viernes, 4 de septiembre de 2015

Jordi Guillumet

Jordi Guillumet es un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona, 1953), miembro del movimiento que revitalizó la escena fotográfica en los años 80, y que participó en el grupo impulsor de la Primavera Fotogràfica en Barcelona.

 

 

© Jordi Guillumet

© Jordi Guillumet

 

Biografía

Jordi Guillumet estudió Diseño Industrial en la Escuela de Diseño Elisava de Barcelona, que compaginó con la práctica de la escenografía. Posteriormente se licenció en Fotografia en la Facultat de Belles Arts de la Universidad de Barcelona y desde 1982 enseña fotografía en esta facultad, siendo el responsable del laboratorio de fotografía de la misma..

Su obra va desde el documentalismo poético de sus inicios, pasando por elaboradas puestas en escena, hasta montajes que incorporan otras disciplinas, apostando siempre por la experimentación y la reflexión sobre el propio medio. Utiliza fotografía en blanco y negro, procedimientos fotográficos del XIX, como la goma bicromatada y la cianotipia, cámaras construidas por él e instalaciones con complejos dispositivos técnicos.

Es autor del proyecto La càmera gegant (1984), con una cámara esteniopeica de formato 100x150 cm, en el que invitó a participar a artistas de distintos campos. En Toulouse en Caméra Obscura fotografía la ciudad usando un camión transformado en cámara.

Desde 1995 trabaja conjuntamente con la fotógrafa Mònica Roselló, en diversos proyectos. De esta colaboración destacan las instalaciones: L’Armari de l’Arquitecte, presentada en los Rencontres photographiques d’Arles de 1996, en la que se construye la imagen de una ciudad a partir de los objetos personales aportados por veinte arquitectos; Objecte d’Observació (1998) donde se invierte el rol del espectador, que es observado por actores de cine; Tabula rasa (2000), una reflexión sobre los mecanismos de la memoria a partir de un dispositivo fosforescente que retiene temporalmente la luz.

Ha realizado las exposiciones individuales Musa/Museu, en La Virreina Centre de la Imatge de Barcelona en 1992, Toulousse en càmera obscura en Toulouse en 1992, Objecte d’observaciò en el Tadeimuseo en Jyvaskila, Finlandia, en 1998 y Tabula rasa en la Sala Metrònom de Barcelona en 2000.

Su obra se encuentra en colecciones como el Centre Pompidou, Maison Europeénne de la Photographie, Centro de Arte Reina Sofía, MNAC, Ivam, Centro Cultural Arte Contemporáneo de México, Biblioteca Nacional de Francia, la fundación Miró, Jyväskylä Museum  y el Instituto Valenciano de Arte Moderno, entre otros.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

jueves, 3 de septiembre de 2015

Beth Moon

Beth Moon es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1955 en Neenah, Wisconsin, vive y trabaja en San Francisco) que se ha ganado el reconocimiento internacional por su fotografía de árboles a gran tamaño impresas al platino.

 

 

© Beth Moon

© Beth Moon

 

Se yerguen como los monumentos vivientes más grandes y antiguos del mundo, y creo que estos árboles tan simbólicos tendrán más importancia, sobre todo cuando nos concentremos en encontrar mejores maneras de convivir con el medio ambiente.

 

 

 

Biografía

Beth Moon estudió Bellas Artes en la Universidad de Wisconsin antes de mudarse a Inglaterra, donde experimentó con procesos fotográficos alternativos y aprendió a hacer impresiones de platino. Ha pasado los últimos 14 años buscando algunos de los más grandes, raros y antiguos árboles de la Tierra para capturarlos con su cámara. Realiza sus copias con el proceso de platino/paladio, una práctica laboriosa y poco frecuente que consigue una tremenda gama tonal y una duración con calidad de las copias que rivaliza con la longevidad de los árboles que inmortaliza.

Una colección de 60 fotografías de árboles en duotono se ha recogido en el libro titulado Ancient Trees: Portraits of Time. Las especies retratadas incluyen a desde enmarañados tejos a baobabs de Madagascar, pasando por los dragones de sangre de la isla de Socotra, en Yemen.

Desde 1999 su obra ha formado parte de más de sesenta exposiciones individuales y colectivas en Estados Unidos, Italia, Inglaterra, Francia, Israel, Brasil, Dubái, Singapur y Canadá. También forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas, como el Museum of Fine Arts de Houston, Museum of Photographic Arts de San Diego y el Fox Talbot Museum de Wiltshire, Inglaterra. Sus fotografías han sido publicadas en diversos medios impresos de gran prestigio internacional como The Wall Street Journal, The Huffington Post, The Guardian y The independent.

Moon trabaja en una nueva serie de árboles fotografiados en color bajo la luz de las estrellas llamado Diamond Nights.

 

 

Referencias

 

 

Libros

miércoles, 2 de septiembre de 2015

Wang Qingsong

Wang Qingsong es un pintor y fotógrafo chino (nacido en 1966 en Daqing, Heilongjiang, vive y trabaja en Pekín) que ha visto a su nación transformarse de una sociedad insular y rural a un motor dinamo comprometida a nivel mundial. Su arte ha evolucionado con la misma rapidez, desde la pintura Gaudy (una variación china del Pop) a fotografías gigantes con una puesta en escena como de los estudios de cine y videos cortos, basados en perfomances.

 

 

WangQingsong

History of Monuments © Wang Qingsong

Es un detalle. Para ver el original de 42 m de ancho pulsar aquí.

 

Para mí, los dramáticos cambios en China la han transformado en un enorme patio de recreo o de construcción. Cada vez que voy a la ciudad me siento sofocado por la contaminación, las contradicciones sociales, y así continuamente. Todos estos factores contribuyen al hecho de que los artistas no puedan simplemente hacer arte por el arte. Yo creo que sería absurdo para un artista ignorar lo que está pasando en la sociedad.

 

 

 

Biografía

Wang Qingsong estudió de 1991 a 93 en el Oil Painting Department de la Sichuan Academy of Fine Arts en Sichuan. Desde 1993 vive y trabaja en Pekín.

Para crear sus enormes imágenes, Wang escenifica escenas elaboradas en grandes espacios, con la participación de decenas de modelos y accesorios meticulosamente colocados combinados en conexiones imposibles. A partir de sangrientas escenas de hospital, en anfiteatros para burlarse de las reuniones de la ONU, bajo un esmalte de niebla, … sus fotografías son surrealistas y obsesivas, haciendo referencia al creciente apetito de materias primas de China y al rápidamente cambiante panorama económico, todo en una sola imagen.

En verano de 2009, durante quince días, con unos 200 modelos y 15 rollos de diapositivas 8x10 realizó un foto-mural de 1,25 x 42 metros, que se imprimió en un rollo completo de papel Kodak, creando la fotografía History of Monuments.

A menudo se pone él mismo en la imagen, mirando hacia atrás, a veces como un voyeur o testigo observando una situación política o social, a veces como un soldado que lucha contra la influencia de la cultura occidental. Su obra utiliza la sátira para resaltar y exagerar estas cuestiones para que el público pueda cuestionar y responder.

Utiliza cámaras de cine de gran formato para hacer sus imágenes fotográficas, que se imprimen a partir de los negativos escaneados. Así puede crear imágenes detalladas de alta calidad que se pueden imprimir a gran escala.

Todos sus trabajos muestran los recientes cambios en la cultura china: la proliferación de McDonalds, ciudades superpobladas, incluso una escena artística floreciente, desde una postura irónica que no necesita traducción.

Su obra ha sido mostrada en la Bienal de Venecia de 2013 como parte del Pabellón de China de la feria. Y también en la Bienal de Estambul.

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 1 de septiembre de 2015

Nikki S. Lee

Nikki S. Lee es una artista coreana (nacida en Kye-Chang, Corea del Sur en 1970, vive y trabaja en Seul) que investiga nociones de identidad a través del medio de la fotografía y el cine. 

 

© Nikki S. Lee

© Nikki S. Lee

 

Mi vida y mi obra no están separadas. Es sólo que tengo más roles que otras personas. Y tengo fotografías.

El proceso de crear arte no importa tanto como la conceptualización. Creo que lo importante es discutir la historia dentro del arte.

 

 

Biografía

Lee Seung-Hee soñaba con una carrera como actriz de cine, antes de decidir que el cine en sí era una vocación artística más práctica y alcanzable que la de actriz. Sus padres le desanimaron a entrar en la escuela de cine, pero aprobaron su interés por la fotografía. Estudió en la Universidad de Chung-Ang en Seul (1993) y luego realizó un master en fotografía en la New York University (1998).

En Nueva York, seleccionó su nombre americano, Nikki S. Lee. Trabajó como asistente de fotógrafo de moda David LaChapelle, mientras estudiaba moda y fotografía comercial. En 1999, dejó la fotografía comercial con el fin de perseguir su propia obra de arte. Su trabajo alcanzó rápidamente el éxito después de su primera exposición en Nueva York.

Lee es conocida por sus series Projects (1997-2001), en la que protagoniza códigos y signos visuales de sub-culturas americanas específicas, incluyendo yuppies, bailarines de swing, dragqueens, fans del hip hop y la tercera edad. Con una cámara muy sencilla y manual, que cede a un miembro del grupo o a un transeúnte, grababa su transformación e interacciones con el grupo. Lee cree que sus proyectos son extensiones de sí misma.

Las principales series de Projects son The Punk Project (1997), The Hispanic Project (1998), The Yuppie Project (1998), The Seniors Projects (1999), The Hip Hop Project (2001), The Exotic Dancers Project (2000), The Swingers Project (1998-99) y The Skateboarders Projects (2000).

Más recientemente, ella creó su serie de Parts (2002-2005), en la que explora el impacto de las relaciones de identidad. Aparece en instantáneas aparentemente sinceras, en las que el miembro masculino de una relación fallida ha sido extirpado.

Su película de 2006 A.K.A. Nikki S. Lee rechaza el enfoque convencional de documental y ficción narrativa como géneros mutuamente excluyentes. En ella Nikki dirigió la película y retrató a dos personajes, ambos de los cuales eran versiones artificiales de ella misma.

En Layers (2007) realiza un ejercicio de performance donde solicita ser retratada por algún artista callejero en diferentes ciudades del mundo para luego superponer tres de los dibujos y hacerles una fotografía.

Lee ha expuesto en numerosas ocasiones en los Estados Unidos y en otros países, como en el GAK de Bremen en Alemania, Kemper Museum of Contemporary Art en Kansas City, The Cleveland Museum of Art, The Institute of Contemporary Art de Boston, Yerba Buena Center for the Arts en San Francisco y en el Museum of Contemporary Photography de Chicago.

Su obra forma parte de colecciones de importantes museos como el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Museum of Contemporary Art de Los Angeles, Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, Los Angeles County Museum of Art; The Hammer Museum en UCLA en Los Angeles, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden en Washington, D.C y el San Francisco Museum of Modern Art.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

lunes, 31 de agosto de 2015

Ciuco Gutiérrez

Ciuco Gutiérrez es un fotógrafo español (nacido en Torrelavega, Cantabria, en 1956, vive en Madrid) cuyo trabajo ha girado en torno al paisaje escenificado y el bodegón, con una gran carga onírica que forma parte de un imaginario emocional e íntimo con el que ha ido estructurando un lenguaje expresivo propio. Sus obras tienen un gran componente narrativo basado en un juego semántico  alrededor de la paradoja y la metáfora.

 

© Ciuco Gutiérrez

© Ciuco Gutiérrez

 

Biografía

Ciuco Gutiérrez hizo sus primeras imágenes con 13 años y desde entonces siempre tuvo claro que quería hacer fotos el resto de su vida. En 1983 tenían ya un marcado acento personal, irrumpiendo en el ámbito fotográfico de Madrid con unas imágenes atípicas para el momento, que tenían un lenguaje sintético y muy visual basado el color agresivo y la ironía . Entonces sus composiciones no dejaron indiferente a nadie: o eran despreciadas o levantaban pasiones.

Tres años después hizo su primera exposición individual en la Galería Moriarty de Madrid y desde entonces no ha parado de exponer tanto en España como el extranjero. Ha sido uno de los primeros fotógrafos, junto a Ouka Leele, Alberto García Alix, Javier Vallhonrat y Joan Fontcuberta que abrió las galerías de arte generalistas a la fotografía y expuso su obra en ARCO.

Desde entonces ha realizado cerca de un centenar de exposiciones individuales, tanto en España como en el extranjero. Su obra está representada en importantes colecciones, tanto privadas como públicas, destacando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Fundación La Caixa de Barcelona, la Fundación Banesto de Madrid y la Colección Norte de Arte Contemporáneo del Gobierno de Cantabria entre otras.

Ciuco Gutiérrez es el fotógrafo español que mejor representa el movimiento kitsch. Desde su mítica fotografía de la Cibeles entrando en Nueva York, Ciuco ha desplegado un amplio abanico, pasando  del pop al surrealismo. Constructor de realidades paralelas a partir de objetos cotidianos, su obra es una parodia de los géneros pictóricos a través de una imaginería muy cercana a la del cómic. El trabajo de estudio y los pequeños muñecos de plástico son fundamentales en una obra que con su visión irónica desmitifica muchos de los cánones de la cultura occidental

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

 

Video

domingo, 30 de agosto de 2015

Luís Izquierdo-Mosso

Luís Izquierdo-Mosso es un artista multimedia y fotógrafo vasco (nacido en Sestao en 1954) en cuya obra fotográfica existe la constante de la secuencia de imágenes en las que aparentemente no sucede nada.

 

© Luís Izquierdo-Mosso

© Luís Izquierdo-Mosso

 

 

Biografía

Luís Izquierdo-Mosso se licenció en Filosofía por la Universidad de Deusto, comenzando con exposiciones de pintura y obra sobre papel en 1977, pasando después a usar la fotografía y todo tipo de técnicas graficas de producción de imágenes. Su profesión, sin embargo, es la enseñanza y sigue impartiendo clases en un instituto de Girona.

Ha realizado exposiciones individuales en Bilbao, Madrid, Valencia, Gerona, Figueres, y numerosas colectivas.

Publica textos en revistas dedicadas al arte como Lápiz, Papers d’art, Transversal, Zehar. Colabora con la radio pública vasca como comentarista de arte. En 2001 dirige el cursillo El agujero digital (sobre estética fotográfica) en el centro de arte Bilbaoarte (Bilbao). En 2004 comisaría la exposición Dalimitar para el Museu de l’Empordà de Figueres y el Museu Jaume Morera de Lleida.

Su obra forma parte de colecciones públicas como Artium (Vitoria), Círculo de Bellas Artes (Madrid) Museu de l’Empordà (Figueres) y Museo de Bellas Artes (Bilbao).

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 29 de agosto de 2015

Cristina Martín Lara

Cristina Martín Lara es una fotógrafa española (nacida en 1972 en Málaga, vive en Berlín) cuyas fotografías tratan de provocar respuestas emocionales ante el medio en el que vivimos.

 

© Cristina Martín Lara

© Cristina Martín Lara

 

Hablo de soledades, de pérdidas, de desorientación, de lo que podría ser y no es.

Biografía

Cristina Martín Lara estudió medicina en la Universidad de Málaga, y luego Bellas Artes en la Universidad Alonso Cano de Granada, graduándose en 1992. Utiliza, además de la fotografía, el video y la instalación.

Es una artista reconocida en Andalucía, después de haber participado en numerosas exposiciones en solitario y en grupo. Su reciente serie Landpartie pone a prueba nuestras respuestas emocionales al medio en el que vivimos.

En su anterior serie Si yo supiera a qué se debe… nos presenta un conjunto de fotografías que funcionan individualmente o en grupo y que ofrecen la inquietante visión de unos personajes de espaldas, envueltos en impermeables y que avanzan hacia el horizonte indefinido de un lago. El aislamiento de la humanidad, la soledad, el vacío, la inconsciencia de la incertidumbre, la desesperanza o la incomunicación son algunos de los conceptos que subyacen en las imágenes de esta artista que siempre deja abierta una puerta para que el propio espectador escoja su realidad de las infinitas lecturas posibles.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • 2010. Soy sombra de cosa soñada.
  • 2000. Onirogramas: relatos de sueños.