen y por las regiones de otras tribus bereberes o nómadas. Con frecuencia regresa allí para intentar conseguir la atención sobre problemas y necesidades de las personas de estas partes del mundo. Su trabajo pertenece a una tradición relacionada con la fotografía documental, narrativa, ensayo y compromiso.

© Ferhat Bouda

© Ferhat Bouda

Biografía

Ferhat Bouda nació en Kabylie y creció en Bouzeguen, Tizi-Ouzou. En su adolescencia, participó en la "huelga escolar" de 1994 lanzada por el Movimiento Cultural Bereber (MCB) para luchar por el reconocimiento de la lengua bereber en la Constitución argelina. Luego exploró diferentes formas de documentar y compartir las especificidades: el teatro y la música primero, luego el cine, lo que lo llevó a establecerse en París en 2000 buscando que su abuela viera películas en su propio idioma. Al año siguiente encontró una cámara por casualidad y halló en la fotografía un medio perfectamente adaptado a su sensibilidad y compromiso.  En 2005, ya en Frankfurt, intentaba cazar a los punks en espacios públicos, usando su cámara para denunciar esta situación.

Desde entonces se ha centrado en minorías como los bereberes, pueblos nómadas como los tuaregs y los mongoles, y grupos marginales y está tratando de llamar la atención sobre los problemas y las necesidades de estas poblaciones. Testificar, dar a ver, preferiblemente en blanco y negro, acordar con el tiempo para ir más allá de las apariencias, aceptar al mismo tiempo respetar las que representa y entregar claves que exceden la anécdota, son la base de sus investigaciones a largo plazo.

Ferhat emprendió un trabajo a largo plazo sobre la cultura bereber y los pueblos nómadas; una investigación fotográfica que desarrolla tanto en Francia como en Alemania, en Argelia, en Marruecos, en Libia junto con rebeldes bereberes, en Túnez después de la caída de Ben Ali, y hasta en el norte de Malí con los tuaregs.

Consiguió la beca Pierre y Alexandra Boulat en 2016, y ha estado representado por Agence VU desde 2014. Su trabajo se publica regularmente en la prensa internacional, se exhibe en Argelia, Alemania, Francia y se presenta en festivales internacionales de cine y de fotografía documental.

Referencias

Libros

  • Cahier 2003-2016, 2017.

viernes, 9 de noviembre de 2018

Athanase Clouzard

Athanase Clouzard fue un fotógrafo francés (nacido en 1820 en Saint-Clément, Bourgogne, fallecido en 1903) cuya obra consiste principalmente en fotografía en cristales estereoscópicos al colodión y a la albúmina.
 
Clouzard & Soulier
Clouzard & Soulier

 

Biografía

Jacques Athanase Joseph Clouzard fue un "pintor en vidrio" desde al menos 1844. Después de que Nicéphore Niépce descubriera la fotografía en vidrio, Clouzard buscó una forma de aplicar color a tales fotografías. En 1851 formó una compañía con Louis This, Alfred Sarrault y otros varios, llamada Sarrault et Cie, que trabajó en el desarrollo de sus propios métodos de pintura sobre fotografías en vidrio.
 
En 1853, Sarrault abandonó la empresa y Charles Soulier se unió a los socios restantes, cambiando su nombre a This, Soulier, Clouzard et Cie. Enseguida, en 1854, Soulier y Clouzard formaron otra compañía y lanzaron un negocio de hacer y vender sus propias estereocopias, desarrollando un método de fabricación de estereoviews de vidrio que contenía solo dos piezas, con lo que eran más baratas y ligeras. Este método sería seguido por todos los principales fabricantes de fotografías estereocópicas.
 
Este fue el periodo más fructífero de Clouzard, participando la sociedad en la Exposición Internacional de París, consiguiendo una medalla por su trabajo. En 1857, conseguirían una medalla en la exposición de arte en Bruselas. En 1859, la empresa tenía más de 700 vistas de Francia, Alemania, Austria y España, donde realizó una serie de 114 fotografías estereoscópicas al colodión, comercializadas posteriormente sobre vidrio y sobre papel montado en cartulinas de 8 × 17,5 cm.
 
En 1859, Clouzard vendió su parte de la empresa y los derechos de toda la colección de estereoviews a Soulier. En 1860, éste lo demandó, acusándole de hacer una foto de Praga muy similar a una fotografía de su antigua colección, pero el tribunal declaró que los fotógrafos pueden hacer fotos de edificios públicos sin rendir homenaje a otro fotógrafo que haya descubierto este punto de vista anteriormente.
 
Clouzard se trasladó a Niza. Desde 1870 y hasta su muerte fue miembro de la Société Française de Photographie (SFP).
 
Durante la Primavera Fotogràfica de Catalunya en 2004, su obra formó parte de la exposición De París a Cádiz: calotipioa y colodión del Museu Nacional d’Art de Catalunya en Barcelona. Su legado se encuentra parcialmente conservado en la Bibliothèque Nationale de France.
 

Referencias

 

Libros

  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • De París a Cádiz: calotipioa y colodión, 2004.

jueves, 8 de noviembre de 2018

Arnaldo Anaya-Lucca

Arnaldo Anaya-Lucca es un fotógrafo portorriqueño (nacido el 30 de noviembre de 1961 en Ponce, Puerto Rico, vive en Nueva York, EEUU) que está considerado como uno de los principales fotógrafos de moda estadounidenses de la actualidad. Tras sus comienzos con Ralph Lauren, ha realizado campañas para una impresionante lista de clientes, así como numerosas portadas y editoriales para revistas, fotografiando a muchos modelos y gente famosa.
 
© Arnaldo Anaya-Lucca
© Arnaldo Anaya-Lucca
 
 
Biografía
Arnaldo Anaya-Lucca llegó a los Estados Unidos en 1974, con 13 años. Su padre, cardiólogo, quería que sus hijos hablaran inglés y experimentaran el cambio de estaciones, por lo que los envió a la Escuela Militar de St. John en Salina, Kansas. Con 18 años descubrió su pasión por la fotografía, pero su padre le insistió en continuar sus estudios y se licenció en Administración de Empresas en Finanzas y Economía en el Rockhurst College de Kansas City, Missouri. Luego se mudó a Washington, DC, donde trabajó durante tres meses como auditor junior en la Internal Revenue Credit Union.
 
En 1986, después de perder su trabajo cogió un vuelo a Londres, pero una parada inesperada en el Aeropuerto Internacional Newark Liberty le obligó a pasar una noche en la ciudad de Nueva York y, en un impulso, se quedó allí. Desde entonces ha vivido en el East Village de Nueva York.
 
En 1988 entró como vendedor en el buque insignia de Ralph Lauren, trabajando posteriormente como miembro de su equipo de diseño para hombres y, en 1995, se convirtió en el Director de Conceptos Visuales. Desarrollando campañas  trabajó con fotógrafos como Bruce Weber y fotografió a Andrew, el hijo de Ralph Lauren tan bien, que éste le contrató para fotografiar a Tyson Beckford para el lanzamiento del Ralph Lauren Purple Label. Esta fue su primera asignación como fotógrafo profesional y su primera fotografía publicada.
 
Anaya-Lucca dejó a Ralph Lauren en 1997 para dedicarse a la fotografía a tiempo completo. Desde entonces, ha publicado en revistas como Australian Vogue, Australian GQ, American GQ, Japanese GQ, Russian GQ, Style, Esquire, Interview, Black Magazine Man, Men´s Vogue, New York Times Magazine, Spanish Harper's Bazaar, Four Seasons Magazine, Flaunt, Brutus, Dutch y Vibe.
 
Su extensa lista de clientes incluye a PoloRalph Lauren, Calvin Klein, Emporio Armani, Brooks Brothers, Nautica, Kohls, Fao Schwarz, Victoria's Secrets, Lord & Taylor, Gap, Louis Boston, Bloomingdales, Saks Fifth Avenue, Oxford Clothes, Oscar de la Renta, Ann Taylor,  Tommy Hilfiger, ...
 
Después de centrarse en la fotografía de moda, y fotografiar a numerosos modelos y celebridades, comenzó a mirar más hacia el trabajo conceptual. En 2009 realizó una exposición en solitario, Adam and Eve, en la Luis Perez Galeria de Miami, Florida. En 2012, la revista Complex le nombró como uno de The 50 Greatest Fashion Photographers Right Now.

 

Referencias