domingo, 24 de marzo de 2019

Brian Griffin

Brian Griffin es un fotógrafo inglés (nacido en Birmingham el 13 de abril de 1948, vive y trabaja en Londres) considerado uno de los fotógrafos más influyentes de su generación, los fotógrafos británicos de los años de la Thatcher. Griffin ha marcado la imagen y la popularidad de cientos de compañías y artistas durante los años 70 y 80. Debido a su talento poco ortodoxo, su sentido de la aventura y su estilo a la vez reconocible y diverso ha llegado a la cima absoluta en diversas disciplinas: como cineasta, y como fotógrafo comercial y pop. Se inspira más en el trabajo de pintores y artistas que en otros fotógrafos. En particular, sus  influencias son el cine expresionista y el pintor Caspar David Friedrich.


A Broken Frame © Brian Griffin
A Broken Frame © Brian Griffin


Biografía

Brian Griffin nació en Birmingham, pero vivió en Black Country. Con16 años trabajó en una fábrica haciendo transportadores. Con 21 fue al Manchester Polytechnic para estudiar fotografía. Después de terminar sus estudios en 1972, se fue a Londres con la intención de ser un fotógrafo de moda y conoció a Roland Schenk, el carismático director artístico de Management Today, para quien trabajó hasta mediados de los años 80.

Expuso por primera vez en Young British Photographers en 1975. Fotografiar la portada de Look Sharp de Joe Jackson significó su gran avance en la escena musical: Ian Dury, The Clash, Ringo Starr, Peter Gabriel, Depeche Mode , REM, Echo & the Bunnymen, Iggy Pop, Kate Bush, The Specials, Siouxsie and the Banshees, Elvis Costello y innumerables otras estrellas han posado para él. Su fotografía  A Broken Frame para Depeche Mode  sigue siendo considerada como una de las portadas de álbumes más bellas jamás hechas.

Obtuvo el galardón Freedom of the city of Arles, Francia en 1987. Publicó el libro Work en 1988 con una exposición individual en la National Portrait Gallery. El trabajo fue galardonado con el premio al Mejor libro de fotografía del mundo en la Barcelona Primavera Fotografía de 1991. En 1989, el periódico The Guardian lo proclamó como "El fotógrafo de la década". En 2005 el British Journal of Photography le llamó "el fotógrafo de retratos británico más impredecible e influyente". También la revista Life usó su fotografía A Broken Frame en la portada de su suplemento especial The Greatest Photographs Of The 80's.

Desde 1991 hasta 2002 trabajó como director de cine haciendo comerciales de televisión, videos musicales y cortometrajes. En 2003, trabajó en la candidatura de Birmingham para convertirse en la Capital Europea de la Cultura. Sus anuncios de televisión y videos musicales incluyen también un documental sobre Sir Paul McCartney en 2004. Tuvo una retrospectiva en el Museo de Arte de Reykjavik en Islandia en 2005. Luego produjo un libro y una exposición para la apertura real de St. Pancras Station y High Speed ​​1 en 2007. En 2009 fue el patrocinador del Festival de Fotografía de Derby y sigue siendo el patrocinador de estos festivales. Para los Juegos Olímpicos de Londres en 2009, lanzó el proyecto fotográfico Road To 2012 en la National Portrait Gallery junto a Lord Coe y Dame Kelly Holmes.

Ha publicado en Sunday Times Magazine, The Face, Time Out, The Observer Magazine y L'Uomo Vogue, y ha producido imágenes publicitarias para muchas compañías internacionales, como British Airways, Sony y Smirnoff.

En 2010 tuvo una gran retrospectiva de sus retratos, Face to Face, en Birmingham. y numerosos galardones y reconocimientos, como la Centenary Medal de la Royal Photographic Society, y el ser incluido en la portada del álbum Hall Of Fame, entre otros.

Griffin ha expuesto ampliamente en Gran Bretaña y en el extranjero: en galerías, museos, bienales fotográficas y festivales, destacando Portraits of Our Time (1978) en la National Portrait Gallery de Londres, Brian Griffin (1984) en la Galería Olympus de Tokio, 20 for Today (1986) en la National Portrait Gallery, Createurs d’Images Createurs de Mode(1988) en el Museé des Arts de la Mode en París,  Towards a Bigger Picture (1988) en el Victoria & Albert Museum, Work (1988) en la National Portrait Gallery, Beyond the Portrait (1992) en Derby City Art Museum, Seeing Things (1992) en el Victoria and Albert Museum, People and the City (2003) en Birmingham Art Gallery & Museum, Influences (2005) en el Art Museum de Reikiavik, Islandia, y A Question of Identity (2005) en la National Portrait Gallery.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las del Victoria and Albert Museum de Londres, Arts Council of Great Britain, National Portrait Gallery de Londres, Museum Folkwang de Essen, Alemania, Birmingham Museum and Art Gallery  y el Art Museum de Reikiavik, Islandia.



Referencias


Libros

  • Brian Griffin Copyright, 1978.
  • Power, 1981.
  • Y, 1983.
  • Auras, 1983.
  • Power (bolsillo), 1984.
  • Open, 1986.
  • Portraits, 1987 y 1988.
  • Work, 1989.
  • Film Stills, 1989.
  • Brian Griffin “Influences”, 2005.
  • The Water people, 2005.
  • Baugur The Movie, 2006.
  • Team, 2006.
  • The White Glove, 2006.
  • Loaf of White Bread, 2006.
  • Face to Face, 2010.
  • Business As Usual, 2013.
  • The Black Kingdom, 2013.
  • Himellstrasse, 2015.
  • Pop, 2017.
  • Spud, 2018.
  • England 1970’s, 2018.
  • Moscow.


sábado, 23 de marzo de 2019

Deana Lawson

Deana Lawson es una artista, educadora y fotógrafa estadounidense (nacida en 1979 en Rochester, Nueva York, vive en Brooklyn, también Nueva York) cuyo trabajo gira principalmente en torno a temas de intimidad, familia, espiritualidad, sexualidad y estética negra.


Mama Goma , 2014; from Deana Lawson: An Aperture Monograph © Deana Lawson

Mama Goma , 2014; from Deana Lawson: An Aperture Monograph © Deana Lawson


Biografía

Deana Lawson estudió fotografía en la Universidad Estatal de Pensilvania, y obtuvo un master en la Rhode Island School of Design en 2004. Durante sus años de pregrado, Deana se sorprendió por la falta de becas para los fotógrafos de color. Esto la llevó a aprender más acerca de los artistas negros, como Lorna Simpson, cuyo trabajo la inspiró a perseguir la fotografía como medio.

Su trabajo examina la capacidad del cuerpo para canalizar historias personales y sociales, abordando temas de legado familiar, comunidad, romance y estética espiritual. Su práctica toma prestado de las tradiciones visuales simultáneas, que van desde retratos fotográficos y figurativos, la estética documental social y las fotografías del típico álbum familiar de toda la vida. Lawson se inspira visualmente en la materialidad de la cultura negra y su expresión como se ve a través del cuerpo y en los ambientes domésticos. Presta especial atención a la iluminación y la pose para transformar e intensificar representaciones de poder y liberación a través del espacio personal e íntimo. Encuentra a sus modelos en la vida cotidiana: supermercados, trenes subterráneos, avenidas ocupadas en Bed-Stuy, Brooklyn, o viajes por carretera por el sur profundo.

Su trabajo ha sido publicado en The New Yorker, The Collector's Guide to New Art Photography (Vol. 2), Time Out New York,TIME Magazine, BOMB, Photo District News, Contact Sheet #154 y PQ Journal for Contemporary Photography (Volumen 24). Ha realizado numerosas exposiciones en solitario y en grupo, como  en 2015, la 2017 Whitney Biennial, New Photography 2011 en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, The Studio Museum en Harlem, Artists Space en  Nueva York, Spelman College Museum of Fine Art en Atlanta, y en las galerías Rhona Hoffman Gallery de  Chicago, Yancey Richardson Gallery en Nueva York, Helene Bailly Gallery en París y Light Work Gallery en Syracuse, Nueva York, entre otras.

Ha obtenido las becas Guggenheim Fellowship que le permitió trabajar en Jamaica, Haití y África occidental, John Gutmann Photography Fellowship, Rema Hort Mann Foundation Grant, Aaron Siskind Fellowship Grant y  New York Foundation for the Arts Grant. Ha participado en diversas residencias, como Workspace en Lower Manhattan Cultural Council, Light Work en Syracuse, y Visual Studies Workshop en Rochester, Nueva York.

Lawson ha sido profesora asistente de fotografía en la Princeton University en Nueva Jersey desde 2012. También ha dado clases en el California Institute of the Arts, International Center for Photography, California College of the Arts y en la Rhode Island School of Design.


Referencias



Libros

  • Deana Lawson: An Aperture Monograph, 2018.

viernes, 22 de marzo de 2019

Juan Ibáñez Abad

Juan Ibáñez Abad fue un fotógrafo español (nacido en 1846 o 47 en Jumilla, Murcia, fallecido en Yecla, Murcia, el 7 de abril de 1932) que trabajó y desarrolló notablemente la fotografía de su tiempo. Él mismo se fabricaba las antiguas placas al colodión, y vivió la gran transformación y progreso de las nuevas emulsiones fotográficas, cuando había comenzado con los papeles de ennegrecimiento directo. Retrató a miles de personas, documentó tradiciones, antiguos oficios y actos sociales, y creó la primera serie de postales de vistas de Yecla.


Los hijos de Juan Ibáñez Abad. Autor: Juan Ibáñez Abad. Yecla, 1895

Los hijos de Juan Ibáñez Abad. Autor: Juan Ibáñez Abad. Yecla, 1895


Biografía

Juan Ibáñez Abad y sus hermanos fueron la 2º generación de una de las mayores sagas de fotógrafos profesionales que se conocen en España. Su padre, Juan Antonio Abad Martínez, uno de los pioneros en Castilla-La Mancha y Murcia, fue discípulo de Luis Tarszenski, conde de Lipa. Todos sus hermanos y sus hijos fueron fotógrafos con estudio propio. Varios nietos, entre ellos Vicente Ibáñez, y algunos biznietos han perpetuado la saga Ibáñez hasta nuestros días.

Su nacimiento profesional se produjo hacia 1865 en Hellín (Albacete), localidad a la que se habían trasladado sus padres desde Jumilla. Compaginó la fotografía ambulante por la zona del Altiplano con el estudio de Hellín hasta 1875, año en que se instaló en Yecla definitivamente tras la muerte de su padre. Desarrolló su trabajo durante casi 60 años en el estudio del número 52 de la calle Niño, en Yecla, donde retrató a miles de personas de la zona y a toda su descendencia.

Conoció las técnicas primitivas (trabajó el colodión húmedo, la albúmina y los papeles de ennegrecimiento directo) y vivió los grandes adelantos tecnológicos del siglo XX. Construía sus propias cámaras, era un hábil retocador de negativos y positivos, iluminaba, retrataba al carbón y destacaba en el manejo intimista de las luces: con muy pocos medios creaba atmósferas mágicas.

Hombre enormemente emprendedor, fue un hábil ebanista, afinador de pianos,  pintor, dibujante, fabricante de su propio material fotográfico como las placas para el colodión húmedo, y repostero con unas pastas hojaldradas que por su calidad fueron objeto de atención de la Casa Real de la que fue nombrado proveedor oficial.

Obtuvo un diploma en la Exposición Internacional Gevaert de 1911-12 por su serie Vida. En el mismo certamen, su hijo Juan Ibáñez Navarro obtuvo Medalla de bronce. El grueso de su archivo se perdió cuando se vendió el estudio, pero se conservan álbumes familiares y alguna obra en el Museo Comarcal de Hellín. Quizás sus obras mejor conservadas sean sus autorretratos.



Referencias



Libros

jueves, 21 de marzo de 2019

Manuel Sendón

Manuel Sendón es un profesor, investigador, comisario y fotógrafo gallego (nacido el 11 de junio de 1951 en A Coruña, vive en Vigo) que milita en un realismo documental que pone de manifiesto su preocupación por la calidad técnica de la imagen, precisa, exacta, sin necesidad de alardes.



© Manuel Sendón


Biografía

Manuel Sendón Trillo  se licenció en Matemáticas y se doctoró en Bellas Artes en 1997. Desde 1993 es profesor de Fotografía en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra y dirige el Grupo de Investigación de Fotografía de la Universidad de Vigo.

Con Xosé Luis Suárez Canal dirige el Centro de Estudos Fotográficos de Vigo (CEF), que nació en 1985 con la intención de recuperar, estudiar y difundir la fotografía histórica gallega y dinamizar la contemporánea. Realizaron libros monográficos sobre fotógrafos históricos gallegos, como Ramón Caamaño, Ksado, Luis Rueda, José Suárez, Raniero Fernández y Virxilio Vieitez, recuperaron el amplísimo Archivo Pacheco, el Arquivo Sarabia y el Arquivo José María Massó, y son también responsables de la edición de las colecciones Álbum y O Trinque.

Sendón es además el creador del blog Inédito, un proyecto fotográfico en el que se presentan trabajos de distintos autores que no han sido publicados, con la intención de establecer un diálogo entre fotógrafos emergentes y fotógrafos consagrados y haciendo especial énfasis en los fotógrafos gallegos jóvenes.

Su tarea de investigador se refleja en importantes publicaciones, tanto individuales como colectivas, como la titulada Informe de comunicación en Galicia y su tesis doctoral, recogida en el libro titulado Imaxes na penumbra. A fotografía afeccionada en Galicia (1950-1965).

Como fotógrafo Sendón milita en un realismo documental que pone de manifiesto su preocupación por la calidad técnica de la imagen, precisa, exacta, sin necesidad de alardes de desenfoques o habilitados de laboratorio. Por el contrario, imágenes y elementos documentales están reflejados con la máxima claridad, con total precisión, aunque al fin los dote de algo indefinible, pero apreciable, que emparentaría estas fotografías con el mejor hiperrealismo pictórico.
A través de su obra personal ha reflexionado sobre del uso de la fotografía de paisaje (Paisaxes, 1989-91), el paso del tiempo (Tempos que hai neste tempo, 1991-94) y la construcción de la memoria individual (A memoria do álbum, 2004).
Actualmente su producción se centra en cuestiones directamente vinculadas con la vida y cultura gallegas, temática que comenzó a tratar en 2002 con Cuspindo a barlovento, sobre el desastre del Prestige. De 2007 es Casas doentes, sobre las propiedades abandonadas del entorno rural gallego; y de 2009, Crebas, sobre los objetos que arrastra la marea hasta la Costa da Morte, Derradeira sesión, sobre la muerte del cine como espectáculo colectivo y el proyecto Mil ríos conjunto con Fran Herbello.

Desde 1983 expone con regularidad, destacando su participación en muestras colectivas celebradas en el Centre de la Photographie de Ginebra, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid , The Museum of Contemporary Photography de Chicago, Illinois, The Museum of Fine Arts de Houston, Texa, Noorderlicht en Groningen, Holanda, el Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela, … Entre otras, ha realizado exposiciones individuales en el Museo de Imagem en Braga, el Museo de la Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber de Caracas, el Conjunto Cultural da Caixa de Salvador de Bahía y la Fundación Barrié de La Coruña y Vigo.

En 2010 comisarió la exposición itinerante Proxecto Costa da Morte, y junto a Suárez Canal, las exposiciones también itinerantes Virxilio Vieitez (1998) y Madrid mirada (2008), así como la programación de la Fotobienal de Vigo y Vigovisións hasta 2000.


Referencias



Libros

miércoles, 20 de marzo de 2019

Luuk Wilmering

Luuk Wilmering es un artista visual, profesor y asesor holandés (nacido en 1957 en Haarlem, donde vive y trabaja) cuya obra comprende piezas de instalación, collages, fotos, obras para carruseles de diapositivas, paseos de audio, libros y libros de artistas. Su obra ofrece un comentario humorista sobre aspectos de la vida cotidiana y tiene una mirada para captar la poesía de lo común.


© Luuk Wilmering

© Luuk Wilmering



Biografía
Luuk Wilmering estudió en la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam y en la Jan van Eyck Academie de Maastricht. En 1984 estuvo de asistente de Sol LeWitt.

Su trabajo incluye, entre otros medios: instalaciones, collages, fotografía, dibujos y pinturas. En su trabajo, investiga continuamente, no sin humor, su posición como persona y como artista. El efecto espejo entre el artista y su público es un elemento importante en su trabajo. En sus collages, saca las imágenes fuera de contexto de la misma manera que lo hace repetidamente como artista fuera del contexto de la práctica artística general.

Su obra es muy variada, pero la vida diaria y la rutina son una fuente importante de inspiración para Luuk. Sus fotografías, collages, … están inspirados en parte por la sensación de que la realidad está formada por cadenas de coincidencias y situaciones absurdas en las que uno se pierde fácilmente, al igual que en las noticias diarias ...

En 2011 realizó la exposición y publicación Une Histoire naturelle que recogía diversos trabajos de sus últimos doce años que nos muestran sus diversas maneras de enfrentarse con el arte:
  • En Visiting Versaille et les Trianons (2008/2009) ha utilizado una guía turística de lujo de 1905, ilustrada con fotografías en blanco y negro de Versalles y les Trianons. Buscando un contraste con este palacio, que en cierto sentido es sinónimo de decadencia, combinó las imágenes en color de la guía (como fondo) con detalles de fotografías en blanco y negro de los catálogos de World Press Photo coloreados utilizando tintes pastel.
  • En A Personal Geographic / The Acts of Mercy (2000-2008) muestra 40 collages, hechos a mano con material visual de la revista National Geographic, en los que la estética característica y tranquilizadora de las fotos originales se traduce en imágenes implacables de un mundo caótico, convirtiéndose en un comentario irónico sobre esta revista y sobre el incesante diluvio de información de noticias en los medios de comunicación.
  • En Cut Out recorta noticias de las portadas de periódicos internacionales. La ausencia total de texto e imágenes convierte las páginas en ventanas abstractas, que recuerdan los planos de construcción en los que cada elemento es intercambiable.
  • Birds Need Shelter muestra cómo el hombre, a través del "abuso de poder", causa la extinción de ciertas especies, cómo se cazan las aves y cómo deben servirse y comerse adecuadamente. 


Referencias




Libros y ediciones




martes, 19 de marzo de 2019

Louise Oates

Louise Oates es una artista que vive en Londres y trabaja con fotografía y escultura. Su práctica se ocupa de los procesos y redes materiales que se desarrollan en nuestro mundo globalizado como, por ejemplo, la extracción de minerales o sistemas de agua, y se involucra con estos temas a través de una variedad de técnicas fotográficas, químicas y de materiales.

Digital C type print, 37" x 30", white aluminium tray frame with non reflective glass. © Louise Oates




Biografía

Louise Oates estudió fotografía en el London College of Communication. Actualmente (2018/20) está realizando un master en Finas Artes en la Slade School of Art del University College London gracias a una beca Felix Grant.

Louise trabaja con fotografía y escultura. Es una artista que usa el medio fotográfico como una forma de representar y explorar ideas y su entorno. Piensa cada vez más en forma escultórica, pero por ahora, su trabajo se manifiesta en la fotografía.  Mira un poco la escultura, pero se inspira mucho leyendo filosofías de ciencia, geografía y antropología. Está realmente interesada en la geología y en materiales, algunos de los cuales le parecen simplemente increíbles. También está un poco obsesionada con el hormigón, pero su trabajo está principalmente relacionado en cómo interactuamos físicamente con el medio ambiente, ya sea en extracción de minerales o en juegos de niños. También piensa mucho en el futuro y en los efectos que tendrá nuestra acción en los tiempos venideros.

Su práctica se ocupa de los procesos y redes materiales que se desarrollan en nuestro mundo globalizado, por ejemplo, la extracción de minerales o sistemas de agua, y se involucra con estos temas a través de una variedad de técnicas fotográficas, químicas y de materiales. Su libro auto publicado, Notes on Hydraulic Fracturing, reúne una extensa investigación sobre la explotación de la tierra y las intervenciones artísticas. Combinando estos dos aspectos de una manera sorprendente y natural, Louise nos da acceso a su forma de pensar y actuar en relación con los problemas actuales.

Cree que los elementos formales son un vehículo para lo metafórico. En Notes on Hydraulic Fracturing utiliza el proceso de trabajar con materiales que están físicamente vinculados al tema como una forma de investigación y trata de encontrar nuevas formas de representar cosas que puedan no ser vistas. Por ejemplo, las fotografías de vistas aérea son proyecciones imaginarias del futuro paisaje del Reino Unido (si se realiza el fracking) creadas con el suelo recolectado de pozos exploratorios.

En el libro hay 3 mapas de suelo, construidos utilizando tierra y arena recolectadas en sitios de prueba del Reino Unido. El material está diseñado para imitar las imágenes de vista aérea de Pennsylvania, donde una gran industria de fracking se apoderó del espacio en los últimos 12 años. Años después, cuando fue a hacer el libro, descubrió que se habían formado cristales en la superficie de las fotografías y volvió a fotografiar las copias para agrandar los cristales y los residuos químicos. Así que las imágenes son quizás especulaciones sobre el líquido del frack que se pierde en el subsuelo. Éstos mapas de suelo se exhibieron en la Galería Whitechapel como parte de A Handful of Dust de David Campany.


Referencias



Libros

  • Notes on Hydraulic Fracturing.

lunes, 18 de marzo de 2019

Sakiko Nomura

Sakiko Nomura es una fotógrafa japonesa (nacida en 1967 en Shimonoseki, prefectura de Yamaguchi, vive en Tokio) muy reconocida por sus desnudos masculinos en blanco y negro. Secuencia series y libros de fotografías en blanco y negro, mezclando desnudos, paisajes urbanos, animales y naturalezas muertas.


© Sakiko Nomura, courtesy of Akio Nagasawa Gallery

© Sakiko Nomura, courtesy of Akio Nagasawa Gallery



Biografía

Sakiko Nomura se interesó por la fotografía con 18 años y se graduó en 1990 en el Departamento de Fotografía por la Universidad de Kyushu Sangyo en Fukuoka. Trabajó como asistente para Nobuyoshi Araki durante varios años, lo cual se nota en su trabajo y la convierte en su alumna aventajada. Sus fotografías tienen una imperceptible carga erótica y están revestidas de una cierta trágica melancolía. Después trabajó como fotógrafa independiente.

Los desnudos masculinos en blanco y negro son sus temas principales. Explora detrás de los rostros fachada introduciéndose en la psique de sus modelos, revelándonos temores ocultos, tristezas y ternuras. El modelo nos es revelado desnudo, tanto física como psíquicamente, mostrando su lado más frágil. Secuencia series y libros de fotografías en blanco y negro, mezclando desnudos, paisajes urbanos, animales y naturalezas muertas.

Tras su primera exposición individual Clock Without Hand (Reloj sin manos) en  1993, ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, principalmente en Tokio, pero también en otros lugares de Asia y Europa, consiguiendo un gran reconocimiento. Después de ganar un New Figure Encouragement Prize en Photo City Sagamihara 2013, actualmente es una de las fotógrafas más reconocidas.

Pero Sakiko también trabaja otros temas, como en Night flight, donde utiliza un color intenso tomado en la oscuridad durante un período de siete años con una cámara micromini espía. Además de desnudos masculinos, el libro presenta fotografías de paisajes que no han aparecido en trabajos anteriores, hasta un total de 103 fotografías.

En Ango dejó de lado su desnudo masculino habitual, eligiendo modelos femeninos y escenas solitarias, logrando un resultado cautivador, en el que el aislamiento de la narrativa original resuena en sus imágenes cuyas delicadas sombras realzan la sensualidad de la novela. Este proyecto está basado en la novela Una mujer y la guerra de Ango Sakaguchi, publicada en 1946 y censurada hasta 2000 por las fuerzas aliadas que ocupaban Japón y que relataba la vida  de una ex prostituta, obligada a mudarse con un hombre, durante la guerra.
 
El libro es una parte fundamental de su trabajo (ha publicado más de 40 títulos) y se convierte en una relación secreta  con su público, con el que puede convertirse en cómplice y puede compartir historias secretas.


Referencias



Libros

  • Moonlight, 2018.
  • Koshiro MATSUMOTO My Last Remaining Dream, 2018.
  • Ai ni tsuite, 2017.
  • On Love-Journey without Maps-Lingering Shadows, 2017.
  • Sakiko Nomura: Ango, 2017.
  • Light Source, 2016.
  • GUN, 2016.
  • Another Black Darkness, 2016.
  • Another Language 8 Japanese Photographers (varios), 2015.
  • Flower, 2015.
  • TAMANO, 2014.
  • Grau Zone vol.2, 2014.
  • Caramel, 2014.
  • sex / snow, 2014.
  • hotel pegasus, 2013.
  • NUDE | A ROOM | FLOWERS, 2012
  • 0618 23:36, 2012.
  • Monthly Ayano, 2010.
  • Monthly Natsuko Tatsumi, 2009.
  • Night Flight, 2008.
  • Black Darkness, 2008.
  • Undulation: Kihako NARISAWA, 2008.
  • ALL ABOUT Daisuke Miyazaki, 2008.
  • Monthly Momoko Tani, 2007.
  • Kondo Ryohei, 2006.
  • tsukuyomi, 2005.
  • another day on the planet, 2004.
  • SCOBUL SOMEGORO, 2002.
  • A Black Cat, 2002.
  • TWENTY SEVEN SOMEGORO ICHIKAWA, 2000.
  • ai no jikan, 2000.
  • Aren't you lonely keeping on telling life without embracing burning skin?, 1999.
  • a ripple of the silence, 1999.
  • NAKED TIME, 1997.
  • 40+1 PHOTOGRAPHERS PIN-UP, 1995.
  • Watch without Hand, 1995.
  • Naked Room, 1994.