viernes, 22 de junio de 2018

Charo Díez

Charo Díez es una fotógrafa española (nacida en Burgos, vive en Madrid) cuya fotografía, principalmente en blanco y negro tiene actualmente como motivo principal, casi único, a sus dos hijos.

© Charo Diez

© Charo Diez

Biografía

Charo Díez es castellana: nació en Burgos, vivió en un pueblo de la provincia de Palencia y con 18 años se fue a Valladolid a estudiar  la carrera, una ingeniería técnica. Por motivos laborales se trasladó a Madrid donde lleva viviendo ya más de 20 años. Trabaja en una conocida empresa de telecomunicaciones, y todo su tiempo libre lo dedica a sus hijos, y a su fotografía.

Lleva casi 20 años llevando cámaras en su mochila, y ha jugado con todo tipo de disciplina fotográfica: retratos, viajes, paisajes, detalles, documental, artística… aunque ahora mismo el objeto principal de sus fotografías son sus dos hijos. Charo tiene una magnífica forma de capturar la infancia, con su visión única y cautivadora. Siempre es importante recordar que somos parte de este viaje fotográfico tanto como nuestros hijos y será a través de nuestros ojos cómo ellos se verán en el tiempo a través de sus recuerdos capturados  cuando sean mayores.

Tras 15 años con todo tipo de cámaras de película: telemétricas, medio formato, réflex analógicas, lomo, compactas, …cuando nació su primer hijo ya no encontraba tiempo para revelar y escanear los negativos y fue entonces cuando entró de lleno en las réflex digitales, para cambiar a las cámaras sin espejo. Ahora ya en el mundo digital, sigue editando la mayor parte de sus fotografías en blanco y negro.

Referencias

jueves, 21 de junio de 2018

Luis León Masson

Luis León Masson fue un fotógrafo francés afincado en Sevilla, España (nacido el 31 de julio de 1825 en Tours, fallecido después de 1881 en Sevilla) que fue uno de los más destacados fotógrafos que trabajara en España en las primeras décadas de la fotografía. De su actividad como fotógrafo destaca su obra topográfica sobre el patrimonio arquitectónico y paisajístico de ciudades andaluzas, principalmente de Sevilla, además de importantes aportaciones de otras ciudades castellanas, así como sus reproducciones de la obra pictórica de Murillo.

Plaza San Francisco,  Sevilla.  Foto de Luis León Masson

Plaza San Francisco,  Sevilla.  Foto de Luis León Masson

Biografía

Louis François Leon Masson y Besneé españolizó su nombre a Luis Masson cuando se instaló en Sevilla, en 1858, acompañado de su esposa Lorenza Simonin Berard, colaboradora en sus trabajos fotográficos. Fue el primer fotógrafo que realizó fotografías de difuntos en formato tarjeta de visita en la capital hispalense. También documentó las corridas de toros.

En la capital andaluza regentó diferentes estudios de forma intermitente hasta la década de 1880.  Durante este tiempo realizó toda clase de actividades fotográficas, desde trabajos de estudio a vistas estereoscópicas y álbumes comerciales. Su trabajo y su obra han sido y continúan siéndolo muy desconocidas en el conjunto de la historia fotográfica española, a pesar de haber realizado un importante conjunto de vistas y paisajes monumentales de la España de su tiempo.

Durante los siguientes ocho años realizó un gran número de fotografías de la ciudad, centrándose sobre todo de sus grandes monumentos, como el Alcázar, la Catedral o la Casa de Pilatos, además del Palacio de San Telmo en atención al Duque de Montpensier con quien enseguida estableció una notable relación clientelar, tal y como lo demuestra el álbum fotográfico que les dedicó, con 37 fotografías de vistas de Sevilla, Granada y Málaga.

Trabajó con el negativo de papel y colodión húmedo, que positivaba en copias en papel a la sal y a la albúmina. Hacia 1850 viajó por la península y realizó una de las primeras colecciones de vistas estereoscópicas de albúmina sobre cartulina de ciudades como Córdoba, Granada, Málaga, Gibraltar y Toledo, además de Sevilla.

A finales de 1858 centró su trabajo en el retrato. Obtuvo menciones honoríficas en la Exposición Universal de Londres de 1862 y en la exposición de 1863, organizada en Londres por la London Photographic Society.

En 1866 se trasladó a Madrid donde permaneció un breve periodo, desplazándose también a Toledo, Ávila, Valladolid, Salamanca o Burgos, ciudades de las que ha legado un interesante conjunto de imágenes. Sin embargo se conjetura con que estuviese en la capital cumpliendo algún encargo del duque de Montpensier que optaba por la corona española, que finalmente fue para Amadeo I de Saboya. Regresó a Sevilla a finales de la década de 1870 para desaparecer definitivamente en 1881. Tras su muerte, su esposa (conocida en Sevilla como La señora de Luis) regentó este gabinete hasta su cierre.

Se han identificado más de 500 fotografías de este autor (se cree que realizó unas 800 en toda su vida), todas ellas realizadas en España. Su obra está depositada principalmente en la Bibliotheque National de France, en el Victoria & Albert Museum, en la British Library, en la Societé Française de la Photographie o en el Museo de la Universidad de Navarra, además de en colecciones privadas como la perteneciente a los herederos del Duque de Montpensier o en la Colección Fernández Rivero donde hay depositadas más de 250 piezas originales del fotógrafo, obras que han contribuido enormemente a establecer la importancia del autor, además de haber logrado precisar una biografía del personaje hasta ahora desconocida.

Sus imágenes están consideradas obras esenciales de la historia de la fotografía durante el periodo prepictorialista, pero han permanecido ocultas al gran público. Recientemente fueron objeto de una muestra-homenaje celebrada en el Museo Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) durante la Primavera Fotogràfica de Catalunya de 2004. Su obra fue reproducida en el nº 12 de la revista PhotoVision y en el catálogo de la exposición De París a Cádiz: calotipioa y colodión. En 2018 PhotoEspaña expone sus obras en el Lázaro Galdeano.

Referencias

Libros

  • Album Fotografico Sevillano, Dedicado à SS. AA. RR. los Sermos. Sres. Infantes Duques de Montpensier, 1855.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Descubriendo a Luis Masson, fotógrafo en la España del XIX, 2017.

miércoles, 20 de junio de 2018

Lee Towndrow

Lee Towndrow es un artista visual y fotógrafo canadiense (reside en Ciudad de Nueva York) que realiza imágenes finamente elaboradas, crea ideas y trabaja con personas para hacer que esas ideas se hagan realidad. Con su pensamiento innovador y su capacidad de resolución de problemas consigue presentar a las personas experiencias notables y originales.

LeeTowndrow

© Lee Towndrow

Biografía

Lee Towndrow comenzó su carrera como diseñador y fotógrafo en una firma de diseño que fundó. La firma fue muy conocida por crear la portada de álbumes de prominentes bandas canadienses como Sloan, The Flashing Lights, The Inbreds y Michelle McAdorey.

Después se convirtió en un artista de Flame en TOPIX Computer Graphics, donde creó efectos visuales y diseño para comerciales de televisión, videos musicales y largometrajes.

De 2004 a 2005 vivió en Buenos Aires, donde trabajó con Roberto Jacoby, m7red center, fr: Raumlabor Berlin,  Kiwi y Cecilia Sainz y Eugenia Herrera en instalaciones de arte conceptual como Proyecto Venus, Cuarto oscuro y ArteBA.

Lee ha trabajó como director de fotografía en tres largometrajes Going Clear: Scientology y Prison of Belief, Teenager Hamlet e Ivory Tower, que recibió una mención especial en el Festival de Cine Internacional de Lucarno en Suiza. También ha fotografiado videos musicales para The National, Born Ruffians, Junior Boys y The Great Lakes.

Con Flame y Smoke ha creado efectos visuales para la película Carol y para campañas publicitarias de BMW, HONOR NYC, Morgan Stanley, TD Bank, …

Tras su regreso a Nueva York se convirtió en un galardonado fotógrafo (TIME Magazine, Fast Company) y cinematógrafo (HBO's Going Clear, Ivory Tower). Ha fotografiado a Lena Dunham, Martin Amis, Dan Brown, Michael Chabon y Sheila Heti, entre otros. Su obra ha sido publicada en Time Magazine,  The Paris Review, Das Magazin, …

Su estilo es personal, con ambientes coloridos e individuos extravagantes, que hacen que sus fotografías sean siempre soñadoras y extrañas, presentando paisajes inusuales y una improbable reunión de personas, expresándose a través del lenguaje facial, el estilo de la ropa y otros elementos icónicos, incluida la postura y la ubicación dentro de una escena específica. La mayoría de sus imágenes hacen eco de una sensación retro, en contraste con una sensibilidad y un toque muy modernos.

Referencias

martes, 19 de junio de 2018

Chris Moxey

Chris Moxey es una fotógrafa inglesa (nacida en Brighton, en la costa de Sussex, vive en Londres) que realiza principalmente fotografía de calle, pero también disfruta de hacer fotos de cosas extrañas que encuentra en sus viajes por el Reino Unido o EEUU, y también de escenas industriales a lo largo del estuario del Támesis.

ChrisMoxey

© Chris Moxey

Biografía

Chris Moxey se fue del casa con 18 años y estuvo trabajando en el comercio de libros durante muchos años. Más tarde, sus estudios de reprografía gráfica en el London College of Printing incluyeron la fotografía y se compró su primera cámara, una Praktica MTL3. En casa, en su sótano, revelaba y positivaba su propia película en blanco y negro. Todavía recuerda todo el proceso con mucha emoción. Disfrutó de la fotografía durante unos años más antes de que otros intereses la distrajeran y no volviera a usar su cámara de una manera seria unos veinte años.

Trabajó en la venta de libros durante unos años y luego estudió Ingeniería Electrónica, encontrando empleo en la BBC, primero haciendo páginas web en html, luego en el departamento de medios digitales, y finalmente como asistente de producción en el sitio web de BBC Health. Hace unos diez años, cogió una excedencia voluntaria y se metió de nuevo en la fotografía digital principal pero no exclusivamente.

Chris siempre gravita hacia el mar, donde quiera que esté, así que es normal que parte de sus proyectos estén relacionados con la costa. Le viene bien porque la costa atrae a una multitud transitoria y no hay escasez de “material” que fotografiar. Sus fotos de la costa no son todas de Inglaterra, pero todas tienen una sensación muy inglesa. Sus influencias son Tony Ray-Jones o David Hurn, más que Martin Parr, pero siempre en color.

Fotografiar en la calle es con lo que más disfruta, observando a las personas mientras realizan sus actividades diarias. A veces las personas se ven como personajes en una obra de teatro, sin que necesite dirigirlas. Parecen que saben exactamente donde Chris quiere que estén. Rara vez interactúa con sus modelos, prefiriendo buscar esos momentos de descuido, y sintiendo el momento en que alguien comienza a plantear cambios dinámicos interesantes de capturar.

Aunque la fotografía callejera siempre será su primero amor, Chris también es una fanática de la fotografía topográfica y de arquitectura (paisajes creados o alterados por la humanidad). Particularmente le gusta el trabajo de los fotógrafos Henry Wessel y Wim Wenders. El paisaje de los Estados Unidos le encanta muchísimo. Allí se pueden conducir millas y millas, pasando por una infinita variedad de terrenos, espacios vastísimos y una arquitectura moderna.

Además, para saciar su interés por los arquitectos del siglo XX, con énfasis en la década de los años 30 y de la posguerra, empezó a fotografiar casas y bungalós. Consecuentemente, hoy modera varios grupos dedicados a la arquitectura en Flickr.

Referencias

Libros

lunes, 18 de junio de 2018

Mankichi Shinshi

Mankichi Shinshi es un fotógrafo japonés (nacido en 1984 en Oita, vive y trabaja en Nagoya) que realiza fotografía de calle principalmente de personas solitarias, intentando registrar la apariencia real de la gente y las cosas dentro del espacio urbano.

© Mankichi Shinshi

© Mankichi Shinshi

Biografía

Mankichi Shinshi es un fotógrafo callejero y documental con sede en Japón. Comenzó a hacer fotografías en 2013 con un estilo autodidacta, tras comprar una cámara de sistema sin espejo por sugerencia de un amigo. Debido a su horario, caminaba y hacía fotos a medianoche de calles sin gente, pues lo que quería era practicar.

Pero hoy en día ya no le interesa esto y sale a la luz del sol para buscar el olor de la gente, principalmente en Asia: Japón, China, Taiwán, Hong-Kong, Corea, Tailandia, …  registra la apariencia de las personas, las cosas y los espacios tal como son. Sin embargo, no es su propósito revelar ningún hechos objetivos ni la verdad. Es una consideración de la forma de confrontar escenas (de la sociedad en general), que cualquiera puede ver desde su mirada individual.

Su estilo de fotografía es "no organizado" y "en público". Camina solo y hace fotos instantáneamente cuando algo le gusta o lo siente. No importa si hay humanos o no. Lo más importante es que haya una historia interesante. Por supuesto, la gente, los animales, las plantas, los edificios, la publicidad, los vehículos y las señales,  … todo tiene la posibilidad de ser un elemento de la historia. Además, no es importante que la imagen sea hermosa o no. La belleza es solo una parte del todo. No busca belleza en la calle, sino relaciones interesantes.

Lejano a la conocida escena callejera japonesa Provoque, al final, su foto de calle se convierte en un documental de nuestra vida humana común y del impacto egocéntrico puede verse como una apariencia de la naturaleza moderna, mostrando escenas de la naturaleza hecha por el hombre, como campos de hierba bien cortados, y plantas solitarias en espacios modernos colocados junto a objetos de la sociedad moderna, incluidos automóviles, edificios de hormigón y escaleras mecánicas al aire libre. Shinshi representa la interacción de la sociedad moderna y la naturaleza, pero también quiere hacernos comprender cuán diferente es esta naturaleza moderna: domesticada y extremadamente organizada.

Mankichi ha sido galardonado en numerosos concursos de fotografía de calle.

Referencias

Libros

  • The Best of LensCulture, Vol. 1 – International (Varios).
  • JP_EN ISSUE.4 (Varios).

domingo, 17 de junio de 2018

Kalle Gustafsson

Kalle Gustafsson es un director de cine y fotógrafo sueco (nacido en 1980 en Lund) cuyo arte radica en el manejo que hace de la luz y en la opacidad que consigue, con un tratamiento de colores muy difuminados, consiguiendo un envejecimiento de las imágenes que nos sitúa entre el sueño y la realidad. Crea un mundo clásico a la manera de los fotógrafos de los años 60 y 70, lleno de romanticismo, encanto y elegancia.

© Kalle Gustafsson

© Kalle Gustafsson

Biografía

Kalle Gustafsson fue a escuelas de música cuando era joven, pero no tuvo la suficiente capacidad de atención para aprender a tocar un instrumento musical con éxito. Como su padre tenía una agencia de viajes, pudo visitar los Alpes varias veces y empezó a hacer fotos, entusiasmándose a veces y gastando en un instante todos los carretes de llevaba su madre para todo el viaje.

Estudió cine en Sídney, Australia, y fotografía en París. Asumió todo tipo de trabajos, y terminó trabajando durante 18 meses como asistente de un fotógrafo sueco. Después de varios trabajos independientes, decidió crear su propio sitio web, mientras que la experiencia de sus estudios en Francia le llevó a la fotografía de moda. Además, el tiempo que pasó en la academia de cine en Sídney le condujo a contar historias.

Hoy es un experto en la captura de momentos cinematográficos cargados de ambiente y es conocido en todo el mundo por su trabajo en la fotografía de moda, como lo muestra su amplio portafolio. Kalle tiene una impresionante lista de clientes que incluye a Paul Smith, Gant y Orient Express, junto con clientes editoriales como GQ y Marie Claire, para los que realiza tanto fotografía fija como en movimiento.

La mayor parte de su obra gira en torno a la moda, con fotografías que son modernas pero que, al mismo tiempo, evocan el pasado. El grano de cada imagen tiene una textura suave que nos retrotrae a la ola de nostalgia de los 70.  Influenciado por las tendencias de diseño escandinavo, su estilo característico suele ser muy sencillo, minimalista y natural. La mayoría de sus tomas tienen una calidad cinematográfica muy especial, con amplias vistas abiertas e iluminación crepuscular. Usando un estilo retro antes de que se pusiera de moda, su fluidez casual y su estilo natural y gracia hace que sus modelos parezcan relajados y hermosos de una manera completamente natural, gracias al empleo de la luz suave y natural y del ambiente bueno y relajado que trasmite a todo el equipo.

Referencias

sábado, 16 de junio de 2018

Sam Nzima

Sam Nzima fue un fotógrafo sudafricano (nacido el 8 de agosto de 1934 en Lillydale una pequeña ciudad de Bushbuck Ridge, en la provincia de Limpopo, fallecido el 12 de mayo de 2018 en Nelspruit) conocido por haber realizado una de las fotos más icónicas de la historia, que hizo visible al mundo de forma gráfica la brutalidad de la opresión del apartheid en Sudáfrica.

© Sam Nzima

© Sam Nzima

Biografía

Masana Samuel Nzima nació en la ciudad de Lillydale. Su padre trabajaba como peón para un granjero blanco. Sam se interesó por primera vez en la fotografía cuando su maestro le mostró su cámara y cómo usarla. Estando en la escuela, se compró una cámara y comenzó a hacer fotos en el Parque Nacional Kruger. Después de nueve meses de trabajar en la granja y muy presionado por el amo, huyó a Johannesburgo donde encontró trabajo como jardinero. Mientras trabajaba, completó sus estudios.

En 1956, Nzima encontró trabajo como camarero en el Hotel Savoy, donde el fotógrafo Patrick Rikotso le enseñó habilidades fotográficas y Sam empezó a hacer retratos de los trabajadores. Mientras trabajaba en el Hotel Chelsea comenzó a leer en el periódico The Rand Daily Mail los artículos de Allister Sparks y se interesó en el fotoperiodismo.

Tras enviar un texto y fotografías sobre viajes en autobús al The World, un periódico africano negro, consiguió trabajar para este medio, primero como freelance y a partir de 1968 a tiempo completo.

El 16 de junio de 1976 la policía se enfrentó a estudiantes que protestaban en Soweto por la obligación de aprender en afrikáner y comenzó a disparar munición real contra ellos. Nzima comenzó a correr huyendo pero después se dio la vuelta y realizó 6 fotografías de Hector Pieterson herido de muerte a sus 13 años llevado en brazos por Mbuyisa Makhubo con su hermana Antonieta Pieterson al lado de ellos.

Después de que The World publicara la foto al día siguiente, Nzima se vio obligado a esconderse de la policía de seguridad. Regresó a su ciudad natal Lillydale, donde la policía lo mantuvo bajo vigilancia impidiéndole dejar esta ciudad.  Cuando The World fue cerrado por el gobierno en 1978, los periódicos Daily Mail y The Star pidieron a Nzima que trabajara para ellos, pero él se negó por miedo a ser asesinado.

Nzima obtendría los derechos de autor de su fotografía, después de muchos años de intentos, cuando el Argus Newspaper Group, que era dueño de The World, fue vendido al Independent Group. Times Magazine considera que la famosa imagen de Nzima es una de las 100 más influyentes imágenes de todos los tiempos

Hasta su fallecimiento, vivió en Lillydale, donde dirigió una escuela de fotografía. Sirvió en los consejos del municipio de Lillydale y del distrito de Bohlabela. En 2011 Nzima fue galardonado con la Orden de Ikhamanga de Sudáfrica en bronce, que honra a los sudafricanos que se destacan en las artes, la cultura y el periodismo.

Referencias