jueves, 30 de octubre de 2014

Marcos Zimmerman

Marcos Zimmerman es un fotógrafo argentino (nacido en Buenos Aires en 1950) dedicado a explorar la identidad de su país a través de una fotografía directa.

 

© Marcos Zimmerman

© Marcos Zimmerman

 

Mi trabajo es el fruto de miles de kilómetros recorridos por el territorio argentino, con el único objetivo de mostrar algunos rasgos de una identidad nacional, a veces difusa o a veces perdida.
Quiero destacar estas presencias, que viven en cientos de rincones del país, que constituyen nuestra esencia y que permanecen para siempre en el corazón de quien alguna vez las vio.

 

 

 

Biografía

Marcos Zimmermann cursó estudios de cine en el Centro Experimental del Instituto Nacional de Cinematografía de Buenos Aires y más tarde trabajó como fotógrafo de cine en películas argentinas y extranjeras como: Quebracho, La Raulito, Camila, Miss Mary y otras.

Vivió en Roma tres años, donde trabajó como fotógrafo freelance. En esos años fue invitado por Robert Delpire a Paris, a exponer su trabajo en una muestra junto a Henry Cartier-Bresson, Robert Doisneau, Robert Frank y Joseph Koudelka.

Desde 1989 trabajó en la realización de libros fotográficos. En 1995 recibió el Premio Pirámide de Oro al Mejor Trabajo Fotográfico y en 1996 el Primer Premio al Mejor Libro de Arte Argentino, otorgado por la Feria del Libro de Buenos Aires; también, el Premio Leonardo del MNBA y el premio diploma al mérito Konex 2012. Escribe en las revistas Radar y Ñ.

Sus fotografías han sido adquiridas por Manuel Alvarez Bravo para la colección de la Fundación Televisa de México, por John Szarkowski para la colección Paine Webber Group de Nueva York,  por Anne Tucker para el Houston Museum of Fine Arts, por Spencer Throckmorton Fine Art Gallery, por el Bank of America para su colección de arte, por la Biblioteca Nacional de Paris y por numerosos coleccionistas privados. Ha realizado más de treinta muestras en Argentina, Brasil, Chile, Roma, Paris y Tokio, como la exposición comisariada por el gran maestro japonés Eikoh Hosoe que se realizó en la Shadai Gallery de Tokio, en 2004.

También, desde 1999, su obra pasó a formar parte del patrimonio del Museo Nacional de Bellas Artes y del Museo de Arte Moderno de la ciudad de Buenos Aires.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Patagonia, un lugar en el viento 1991
  • Río de la Plata, río de los sueños 1994
  • Siderca, 40 años 1994
  • Norte Argentino, la tierra y la sangre 1984
  • Argentina, Naturaleza para el futuro 2001
  • Patagonia, la última frontera 2004
  • Bajo las estrellas, imágenes del interior de la Argentina 2004
  • Plantas autóctonas de Argentina 2005
  • Ruta 40 2007
  • Argentina, el paisaje 2008
  • Un perro en el paraíso 2008
  • Desnudos Sudamericanos 2009.

miércoles, 29 de octubre de 2014

Allan Sekula

Allan Sekula fue un artista, fotógrafo, escritor, cineasta, teórico y crítico estadounidense de origen polaco (nacido en Erie, Pennsylvania, el 15 de enero de 1951 y fallecido el 10 de agosto de 2013 en Los Angeles) cuyo trabajo se centraba frecuentemente en los grandes sistemas económicos, en "las geografías imaginarias y materiales del mundo capitalista avanzado".

 

 

© The State of Allan Sekula

© The State of Allan Sekula

 

 

 

¿Cómo producimos un arte que fomente el diálogo en lugar de afirmaciones acríticas y pseudopolíticas?

Este peculiar esteticismo es sintomático de las obsesiones de la sociedad: por un lado controlar el crimen de los de abajo y, por el otro, disculpar la corrupción de los de arriba.

Me gusta pensar que estoy trabajando en los márgenes de la definición oficial sobre el artista. En el contexto de la modernidad, ser un artista siempre ha tenido una relación creativa y destructiva con los límites y las categorías.

 

 

 

Biografía

Allan Sekula  creció en San Pedro, California, y comenzó a hacer arte en la década de los 70, realizando perfomances e instalaciones, y produciendo series de fotografías. Practicó lo que él llamó realismo crítico, conformado por el pensamiento marxista, la fotografía documental y el arte conceptual.

Su principal medio artístico fue la fotografía, que empleó para crear exposiciones, libros y películas. Su medio secundario era la palabra escrita, el empleo de ensayos y otros textos críticos en concierto con imágenes para crear una crítica de varios niveles del capitalismo tardío contemporáneo. Sus obras hacen aportes críticos sobre cuestiones de la realidad y la globalización social y se centran en lo que describió como "las geografías imaginarias y materiales del mundo capitalista avanzado".

También utilizó el cine y el video como medio de expresión, con frecuencia en colaboración con el teórico Noël Burch en proyectos como The Reagan Tapes (1984) y The Forgotten Space (2010), premiado en el Venice International Film Festival. También realizó A Short Film for Laos en 2006.

Obtuvo las becas Guggenheim Foundation, National Endowment for the Arts, Getty Research Institute, Deutsche Akademischer Austauschdienst (DAAD) y Atelier Calder. Con su trabajo Aereospace Folktales (1973) comenzó a mezclar sus series fotográficas con largos textos, una forma por la cual sería particularmente conocido. Fish Story (1995) explora el mundo marítimo dial y constituye la base de gran parte de The Forgotten Space

Fue nombrado USA Broad Fellow en 2007 y consiguió 50.000 dólares de United States Artists. Formó parte del cuerpo docente del Programa de Fotografía y Medios de Comunicación en el Instituto de las Artes en Valencia, California.

Entre otras muchas exposiciones podemos citar Sao Paulo Biennial (2010), La Virreina, Centre de la Imatge, Barcelona (2011, 2010), Taipei Biennial (2010), Mukha Anvers (2010), Documenta Kassel (2007, 2002), Centre Pompidou (2006, 1996), Whitney Museum (2006, 2002, 1993, 1976), Generali Foundation, Viena (2010, 2007, 2006, 2003), MACBA, Barcelona(2004, 2001, 2012), Winterthur Foto Museum (2001), Foto Institute Rotterdam (2001, 1997).

Por encargo del magazine de La Vanguardia realizó en 2002 la serie Black Tide- Marea Negra sobre el desastre del Prestige en la costa gallega y la respuesta ecológica y solidaria de la ciudadanía frente al abandono que el accidente sufrió por parte del gobierno del Partido Popular entonces en el poder.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

martes, 28 de octubre de 2014

Barbara Probst

Barbara Probst es una artista y fotógrafa alemana ( nacida en Múnich en 1964, vive y trabaja en Nueva York y Múnich) que fotografía desde múltiples puntos de vista, capturado imágenes separadas del mismo asunto, mediante el empleo de hasta doce cámaras y trípodes, realizadas simultáneamente con un solo disparador controlado por radio.

 

 

© Barbara Probst

© Barbara Probst

 

 

Biografía

Barbara Probst realiza series cuyas imágenes presentan diferentes vistas del mismo lugar o evento en un mismo momento, con lo que hace que sus espectadores experimenten un cambio en el tiempo, mientras que reconsiderar su presencia en el espacio físico.

Las imágenes de las series indican que un momento particular no sólo existe en el tiempo, sino que también tiene una dimensión espacial. También desafía la presunción de la fotografía como representación veraz por los múltiples encuadres de un mismo asunto, y además plantea preguntas sobre nuestra percepción del mundo que nos rodea.

Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales, de las que podemos citar las de FRAC Bretaña en Bignan, Francia, Madison Museum of Contemporary Art, Madison, Wisconsin,  y el Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago.

Su trabajo fue presentado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), en la exposición de 2006 New Photography y forma parte de la colección de este museo.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Barbara Probst,  (Hatje Cantz) 2013
  • Barbara Probst: Exposures 2007
  • Barbara Probst, 2002
  • Welcome, 1998
  • Through The Looking Glass, 1998
  • Barbara Probst, 1998
  • InExpectation, 1998
  • My Museum, 1994.

lunes, 27 de octubre de 2014

Georges Rousse

Georges Rousse es un artista plástico y fotógrafo francés (nacido el 28 de julio de 1947 en París, donde vive y trabaja) cuya obra trata fundamentalmente de nuestra relación con el espacio y el tiempo, conceptos transmitidos por su medio creativo: la fotografía. Su materia principal es el espacio; la segunda es la fotografía.

 

© Georges Rousse

© Georges Rousse

Es [la fotografía] un lugar sublime. Elimina los elementos más desagradables: los malos olores, la miseria, las ratas pululando. Cuenta con un espacio que es, finalmente, una seducción total. Una seducción que la instalación también tiende a aumentar. Así mi fotografía trata de dar lo mejor de la arquitectura en algún momento. Y todo lo que trata de la vida real y humana diaria desaparece.

 

 

 

Biografía

Georges Rousse tuvo de regalo de Navidad con 9 años una legendaria Brownie Flash de Kodak y ya no dejó la fotografía. Mientras estudiaba medicina en Niza, decidió aprender con un profesional  técnicas para la toma y el positivado y luego crear su propio estudio de fotografía de arquitectura. Pero pronto su pasión lo llevó a dedicarse a una práctica artística de este medio siguiendo los pasos de los grandes maestros americanos: Edward Steichen, Alfred Stieglitz y Ansel Adams.

Con el descubrimiento del Land Art y del Carré noir sur fond blanc de Malevich decidió intervenir en el campo fotográfico estableciendo una relación inédita del espacio con la pintura. Trabaja en lugares abandonados que él transforma  en espacio pictórico y construye una obra efímera sólo visible bajo el ojo de la cámara y a la que la fotografía vuelve única. Para dibujar en el espacio utiliza la anamorfosis, la técnica de deformación inventada por Piero della Francesca en su investigación sobre la perspectiva espacial.

Para permitir a los espectadores compartir su experiencia personal con el espacio, desde principios de los años 80, sus imágenes se muestran en gran formato, normalmente 160x125 cm. Hasta 2000 eran Cibachrome y desde entonces son obras digitales Lambda, sobre aluminio Dibond y algunas veces Diasec

Desde su primera exposición en París, en la Galerie de France en 1981, Georges Rousse ha expuesto en Europa, Asia (Japón, Corea, China, Nepal), Estados Unidos, Quebec y América Latina ..., continuando su trayectoria artística más allá de los modas temporales.

Ha participado también en numerosas bienales como las de París, Venecia y Sídney. Y ha obtenido   prestigiosos premios y becas como:

  • 1983 Villa Medici "extramuros" en Nueva York,
  • 1985 -1987: Villa Medici, Roma
  • 1988 Precio ICP (International Center of Photography), Nueva York
  • 1989 Premio de Dibujo Salón de Montrouge
  • 1992 Bourse Romain Rolland en Calcuta
  • 1993 Grand Prix National de la Photographie (Francia)
  • 2008 Miembro Asociado de la Academia Real de Bélgica.

Está representado por varias galerías de Europa y sus obras forman parte de importantes colecciones.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 26 de octubre de 2014

Ricarda Roggan

Ricarda Roggan es una fotógrafa alemana (nacida en 1972 en Dresde, vive y trabaja en Leipzig) que, con sus intensas, duras y sofisticadas imágenes de naturaleza muerta, trasciende el documental para investigar las conexiones entre la memoria y las construcciones espaciales. Su  trabajo ha evolucionado para incluir procesos artísticos e interacciones con el medio ambiente que retrata.

 

 

© Ricarda Roggan

© Ricarda Roggan

Mis fotografías no pretenden contar historias. Yo sólo quiero hacer fotos.

 

 

 

Biografía

Ricarda Roggan estudió en la Hochschule für Grafik und Buchkunst  de Leipzig, y después estudió fotografía con el profesor Timm Rautert, con el que también realizó un master. También estudió en el Royal College of Art de Londres.

Su obra más característica son viejas mesas y sillas en salas aisladas de la antigua Alemania Orienta, habitaciones abandonadas o claustrofóbicos áticos, que prepara cuidadosamente e incluso renueva. Sus imágenes no cuentan historias, sino que son indicativas de las múltiples historias que rodean el colapso de la antigua RDA, donde los objetos y arquitecturas viven en esculturas conmemorativas como objetos obsoletos tras el fracaso del sistema político.

Roggan realiza sus crudas y conceptuales series con una cámara de gran formato, lo que permite que cada detalle sea siempre visible, aunque esta precisión extrema no dé más información sobre lo fotografiado.

Como ejemplo, en la serie Garage (2008) muestra imágenes frontales de restos de automóviles. Estos coches nunca obtendrán una nueva vida, pero se dejan ver como víctimas antropomorfizadas de eventos desconocidos, llenos de rasgos humanos y emociones que transmiten una atmósfera inquietante de muerte, trauma y posibilidades.

Schacht (2006) es una serie de 9 fotografías de claustrofóbicas habitaciones de ladrillo vacías que casi podrían pasar por cubos blancos, pero que en realidad son habitaciones de ventilación en una planta de algodón hilado en desuso en el este de Alemania.

Set/Reset tiene su origen en un viaje a Chipre donde encontró algunas máquinas de juegos de arcade cubiertas de polvo en un bar incendiado.

Desde 2007 ha comenzado a trabajar al aire libre para tornar su trabajo hacia el género del paisaje pero con su propio estilo. En la serie Sedimente fotografió formaciones de rocas, restos de canteras artificiales, que muestran al espectador espacios duros casi abstractos. En Baumstücke, es la propia artista la que deja sus huellas en la naturaleza y prepara la imagen con su perfeccionismo habitual.

Ha realizado numerosas exposiciones en solitario y en grupo, ha obtenido diversos premios y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 25 de octubre de 2014

Olivier Richon

Olivier Richon es un fotógrafo suizo (nacido en 1956 en Lausanne, vive en Londres) cuya obra es principalmente conocida por composiciones de naturalezas muertas que incluyen cortinas de tela.

 

 

© Olivier Richon

© Olivier Richon

Biografía

Olivier Richon estudió en el Polytechnic of Central London. En la actualidad es profesor de fotografía en la Escuela de Bellas Artes en el Royal College of Art.

Su obra se centra principalmente en bodegones (aunque en algunos aparezcan animales vivos su composición sigue siendo de naturalezas muertas)  con una clara inspiración pictórica, aunque algunos destilen humor y surrealismo. También, crea representaciones alegóricas de animales, utilizando las convenciones del retrato, la iluminación del claroscuro y una comprensión de la perspectiva que rivaliza con pintores de bodegón como Jean-Baptiste-Siméon Chardin. Inmersa en la conciencia de la historia del arte, su obra revela las capas, matices y significados ocultos que se esconden bajo los medios propios de la fotografía.

En 1991 obtuvo el premio Camera Austria por su fotografía contemporánea. Su obra ha sido expuesta internacionalmente desde 1980 y se encuentra en numerosas colecciones públicas, incluyendo las del Victoria & Albert Museum de Londres, Musée d'art moderne de la Ville de París, Museo Folkwang de Essen, el Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto, Brooklyn Museum en Nueva York y National Gallery of New South Wales, Australia.

En la actualidad, ha publicado un libro con Karen Knorr, con fotografías de los punks londinenses de 1977. Ambos autores llegaron a Londres en 1976, se encontraron en la Polytechnic of Central London (ahora Universidad de Westminster) y se fascinaron con el punk, una de las subculturas florecientes de la ciudad en aquella época. Expuestas en la Photographers 'Gallery en 1978, estas fotografías se han publicado en 2014 en el libro Punks.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 24 de octubre de 2014

Heinz Kluetmeier

Heinz Kluetmeier es un fotógrafo deportivo estadounidense de origen alemán (nacido en 1943 en Berlín) que ha cubierto todos los Juegos Olímpicos menos uno para la revista para la revista Sports Illustrated desde los juegos de 1972 en Múnich, y tiene más de 125 portadas de la revista.

 

© Heinz Kluetmeier

© Heinz Kluetmeier

 

Lo que hay que recordar acerca de los deportes es que las más de las veces, la reacción emocional de ganar o perder es una imagen mucho más significativa que el touchdown que se anotó. Es la reacción emocional que todos pueden relacionar en su propia vida. Porque en definitiva, eso es lo que trata la vida.

 

 

 

Biografía

Heinz Kluetmeier nació en Berlín, Alemania, y creció en Bremen, y en 1952, con nueve años, se trasladó con su familia a Milwaukee, Wisconsin. Estudió en la Custer High School en Milwaukee, donde fue un nadador del equipo universitario y capitán del equipo de tenis. Con 15 años, Kluetmeier ya trabajaba como fotógrafo independiente para The Associated Press, y cubrió los Green Bay Packers y la campaña presidencial de 1960. Fotografió a Vince Lombardi, Paul Hornung, John F. Kennedey y Richard Nixon.

Asistió a la Universidad de Dartmouth como estudiante de ingeniería ante la insistencia de su padre, que nunca creyó que la fotografía se convertiría en una carrera. Kluetmeier realizó fotografías de atletismo y eventos del campus de Dartmouth y para la oficina de la AP en Boston. Después de graduarse en 1965, trabajó durante dos años con Inland Steel, y luego un año y medio en The Milwaukee Journal. En 1969, entró en Time, Inc. como fotógrafo para Life y Sports Illustrated.

Kluetmeier cubrió los primeros Juegos Olímpicos de la revista Sports Illustrated en los juegos de 1972 en Múnich, y fue dos veces director de esta revista. Su trabajo, a parte de numerosas portadas, contribuyó a crear nuevas técnicas y aparatos para mejorar las fotos deportivas, como la cámara remota cerca de la línea de meta en los Juegos Olímpicos de Moscú en 1980, que le permitió capturar a Sebastian Coe ganando los 1.500 metros.

También en 1992, se convirtió en el primer fotógrafo en colocar una cámara bajo el agua para capturar eventos de natación. Dieciséis años más tarde, en los Juegos de Pekín 2008, una fotografía de Kluetmeier con cámara submarina decidió el ganador de la segunda final de la carrera de 100 metros mariposa.

Entre otros premios por su trabajo, obtuvo el Lucie Award en 2007 por sus sobresalientes logros en la fotografía de deporte.

 

 

 

Referencias