martes, 21 de octubre de 2014

Atín Aya

Atín Aya fue un fotógrafo andaluz (nacido en Sevilla en 1955 y fallecido el 16 de septiembre de 2007 también en Sevilla) cuya cámara retrató nobles y bandidos, trabajadores y ociosos, artistas y artesanos, renombrados y anónimos, tópicos y tipismos, sombras y luces. En muchos casos con una profundidad conmovedora y un sentido de la composición que parece mirarse en la naturalidad de orden superior de los exquisitos de la pintura.

 

Concepción Martín Domínguez, Linares de la Sierra, Huelva. Mayo 2000 © Atín Aya

Concepción Martín Domínguez, Linares de la Sierra, Huelva. Mayo 2000 © Atín Aya

 

No puedo fotografiar más allá de la luz.

 

 

Biografía

Atín Aya se licenció en Psicología por la Universidad de Granada, después de cursar estudios de Ciencias Sociales en la Universidad de Navarra. En 1981 comenzó a estudiar fotografía en el Photocentro de Madrid y a trabajar en los archivos y laboratorios de la agencia Cover. Tuvo por mentor al cofundador de la agencia, Jordi Socias. Volvió a Sevilla en 1982, donde trabajó como reportero gráfico y retratista hasta ir abandonando el fotoperiodismo para dedicarse de lleno a su obra personal.

Como los fotógrafos de su generación, Atín Aya es heredero de todas y cada una de las formas y filosofías de apuntar con una cámara. De su experiencia como reportero gráfico para periódicos y revistas adquirió el instinto para la caza, el merodeo, el sentido de la oportunidad, la virtud de sacar partido a cualquier motivo obligado por ser noticia.

Cuando abandonó el fotoperiodismo para dedicarse a trabajos más elaborados y personales, a encargos más ambiciosos, Atín demostró ser capaz también de armar con paciencia sus fotografías, en las que cada ingrediente de la composición está cuidadosamente dispuesto, por muy marginal que sea su importancia. Combinando espacios, objetos y perspectivas, a la manera de un pintor. Su mirada captaba juegos callejeros, equilibrios de sombras, paisajes y, sobre todo, gentes, formas de vida: personas y personajes que aparecen en sus negativos posando con extrema naturalidad, relajados, incluso distraídos, dignos, entregados al objetivo. Individuos y grupos que parecen haberse pasado toda la vida delante de una cámara.

Trabajó para Abc de Sevilla, Diario 16 Andalucía, Cambio 16 y Panorama, entre otros medios, y fue parte del equipo de fotógrafos de la Sociedad Estatal para la Exposición Universal de 1992. Destacan las exposiciones de su obra celebradas en la Soho Photo Gallery de Nueva York, la Diputación Provincial de Sevilla y el Conde Duque de Madrid, esta última en el marco de PHotoEspaña 2000. En 1990 recibió el Primer Premio FotoPres en el apartado de Cultura y Espectáculos. Su obra figura en las colecciones permanentes de museos e instituciones como la Comunidad de Madrid, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) o la Fundación Foto Colectania (Barcelona).

La última entrega de fotografías del autor se reunió en su libro póstumo de título Paisanos, publicado en 2010. A este grupo de fotografías había precedido  la serie Sevillanos, terminada en 2001 y fruto de los retratos tomados durante 20 años a los vecinos de la capital andaluza, y su proyecto más reconocido, Marismas del Guadalquivir (1991-96), premiado con la Beca FotoPres. En él reflejaba las condiciones adversas de la vida diaria de los marismeños y cuya fotografía ha servido de inspiración en 2014 a la película La isla mínima.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 20 de octubre de 2014

Pierre Verger

Pierre Verger fue un fotógrafo, etnólogo, antropólogo e investigador francés (nacido en París el 4 de noviembre de 1902 y fallecido el 11 de febrero de 1996 en Salvador de Bahía, Brasil, ciudad en la que vivió gran parte de su vida) que elaboró una obra fotográfica de gran importancia, basada en la vida cotidiana y en la cultura popular en los cinco continentes. Además, escribió varios textos de referencia sobre la cultura afro-bahiana y la Diáspora, centrando su trabajo de investigador en el estudio de los aspectos religiosos del candomblé, asunto que se llegó a ser su principal foco de interés.
 


© Pierre Verger
© Pierre Verger





La sensación de que había un vasto mundo era constante y el deseo de ir a verlo me llevaba hacia otros horizontes.
El Candomblé es muy interesante para mí como la religión de la exaltación de la personalidad. Puedes ser realmente cómo eres,y  no la sociedad quiere que seas. Para las personas que quieren expresarse a través de su inconsciente, el trance es una posibilidad que tiene el inconsciente para mostrarse.





Biografía

Pierre Edouard Léopold Verger nació en París y, hasta los 30 años tuvo una vida normal para una persona de buenas condiciones financieras, aunque no estaba de acuerdo con los valores compartidos por la gente de su clase social. El año 1932 fue decisivo en su vida, pues aprendió un oficio -la fotografía- y descubrió una de sus pasiones: los viajes. Tras desarrollar las técnicas básicas de la fotografía con su amigo Pierre Boucher, logró comprar su primera cámara Rolleiflex y, después de la muerte de su madre, no dudó en convertirse en un viajero solitario. Su madre era su único pariente vivo y él nunca quiso hacerle daño con una vida errante e inconformista
 
Desde diciembre de 1932 hasta agosto de 1946 realizó casi 14 años consecutivos de viajes alrededor del mundo (Tahití, EEUU, Japón, China, Italia, España, India, México, Argentina, Perú, Bolivia, muchos otros países hasta casi 70 y finalmente Brasil) sobreviviendo únicamente de la fotografía. Verger negociaba sus fotos en periódicos como Paris-Soir, Daily Mirror (con el pseudónimo de M. Lensman), Life y Paris Match, agencias y centros de investigación. Fotografió para empresas e incluso llegó a cambiar sus servicios por transporte.
 
París se convirtió en su base, un lugar donde se reencontraba con los amigos -surrealistas vinculados a Prévert y antropólogos del Museo Trocadero - y hacía contactos para nuevos viajes. Trabajó para las mejores publicaciones de la época, pero como nunca anheló la fama, siempre estuvo de partida.
 
Las cosas empezaron a cambiar el día en que llegó a Bahía, Brasil. En 1946, mientras Europa experimentaba la post-guerra, en Salvador de Bahía todo estaba tranquilo. Pronto fue seducido por la hospitalidad y la riqueza cultural que encontró en la ciudad brasileña y decidió quedarse. Como lo hizo en todos los lugares donde había estado, prefirió la compañía de la gente común del pueblo y los lugares más sencillos. Los negros monopolizaban la ciudad y también la atención de Verger. Además de personajes de sus fotos, los negros rápidamente se convirtieron en sus amigos, cuyas vidas trató de conocer en detalle. Cuando descubrió el Candomblé, creyó que había encontrado la fuente de la vitalidad del pueblo de Bahía y se convirtió en un estudioso de la adoración de los Orishas (las deidades del Candomblé). Este interés por la religión de origen africano le valió una beca para estudiar sus rituales en áfrica, continente para donde fue en 1948.
 
Fue en África que experimentó su renacimiento y recibió un nuevo nombre en 1953: Fatumbi, "nacido de nuevo gracias a Ifá". La intimidad con la religión, que había comenzado en Bahía, le facilitó el contacto con sacerdotes y autoridades y, finalmente, fue iniciado como babalawo, para poder hacer adivinaciones a través del juego de ifá y tener acceso a las tradiciones orales de los yoruba.
 
Además de la iniciación religiosa, en este momento Verger comenzó un nuevo oficio de investigador. El Instituto Francés de la África Negra (IFAN) no se quedó satisfecho con los dos mil negativos que presentó como resultado de su investigación fotográfica y le pidió que escribiera sobre lo que había visto. A regañadientes Verger cumplió lo solicitado y, después, el universo de la investigación le encantó y no paró nunca más en sus estudios.
 
Verger nunca dejó de ser un nómada aunque encontrara su camino. La historia, las costumbres y sobre todo la religión practicada por el pueblo yoruba y sus descendientes en áfrica Occidental y en Bahía se convirtieron en los temas centrales de su investigación y de su obra. Vivió como un mensajero entre estos dos lugares al llevar informaciones, mensajes, objetos y regalos entre los dos mundos. Como colaborador y profesor visitante en varias universidades, logró reunir sus investigaciones en artículos, comunicaciones y libros. En 1960 compró una casa en el barrio de Vila América en Salvador de Bahía. Al final de los años 70 dejó de fotografiar e hizo sus últimos viajes de investigación a áfrica.
 
En sus últimos años de vida, la principal preocupación de Verger fue divulgar su investigación a la mayor cantidad de gente posible y asegurar la supervivencia de su acervo. En los años 80, la Editora Corrupio se hizo cargo de las primeras publicaciones en Brasil. En 1988, él creó la Fundación Pierre Verger (FPV), de la cual fue el donante, el mantenedor y el presidente. Así transformó su casa en un centro de investigación.




Referencias


 



Libros

domingo, 19 de octubre de 2014

Germaine Krull

Germaine Krull fue una activista política, dueña de un hotel y fotógrafa alemana (nacida el 20 de noviembre de 1897 en el distrito de Wilda, Poznań, entonces Imperio Alemán, ahora Polonia, y fallecida el 31 de julio 1985 en Wetzlar, Hesse, Alemania). Descrita como "ejemplo especialmente abierto" de un grupo de fotógrafas de principios del siglo XX que "podrían llevar una vida libre de convenciones", es mayormente conocida por sus libros ilustrados fotográficamente, como su portafolio Métal.

 

© Germaine Krull

© Germaine Krull

 

 

(¿Que porqué hago desnudos?) porque siembre son bellos y una mañana de verano eso me gustó.

 

 

 

Biografía

Germaine Luise Krull nació en la frontera entre Alemania y Polonia en Prusia Oriental, en una familia acomodada alemana. En sus primeros años, la familia se trasladó por Europa con frecuencia y ella no recibió una educación formal, estudiando en casa. Su padre, un ingeniero consumado y libre pensador la vestía de niño cuando era joven. También las opiniones de su padre sobre la justicia social la predispusieron a la participación en la política radical.

A partir de 1915 asistió a la Lehr-und Versuchsanstalt für Photographie, una escuela de fotografía de Múnich. Hacia 1918 abrió un estudio en Múnich donde hizo retratos de Kurt Eisner y otros, y donde trabó amistad con personas prominentes como Rainer Maria Rilke, Friedrich Pollock y Max Horkheimer.

Krull fue políticamente activa entre 1918 y 1921. En 1919 se pasó del Partido Socialista Independiente de Baviera al Partido Comunista de Alemania. En su vida bohemia conoció al anarquista ruso Towia Axelrod, con quien se casó en 1919. El asesinato de Kurt Eisner, secretario del Partido Independiente Democrático Social de Alemania (USPD), generó una feroz represión. Arrestada y condenada a muerte, Krull escapó en in extremis a su ejecución y huyó a Berlín. Luego  viajó a Rusia con su amante Samuel Levit. Después Levit la abandonó en 1921, y fue encarcelada por anti bolchevique y expulsada de Rusia.

Se juntó con el cineasta Joris Ivens con quien se trasladó a Holanda. Experimentó fotografía arquitectónica y colaboró con las revistas i-10 y Filmliga.

En 1925, dejó todo para instalarse en París. Su enfoque objetivo en fotografía, su fascinación por la máquina y su desviación poética y gráfica, la arquitectura de metal y la industria, y la modernidad de sus temas le valió los apodos de Valkiria de hierroValkiria de la película.

La Nouvelle Revue française publicó entonces una pequeña monografía en una serie titulada Photographes nouveaux. Influenciado por László Moholy-Nagy, frecuentó a los surrealistas y se encontró con Eli Lotar y Florence Henri. Después trabajó en la nueva revista francesa VU. En 1928 era considerada uno de los mejores fotógrafos en París junto con André Kertész y Man Ray.

En 1940, con la caída de Francia ante los alemanes, Germaine se escapó a los Estados Unidos, y luego se viajó a Brazzaville, Congo, donde dirigió el departamento de propaganda de la Francia Libre. Tras su paso por Argel, acompañó al 6º Grupo de Ejércitos durante el desembarco aliado en Provenza en agosto de 1944, y al 1º Ejército Francés hasta el final de la guerra. Sus fotografías aparecen en el libro La batalla de Alsacia, con textos de Roger Vailland.

En 1946, estuvo en Indochina como corresponsal de guerra. Recorrió el sureste asiático realizando más de 2.000 fotos sobre arte budista. También llevó a cabo investigaciones sobre la fotografía en color. Llamaba a sus logros Silpagrammes.

Después de vivir en la India en un ashram, regresó a Alemania en 1955. En 1967, André Malraux, entonces ministro de Cultura y amigo de toda la vida, le dedicó una exposición en el Palais de Chaillot, en París.

Ciudadana del mundo, vivió en Alemania, Rusia, Estados Unidos, Francia, Congo, India y Tailandia.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

  • Métal, 1927
  • 100 x Paris, 1929
  • Le Valois, 1930
  • Études de nus, 1930
  • La Route-Paris-Biarritz, 1930
  • La Folle d'Itteville, texto de Georges Simenon, 1931
  • La Route-Paris-Méditerranée
  • La Bataille d'Alsace, texto de Roger Vailland
  • Bangkok. Siam City of Angels, texto de Dorothea Melchers,  1964
  • Tales from Siam, texto de Dorothea Melchers, 1966.

sábado, 18 de octubre de 2014

Rax Rinnekangas

Rax Rinnekangas es un escritor, director de cine, intérprete, compositor de jazz y fotógrafo finlandés (nacido en Rovaniemi, Laponia, el 26 de septiembre de 1954) que está considerado como uno de los artistas contemporáneos más internacionales de Finlandia. Su obra está bañada de una delicada descripción del ser humano, destacando por sus detalladas composiciones arquitectónicas y su uso artístico de la luz y el color.

 

© Rax Rinnekangas

© Rax Rinnekangas

 

Nosotros venimos de la oscuridad y vamos a la oscuridad. Entre esos dos puntos definitivos pasa la vida de la luz, el único arquitecto de cada vida humana.

 

 

 

Biografía

Reijo Rinnekangas posee una amplia y reconocida trayectoria. Ha participado en múltiples exposiciones, tanto personales como colectivas, entre las que cabe destacar su muestra individual en el Museo Reina Sofía en 2003, donde expuso Rax Rinnekangas. Spiritus Europaeus. Tradición. Un trabajo para el que viajó de 1986 a 2002 por más de veinte países del continente europeo, y en el que reúne un 41 imágenes que permiten establecer vínculos entre regiones y culturas distantes, al tiempo que revelan la heterogeneidad y complejidad de las estructuras sobre las que se genera la convivencia entre países. Utiliza la temperatura del color como código simbólico.

Otros ejemplos de exposiciones son sus últimas comparecencias en el Festival Cervantino de Guanajuato en México, y en The AIA / Center for Architecture de Nueva York en 2010, el Memorial and Museum of Sachsenhausen de Berlín (2003), La Tabacalera -Centro Internacional de Cultura Contemporánea en San Sebastián (2005) y en El Centro de La Imagen, en Ciudad de México (2007). El Museo de Bellas Artes de Santander posee de él una importante obra fotográfica, adquirida hace pocos años, titulada Last bird (2004). Como podemos ver su obra ha tenido mucha visibilidad en el norte de España y también en Madrid.

Ha realizado más de una veintena de documentales y películas a lo largo de la última década. Ha publicado asimismo numerosos libros de poemas, novelas, relatos y ensayos de arte.

Su uso de la luz está influenciado por las obras de Edward Hopper (pintura) y Andrei Tarkovsky (cine).

Por su prolífica actividad ha sido galardonado en Finlandia tanto con el Premio Nacional de Fotografía (1989) como con el Premio Nacional de Literatura (1992). Por citar algunos premios más de fotografía: el Weiling & Göös Prize, The Book of the Year y The State Prize for Photography (1989).

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Photographies, 1994
  • Hiljaisuus Biskajanlahdella, 1996
  • Spiritus Europæus, 2000
  • Auschwitz: the colours of remembrance = Auschwitz: los colores del recuerdo = Auschwitz: les couleurs du souvenir = Auschwitz: muiston värit, 2001
  • Muisti on valon toinen kieli = Memory is the other language of light,  2002
  • Finlandia, 2003
  • Terrori: kertomus, 2004
  • Zerkalo = Russian mirror = Espejo ruso = Miroir russe = Russischer Spiegel = Rysk spegel = Venäläinen peili, 2004
  • Muodonmuutos: yksinpuhelu Rainer Maria Rilkelle, 2006
  • Esa Riippa: grafiikkaa 1997–2007 = grafik 1997–2007 = graphics 1997–2007, 2007
  • Európia, 2007
  • Pitämisen ja ei-pitämisen kirja, 2007
  • Art in artists: visual artists from the fringes and old centres of Europe, 2007
  • Kadonnut juutalaispoika,  2008.
  • Fabricando ladrillos de luz para la casa de Ícaro.

viernes, 17 de octubre de 2014

Bas Princen

Bas Princen es un artista y fotógrafo holandés (nacido en 1975 en Zelanda, vive y trabaja en Rotterdam y recientemente también en Singapur) cuyo trabajo se centra en las transformaciones del paisaje urbano a través de la investigación de posibles escenarios futuros y sus resultados mediante la utilización de la fotografía.

 

Cooling plant in Dubai, 2009 © Bas Princen

Cooling plant in Dubai, 2009 © Bas Princen

Salgo a buscar fotografías en las que lo artificial y lo natural se mezclan y en las que uno es incapaz de ver si las cosas se están construyendo o destruyendo. Creo que eso es lo más interesante que se puede decir en este momento de las ciudades en las que vivimos y de los paisajes en los que habitamos (y viceversa).

 

 

 

Biografía

Bas Princen estudió Diseño industrial en la Academia de Diseño de Eindhoven y más tarde arquitectura en el Instituto Berlage de Rotterdam. Después se ha ganado una reputación por documentar las vastas estructuras y espacios que podría quizás haber ayudado a crear. Con sus fotografías de obras de construcción gigantes y artefactos humanos aparentemente absurdos describe la singularidad de las "civilizaciones" humanas.

Entre sus exposiciones más recientes se incluyen: Five Cities, Depo, Estambul 2010; Invisible frontier, AUT, Insbruck 2008; Nature as Artifice, Kroller Muller Museum, Otterloo y Aperture Foundation, Nueva York 2009; Spectacular City, Nai, Roterdam, 2006; Talking Cities, Essen 2006; Bienal de Venecia de Arquitectura 2004 y 2006; y Shrinking Cities, Archilab, Orleans 2004 y Berlín 2005.

Su trabajo ha sido incluido en numerosas exposiciones colectivas. En 2014, su nuevo trabajo fotográfico se mostrará en las principales exposiciones de la Bienal de Arquitectura de Rotterdam (Urban as Nature) y la Bienal de Arquitectura de Venecia (Fundamentos).

En 2005 fue galardonado con una residencia en Los Ángeles con la beca Mak Schindler y en abril de 2004 ganó el Premio Charlotte Kohler para jóvenes promesas y  arquitectos en los Países Bajos.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 16 de octubre de 2014

Martin Munkácsi

Martin Munkácsi fue un fotógrafo húngaro y estadounidense (nacido el 18 de mayo de 1896 en Kolozsvár cuando aún pertenecía al Reino de Hungría, llamada ahora Cluj-Napoca en Rumanía, y fallecido el 13 de julio de 1963 en Nueva York) que trabajo en Alemania entre 1928 y 1934 y posteriormente en Estados Unidos.

 

 

© Estate of Martin Munkacsi

© Estate of Martin Munkacsi

 

 

Mi truco consiste en descartar todos los trucos.

Piensa mientras disparas.

Nunca hagas posar a tus modelos. Déjales moverse naturalmente.

 

 

 

 

Biografía

Morton Mermelstein nació en Transilvania. Su padre, un pintor de casas y mago a tiempo parcial, para evitar las represiones antisemitas de la época, cambió el apellido de la familia.  Martin Munkácsi se trasladó con dieciséis años a Budapest donde trabajó inicialmente como pintor de casas y enseguida como periodista.

En 1921 comenzó a ejercer como fotógrafo especializado en deportes en la revista AzEst, en esa época la fotografía de deportes de acción sólo se podía hacer con muy buenas condiciones de luz en el exterior. Sin embargo en sus fotografías cuidaba especialmente la composición por lo que demostraba tanto habilidad artística como técnica.

Munkácsi tuvo la oportunidad que fotografiar una pelea fatal, y sus fotos afectaron el resultado del juicio del presunto asesino, dándole considerable notoriedad, lo que le permitió en 1927 trasladarse a Berlín y colaborar en el Berliner Illustrierte Zeitung donde conoció a Erich Salomon, así como en otras publicaciones como Die Dame, Koralle y UHU.

Su estilo fotográfico se aproximó a las ideas de la Nueva Objetividad por lo que utilizó composiciones fotográficas con marcados ángulos de encuadre como picados y contrapicados y el empleo de la composición en diagonal. Esta estética le proporcionó enemistades con el gobierno nazi, aunque el 21 de marzo de 1933, fotografió el fatídico Día de Potsdam, cuando el anciano presidente Paul von Hindenburg entregó Alemania a Adolf Hitler. En este encargo para el Berliner Zeitung Illustrirte, fotografió el círculo íntimo de Hitler, a pesar de que era extranjero y judío.

En 1934 los nazis nacionalizaron su periódico, pero el destino quiso que la revista Harper's Bazaar le encargara un trabajo de fotografía de moda con el que obtuvo gran éxito por lo que trasladó su domicilio a Nueva York, donde alcanzó gran éxito tanto en la fotografía de modas como en el retrato; entre los artistas que retrató se encuentran Katharine Hepburn, Leslie Howard, Jean Harlow, Joan Crawford, Jane Russell, Louis Armstrong y Fred Astaire.

En 1943 sufrió un ataque al corazón que le iría poco a poco haciendo abandonar la fotografía. Continúo escribiendo y realizó algunos cuadros. Hacia 1950, Munkacsi trabajó en numerosas campañas publicitarias, así como en una serie de desnudos. Igualmente, escribió guiones para películas, dirigiendo una de ellas. Sin embargo, su gran proyecto The Fabulous World of Munkacsi, una retrospectiva de sus fotografías, no consiguió verlo completado antes de su muerte en 1963 tras otro infarto cardíaco.

Su trabajo fue reconocido como inspirador para fotógrafos tan renombrados como Richard Avedon y Henri Cartier-Bresson. De ser el fotógrafo mejor pagado, pasó a morir en la pobreza y en la controversia. Varias universidades y museos se negaron a aceptar sus archivos, y se han dispersado por todo el mundo, siendo las mayores colecciones de su trabajo las de Ullstein Archives en Berlín y  F. C. Gundlach en Hamburgo.

En 2007 el Centro internacional de Fotografía (ICP) organizó una exposición retrospectiva con el título Think while you shot! (¡Piensa mientras disparas!) que recogía una muestra de 125 fotografías publicadas en revistas. En 2009, la Howard Greenberg Gallery de Nueva York realizó una exposición conjunta de fotografías de Edward Steichen y Munkácsi.

 

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Martin Munkacsi: An Aperture Monograph, 1992.
  • Martin Munkacsi, 2007.

miércoles, 15 de octubre de 2014

Klaus Kammerichs

Klaus Kammerichs es un escultor y fotógrafo alemán (nacido en Iserlohn en 1933, vive en Colonia y Demerath, un pequeño pueblo) considerado uno de los artistas contemporáneos más interesantes, que juega con la fotografía (2D) y la escultura (3D) construyendo una a través de la otra.

 

© Klaus Kammerichs

© Klaus Kammerichs

 

 

 

Biografía

Klaus Kammerichs es hijo de compositor y apasionado fotógrafo aficionado, que después de haber estudiado fotografía trabajó como fotógrafo profesional (en periodismo, fotografía industrial y de publicidad).

En 1950 su deseo de conocimiento de primera mano del arte moderno le llevó a ir en bicicleta a París. En 1953 asistió al taller Subjective Photography de Otto Steinert en Saarbrücken, comenzando a lograr sus primeros éxitos con sus propias obras creativas, especialmente retratos tomados durante sus viajes a Francia y España. En 1954 realizó su primera participación en la famosa Photokina, fundada por L. Fritz Gruber.

Siguió estudiando bellas artes con Otto Coester y Otto Pankok en la Academia de Arte de Düsseldorf, siendo en 1959 el descubrimiento del mes en la revista Modern Photography de Nueva York.

En 1968 realizó su primera foto-escultura, realizada con de bloques de poliestileno, a la que siguieron su primera exposición individual en la Galería Niepel, Düsseldorf, y en 1974su  primera escultura de cuatro dimensiones, una interpretación simbólica cinética de espacio, tiempo y movimiento.

En 1973 comenzó su trabajo como profesor en la Fachhochschule Düsseldorf y a partir de 1985 comenzaron exposiciones individuales en Polonia, Japón y EE.UU, las instalaciones monumentales al aire libre de sus esculturas en Gifu (Japón), Düsseldorf, Múnich, Bad Segeberg, Leinfelden y Bonn, entre ellas la famosa escultura Beethon de Beethoven en Bonn.

Beethon fue creado como una contribución a la exposición El mito de Beethoven para el Festival de Beethoven en 1986. La escultura tenía que estar delante de la sala de conciertos como préstamo del artista hasta el festival del año 2000,  pero a finales de 1990 el consejo municipal decidió adquirirla. Kammerichs tardó cinco meses en terminar la escultura, construyendo los moldes de fundición de espuma de poliestireno (con la ayuda de una sierra especial, que tenía un tamaño de cuatro metros) en su estudio en Düsseldorf. Estos moldes se juntaron en Bonn y luego se rellenaron con hormigón armado.

En 1994 obtuvo el premio  David Octavius Hill de la Deutsche Akademie Fotografisches, se casó con la escritora Eva Weissweiler y realizó varios videos experimentales y películas documentales para la televisión alemana.

 

 

 

Referencias