lunes, 1 de septiembre de 2014

Anna Bauer

Anna Bauer es una fotógrafa alemana (vive en Nueva York) que en sus fotografías de moda ha humanizado el mundo distante y cerrado de las pasarelas.

 

© Anna Bauer

© Anna Bauer

 

 

 

Biografía

Anna Bauer creció cerca de Marburg, Alemania. En 2002 se trasladó a Nueva York, donde completó una licenciatura en fotografía en la School of Visual Arts.

Anna ha estado durante cinco años (2007 a 2012) en las bambalinas del mundo de la moda más importantes: París, Nueva York, Milán… Con este cuerpo de trabajo ha publicado el libro Backstage y ha montado una exposición del mismo nombre que se podrá contemplar en la tienda Loewe de Serrano en Madrid, entre otros sitios.

El trabajo ha sido creado con una Polaroid de gran formato, en blanco y negro y los retratados van desde diseñadores como Karl Lagerfeld, Alexander McQueen, a modelos como Natalia Vodianova, Claudia Schiffer, Kate Moss, pasando por editores como Carine Roitfeld y Suzy Menkes.

Ha publicado sus fotografías en Die Zeit, Interview Magazine, W Magazine, L’Uomo Vogue, Zeit Magazin, Du, Stern, Monopol, Neon, Das Magazin, Audi Magazin, BMW Magazin, Russian Interview, WSJ Magazine, … y ha trabajado para Celine, Victoria Beckham, Zara, …

Ha realizado diversas exposiciones:

  • Anna Bauer Polaroid portraits en Loewe, Madrid, 2013
  • Buffalo#2 show, Madrid 2013
  • 12 Backstage Portraits, The National Portrait Gallery, Londres, 2008
  • The Photographic Portrait Prize 2006, National Portrait Gallery, Londres, 2006
  • Art and Commerce Festival, 2004 y 2005, Nueva York, Milán, Tokio, Estocolmo.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 31 de agosto de 2014

John Hilliard

John Hilliard es un artista conceptual Inglés (nacido en 1945 en Lancaster, vive y trabaja en Londres) cuya obra trata principalmente de la  especificidad de la fotografía como medio: su incertidumbre como dispositivo de representación y su estatus dentro de las artes visuales, especialmente en relación a la pintura, el cine y la fotografía comercial.

 

 

Camera Recording It’s Own Condition, 1971 © John Hilliard

Camera Recording It’s Own Condition, 1971 © John Hilliard

 

 

 

Biografía

John Hilliard estudió en el Lancaster College of Art de 1962 a 1964, y luego en la Saint Martin's School of Art en Londres hasta 1967.  Siendo estudiante de arte en los 60, comenzó usando la cámara simplemente para capturar imágenes de sus instalaciones de arte, esculturas, a menudo efímeras. Pronto se dio cuenta de que la cámara no era completamente neutral, y exploró la manipulación del proceso fotográfico y sus resultados.

En los 70, examinó cómo los cambios en el proceso de la fotografía en blanco y negro podrían afectar el resultado. Su arte mostró cómo la objetividad teórica de la cámara era vulnerable a las decisiones tomadas por el fotógrafo previas a la toma, así como a las decisiones posteriores efectuadas en el cuarto oscuro en relación con las técnicas de selección y desarrollo del papel.

Ejemplos típicos/tópicos de su trabajo son:

  • Camera Recording Its Own Condition (1971) donde en una imagen mostraba 70 instantáneas tomadas por una cámara reflejándose en un espejo, con diferentes velocidades de película, tiempos de exposición y aperturas de diafragma.
  • Cause of Death (1974), mostraba cuatro imágenes del mismo cadáver humano bajo una sábana. Las imágenes fueron realizadas a partir de un único negativo fotográfico, pero cada uno sugería una causa distinta de la muerte, simplemente cambiando el encuadre.Esta serie es una elegante prueba forense que evidencia que, aunque la cámara no pueda mentir, las fotografías dicen verdades diferentes.

En 1983 y 1984, Hilliard expuso en Alemania en Kölnischer Kunstverein, Kunsthalle Bremen y Frankfurter Kunstverein. Con este motivo se publicó un libro de 69 páginas

A principios de 1989, una exposición de sus obras a gran escala fue presentada durante un mes en el museo Chicago's Renaissance Society de Chicago. Las obras eran Cibachromes y grabados Scanachrome, en los que se saturaba el color aplicando colorantes al lienzo. También se editó un libro de 30 páginas.

En la década de los 90 la obra de Hilliard desarrolló un cromatismo más fuerte, con un revelado forzado, saturación y brillo, los sujetos muestran una narrativa violenta o erótica. Al mismo tiempo, el espectador no puede ver claramente el contexto al haber objetos interpuestos tapando o difuminando partes de la escena. A mediados de esta década Hilliard amplió aún más la escala de sus obras fotográficas mediante la impresión sobre lienzo o vinilo, con un tamaño de mural, pero continuando con su idea de impedir al espectador una comprensión completa, como un comentario crítico sobre el proceso de la visión.

Hilliard enseñó durante un tiempo en la Camberwell School of Arts and Crafts, y posteriormente en la Slade School of Fine Art, University College London.

En 1999, una gran retrospectiva de su obra se mostró en tres galerías de arte alemanas. En 2003, la editorial alemana Verlag das Wunderhorn publicó una monografía de su obra, titulada The Less Said The Better, a la que acompañó una exposición en solitario en Ámsterdam. Ha realizado muchas exposiciones en solitario y en grupo, con especial hincapié en Alemania, donde en 1986 obtuvo el premio David Octavius Hill Memorial.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • The Less Said The Better, 2003.

sábado, 30 de agosto de 2014

Patrick Faigenbaum

Patrick Faigenbaum es un fotógrafo francés (nacido en 1954 en París, donde vive y trabaja) cuya obra está fuera de la inmediatez de lo contemporáneo y entra de lleno en la tradición pictórica, que se extiende a todos los géneros: retratos,  imágenes de calle, vistas urbanas y naturalezas muertas son parte de su producción, aunque el tema central de su obra es el ser humano y su inscripción en el tiempo y la historia.

 

© Patrick Faigenbaum

© Patrick Faigenbaum

 

Biografía

Patrick Faigenbaum estudió pintura y dibujo desde 1968 hasta 1973, cuando comenzó a explorar el medio de la fotografía. Fue influenciado por el trabajo de Richard Avedon, W. Eugene Smith y Bill Brandt. Éste mismo le aconsejó en 1976, que fotografiara sus sujetos en su ambiente natural en vez de un crudo estudio. Empezó haciendo retratos de sus amigos y familiares y, finalmente, evolucionado de la clase media parisina familiar a la aristocracia italiana, con la que se dio a conocer a principios de los años 80alianas. Las fotografías en blanco y negro, con un claroscuro lleno de humo, mostraban a sus modelos posando frontal y rígidamente en sus residencias palaciegas.

Posteriormente comenzó con retratos de ciudades, como la Ville de Tulle, y ya trabajó en blanco y negro y color indistintamente.

Faigenbaum ha viajado por toda Europa realizando retratos de personas y lugares, inscribiendo el pasado dentro de sus composiciones. Formado inicialmente como pintor, su cuadros fotográficos se llenan con los efectos artísticos de luz y sombra, textura y otras señales visuales que hacen referencia a la historia de la pintura, la fotografía y el cine. Sus retratos de personas encarnan tanto la especificidad y la distancia, dejando al descubierto la intimidad fugaz entre el artista y el modelo, mientras que sus fotografías de las periferias urbanas y paisajes rurales aluden a los cambios socioeconómicos que se dan en Europa.

Sus obras están presentes en las colecciones públicas y privadas más importantes, como el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York o MNAM, Centre Pompidou. Recientemente el Museo de Grenoble ha presentado su primera gran retrospectiva en Francia. Es profesor en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Patrick Faigenbaum - L'eclairement 2013
  • Patrick Faigenbaum - Vancouver Art Gallery 2013
  • Patrick Faigenbaum Noir & blanc 2012
  • Patrick Faigenbaum, Paris proche et lointain, 1972-2011 2011
  • Patrick Faigenbaum . Penny Hes Yassour 2009
  • Patrick Faigenbaum Santulussurgiu 2008
  • Patrick Faigenbaum, Tulle 2007
  • Patrick Faigenbaum, Fotografias 1973 . 2006 2007
  • Patrick Faigenbaum, D'après Beauvais 2002
  • Patrick Faigenbaum 2000
  • Patrick Faigenbaum: Fotografien; Florenz, Rom, Neapel, Bremen 1999
  • Patrick Faigenbaum - Praha 1998
  • Praha, Patrick Faigenbaum 1995
  • Patrick Faigenbaum - Mishkan le'Omanut, musée d'art, Ein Harod, Israël 1993
  • Patrick Faigenbaum 1989-1991, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris 1991
  • Patrick Faigenbaum - Tableaux romains 1989
  • Patrick Faigenbaum - Vies Parallèles 1989
  • Patrick Faigenbaum: Roman Portraits 1988
  • Vies parallèles - Patrick Faigenbaum - Rome Août 1987 1987
  • Nobili Fiorentini a Casa - 1885-1985 1986

viernes, 29 de agosto de 2014

Wim Van Den Heever

Wim Van Den Heever es un fotógrafo sudafricano que realiza fotografía de naturaleza salvaje, sobre todo fauna. También organiza safaris y alquila material fotográfico para ellos.

 

© Wim Van Den Heever

© Wim Van Den Heever

 

 

Biografía

Wim Van Den Heever tuvo interés en la fotografía y en la naturaleza desde siempre, al formar parte de una familia en la que la fotografía era una forma de vida más que una afición, y nunca perdió la oportunidad de visitar los Game Parks de su país.

De una manera natural combinó su amor por la fotografía y la naturaleza haciendo de la fotografía de fauna una profesión y estilo de vida en lugar de un hobby. Al principio tuvo que hacer un montón de fotografía comercial para complementar sus ingresos como un fotógrafo de la naturaleza, pero muy pronto se dio cuenta de que su verdadera pasión era la vida al aire libre y la fotografía de naturaleza y sus esfuerzos se concentraron en hacer de esto una realidad.

En 2007 se unió con Hedrus van der Merwe de OutdoorPhoto para formar una división para Camera Equipment Rentals and Safaris. Su empresa actualmente organiza safaris en lugares privilegiados en todo el mundo, y le da la oportunidad única de pasar una buena cantidad de tiempo al aire libre, buscando localizaciones y fotografiando lo que le gusta: la vida salvaje.

Ha conseguido diversos premios, entre los que podemos destacar el BBC Veolia Wildlife Photographer of the year - Runner up Award 2013 y el Africa Photographic Awards - Runner Up 2010. Fotografías suyas han sido portada en las revistas Weg Magazine y BBC Wildlife Magazine.

 

 

 

Referencias

jueves, 28 de agosto de 2014

Antonio Xoubanova

Antonio Xoubanova es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1977) que compagina su trabajo documental en medios editoriales con proyectos personales más sutiles.

 

 

© Antonio Xoubanova

© Antonio Xoubanova

 

 

 

Biografía

Antonio M. Xoubanova estudió fotografía en la Escuela de Arte y Diseño en Madrid, tras dejar Turismo. Es uno de los miembros fundadores del colectivo Blank Paper en 2003.

Ha recibido numerosas becas y premios, entre ellos el FotoPres'07 de la Fundación La Caixa para desarrollar su proyecto M-30, una subvención del Ministerio de Cultura, premio por fotografía documental en ARCO'05, Henri Cartie-Bresson Award, beca del Colegio de España en París, Caminos de Hierro, ...

Su trabajo ha sido publicado en The New York Times, El Semanal y ha estado trabajando regularmente para El Mundo desde 2006.

Casa de Campo es su primer libro y un cuento de hadas fotográfico llena de símbolos basados ​​en la realidad del parque público más grande de Madrid. Durante cinco años Xoubanova examinó este misterioso bosque observando las características de este espacio y, finalmente, creó una ficción narrativa de amor, muerte, instantes fugaces, simbolismo y falta de dirección (los cinco capítulos de Casa de Campo). Ha expuesto este mismo proyecto en Brachfeld Gallery, en la exposición CityScapes en el Ayuntamiento de Madrid y en Le Bal (París) en la muestra colectiva Regard Sur La Nouvelle Scène Photographique Espagnole.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 27 de agosto de 2014

Nicolai Howalt

Nicolai Howalt es un artista visual y fotógrafo danés (nacido en Copenhague en 1970, donde vive y  trabaja) cuya obra tiene referencias documentales, operando en la intersección entre la fotografía conceptual y la instalación.

 

© Nicolai Howalt

© Nicolai Howalt 

 

 

 

Biografía

Nicolai Howalt  se graduó de la Escuela de Arte Fotográfico Fatamorgana de Dinamarca en 1992.

Ha realizado exposiciones individuales en el Esbjerg Kunstmuseum, Bruce Silverstein Gallery en Nueva York, Martin Asbæk Gallery en Copenhague y el Center for Fotografi en Estocolmo, entre otros. También ha expuesto en Dinamarca, Corea, China, EEUU, Alemania, Lituania, Polonia, Francia, Finlandia, Inglaterra, Hungría y Turquía.

Ha recibido becas de la Fundación Hasselblad, el Ministerio de Cultura de Dinamarca, la Fundación Danesa de Artes y el Consejo Danés de las Artes.

Su obra está en numerosas colecciones públicas, incluyendo el Museo de Israel en Jerusalén, MUSAC en España, Maison Européenne de Photographie en Francia, el Museo de Bellas Artes de Houston en EEUU, La Casa Encendida en España, Fondation Neuflize Vie de Francia, Art Foundation en Mallorca, Hiscox Art Project en EEUU. Y en Dinamarca, el Museo Nacional de la Fotografía, la Fundación Danesa de Artes, Museo de Skagen en Nykredit y Museet for Fotokunst en Brandts.

Mantiene una colaboración a largo plazo con su esposa, la artista danesa Trine Søndergaard, con la cual ha publicado libros y realizado exposiciones en Suecia, Alemania, España, Francia, Canadá, Finlandia, EEUU, China y Corea. Sus trabajos de colaboración han recibido premios como el Premio Especial del Jurado en Paris Photo 2006 y el Premio de las Artes en la Fundación Niels Bagge Wessel en 2008.

Howalt es miembro del Kunstnersamfundet y de la Asociación Danesa de Artistas Visuales. Está representado por la Martin Asbæk Gallery en Copenhague y Bruce Silverstein Gallery de Nueva York.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • 3x1 2001.
  • Boxer 2003.
  • How to Hunt (con Trine Søndergaard) 2005.
  • TreeZone (con Trine Søndergaard) 2009.
  • Dying Birds (con Trine Søndergaard) 2011.
  • How to Hunt (con Trine Søndergaard) 2011.
  • sammenstoed 2011.
  • 78 boxers 2011.
  • Car Crash Studies (con Trine Søndergaard) 2012.

martes, 26 de agosto de 2014

Karen Knorr

Karen Knorr es una fotógrafa anglo-americana (nacida en 1954 en Frankfurt am Main, Alemania, vive en Inglaterra) que ha desarrollado un diálogo crítico y lúdico con la fotografía, con temas que van desde la investigación de los valores patriarcales de las clases altas inglesas, a abordar el papel de los animales y de su representación en el arte.

 

 

© Karen Knorr

© Karen Knorr

 

 

 

Biografía

Karen Knorr nació en Frankfurt am Main, Alemania, se crió en San Juan de Puerto Rico, y se educó en París y Londres (Universidad de Westminster), viviendo en Inglaterra desde la década de los 70.

Ha utilizado la fotografía para explorar tradiciones culturales, desde clubes de caballeros de Saint James, a interiores lujosos de los palacios de la India. Su trabajo mezcla el arte conceptual, la cultura visual y el feminismo. Sus serie más representativas son: Punks (1976-1977), Belgravia (1979-1981), Gentlemen (1981-1983), Connoisseurs (1986-1990), Academies (1994-2005), Fables (2003-2008) e India Song (2008-2011).

Desde la década de 1980 en adelante su trabajo se ha comprometido cada vez más con el examen de las cuestiones de poder que subyacen en el patrimonio cultural. Este es el tema principal de su trabajo pero que se encuentra sutilmente bajo la riqueza visual y la inventiva de sus imágenes. Sus fotografías satisfacen muchos de los requisitos de la fotografía tradicional al abordar el aspecto superficial de una especie o lugar, pero luego se trasladan a un espacio paradójico donde comienzan a cuestionar los supuestos claros de contenido de la imagen.

Al igual que los primeros fotógrafos pioneros encontraron en la India una gran cantidad de materia exótica, Knorr celebra la riqueza visual que se encuentra en los mitos e historias del norte de la India, para resaltar la casta, la feminidad y su relación con el mundo animal.

En India Song, su obra más reciente, los interiores son meticulosamente fotografiados con una cámara analógica de gran formato, y los animales vivos lo son en digital de alta resolución y se mezclan posteriormente en su ordenador, obteniendo imágenes originales y sorprendentes que reinventan el Panchatantra en el siglo XXI y que desdibujan los límites entre la realidad y la ilusión.

Aunque ampliamente expuesta en Europa y la India, India Song ha sido la primera exposición individual de Karen Knorr en los Estados Unidos. Este trabajo fue nominado para el Premio de Fotografía Deutsche Börse 2012, el premio más prestigioso de Europa "para el fotógrafo vivo que ha realizado la contribución más significativa al medio de la fotografía en el último año". También fue la ganadora del V Premio Internacional de Fotografía Pilar Citoler.

Karen ha dado clases de fotografía, realizado exposiciones y dado conferencias en la Tate Britain, Tate Modern, Universidad de Westminster, Goldsmiths, Universidad de Harvard y en el Instituto de Arte de Chicago. Actualmente es profesora de fotografía en la Universidad de las Artes Creativas de Farnham, Surrey.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros