sábado, 1 de noviembre de 2014

Raúl Cañibano

Raúl Cañibano es un fotógrafo cubano (nacido el 10 de agosto de 1961 en La Habana) cuya fotografía antropocéntrica capta a niños, adolescentes, ancianos o travestis de La Habana y de las zonas rurales en las que se crió. De la capital cubana, le interesa su arquitectura, en tanto que dialoga con el ser humano, y los imprevisibles escenarios de la calle, los interiores en penumbra o el omnipresente malecón.

 

© Raúl Cañibano

© Raúl Cañibano

 

Cuba es un país fantástico para la fotografía documental y agradezco a Dios cada día por la vida que tengo...pero solo si puedo vivir para siempre en Cuba.

 

 

 

Biografía

Raúl Cañibano Ercilla nació en La Habana dos años después del comienzo de la Revolución cubana, y se preparó como soldador en la aviación civil. Mientras estaba de vacaciones en 1990 visitó Cienfuegos, corazón de plantaciones de caña de azúcar, mango, tabaco y café, donde había vivido cuando era niño, y conoció a un fotógrafo que hacía sus trabajos para fiestas de cumpleaños y eventos sociales.

Cañibano comenzó fotografiando bodas y quinceañeras. Pero la década de los 90 fue difícil, pues el suministro de material fotográfico que llegaba a Cuba desde Alemania Oriental se vio interrumpido y tuvo que trabajar con materiales caducados, perdiendo muchas fotos.

A finales de la década ya había comenzado a crecer su nombre como artista visual. En su serie Tierra Guajira exploró el tema de la vida en el campo, un lugar que anhelaba, un lugar que lo transportó de regreso a su infancia. Y a través del cual rindió homenaje a la humanidad, la bondad y la nobleza del campesino cubano. La serie fue galardonada con el primer premio en el Salón Nacional de Fotografía de 1999.

Cañibano establece un contrapunto revelador del binomio ciudad/campo tanto a nivel estético como sociológico. Series como Ocaso, Fe por San Lázaro, Ciudad, Malecón habanero, Tierra guajira, Parrandas o Travestis ensanchan el espectro de la imagen documental rescatando las infinitas expresiones de la relación individual con los otros, sin distinguir fronteras entre espacios públicos y privados.

Ha participado en exposiciones colectivas en Cuba, Canadá, España, Italia, Francia, Alemania, México, Japón, … y exposiciones en solitario en los Estados Unidos, México y Cuba. En su país ha expuesto en la Fototeca de Cuba y a través del Fondo Cubano de la Imagen Fotográfica. Ha impartido conferencias en el Centro de la Imagen de México y sus obras forman parte de las colecciones más importantes del mundo y han aparecido en las más prestigiosas revistas de arte, y en importantes eventos internacionales como: Coloquio Latinoamericano de Fotografía de México y PhotoEspaña, entre otros.

Ha obtenido los siguientes premios: Concurso de Artes Plásticas 13 de Marzo de la Universidad de La Habana (1997), mención en el III Salón Internacional de Fotografía Abelardo Rodríguez antes del Fondo Cubano de la Imagen Fotográfica (1995), mención en la Primera Bienal de Fotografía Contemporánea La Llave del Cerro (1995), Gran Premio en el I Salón Nacional de Fotografía (1999), con la serie Tierra guajira.

Es miembro del Fondo Cubano de la Imagen Cinematográfica (FCIF), UNEAC y de la Asociación Hermanos Saíz (AHS), Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC) y de Unión de Publicitarios de Cuba.

En la actualidad combina su trabajo personal con el de la docencia, impartiendo talleres en colaboración con Juan Manuel Díaz Burgos y con La Escuela Man Ray y José María Díaz Maroto.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 31 de octubre de 2014

Abigail Reynolds

Abigail Reynolds es una fotógrafa inglesa (nacida en 1970, vive y trabaja en Londres y en St Just, Cornwall)  que combina fotografías tomadas en diferentes momentos y/o en diferentes lugares que muestran lo mismo, formando collages tridimensionales.

 

 

© Abigail Reynolds

© Abigail Reynolds

 

Colecciono guías turísticas de segunda mano. Con los cientos de fotografías impresas que contienen, busco fotos que se hayan impreso en una escala similar, tomadas desde un punto de vista parecido. Cuando encuentro una cercanía entre las hojas del libro, corto y doblo las páginas en una nueva superficie única. Las fechas escritas en cada trabajo dan las fechas de publicación de los libros que he utilizado. La imagen de base aparece en primer lugar. Los patrones que utilizo para cortar las dos páginas en una sola superficie permiten que las dos hojas de papel se conserven. Si se doblan todas las aletas de entrada o salida, se puede ver la totalidad de cada imagen. El acto de doblar una imagen en la otra las convierte en tridimensionales.

 

 

 

 

Biografía

Abigail Reynolds se licenció en Literatura Inglesa en el St Catherine’s College, Oxford University (1993), y luego hizo un master en Bellas Artes en el Goldsmiths College de Londres (2001/2).

Abigail crea cuidados collages combinando páginas de viejos libros, atlas, enciclopedias y diarios de viaje, por lo general de escenas urbanas. A menudo coloca una fotografía monocromática en blanco y negro como capa de base y luego agrega una fotografía de color en la parte superior para contrastar. Con un patrón de recortes geométricos realiza pliegues en las fotografías para crear la ilusión de mirar una foto a través de otra, convirtiendo las dos fotos en un collage tridimensional.

Sus exposiciones individuales más recientes incluyen The British Countryside in Pictures en Seventeen Gallery (2011) y A Common Treasury en Ambach & Rice (2012).

Desde enero de 2011 Abigail ha sido un miembro del consejo asesor de Tate St Ives. Dio clases en el curso BA Fine Art de la Universidad de Oxford (The Ruskin School) desde 2005 hasta 2011, y ahora enseña intermitente en el Royal College of Art, Goldsmiths MA y en otros cursos de bellas artes en el Reino Unido.

Está representada por Seventeen Gallery de Londres y Ambach & Rice en Los Ángeles.

 

 

 

Referencias

jueves, 30 de octubre de 2014

Marcos Zimmerman

Marcos Zimmerman es un fotógrafo argentino (nacido en Buenos Aires en 1950) dedicado a explorar la identidad de su país a través de una fotografía directa.

 

© Marcos Zimmerman

© Marcos Zimmerman

 

Mi trabajo es el fruto de miles de kilómetros recorridos por el territorio argentino, con el único objetivo de mostrar algunos rasgos de una identidad nacional, a veces difusa o a veces perdida.
Quiero destacar estas presencias, que viven en cientos de rincones del país, que constituyen nuestra esencia y que permanecen para siempre en el corazón de quien alguna vez las vio.

 

 

 

Biografía

Marcos Zimmermann cursó estudios de cine en el Centro Experimental del Instituto Nacional de Cinematografía de Buenos Aires y más tarde trabajó como fotógrafo de cine en películas argentinas y extranjeras como: Quebracho, La Raulito, Camila, Miss Mary y otras.

Vivió en Roma tres años, donde trabajó como fotógrafo freelance. En esos años fue invitado por Robert Delpire a Paris, a exponer su trabajo en una muestra junto a Henry Cartier-Bresson, Robert Doisneau, Robert Frank y Joseph Koudelka.

Desde 1989 trabajó en la realización de libros fotográficos. En 1995 recibió el Premio Pirámide de Oro al Mejor Trabajo Fotográfico y en 1996 el Primer Premio al Mejor Libro de Arte Argentino, otorgado por la Feria del Libro de Buenos Aires; también, el Premio Leonardo del MNBA y el premio diploma al mérito Konex 2012. Escribe en las revistas Radar y Ñ.

Sus fotografías han sido adquiridas por Manuel Alvarez Bravo para la colección de la Fundación Televisa de México, por John Szarkowski para la colección Paine Webber Group de Nueva York,  por Anne Tucker para el Houston Museum of Fine Arts, por Spencer Throckmorton Fine Art Gallery, por el Bank of America para su colección de arte, por la Biblioteca Nacional de Paris y por numerosos coleccionistas privados. Ha realizado más de treinta muestras en Argentina, Brasil, Chile, Roma, Paris y Tokio, como la exposición comisariada por el gran maestro japonés Eikoh Hosoe que se realizó en la Shadai Gallery de Tokio, en 2004.

También, desde 1999, su obra pasó a formar parte del patrimonio del Museo Nacional de Bellas Artes y del Museo de Arte Moderno de la ciudad de Buenos Aires.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Patagonia, un lugar en el viento 1991
  • Río de la Plata, río de los sueños 1994
  • Siderca, 40 años 1994
  • Norte Argentino, la tierra y la sangre 1984
  • Argentina, Naturaleza para el futuro 2001
  • Patagonia, la última frontera 2004
  • Bajo las estrellas, imágenes del interior de la Argentina 2004
  • Plantas autóctonas de Argentina 2005
  • Ruta 40 2007
  • Argentina, el paisaje 2008
  • Un perro en el paraíso 2008
  • Desnudos Sudamericanos 2009.

miércoles, 29 de octubre de 2014

Allan Sekula

Allan Sekula fue un artista, fotógrafo, escritor, cineasta, teórico y crítico estadounidense de origen polaco (nacido en Erie, Pennsylvania, el 15 de enero de 1951 y fallecido el 10 de agosto de 2013 en Los Angeles) cuyo trabajo se centraba frecuentemente en los grandes sistemas económicos, en "las geografías imaginarias y materiales del mundo capitalista avanzado".

 

 

© The State of Allan Sekula

© The State of Allan Sekula

 

 

 

¿Cómo producimos un arte que fomente el diálogo en lugar de afirmaciones acríticas y pseudopolíticas?

Este peculiar esteticismo es sintomático de las obsesiones de la sociedad: por un lado controlar el crimen de los de abajo y, por el otro, disculpar la corrupción de los de arriba.

Me gusta pensar que estoy trabajando en los márgenes de la definición oficial sobre el artista. En el contexto de la modernidad, ser un artista siempre ha tenido una relación creativa y destructiva con los límites y las categorías.

 

 

 

Biografía

Allan Sekula  creció en San Pedro, California, y comenzó a hacer arte en la década de los 70, realizando perfomances e instalaciones, y produciendo series de fotografías. Practicó lo que él llamó realismo crítico, conformado por el pensamiento marxista, la fotografía documental y el arte conceptual.

Su principal medio artístico fue la fotografía, que empleó para crear exposiciones, libros y películas. Su medio secundario era la palabra escrita, el empleo de ensayos y otros textos críticos en concierto con imágenes para crear una crítica de varios niveles del capitalismo tardío contemporáneo. Sus obras hacen aportes críticos sobre cuestiones de la realidad y la globalización social y se centran en lo que describió como "las geografías imaginarias y materiales del mundo capitalista avanzado".

También utilizó el cine y el video como medio de expresión, con frecuencia en colaboración con el teórico Noël Burch en proyectos como The Reagan Tapes (1984) y The Forgotten Space (2010), premiado en el Venice International Film Festival. También realizó A Short Film for Laos en 2006.

Obtuvo las becas Guggenheim Foundation, National Endowment for the Arts, Getty Research Institute, Deutsche Akademischer Austauschdienst (DAAD) y Atelier Calder. Con su trabajo Aereospace Folktales (1973) comenzó a mezclar sus series fotográficas con largos textos, una forma por la cual sería particularmente conocido. Fish Story (1995) explora el mundo marítimo dial y constituye la base de gran parte de The Forgotten Space

Fue nombrado USA Broad Fellow en 2007 y consiguió 50.000 dólares de United States Artists. Formó parte del cuerpo docente del Programa de Fotografía y Medios de Comunicación en el Instituto de las Artes en Valencia, California.

Entre otras muchas exposiciones podemos citar Sao Paulo Biennial (2010), La Virreina, Centre de la Imatge, Barcelona (2011, 2010), Taipei Biennial (2010), Mukha Anvers (2010), Documenta Kassel (2007, 2002), Centre Pompidou (2006, 1996), Whitney Museum (2006, 2002, 1993, 1976), Generali Foundation, Viena (2010, 2007, 2006, 2003), MACBA, Barcelona(2004, 2001, 2012), Winterthur Foto Museum (2001), Foto Institute Rotterdam (2001, 1997).

Por encargo del magazine de La Vanguardia realizó en 2002 la serie Black Tide- Marea Negra sobre el desastre del Prestige en la costa gallega y la respuesta ecológica y solidaria de la ciudadanía frente al abandono que el accidente sufrió por parte del gobierno del Partido Popular entonces en el poder.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

martes, 28 de octubre de 2014

Barbara Probst

Barbara Probst es una artista y fotógrafa alemana ( nacida en Múnich en 1964, vive y trabaja en Nueva York y Múnich) que fotografía desde múltiples puntos de vista, capturado imágenes separadas del mismo asunto, mediante el empleo de hasta doce cámaras y trípodes, realizadas simultáneamente con un solo disparador controlado por radio.

 

 

© Barbara Probst

© Barbara Probst

 

 

Biografía

Barbara Probst realiza series cuyas imágenes presentan diferentes vistas del mismo lugar o evento en un mismo momento, con lo que hace que sus espectadores experimenten un cambio en el tiempo, mientras que reconsiderar su presencia en el espacio físico.

Las imágenes de las series indican que un momento particular no sólo existe en el tiempo, sino que también tiene una dimensión espacial. También desafía la presunción de la fotografía como representación veraz por los múltiples encuadres de un mismo asunto, y además plantea preguntas sobre nuestra percepción del mundo que nos rodea.

Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales, de las que podemos citar las de FRAC Bretaña en Bignan, Francia, Madison Museum of Contemporary Art, Madison, Wisconsin,  y el Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago.

Su trabajo fue presentado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), en la exposición de 2006 New Photography y forma parte de la colección de este museo.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Barbara Probst,  (Hatje Cantz) 2013
  • Barbara Probst: Exposures 2007
  • Barbara Probst, 2002
  • Welcome, 1998
  • Through The Looking Glass, 1998
  • Barbara Probst, 1998
  • InExpectation, 1998
  • My Museum, 1994.

lunes, 27 de octubre de 2014

Georges Rousse

Georges Rousse es un artista plástico y fotógrafo francés (nacido el 28 de julio de 1947 en París, donde vive y trabaja) cuya obra trata fundamentalmente de nuestra relación con el espacio y el tiempo, conceptos transmitidos por su medio creativo: la fotografía. Su materia principal es el espacio; la segunda es la fotografía.

 

© Georges Rousse

© Georges Rousse

Es [la fotografía] un lugar sublime. Elimina los elementos más desagradables: los malos olores, la miseria, las ratas pululando. Cuenta con un espacio que es, finalmente, una seducción total. Una seducción que la instalación también tiende a aumentar. Así mi fotografía trata de dar lo mejor de la arquitectura en algún momento. Y todo lo que trata de la vida real y humana diaria desaparece.

 

 

 

Biografía

Georges Rousse tuvo de regalo de Navidad con 9 años una legendaria Brownie Flash de Kodak y ya no dejó la fotografía. Mientras estudiaba medicina en Niza, decidió aprender con un profesional  técnicas para la toma y el positivado y luego crear su propio estudio de fotografía de arquitectura. Pero pronto su pasión lo llevó a dedicarse a una práctica artística de este medio siguiendo los pasos de los grandes maestros americanos: Edward Steichen, Alfred Stieglitz y Ansel Adams.

Con el descubrimiento del Land Art y del Carré noir sur fond blanc de Malevich decidió intervenir en el campo fotográfico estableciendo una relación inédita del espacio con la pintura. Trabaja en lugares abandonados que él transforma  en espacio pictórico y construye una obra efímera sólo visible bajo el ojo de la cámara y a la que la fotografía vuelve única. Para dibujar en el espacio utiliza la anamorfosis, la técnica de deformación inventada por Piero della Francesca en su investigación sobre la perspectiva espacial.

Para permitir a los espectadores compartir su experiencia personal con el espacio, desde principios de los años 80, sus imágenes se muestran en gran formato, normalmente 160x125 cm. Hasta 2000 eran Cibachrome y desde entonces son obras digitales Lambda, sobre aluminio Dibond y algunas veces Diasec

Desde su primera exposición en París, en la Galerie de France en 1981, Georges Rousse ha expuesto en Europa, Asia (Japón, Corea, China, Nepal), Estados Unidos, Quebec y América Latina ..., continuando su trayectoria artística más allá de los modas temporales.

Ha participado también en numerosas bienales como las de París, Venecia y Sídney. Y ha obtenido   prestigiosos premios y becas como:

  • 1983 Villa Medici "extramuros" en Nueva York,
  • 1985 -1987: Villa Medici, Roma
  • 1988 Precio ICP (International Center of Photography), Nueva York
  • 1989 Premio de Dibujo Salón de Montrouge
  • 1992 Bourse Romain Rolland en Calcuta
  • 1993 Grand Prix National de la Photographie (Francia)
  • 2008 Miembro Asociado de la Academia Real de Bélgica.

Está representado por varias galerías de Europa y sus obras forman parte de importantes colecciones.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 26 de octubre de 2014

Ricarda Roggan

Ricarda Roggan es una fotógrafa alemana (nacida en 1972 en Dresde, vive y trabaja en Leipzig) que, con sus intensas, duras y sofisticadas imágenes de naturaleza muerta, trasciende el documental para investigar las conexiones entre la memoria y las construcciones espaciales. Su  trabajo ha evolucionado para incluir procesos artísticos e interacciones con el medio ambiente que retrata.

 

 

© Ricarda Roggan

© Ricarda Roggan

Mis fotografías no pretenden contar historias. Yo sólo quiero hacer fotos.

 

 

 

Biografía

Ricarda Roggan estudió en la Hochschule für Grafik und Buchkunst  de Leipzig, y después estudió fotografía con el profesor Timm Rautert, con el que también realizó un master. También estudió en el Royal College of Art de Londres.

Su obra más característica son viejas mesas y sillas en salas aisladas de la antigua Alemania Orienta, habitaciones abandonadas o claustrofóbicos áticos, que prepara cuidadosamente e incluso renueva. Sus imágenes no cuentan historias, sino que son indicativas de las múltiples historias que rodean el colapso de la antigua RDA, donde los objetos y arquitecturas viven en esculturas conmemorativas como objetos obsoletos tras el fracaso del sistema político.

Roggan realiza sus crudas y conceptuales series con una cámara de gran formato, lo que permite que cada detalle sea siempre visible, aunque esta precisión extrema no dé más información sobre lo fotografiado.

Como ejemplo, en la serie Garage (2008) muestra imágenes frontales de restos de automóviles. Estos coches nunca obtendrán una nueva vida, pero se dejan ver como víctimas antropomorfizadas de eventos desconocidos, llenos de rasgos humanos y emociones que transmiten una atmósfera inquietante de muerte, trauma y posibilidades.

Schacht (2006) es una serie de 9 fotografías de claustrofóbicas habitaciones de ladrillo vacías que casi podrían pasar por cubos blancos, pero que en realidad son habitaciones de ventilación en una planta de algodón hilado en desuso en el este de Alemania.

Set/Reset tiene su origen en un viaje a Chipre donde encontró algunas máquinas de juegos de arcade cubiertas de polvo en un bar incendiado.

Desde 2007 ha comenzado a trabajar al aire libre para tornar su trabajo hacia el género del paisaje pero con su propio estilo. En la serie Sedimente fotografió formaciones de rocas, restos de canteras artificiales, que muestran al espectador espacios duros casi abstractos. En Baumstücke, es la propia artista la que deja sus huellas en la naturaleza y prepara la imagen con su perfeccionismo habitual.

Ha realizado numerosas exposiciones en solitario y en grupo, ha obtenido diversos premios y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros